인테리어 디자인은 공간을 사용하는 사람들에게 더 건강하고 예술적으로 즐거운 환경을 제공하기 위해 건물 내부를 향상시키는 예술이자 과학입니다. 인테리어 디자이너는 그러한 프로젝트를 계획, 연구, 조정 및 관리하는 사람입니다. 인테리어 디자인은 개념 개발, 공간 계획, 현장 조사, 프로그래밍, 연구, 프로젝트의 이해 관계자와의 커뮤니케이션, 건축 관리 및 디자인 실행을 포함하는 다방면의 직업입니다.
역사 및 현재 용어
과거에는 건물을 짓는 과정에서 인테리어가 본능적으로 결합되었습니다. 인테리어 디자인의 직업은 사회의 발전과 산업 과정의 발전으로 인한 복잡한 건축의 결과였습니다. 공간, 사용자 복지 및 기능적 디자인의 효과적인 사용을 추구함으로써 현대적인 인테리어 디자인 직업의 발전에 기여했습니다. 인테리어 디자인의 전문성은 미국에서 일반적으로 사용되는 용어 인 인테리어 데코레이터의 역할과는 별개이며 별개입니다. 기간은 인테리어 디자인의 직업이 여전히 규제되지 않고 엄격히 말해 공식적으로 직업이 아닌 영국에서 덜 일반적입니다.
고대 인도에서는 건축가가 인테리어 디자이너로 일했습니다. 이것은 Vishwakarma 건축가의 참고 문헌에서 볼 수 있습니다 – 인도 신화의 신들 중 하나. 또한, 고대의 텍스트와 사건을 묘사 한 조각품은 17 세기 인도에 건설 된 궁전에서 볼 수 있습니다.
고대 이집트에서는 “영혼의 집”또는 주택 모형이 음식 제물을 담을 용기로 사용되었습니다. 이로부터 환기, 포트 코스트, 기둥, 로지아, 창문, 문 등 다양한 이집트 왕조의 다양한 거주지의 인테리어 디자인에 대한 세부 사항을 식별 할 수 있습니다.
17 세기와 18 세기와 19 세기 초반까지 실내 장식은 주부 또는 실내 공간에 대한 예술적 스타일을 조언 할 고용 된 실내 장식 장인 또는 장인의 관심사였습니다. 건축가는 또한 건물의 인테리어 디자인을 완성하기 위해 장인이나 장인을 고용 할 것입니다.
상업 인테리어 디자인 및 관리
19 세기 중반에서 후반에, 산업 국가에있는 중류 계급이 크기와 번영에서 성장하고 그들의 새로운 지위를 시멘트로 만들기 위하여 국내의 부스러기를 원하기 시작한대로, 인테리어 디자인 서비스는 크게 확대되었습니다. 대형 가구 회사는 일반 인테리어 디자인 및 관리로 나뉘어 다양한 스타일의 풀 하우스 가구를 제공하기 시작했습니다. 이 비즈니스 모델은 19 세기 중반부터 1914 년에 번성했는데, 독립적이고 종종 아마추어 디자이너가이 역할을 점점 더 많이 차지하게되었습니다. 이것은 20 세기 중반에 전문 인테리어 디자인의 출현을위한 길을 열었습니다.
1950 년대와 1960 년대에, 실내 장식업자들은 사업상의 이익을 확대하기 시작했습니다. 그들은 사업을보다 광범위하게 예술적인 측면에서 프레임 화하여 대중에게 가구를 광고하기 시작했습니다. 사무실, 호텔 및 공공 건물과 같은 프로젝트에 대한 계약 인테리어 작업에 대한 증가하는 수요를 충족시키기 위해이 비즈니스는 건축업자, 합작 자, 플라스틱 가구, 섬유 디자이너, 예술가 및 가구 디자이너와 엔지니어를 고용하여 훨씬 더 크고 복잡해졌습니다. 기술자들이 그 일을 성취 할 수 있도록 기업들은 다양한 중류 계급의 주목을 끌기 위해 호화로운 다양한 스타일의 지문으로 카탈로그를 발행하고 유통하기 시작했습니다.
백화점의 수가 증가하고 크기가 늘어남에 따라 상점 내부의 소매 공간은 고객을위한 다양한 스타일로 제공되었습니다. 특히 효과적인 광고 도구 중 하나는 대중이 볼 수있는 쇼룸의 국내 및 국제 전시회에서 모델 룸을 설치하는 것이 었습니다. 이와 관련하여 개척 기업 중 일부는 Waring & Gillow, James Shoolbred, Mintons 및 Holland & Sons였습니다. 이러한 전통적인 고품질의 가구 제조 회사는 중산층 고객의 취향과 스타일을 알 수없는 조언자로서 중요한 역할을하기 시작했으며 영국의 많은 중요한 건물의 인테리어를 디자인하고 제공하기 위해 계약을 시작했습니다.
