예술과 공예 운동은 1920 년대에 영국에서 시작되어 1880 년과 1920 년 사이에 유럽과 북미에서 번성하여 일본에서 출현 한 장식과 미술 분야의 국제 운동이었습니다 (Mingei 운동). 그것은 단순한 형태를 사용하여 전통적인 장인 정신을 나타 냈고, 중세 시대, 낭만적 인 또는 사람들의 장식 스타일을 자주 사용했습니다. 그것은 경제적, 사회적 개혁을지지했고 본질적으로 반 산업적이었다. 그것은 1930 년대에 모더니즘으로 옮겨 질 때까지 유럽의 예술에 강한 영향을 미쳤고 그 영향은 공예품 제작자, 디자이너 및 도시 계획가들 사이에서 오래 지속되었습니다.

예술의 통일성, 개별 장인의 경험, 작품 자체의 재료 및 건축의 특성을 옹호 한 건축 및 비공식적 인 무술의 움직임 19 세기 후반에 개발 된 예술 및 공예 운동 자선가, 아마추어, 가정에서 일하기를 원하는 중산층 여성들의 지원을받습니다. 그들은 산업의 세계와는 별개로 작은 워크샵을 열고, 오래된 기술을 되 살리고, 겸손을 존경합니다. 산업화 이전 시대의 가정 대상 북부 유럽과 미국의 산업화 국가에서이 운동은 가장 강력했으며, 산업화에 대한 집중적이지 않은 반응으로 이해 될 수있다. 반공업주의에 속하지만 그것이 독특하지는 않았다. 참으로 현대 생활의 인공물에 대항하여 자연과 민속 문화의 낭만주의 가치를 설정 한 것은 가든 시티 운동, 채식주의, 민속 부흥과 같은 19 세기 후반의 개혁 운동들 중 단 한 번에 불과했다

이 용어는 1887 년 예술과 공예 박람회 학회에서 T. J. Cobden-Sanderson이 처음 사용했는데, 그 원리와 스타일은 적어도 20 년 동안 영국에서 발전 해왔다. 건축가 Augustus Pugin, 작가 John Ruskin, 디자이너 William Morris의 아이디어에서 영감을 얻었습니다.

이 운동은 영국 제도에서 가장 초기에 그리고 가장 완벽하게 발전했으며, 대영 제국과 유럽과 북아메리카 전역으로 확산되었습니다. 그것은 당시의 장식 예술의 가난한 상태와 생산 된 상태에 대한 반응이었습니다.

영국 외부

아일랜드
그 운동은 아일랜드의 문화 발전을위한 중요한 시간이었던 아일랜드로 퍼져 나갔고 동시에 문학 부흥의 시각적 인 부분이었으며 아일랜드 민족주의의 발간이었다. 예술과 공예의 스테인드 글라스 사용은 아일랜드에서 가장 유명했으며 해리 클라크 (Harry Clarke)와 함께 가장 잘 알려진 예술가이자 Evie Hone과도 유명합니다. 이 스타일의 건축은 코크 대학교 (University College Cork)의 근거로 코르크 (Cork)에있는 Honan Chapel (1916)에 의해 대표됩니다. 아일랜드에서 활동하고있는 다른 건축가들에게는 Edwin Lutyens 경 (Laois 주 Heywood House, Lambay Island 및 Dublin 아일랜드 전쟁 기념관)과 Frederick ‘Pa’Hicks (Malahide Castle 부동산 건물과 둥근 탑)가 포함됩니다. 아이랜드 켈트 주제는 silvercraft, 양탄자 디자인, 책 삽화 및 손으로 새겨진 가구에있는 운동에 대중적이었다.