이 유형의 회사는 남북 전쟁 이후에 미국에 등장했습니다. 두 명의 독일계 이민자에 의해 설립 된 허터 브라더스 (Herter Brothers)는 실내 장식 창고로 시작하여 가구 제조업체 및 인테리어 데코레이터의 첫 번째 회사 중 하나가되었습니다. 자신의 디자인 사무소 및 캐비닛 제작 및 실내 장식 워크샵을 통해 Herter Brothers는 장식용 판넬 및 벽난로, 벽 및 천장 장식, 무늬가있는 바닥 및 카펫 및 커튼을 포함하여 실내 장식의 모든 측면을 성취 할 수 있도록 준비되었습니다.
중산층에게 인테리어 디자인 이론을 대중화시키는 중추적 인 인물은 19 세기의 가장 영향력있는 디자인 이론가 중 한 명인 건축가 Owen Jones였다. 존스의 첫 번째 프로젝트는 그의 가장 중요한 작업이었습니다. 1851 년 Joseph Paxton의 거대한 크리스탈 팰리스의 장식뿐만 아니라 전시품 배치 작업도 책임졌습니다. 그는 내부 철분에 대해 논란의 여지가있는 빨간색, 노란색 및 파란색 팔레트를 선택했으며, 신문에 처음 부정적으로 나타 났지만 결국 빅토리아 여왕이 많은 비평을 받았다. 그의 가장 중요한 출판물은 The Grammar of Ornament (1856)로, Jones는 실내 디자인 및 장식의 37 가지 주요 원칙을 마련했습니다.
죤스는 일의 주요한 실내 디자인 상사에 의해 몇몇의 고용되었다; 1860 년대에 그는 런던의 잭슨 앤 그레이엄 (Jack & Graham)과 협력하여 미술 수집가 알프레드 모리슨 (Alfred Morrison)과 이집트의 칼 데이브 (Khedive of Egypt), 이스마일 파샤 (Ismail Pasha) 등 유명 인사를위한 가구 및 기타 부속품을 생산했습니다.
1882 년에 런던 우체국 전화 번호부에 80 개의 실내 장식품이 나옵니다. 당시 가장 유명한 회사 중 하나는 Crace, Waring & Gillow 및 Holland & Sons였습니다. 토머스 에드워드 콜컷 (Thomas Edward Collcutt), 에드워드 윌리엄 고드윈 (Edward William Godwin), 찰스 배리 (Charles Barry), 고트 프리드 셈 퍼 (Gottfried Semper), 조지 에드먼드 스트리트 (George Edmund Street)
전문 인테리어 디자인으로 전환
이 인테리어는 1899 년에 설립 된 British Decorators 연구소의 John Dibblee Crace가 디자인했습니다.
20 세기로 접어 들면서 아마추어 어드바이저와 출판물은 대형 소매 업체가 인테리어 디자인에 독점 한 점에 점점 더 도전하고있었습니다. 영국의 페미니스트 작가 인 Mary Haweis는 1880 년대에 널리 읽혀지는 일련의 에세이를 썼다. 그녀는 열렬한 중산층 사람들이 소매상들에 의해 제공되는 강체 모델에 따라 그들의 집을 제공한다는 열망을 비웃었다. 그녀는 고객의 개인적 욕구와 선호도에 맞게 맞춤화 된 특정 스타일을 개별적으로 채택하도록 옹호했습니다.
“나의 가장 강한 신념 중 하나이며 좋은 맛을 보여주는 첫 번째 표준 중 하나는 물고기의 껍질과 새의 둥지와 같은 우리 집이 우리의 개인적인 취향과 습관을 표현해야한다는 것입니다.
제조 업체 및 소매 업체와 관련이없는 별도의 예술적 직업으로 장식을 향한 움직임은 1899 년 British Decorations Institute 설립과 함께 추진력을 얻었습니다. John Dibblee Crace와 함께 전국에 약 200 명의 데코레이터를 대변했습니다. 1915 년 런던 디렉토리에는 실내 디자이너로 거래되는 127 명의 개인이 등록되었으며, 그 중 10 명이 여성이었습니다. Rhoda와 Agnes Garrett은 1874 년 가정 장식가로서 전문적으로 양성 된 여성이었습니다. 디자인 작업의 중요성은 당시 William Morris와 비슷했습니다. 1876 년에, 회화, 목공 및 가구에서의 하우스 장식에 대한 제안은 예술적 인테리어 디자인에 관한 아이디어를 광범위한 중산층의 청중에게 전합니다.
1900 년이 상황은 The Illustrated Carpenter and Builder에서 묘사되었습니다.
“최근까지 사람이 준비하기를 원했을 때 그는 모든 딜러를 방문해서 가구 한 장씩을 선택할 것입니다 …. 오늘 그는 집안의 모든 객실을 조사하는 예술 가구 및 부속품의 딜러를 파견합니다. 주제에 신경 쓰라. ”
미국에서 Candace Wheeler는 최초의 여성 인테리어 디자이너 중 한 사람으로 새로운 스타일의 미국 디자인을 장려했습니다. 그녀는 다수의 주요 미국 도시에서 여성을위한 예술 과정 개발에 중요한 역할을했으며 homedesign에 대한 국가 기관으로 간주되었습니다. 새로운 직업에 대한 중요한 영향은 건축가 인 Ogden Codman과 Edith Wharton이 1897 년에 미국에서 작성한 인테리어 디자인 매뉴얼 인 The Decoration of Houses입니다. 이 책에서 저자들은 빅토리아 양식의 실내 장식과 인테리어 디자인, 특히 무거운 창문 커튼, 빅토리아 풍의 브릭 앤 브랙 (Victorian bric-a-brac)과 가구로 장식 된 객실을 비난했습니다. 그들은 그러한 공간이 적절한 공간 계획과 건축 설계를 희생해서 실내 장식을 강조했기 때문에 불편하고 거의 사용되지 않는다고 주장했다. 이 책은 정교한 작업으로 간주되고 그 성공은 저자, 특히 Elsie de Wolfe가 옹호하는 방식으로 일하는 전문 장식가의 출현을 가져 왔습니다.
Elsie De Wolfe는 최초의 인테리어 디자이너 중 한 명입니다. 그녀가 자란 빅토리아 양식을 거부하면서 그녀는 가정에서 더 편안한 가구와 함께보다 활기찬 계획을 선택했습니다. 그녀의 디자인은 가볍고, 신선한 색상과 섬세한 치노 라이 세리 가구로 꾸며졌으며 빅토리아 스타일의 무거운 빨간색 커튼과 실내 장식품, 짙은 색 목재와 강렬한 무늬의 벽지로되어 있습니다. 그녀의 디자인 또한 더 실용적이었습니다. 그녀는 사람들이 더 많은 손님들을 편안하게 대접 할 수 있도록 빅토리아 시대의 집을 점령 한 혼란을 제거했습니다. 1905 년, 울프는 매디슨 애비뉴 (Madison Avenue)의 식민지 클럽 (Colony Club)의 인테리어 디자인을 위임 받았습니다. 그 인테리어는 거의 밤에 그녀의 인식을 얻었습니다. 그녀는 그녀의 아이디어를 그녀가 널리 읽은 1913 년의 The House in Good Taste로 편찬했습니다.
영국에서, Syrie Maugham은 전설적인 실내 디자이너가되어 최초의 완전 흰색 방을 디자인했습니다. 1910 년대 초반부터 커리어를 시작한 그녀의 국제적인 평판은 곧 커졌습니다. 그녀는 나중에 뉴욕시와 시카고로 사업을 확장했습니다. 빅토리아 시대, 어두운 색과 작은 공간으로 특징 지어지는 시간에 태어난 그녀는 대신 빛으로 가득 찬 방을 설계하고 흰색과 거울로 된 여러 가지 색조의 스크린으로 장식했습니다. 미러 스크린 외에도 그녀의 상표 조각에는 흰색 모란으로 덮인 책, 백자 손잡이가 달린 칼 붙이, 석고 종려 나무가 달린 콘솔 테이블, 셸 또는 돌고래베이스, 겉 껍질이 새겨진 썰매 침대, 모피 카펫, 식당 의자 흰색 가죽, 눈금이 새겨진 유리 공 및 화환 등이 있습니다.
확장
인테리어 디자인 직업은 제 2 차 세계 대전 이후 더욱 확립되었습니다. 1950 년대 이후로 집에 대한 지출이 증가했습니다. 교과서와 참고 문헌의 출판이 요구되는 인테리어 디자인 과정이 수립되었습니다. 장식 예술 전문가와는 다른 인테리어 디자이너 및 회사의 역사에 대한 설명이 가능해졌습니다. 교육, 자격, 표준 및 관행 등을 규제하는 조직이 직업을 위해 설립되었습니다.
인테리어 디자인은 이전에 아키텍처에 보조적인 역할을하는 것으로 나타났습니다. 또한 건축가, 산업 디자이너, 엔지니어, 건축가, 공예가 등의 작업을 포함하여 다른 디자인 분야와 많은 연관성을 가지고 있습니다. 이러한 이유 때문에 인테리어 디자인 표준 및 자격 정부는 종종 디자인과 관련된 다른 전문 기관에 통합되었습니다. 1986 년 영국에서 설립 된 Chartered Society of Designer의 조직과 1938 년에 설립 된 American Designer Institute는 다양한 디자인 영역을 관리합니다.