스코틀랜드
스코틀랜드의 예술과 공예 운동의 시작은 James Ballantine (1808-77)이 개척 한 1850 년대의 스테인드 글라스 부활에있었습니다. 그의 주요 작품으로는 Dunfermline Abbey의 위대한 서쪽 창과 에딘버러 성 자일 스 대성당 (St. Giles Cathedral) 계획이 있습니다. Glasgow에서는 Daniel Cottier (1838 ~ 91)가 개척했으며, Ballantine과 함께 공부했으며 William Morris, Ford Madox Brown, John Ruskin의 영향을 직접 받았다. 그의 주요 작품으로는 페이 슬리 수도원에서 열린 그리스도의 세례 (1880 년)가있다. 그의 추종자들에게는 스티븐 아담과 그의 동생이 포함되어있었습니다. 글래스고에서 태어난 디자이너이자 이론가 크리스토퍼 드레서 (Christopher Dresser, 1834-1904)는 처음이자 가장 중요하고 독립적 인 디자이너 중 하나였으며, 이는 미적 운동의 중추적 인 인물이자 동맹국 인 일본인 운동의 주역이었다. 이 운동은 스코틀랜드에서 글래스고 예술 학교 (Glasgow School of Art)의 재능을 바탕으로 한 ‘글래스고 스타일 (Glasgow Style)’의 발전으로 대표되는 “특별한 꽃”을 보냈습니다. 셀틱의 부흥이 여기에 걸렸으며 글래스고우 로즈와 같은 주제가 대중화되었습니다. Charles Rennie Mackintosh와 Glasgow School of Art는 전 세계의 다른 사람들에게 영향을 미치기 시작했습니다.

유럽 ​​대륙
유럽 ​​대륙에서 국가 스타일의 부흥과 보존은 예술가와 공예가 디자이너의 중요한 동기였습니다. 예를 들면, 독일에서 1881 년 통일 후 Bund für Heimatschutz (1897)와 Karl Schmidt에 의해 1898 년에 설립 된 Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk의 격려하에 통일 후, 헝가리에서 카 롤리 코스 (Károly Kós)는 트랜 실바 니안 (Transylvanian) 건물의 고유 스타일을 부활 시켰습니다. 독일, 오스트리아 – 헝가리, 러시아 등 강력한 제국 아래 여러 다양한 국적을 가진 중부 유럽에서 자국어를 발견 한 것은 국가의 자존심과 독립심에 대한 주장과 관련이 있었지만 예술과 공예 종사자의 경우 브리튼은 이상적인 작풍이 중세에서 찾아 낼 것입니다, 중앙 유럽에서 그것은 먼 농촌 마을에서 찾아졌다.

유럽에서 광범위하게 전시 된 예술 및 공예품 스타일의 단순함은 Henry van de Velde와 같은 디자이너 및 Art Nouveau, Dutch De Stijl 그룹, Vienna Secession 및 Bauhaus 스타일과 같은 스타일에 영감을주었습니다. Pevsner는 스타일을 장식없이 단순한 형태를 사용하는 모더니즘의 서곡으로 간주했습니다.

유럽 ​​대륙에서 가장 초기의 예술 및 공예 활동은 벨기에의 약 1890 년경이었습니다.이 곳은 벨 스타일, Gabriel Van Dievoet, Gustave Serrurier-Bovy 및 La Libre Esthétique (Free Aesthetic) 그룹을 포함하여 영국 스타일의 예술가 및 건축가에게 영감을주었습니다.

예술과 공예 제품은 20 세기 초 오스트리아와 독일에서 존경 받았으며 영감을받은 디자인은 영국에서 정체되어 급속하게 전진했습니다. 1903 년 Josef Hoffmann과 Koloman Moser에 의해 설립 된 Wiener Werkstätte는 예술과 예술의 단결과 수공예 원칙의 영향을 받았습니다. The Deutscher Werkbund (독일 공예가 협회)는 1907 년 독일 기업의 글로벌 경쟁력을 향상시키기 위해 예술가, 건축가, 디자이너 및 산업가 협회로 설립되었으며 옹호를 통해 현대 건축 및 산업 디자인 개발에 중요한 요소가되었습니다 표준화 된 생산의 그러나 주요 멤버 인 van de Velde와 Hermann Muthesius는 표준화에 대해 의견이 분분했다. Muthesius는 독일이 무역과 문화의 선도 국가가되는 것이 필수적이라고 믿었습니다. 더 전통적인 예술과 공예에 대한 태도를 나타내는 반 데 벨드 (Van de Velde)는 예술가들이 영원히 “명령이나 표준화에 대한 항의에 반대 할 것”이라고 믿었으며, “예술가는 … 자신의 협정에 따라 절대로 그에게 캐논이나 타입을 부과한다. ”