나중에 인테리어 디자인 직업에 대한 구체적인 표현이 개발 된 것은 아니었다. 영국의 인테리어 디자이너 및 디자이너 협회 (Interior Decorators and Designerers Association)는 1966 년에 설립되어 1957 년에 미국 국립 인테리어 디자이너 협회 (Association of Interior Designer)가 설립되었습니다. 유럽 전역에서 핀란드 협회 인테리어 건축가 협회 (Association of Interior Architects, 1949)가 설립되었으며 1994 년 국제 인테리어 디자인 협회가 설립되었습니다.
Ellen Mazur Thomson (미국의 Graphic Design of America (1997))의 저자는 교육, 자급 기준 및 전문 문지기 조직을 통해 전문적인 지위를 얻게되었다고 결정했습니다. 이것을 달성하면 인테리어 디자인이 인정받은 직업이되었습니다.
인테리어 디자이너 및 인테리어 디자이너
식당 인테리어 디자인
인테리어 디자인은 사람의 행동을 이해하여 건물 내 기능적 공간을 만드는 예술이자 과학입니다. 장식은 유행이나 아름다운 물건으로 공간을 장식하거나 꾸미는 것입니다. 즉, 인테리어 디자이너는 장식 할 수 있지만 장식자는 디자인하지 않습니다.
인테리어 디자이너
인테리어 디자이너는 실내 장식과 비교하여 계획, 기능 디자인 및 공간의 효과적인 사용에 중점을두고 있음을 의미합니다. fineline 디자인의 인테리어 디자이너는 창문 및 문 위치, 음향 및 조명과 같은 기술적 인 문제를 이해해야하는 프로젝트뿐만 아니라 건물 내 공간의 기본 레이아웃을 배치하는 프로젝트를 수행 할 수 있습니다. 인테리어 디자이너가 공간의 레이아웃을 만들 수는 있지만 구조 엔지니어의 승인을 받기 위해 디자인을 스탬프하지 않고 내 하중 벽을 변경하지 못할 수 있습니다. 실내 디자이너는 종종 건축가, 엔지니어 및 계약자와 직접 작업합니다.
인테리어 디자이너는 기능적이고 안전하며 건물 코드, 규정 및 ADA 요구 사항을 준수하는 실내 환경을 조성하기 위해서는 고도의 기술을 갖추고 있어야합니다. 그들은 컬러 팔레트 및 가구의 선택을 넘어 건설 문서, 점유 하중, 건강 관리 규정 및 지속 가능한 디자인 원칙의 개발뿐만 아니라 기계, 전기, 배관 및 생활을 포함한 전문 서비스의 관리 및 조정에 대한 지식을 적용합니다. 안전 – 사람들이 살기 좋고, 예술적으로 즐거운 무해한 환경에서 배우고 일할 수 있도록 보장합니다.
누군가 주거 디자인, 상업 디자인, 호텔 디자인, 의료 디자인, 유니버설 디자인, 전시 디자인, 가구 디자인 및 공간 브랜딩과 같은 실내 디자인의 한 영역 또는 유형에 특정한 기술 지식을 전문화하고 개발할 수 있습니다. 인테리어 디자인은 상대적으로 새롭고, 끊임없이 진화하며, 종종 대중에게 혼란스러운 창의적인 직업입니다. 그것은 예술적 추구가 아니며 사람들이 환경에 어떻게 영향을 받았는지에 대한 잘 훈련 된 이해를 제공하기 위해 여러 분야의 연구에 의존합니다.
인테리어 디자인의 색상
색상은 장식의 강력한 디자인 도구이며, 실내 장식뿐만 아니라 색상을 함께 조정하여 공간 내부 구조에 세련된 구성표를 만듭니다.
인테리어 디자이너는 색상에 대한 깊은 경험을 얻고, 심리적 효과를 이해하고, 각 장소에 적합한 조합을 만들기 위해 각기 다른 위치와 상황에서 각 색상의 의미를 이해하는 것이 중요합니다.
함께 색을 결합하면 관찰자가 보는 마음 상태가 만들어지며 결국에는 긍정적이거나 부정적 영향을 미칠 수 있습니다. 객실의 색상에 따라 평온하고, 쾌활하며, 편안하고, 스트레스가 많거나, 극적으로 느껴집니다. 색상 조합은 작은 방을 더 크게 또는 더 작게 만듭니다. 따라서 공간에서 사람들이보고 느끼고 싶어하는 방식으로 장소에 적합한 색상을 선택하는 것이 인테리어 디자이너 직업입니다.