핀란드의 헬싱키에서 이상 주의적 예술가들의 식민지는 Herman Gesellius, Armas Lindgren과 Eliel Saarinen에 의해 디자인되었는데, 그는 영국의 Gothic Revival과 비슷한 National Romantic 스타일로 일했다.

헝가리에서 Károly Kós, Aladár Körösfői-Kriesch 및 Ede Toroczkai Wigand를 포함한 예술가 및 건축가 그룹은 Ruskin과 Morris의 영향을 받아 트란실바니아의 민속 예술과 현지 건축을 발견했습니다. 부다페스트 (Budapest) 동물원과 같은 도시의 베 케레 (Wekerle) 부지를 비롯한 많은 Kós의 건물이 이러한 영향을 나타냅니다.

러시아에서는 빅토르 하트만 (Viktor Hartmann), 빅토르 바스 넷 소프 (Viktor Vasnetsov), 예레나 폴레 노바 (Yelena Polenova) 및 아브람 츠보 콜로니 (Abramtsevo Colony)와 관련된 다른 예술가들이 영국에서의 움직임과는 완전히 독립적으로 중세 러시아 장식 예술의 재현을 모색했습니다.

아이슬란드에서는 쇠비예 헬기슨의 작품이 예술과 공예에 미치는 영향을 보여줍니다.

북아메리카
미국의 예술과 공예 스타일은 미국인을위한 유럽의 예술과 공예에 대한 이상을 재 해석하려는 다양한 시도를 시작했습니다. 이 잡지에는 Gustav Stickley가 장려 한 디자인과 The Craftsman 및 Elcbert Hubbard의 The Fra에서 공개 된 Roycroft 캠퍼스에서 제작 한 디자인과 같은 “Craftsman”스타일의 건축물, 가구 및 기타 장식 예술이 포함됩니다. 두 사람은 뉴욕 Eastwood의 Craftsman 워크숍과 뉴욕 East Aurora의 Elbert Hubbard Roycroft 캠퍼스에서 생산 된 제품을 홍보하기위한 수단으로 잡지를 사용했습니다. Stickley의 가구를 모방 한 사람들 (종종 “미션 스타일”이라고 잘못 표시되는 디자인)에는 형제가 설립 한 세 회사가 포함되었습니다.

American Craftsman 또는 Craftsman 스타일이라는 용어는 종종 미국의 Art Nouveau와 Art Deco의 지배적 인 시대 또는 1910 년에서 1925 년 사이의 기간 동안 널리 퍼진 건축, 인테리어 디자인 및 장식 예술의 스타일을 나타내는 데 사용됩니다. 특히 Kalo Shops, Rookwood Pottery 및 Tiffany Studios와 같은 성공적인 기업을 설립하고 운영하거나 고용 한 장인, 디자이너 및 기업가로서 여성에게 개방 된 전문성으로 주목할 만하다. 캐나다에서는 예술과 공예라는 용어가 우세하지만 장인도 인정됩니다.

유럽인들이 고결한 공예품을 산업화로 대체하려는 시도를하는 동안, 미국인들은 영웅 공예품 생산을 대체 할 새로운 유형의 미덕, 즉 잘 장식 된 중산층 가정을 설립하려했습니다. 그들은 예술과 공예 장식 예술의 단순하지만 세련된 미학이 산업 소비주의의 새로운 경험을 고귀하게하여 개인을보다 합리적으로 사회를 조화롭게한다고 주장했다. 미국의 예술과 공예 운동은 현대 정치 철학, 진보주의의 미학적 대응 물이었다. 특징적으로, 예술과 공예 사회가 시카고에서 1897 년 10 월에 시작되었을 때, 그것은 사회 개혁을위한 최초의 미국 정착 주택 중 하나 인 헐 하우스 (Hull House)에있었습니다.

저널과 신문 글쓰기를 통해 미국에서 전파 된 예술과 공예의 이상은 강의를 후원하는 사회에 의해 보완되었습니다. 첫 번째는 보스턴에서 1890 년대 후반에 영향력있는 건축가, 디자이너 및 교육가 그룹이 윌리엄 모리스에 의해 영국에서 시작된 디자인 개혁을 미국에 가져 오기로 결정했을 때 조직되었습니다. 그들은 현대 공예품 전시를 조직하기 위해 만났다. 첫 번째 회의는 1897 년 1 월 4 일 보스턴의 미술 박물관 (Museum of Fine Arts, MFA)에서 현대 공예품 전시회를 조직하기 위해 개최되었습니다. 장인, 소비자 및 제조업체가 응용 예술의 미적 및 기술적 잠재력을 깨달았을 때 보스턴에서 디자인 개혁의 과정이 시작되었습니다. 이 회의에는 현재 찰스 로링 (Charles Loring) 총회 관리 위원장이 참석했습니다. 윌리엄 Sturgis Bigelow와 Denman 로스, 수집가, 작가 및 MFA 수탁자; 로스 터너, 화가; 실베스터 백스터, 보스톤 대위를위한 예술 평론가; Howard Baker, A.W. Longfellow 주니어; Ralph Clipson Sturgis, 건축가.

최초의 미국 예술품 공예품 전시회는 1897 년 4 월 5 일 보스톤의 코 플리 홀에서 160 명의 공예가가 만든 1000 점 이상의 물건과 그 중 절반은 여성이었다. 전시회의 옹호자 중 일부는 Harvard ‘s School of Architecture의 창립자 인 Langford Warren이었습니다. 리처드 모리스 헌트 여사; Arthur Astor Carey와 Edwin Mead, 사회 개혁가; 윌 브래들리, 그래픽 디자이너. 이 전시회의 성공은 1897 년 6 월 28 일 “수공예품의 높은 기준 개발 및 격려”라는 위임과 함께 예술 및 공예 학회 (SAC)가 설립 된 결과였습니다. 21 명의 창립자는 매출 이상에 관심이 있다고 주장했으며 예술가들이 최고의 품질과 제작 기술로 작품을 창작하도록 격려했습니다. 이 임무는 곧 SAC의 초대 총재 인 Charles Eliot Norton에 의해 작성된 신조로 곧 확장되었습니다.

이 협회는 수공예의 모든 분야에서 예술 작품을 홍보하기 위해 설립되었습니다. 디자이너와 노동자를 상호 유익한 관계로 이끌고 노동자들이 자신의 디자인을 실행하도록 장려하기를 희망합니다. 그것은 노동자가 훌륭한 디자인의 존엄성과 가치에 대한 인식을 자극하도록 노력한다. 법과 형식의 대중적 조급함과 과장 및 독창적 인 독창성에 대한 욕구를 해소하기 위해 그것은 물체와 그것의 사용 형태 사이의 관계에 대한 절박한 고려와 절제에 대한 조화와 적합성에 대한 절제와 구속의 필요성 또는 명령 된 배열을 강조 할 것이다.