특산품
전기 와이어 릴은 리오 데 자네이 장식 박람회 센터 테이블로 재사용.
주거용
주거 디자인은 개인 주택 내부의 디자인입니다. 이 유형의 디자인은 개인의 상황에 따라 매우 구체적이므로 개인의 필요와 소망이 인테리어 디자인 분야에서 가장 중요합니다. 인테리어 디자이너는 초기 계획 단계에서 프로젝트를 수행 할 수도 있고 기존 구조를 개조 할 수도 있습니다. 그것은 종종 클라이언트의 비전으로 공간을 미세하게 조정하고 생성하는 데 수개월이 소요되는 매우 복잡한 프로세스입니다.
상업용
상업 디자인은 다양한 하위 분야를 망라합니다.
소매 : 쇼핑몰, 쇼핑 센터, 백화점, 전문점, 비주얼 머천다이징 및 쇼룸을 포함합니다.
시각적 및 공간적 브랜딩 : 공간을 매체로 사용하여 기업 브랜드를 표현합니다.
기업 : 은행과 같은 모든 종류의 비즈니스를위한 사무실 디자인.
의료 : 병원, 보조 생활 시설, 의료 사무실, 치과 의사 사무실, 정신과 치료 시설, 실험실, 의료 전문가 시설의 설계.
접대 및 레크리에이션 : 호텔, 모텔, 리조트, 유람선, 카페, 바, 카지노, 나이트 클럽, 극장, 음악 및 콘서트 홀, 오페라 하우스, 스포츠 경기장, 레스토랑, 체육관, 헬스 클럽 및 스파 등을 포함합니다.
기관 : 정부 기관, 금융 기관 (은행 및 신용 조합), 학교 및 대학, 종교 시설 등
산업 시설 : 제조 및 훈련 시설뿐만 아니라 수출입 시설.
전시회 : 박물관, 갤러리, 전시실, 특히 쇼룸 및 전시 갤러리 용 디자인을 포함합니다.
교통 건물 : 버스 정류장, 지하철역, 공항, 교각 등이 포함됩니다.
스포츠 : 체육관, 경기장, 수영장, 농구장 등이 포함됩니다.
인테리어 디자인 수업을 제공하는 사립 교육 기관에서 강의
자기 고용
민간 부문 고용
다른
전문화의 다른 분야로는 오락 및 테마 파크 디자인, 박물관 및 전시회 디자인, 전시 디자인, 행사 디자인 (의식, 결혼식, 아기 및 신부 샤워, 파티, 컨벤션 및 콘서트 포함), 실내 및 소품 스타일링, 공예 스타일링, 음식 스타일링 , 제품 스타일링, 테이블 스케이프 디자인, 극장 및 공연 디자인, 무대 및 세트 디자인, 경치가 좋은 디자인 및 영화 및 TV 제작 디자인. 그 외에도 실내 디자이너, 특히 대학원 교육을받은 사람들은 헬스 케어 디자인, 노년 디자인, 교육 시설 디자인 및 전문 지식이 필요한 기타 분야를 전문으로 할 수 있습니다. 일부 대학 프로그램은 논문 및 기타 분야의 대학원 과정을 제공합니다. 예를 들어, 코넬 대학교와 플로리다 대학은 환경 및 행동 연구에서 실내 디자인 대학원 프로그램을 제공합니다.
직업
1957 년 Bolzano 박람회 인 L. Gargantini 작품. 사진 : Paolo Monti (Fondo Paolo Monti, BEIC).
교육
주요 기사 : 인테리어 디자인 교육
전문적인 실내 디자이너가되기 위해 취할 수있는 다양한 경로가 있습니다. 이 모든 경로에는 몇 가지 형태의 교육이 필요합니다. 성공적인 전문 디자이너와 함께 일하는 것은 비공식적 인 교육 방법이며 이전에는 가장 보편적 인 교육 방법이었습니다. 그러나 많은 주에서는이 길만으로도 전문적인 인테리어 디자이너로서의 라이센스를 얻을 수 없습니다. 대학, 예술 또는 디자인 학교 또는 대학과 같은 기관을 통한 교육은 전문적인 실천에 대한보다 공식적인 경로입니다.
영국과 미국에서는 완성을 위해 3 ~ 4 년이 걸리는 실내 건축술을 포함한 여러 대학 학위 과정을 이용할 수 있습니다.