뉴욕의 우드 스탁에있는 버드 클리프 식민지 (Byrdcliffe Colony)와 펜실베니아의 로즈 밸리 (Rose Valley)와 같은 유토피아 공동체, 뉴저지의 마운틴 레이크 (Mountain Lakes)와 같은 유토피아 커뮤니티와 같은 유토피아 커뮤니티가 뉴욕의 버팔로와 이스트 오로라의 엘버트 허버드 (Elbert Hubbard), 뉴욕의 조셉 마 벨라 Herbert J. Hapgood가 지은 방갈로와 샤또 (Chateau) 주택 및 현대식 공예품 스타일. 스튜디오 도기 – Grueby Faience Company, New Orleans의 Newcomb Pottery, Marblehead Pottery, Teco 도기, Overbeck and Rookwood 도기, Mary Chase Perry Stratton의 Pewabic Pottery (디트로이트), Ernest A. Batchelder의 패서 디나 아트 타일 , 캘리포니아 및 찰스 Rohlfs의 독특한 가구는 모두 예술과 공예의 영향을 보여줍니다.

건축과 미술
시카고의 Frank Lloyd Wright, George Washington Maher 및 기타 건축가의 “Prairie School”, Country Day School 운동, Greene 및 Greene, Julia Morgan 및 Bernard Maybeck이 대중화 한 방갈로 및 궁극적 인 방갈로 스타일은 아메리칸 예술과 공예, 미국 장인 건축 스타일. 복원 된 랜드 마크로 보호 된 사례는 미국, 특히 캘리포니아의 버클리 및 패서 디나 (Pasadena)와 여전히 시대에 개발되어 전후 도시 재개발을 경험하지 않는 다른 도시의 섹션에 계속 남아 있습니다. 미션 리바이벌, 프레리 스쿨 및 주거용 건물의 ‘캘리포니아 방갈로’스타일은 오늘날 미국에서 여전히 인기가 있습니다.

이론가, 교육자, 작가가 판화에서 도기류, 파스텔에 이르기까지 가장 영향력있는 인물 중 두 명은 동부 해안의 Arthur Wesley Dow (1857-1922)와 캘리포니아의 Pedro Joseph de Lemos (1882-1954)였습니다. 컬럼비아 대학에서 가르치고 입 스위치 썸머 스쿨 (Ipswich Summer School of Art)을 설립 한 다우 (Dow)는 1899 년에 일본 작곡의 본질을 뚜렷하게 미국의 방식으로 증류하고 장식적인 조화로운 아말감을 결합하여 줄의 단순 함, notan “(밝은 영역과 어두운 영역의 균형) 및 색상의 대칭입니다. 그의 목적은 세밀하게 고안되고 아름답게 표현 된 물건을 만드는 것이 었습니다. 스탠포드 대학 박물관 및 아트 갤러리 디렉터이자 학교 예술 잡지 편집장 인 샌프란시스코 미술 연구소 소장 인 레 모스 (Lemos) 학생은 150 여편의 모노 그래프 및 기사에서 다우의 아이디어를 확대하고 실질적으로 수정했습니다. 미국과 영국의 예술 학교. 그의 많은 비 정통적 인 가르침들 중에는 제조 된 제품들이 “숭고한 아름다움”을 표현할 수 있고 콜럼버스 이전 문명의 추상 “디자인 형태”에서 큰 통찰력을 발견 할 수 있다는 그의 신념이있었습니다.

박물관
미국 예술품 공예 박물관 (Museum of the American Art and Crafts Movement)은 플로리다 주 상트 페테르부르크에 건설 중이며 2019 년에 개장 할 예정입니다.

아시아
일본에서는, 1920 년대부터 민속 예술을 장려 한 Mingei 운동의 창시자 인 Yanagi Sōetsu는 Morris와 Ruskin의 저술의 영향을 받았다. 유럽의 예술 및 공예 운동과 마찬가지로 Mingei는 현대화 산업에 직면하여 전통 공예품을 보존하려고 노력했습니다.

건축물
예술 및 공예 운동의 주도자 중 많은 사람들이 건축가 (예 : William Morris, A. H. Mackmurdo, C. R. Ashbee, W. R. Lethaby)로 훈련 받았으며 운동이 가장 눈에 띄는 영구적 인 영향을 미치고 있음을 입증했습니다.

레드 하우스, Bexleyheath, 런던, 건축가 필립 Webb에 의해 1859 년 모리스 위해 설계된 자사의 잘 균형 잡힌 고체 양식, 넓은 현관, 가파른 지붕, 지적 창 아치, 벽돌 벽난로 및 나무 피팅과 초기 예술과 공예 스타일을 exemplifies. Webb은 거대한 건물을 기반으로하는 고전적인 스타일의 역사적 부흥을 거절하고 영국의 토속 건축에 대한 그의 디자인을 기반으로 비대칭적이고 그림 같은 건물 구성으로 돌 및 타일과 같은 일반 재료의 질감을 표현했습니다.

런던 교외의 베드포드 파크 (Bedford Park)는 1880 년대와 1890 년대에 주로 지어졌으며, 약 360 개의 예술 및 공예 스타일의 주택이 있으며 한때 미적 거주자로 유명했습니다. 몇몇 Almshouses는 1914 년부터 1917 년 사이에 280 채 이상의 건물과 1939 년부터 1971 년 사이에 지어진 Dyers Almshouses, Sussex와 같은 예술 및 공예 작풍 (예 : Whiteley Village, Surrey)으로 지어졌습니다. 첫 번째 정원 인 Letchworth Garden City 도시, 예술과 공예의 이상에 의해 영감을 얻었다. 최초의 주택은 배리 파커 (Barry Parker)와 레이몬드 운윈 (Raymond Unwin)에 의해 운동으로 대중화 된 토착민 스타일로 디자인되었으며, 도시는 높은 정신력과 단순한 삶과 연관이되었습니다. 에드워드 카펜터 (Edward Carpenter)가 세운 샌들 제작 워크샵은 요크셔에서 레치 워스 가든 시티, 조지 오웰의 “과일 주스 마시고, 나체 주의자, 샌들 착용자, 섹스 – 미치광이, 퀘이커 교도, 자연 치료 큐빅, 평화 주의자, 레치 워스 (Letchworth)에서 열린 사회주의 회의에가는 영국의 페미니스트 (feminist in England)는 유명 해졌다.

건축 학적 예
레드 하우스 – Bexleyheath, 켄트 -1859
YHA 맥주 – 유스 호스텔 – Beer, East Devon
Wightwick Manor – 울버햄프턴, 영국 – 1887-93
Standen – 이스트 Grinstead, 영국 -1894
Swedenborgian 교회 – 샌프란시스코, 캘리포니아 -1895
블랙웰 – 호수 지구, 영국 – 1898
Derwent 하우스 – Chislehurst, 켄트 -1899
Stoneywell – Ulverscroft, Leicestershire – 1899
웨스트 코트, 어장로드, 처녀 자리 – 1899
예술 및 공예품 교회 (Long Street Methodist Church and School) – 맨체스터, 영국 -1900
스페이드 하우스 – Sandgate, Kent – 1900
Caledonian Estate – Islington, London – 1900-1907
호니 만 박물관 – 런던, 포레스트 힐 – 1901
쇼 코너 – Ayot St Lawrence, Hertfordshire – 1902
Pierre P. Ferry House – 시애틀, 워싱턴 -1903-1906
Winterbourne 하우스 – 버밍엄, 영국 -1904
Marston House – 샌디에고, 캘리포니아 – 1905
에드거 우드 센터 – 맨체스터, 영국 -1905
램지 하우스 – 엘렌 스 버그, 워싱턴 -1905
Debenham 하우스 – 홀랜드 파크, 런던 -1905-07
로버트 R. Blacker 집 – 패사 디나, 캘리포니아 -1907
도박 집 – 패 사 디 나, 캘리포니아 -1908
오레곤 공공 도서관 – 일리노이 주 오레곤 주 – 1909
Thorsen 하우스 – 버클리, 캘리포니아 -1909
Rodmarton 매너 – Rodmarton, Cirencester, 글로스터 셔 근처 – 1909-29
그리스도의 첫 번째 교회, 과학자 – 버클리, 캘리포니아 -1910
세인트 존스 장로 교회 – 버클리, 캘리포니아 -1910
Craftsman Farms – 뉴저지 주 파슨 파니 – 1911
Whare Ra – Havelock North, 뉴질랜드 – 1912
서튼 가든 교외 – Benhilton, Sutton, London – 1912-14
Asilomar 회의장 – 태평양 그 로브, 캘리포니아 -1913
Honan 채플 – 대학 코크, 아일랜드 – c.1916
성 프란시스코 자비에르 성당 – 제랄 튼 서호주 1916-1938
Bedales 학교 기념 도서관 – 햄프셔 – Petersfield 근처, 1919-21
Plewlands 애비뉴 (민가) 에딘버러 -1920
뉴질랜드 크라이스트 처치 병원 간호사 기념 성당 – 1927
Giuseppe Brega가 건축 한 Villa Ruggeri – 1907 년 이탈리아의 Pesaro에서 완공 됨.