정규 교육 프로그램, 특히 실내 디자이너의 전문 조직이 인정하거나 개발 한 공식 교육 프로그램은 최소한의 우수 표준을 충족시키는 교육을 제공 할 수 있으므로 학생에게 높은 수준의 교육을 제공합니다. 대학 졸업자와 박사 학위도 있습니다. 특정 디자인 전문 분야 (예 : 노년층 또는 건강 관리 디자인) 또는 대학 수준에서 실내 디자인을 가르치려는 사람들을 대상으로 추가 교육을받을 수있는 프로그램
근무 조건
인테리어 디자인에는 다양한 근무 조건과 고용 기회가 있습니다. 크고 작은 회사는 종종 정규 근무 시간에 직원으로 실내 디자이너를 고용합니다. 소기업 및 온라인 혁신 플랫폼의 디자이너는 대개 계약 또는 작업 단위로 작업합니다. 인테리어 디자이너의 26 %를 차지하는 자영업 디자이너가 대개 가장 많은 시간을 보낸다. 인테리어 디자이너는 종종 마감 시간을 맞추고, 예산을 유지하며 고객의 요구를 충족시키기 위해 스트레스를 받고 일합니다.
경우에 따라 면허가있는 전문가는 고객이 승인하거나 건축 허가를 받기 위해 디자인을 제출하기 전에 작업을 검토하고 서명합니다. 면허 검토 및 서명의 필요성은 지역, 관련 법률 및 작업 범위에 따라 다릅니다. 그들의 작업은 다른 장소를 방문하는 중요한 여행을 포함 할 수 있습니다. 그러나 기술 개발로 인해 고객과 연락하고 설계 대안을 전달하는 과정이 더 쉬워졌고 더 적은 여행을 필요로했습니다. 그들은 또한 고객을위한 특정 취향을 충족시킬 수있는 공간을 개조합니다.
스타일
아르 데코
아트 데코 스타일은 20 세기 초 유럽에서 시작되었으며 아르 누보 (Art Nouveau)가 줄어들고 있습니다. “아트 데코”라는 용어는 1925 년 파리에서 개최 된 세계 박람회 인 Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes에서 가져 왔습니다. Art Deco는보다 전통적인 유행에 뒤지지 않는 기하학적 형태와 금속 색상을 선호하여 많은 전통적인 고전적 영향을 거부했습니다. 아트 데코 스타일은 새로운 기술과 재료를 강조하는 실내 장식의 첫 번째 스타일 이었기 때문에 모든 디자인 분야, 특히 인테리어 디자인에 영향을 미쳤습니다.
아르 데코 양식은 주로 기하학적 모양, 합리화 및 깨끗한 선을 기반으로합니다. 이 스타일은 전에 온 물건들과 확연히 다른 기계화 된 생활의 날카 롭고 시원한 외양을 제공했습니다.
아르 데코는 전통적인 장식 재료 및 인테리어 디자인을 거부하여 크롬, 유리, 스테인레스 스틸, 반짝이는 원단, 거울, 알루미늄, 래커, 상감 세공 목재, 상어 가죽 및 얼룩말과 같은 특수 소재를 사용하기로했습니다. 기계 나이를 축하하기 위해 더 단단한 금속 재료를 사용했습니다. 이 자료들은 제 1 차 세계 대전이 끝난 후에 유행에 이른 현대 시대를 반영합니다. 이 소재의 혁신적인 조합으로 당시에 매우 인기있는 대조를 만들었습니다. 예를 들어, 광택이 나는 나무와 새틴과 모피를 칠한 검은 옻칠을 함께 사용하는 경우입니다. 런던에있는 Austin Reed 매장의 이발소는 P. J. Westwood가 디자인했습니다. 그것은 금속 재료를 사용하기 때문에 곧 영국에서 가장 유행을 선도하는 이발소로 간주되었습니다.
아트 데코의 색상 테마는 금속 색상, 중성 색상, 밝은 색상 및 흑백으로 이루어져 있습니다. 인테리어 디자인에서은, 금, 메탈릭 블루, 차콜 그레이 및 플래티넘을 포함한 멋진 메탈릭 색상이 우세했습니다. 러시아 태생의 영국 디자이너 Serge Chermayeff는 그의 방안에서 멋진 메탈릭 색상과 고급스러운 표면을 광범위하게 사용했습니다. 영국의 양재 상사를위한 1930 년 쇼룸 디자인에는 은색 회색 배경과 검은 색 미러 유리 벽 패널이있었습니다.
흑백도 1920 년대와 1930 년대에 매우 인기있는 색 구성표였습니다. 흑백 바둑판 타일, 바닥 및 배경 화면은 당시 매우 유행했습니다. 스타일이 발달하면서 밝고 생생한 컬러가 인기를 얻었습니다.
아르 데코 가구 및 조명 설비는 상감 세공 목재 및 반사 마감재를 사용하여 광택 있고 고급스러운 외관을 가졌습니다. 가구 조각은 종종 구부러진 모서리, 기하학적 모양 및 깨끗한 선이 있습니다. 아르 데코 조명기구는 누적 기하학 패턴을 사용하는 경향이있었습니다.