정원 디자인
Gertrude Jekyll은 예술과 공예의 원리를 정원 디자인에 적용했습니다. 그녀는 영국의 건축가 인 Edwin Lutyens 경과 함께 여러 가지 풍경을 창조했으며 Surrey의 Godalming 근처에있는 집 Munstead Wood를 디자인했습니다. 지킬 (Jekyll)은 요크 건축가 월터 브리 어리 (Walter Brierley)의 예술가 및 공예 운동가이자 “북쪽의 건축가”로 알려진 건축가 인 비숍 스 바른 (Bishopsbarns)을위한 정원을 만들었습니다. Brierley의 최종 프로젝트 인 York의 Goddards는 Castle Drogo의 Lutyens와 Jekyll과 함께 일한 정원사 George Dillistone의 작품이었습니다. Goddards에서는 정원은 정원을 일련의 실외 실로 나누기 위해 헤지스 (herdges)와 초본 테두리 (herbaceous borders)의 사용과 같은 예술 및 공예 작풍을 반영한 여러 가지 기능을 통합했습니다. 또 다른 주목할만한 예술 및 공예품 정원은 Lawrence Johnston이 디자인 한 Hidcote Manor Garden입니다.이 정원은 또한 일련의 실외실에 배치되어 있으며, Goddard와 마찬가지로 조경은 집과는 거리가 멀어집니다. 예술 및 공예품 정원의 다른 예로 Hestercombe Gardens, Lytes Cary Manor 및 예술 및 공예품 건축물의 건축물 예 (위에 명시된 정원)가 있습니다.

예술 교육
Morris의 아이디어는 Abbotsholme (1889)와 Bedales (1892)의 학교에서 수공예 교육을 통합 한 1880 년대 후반의 New Education Movement에서 채택되었으며, 그의 영향은 20 세기 중반의 Dartington Hall의 사회적 실험에서 지적되었습니다 .

브리튼에있는 예술과 기술 실무자는 실제적인 기술의 조금 가르치기를 가진 추상적 인 디자인에 근거를 둔 정부 교육 체계의 예술 교육에 비판적이었다. 이러한 공예 교육의 부족은 또한 산업 및 공식 서클에서 우려를 불러 일으켰으며 1884 년 왕립위원회 (윌리엄 모리스 (William Morris)의 조언을 받아 들임)는 예술 교육이 디자인의 소재에 대한 적합성에 더 많은 관심을 기울여야한다고 권고했다 실행. 이러한 변화를 일으킨 최초의 학교는 버밍엄 예술 공예 학교 (Birmingham School of Arts and Crafts)였습니다. “전국적으로 예술과 디자인의 가르침에 대해 실행 된 디자인을 도입하는 길을 이끌었습니다 (종이로 디자인하는 것이 아닌 디자인이 의도 된 재료로 작업) 1889 년 외부 검사관의 보고서에서 월터 크레인 (Walter Crane)은 버밍엄 스쿨 오브 아트 (Birmingham School of Art)에서 재료 및 사용과의 관계에서 디자인으로 간주되었다는 점에서 칭찬을 아끼지 않았다. “1877 년에서 1903 년까지의 교장 인 에드워드 테일러 (Edward Taylor) 헨리 페인 (Henry Payne)과 요셉 사우스 알 (Joseph Southall)의 버밍엄 스쿨 (Birmingham School)은 예술과 공예의 중심지가되었습니다.

다른 지방 당국의 학교들도 공예에 대한보다 실질적인 가르침을 소개하기 시작했으며 1890 년대까지 예술과 공예에 대한 이상은 Art Workers Guild의 회원들에 의해 전국의 미술 학교에 보급되었습니다. 길드 멤버들은 영향력있는 직책을 맡았습니다. 월터 크레인 (Walter Crane)은 맨체스터 스쿨 오브 아트 (Manchester School of Art)의 디렉터였으며 이후 왕립 예술 대학 (Royal College of Art)의 이사였습니다. F.M. 심슨, 로버트 애닝 벨 (Robert Anning Bell)과 C.J. 앨런 (C.J.Allen)은 각각 리버풀 미술 학교 (Richard Liverpool School of Art)의 조각과 건축학 교수, 강사였으며, 1902-1920 년 버밍엄 미술 학교의 교장이었던 Robert Catterson-Smith도 AWG 회원이었습니다. W. R. Lethaby와 George Frampton은 런던 카운티 협의회 (LCC) 교육위원회의 고문과 조언자 였고 1896 년에 LCC는 주로 예술과 공예의 중앙 학교를 설립하여 공동 교장으로 삼았습니다. 독일에서 바우 하우스 (Bauhaus)가 성립 될 때까지 중앙 학교는 유럽에서 가장 진보적 인 미술 학교로 여겨졌다. 창립 직후 Camberwell School of Arts and Crafts는 지역 보로 협의회 (Arts and Crafts)에 의해 설립되었습니다.

1898 년 로얄 칼리지 오브 아트 (Royal College of Art)의 책임자 인 크레인 (Crane)은 더 실용적인 노선을 따라 그것을 개혁하려했지만 1 년 후에 사직하여 교육위원회의 관료주의에당했습니다. 그는 교육 계획을 수행하기 위해 아우구스투스 스펜서 (Augustus Spencer)를 지명했습니다. 스펜서 (Spencer)는 레타 비 (Lethaby)에서 예술 학교의 디자인 학교와 Art Workers ‘Guild의 여러 멤버들을 교사로 이끌었습니다. 개혁 10 년 후, 조사위원회가 RCA를 검토 한 결과 여전히 산업 분야에서 학생들을 제대로 훈련시키지 못했다는 사실을 발견했습니다. CRAshbee는위원회의 보고서 발간 후 토론에서, 매우 중요한 에세이, We should stop teaching art를 출판했는데, 그는 예술 교육 시스템을 완전히 해체하고, 대신 보조금을받는 워크샵. 예술과 공예 운동의 중요한 인물 인 루이스 포먼 데이 (Lewis Foreman Day)는 자신의 의견을 달리하는 보고서에서 조사위원회에 다른 시각을 보였습니다. 자료에서 직접 작업함으로써 교습 디자인의 성장하는 정통성에 대한 디자인의 원칙에 중점을두고 논쟁했습니다. 그럼에도 불구하고 예술과 공예 정신은 영국의 예술 학교를 철저히 보급했으며 2 차 세계 대전이 끝날 때까지 미술 교육 사학자 인 스튜어트 맥도널드의 관점에서 존속했다.