현대 미술
“현대 디자인은 20 세기 초 아르 데코에서 장식 예술을 중심으로 발전했습니다.” 이 스타일을 처음 소개 한 사람 중 한 명인 Frank Lloyd Wright가 1930 년대에 Fallingwater라는 집을 완성 할 때까지 대중화되지 않았습니다. “현대 미술은 1950 년대와 60 년대에 절정에 이르렀습니다. 오늘날 디자이너와 장식가는 현대 디자인을”중반 세기 “로 지칭 할 수 있습니다. 현대 미술은 디자인 시대 또는 시대를 지칭하지 않습니다.”현대 미술은 현대 디자이너와 마찬가지로, 인테리어 디자이너가 최근 스타일과 트렌드의 변화하는 그룹에 적용되는 용어입니다. ”
아랍 재료
“Majlis painting”은 나가시 회화라고도하며 사우디 아라비아의 아시르 (Asir) 지방과 예멘의 인접 지역에있는 전통적인 아랍 가정의 집회장이나 장식물의 장식입니다. 벽화 또는 벽화의 당초 벽화 인이 벽화는 다양한 기하학적 밝은 색상의 디자인 : “아랍어로 ‘나가시 (nagash)’라고 불리우는 벽화는 그녀의 집에있는 한 여성에게 자부심을 나타냅니다.”
기하학적 인 디자인과 굵은 선은이 지역의 직물과 직조 패턴에 맞게 조정 된 것 같습니다. “나머지 아라비아의 건축과 장식의 분위기와는 달리, 풍부한 색상과 장식은 ‘아시 르’의 특성을 특징으로합니다. 그림은 벽과 문을 통해 집안으로, 계단 위로, 그리고 가구 자체로 확장됩니다. 집이 칠해지면 지역 사회의 여성들이 서로 도와주고 일을 끝내게됩니다. 건물은 그들의 공통된 맛과 지식을 보여줍니다. 어머니는 이것들을 딸들에게 넘깁니다. 이 작품은 직선의 기하학을 기반으로하고 다른 색상의 견고한 밴드로 직물 직조 패턴을 제안합니다. 삼각형 mihrab 또는 ‘틈새’및 palmette와 같은 특정 모티프가 다시 나타납니다. 과거에는 광물 및 식물성 색소로 페인트를 제조했습니다. 정향과 알팔파는 녹색을 낳았다. 청색은 쪽빛 식물에서 유래했다. 붉은 색은 석류와 진흙에서 나왔다. 붓은 염소의 꼬리에서 발견 된 거친 머리에서 만들어졌습니다. 그러나 오늘날 여성들은 근대 제조 된 페인트를 사용하여 새로운 외모를 창출했으며 이는 사회 경제적 변화의 지표가되었습니다. ”
아시 르 (Asir) 지방의 여성들은 종종 집 내부의 장식과 그림을 완성합니다. 압둘라 (Abdullah)는 “돈이별로 없다면 아내는 모투 톨을 칠할 수있다”고 말하면서 간단하고 기본적인 직선을 3-6 회 반복했다. 적색, 녹색, 황색, 갈색 “이라고 설명했다. 여성들은 벽을 스스로 칠하고 싶지 않았을 때, 작업을 할 다른 여성들과 물물 교환을 할 수 있었다. 몇몇 사우디 여성들은 파티마 아부 가하 스 (Fatima Abou Gahas)와 같은 화가 화가들로 유명 해졌다.
집안의 벽은 선, 삼각형, 사각형, 대각선 및 나무와 같은 패턴으로 정의 된 패턴으로 작업하는 여성들에 의해 밝게 그려집니다. “큰 삼각형 중 일부는 산을 나타냅니다. 지그재그 선은 물 및 낙뢰를 나타냅니다. 작은 삼각형, 특히 가장 넓은 지역이 가장 위에있을 때, 이슬람 전의 여성 인물에서 발견된다. ‘Asir’의 벽화에서 발견되는 작은 삼각형은 바나 트라 불리우며 오랫동안 잊혀진 과거의 문화적 잔재 일 수 있습니다.
“안뜰과 상단 pillared porticoes는 최고의 Nadjdi 아키텍처의 주요 특징이며, 훌륭한 절개 석고 나무 (jiss)와 창문 셔터가 그려져있어 리셉션 룸을 장식합니다. 석고 작업의 좋은 예가 종종 있습니다. 찢어진 건물들 – 그 효과는 가볍고 섬세하며 공기가 잘 통하는 곳입니다. 그것은 일반적으로 손님들이 카페트에 앉았을 때의 위 벽과 커피 난로 주변의 majlis 주변입니다. 인도에서 유래 한 “석고 조각상들 …”그러나 Najd의 프렛 작업은 인도 전통과 관련이있는 동부 지방과 오만에서와 매우 다른 것처럼 보이고 고대의 모티프와 패턴과 닮았다. 메소포타미아 (Mesopotamia) : 로제트, 별, 삼각형 및 dadoes의 계단식 절벽 패턴은 모두 고대 패턴이며 고대 중동 전역에서 볼 수있다. 알 카심 지방은 이 예술의 고향이며, 보통 하드 화이트 석고로 작업됩니다 (볼 수있는 것은 보통 커피 가루의 연기에 의해 태어납니다). 리야드에서는 꾸밈없는 점토로 예를 볼 수 있습니다.
미디어 대중화
인테리어 디자인은 TV 프로그램의 주제가되었습니다. 영국 (UK)에서는 인기있는 인테리어 디자인 및 꾸미기 프로그램으로 60 분짜리 화장 (ITV), 실내 변경 (BBC) 및 판매 주택 (4 채널)이 있습니다. 이 프로그램에 참여한 유명한 실내 디자이너로는 Linda Barker와 Laurence Llewelyn-Bowen이 있습니다. 미국에서 TLC 네트워크는 영국 프로그램 Changing Rooms에 기반을 둔 쇼인 Trading Spaces라는 인기 프로그램을 방영했습니다. 또한 HGTV와 DIY 네트워크는 모두 실내 디자인 및 장식에 관한 많은 프로그램을 방영하며 수많은 프로젝트에서 다양한 인테리어 디자이너, 장식가 및 주택 개량 전문가의 작품을 선보입니다.
허구의 인테리어 디자이너로는 Sugarbaker 자매 디자인 여성 및 Will & Grace의 Grace Adler가 있습니다. Home MADE라는 또 다른 프로그램이 있습니다. 두 팀과 두 채의 집이 있으며, 심사 위원이 설계하고 최악의 방을 만든 사람은 제거됩니다. Niecy Nash가 주최하는 스타일 네트워크의 또 다른 쇼는 클린 하우스 (Clean House)로 고객이 원하는 테마의 방으로 지저분한 집을 다시 짓는 곳입니다. 다른 쇼는 암스테르담 프라이스 (Ambrose Price)의 데코레이션 어드벤처 (Designating Adventures)와 십센트 디자인 (Dime on Dime), 팔고 자하는 디자인을 포함합니다. 디자인 스타 (Design Star)라는 쇼는 이미 방영 된 5 시즌 동안 인기를 얻고 있습니다. 이 쇼의 수상자는 자신의 TV 쇼를 가져 오며, 그 중 David Bromstad가 주최 한 Color Splash, Myles of Style, Kim Myles, Paint-Over가 호스트됩니다. 제니퍼 버트 랜드 (Antonio Ballatore)가 주최 한 안토니오 트리트먼트 (Antonio Treatment), 그리고 마지막으로 에밀리 헨더슨 (Emily Henderson)이 주최하는 스타일리스트의 비밀 (Secret)이 주최합니다. 브라보에는 실내 디자이너의 삶을 탐구하는 다양한 쇼도 있습니다. 여기에는 제프 루이스 (Jeff Lewis)와 그의 디자이너 팀의 삶을 탐구하는 플립 아웃 (Flipping Out)과, 백만 달러짜리 장식가는 인테리어 디자이너 Nathan Turner, Jeffrey Alan Marks, Mary McDonald, Kathryn Ireland 및 Martyn Lawrence Bullard의 삶을 탐구합니다.
실내 디자인은 또한 라디오 쇼의 대상이되었습니다. 미국에서는 인기있는 인테리어 디자인 및 라이프 스타일 프로그램으로는 Karen Mills가 출연 한 Martha Stewart Living 및 Living Large가 있습니다. 이러한 프로그램에 참여한 유명한 인테리어 디자이너로는 Bunny Williams, Barbara Barry, Kathy Ireland 등이 있습니다.
많은 인테리어 디자인 잡지가 컬러 팔레트, 가구, 예술 및 실내 디자인의 우산 아래에 해당하는 다른 요소에 관한 조언을 제공합니다. 이 잡지는 종종 관련 주제에 초점을 맞추어보다 구체적인 잠재 고객을 확보합니다. 예를 들어 드웰 (Dwell)의 주요 측면 인 아키텍처는 베란다 (Veranda)가 호화로운 생활 잡지로 잘 알려져 있습니다. Lonny Magazine과 새롭게 출시 된 Domino Magazine은 젊고 대인기 인 대도시 고객을 대상으로 인테리어 디자인에 대한 접근성과 DIY (DIY) 접근 방식을 강조합니다.