이탈리아 르네상스의 조각품은 이탈리아 조각품이 고딕의 미적 원리에 반작용하고 고전 고대 예술, 인본주의 및 합리주의의 영향을 동화 할 때 늦은 14 세기와 16 세기 초의 대략적인 기간으로 이루어져 있으며, 자연 주의적 다른 이상 주의적 요소들을 다양한 비율로 피사 (Pisa), 시에나 (Siena) 및 다른 중부 이태리 도시에서의 예비 리허설 후에 르네상스 양식이 피렌체에서 급격히 나타났습니다. 일부 저자는 1401 년 르네상스의 공식적인 시작을 가리 킵니다. 공개 토론은 피렌체에서 세인트 존 세례 요셉의 청동 문을 만들기 위해 열렸습니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당의 외관을 위해 Donatello와 Nanni di Banco로부터 성도들의 조각 집단이 의뢰 받아 1408 년을 가리킨다. 그것이 될 수 있으니, 조각은 새로운 미학의 입양이 처음 관찰 된 예술이었고, 이탈리아 르네상스의 대표적인 예술 중 하나였습니다.

배경
15 세기는 건축가, 화가 또는 조각가 일지라도 다른 예술가를 다뤄야 만하는 사회적 계급에 대한 광범위한 문헌을 특징으로합니다. 중세 시대에는 조각과 회화가 건축에 종속 된 단순한 “기계 예술”로 간주되었습니다. 어떤 조각가도 예외를 저장하고 서명하거나 서명 한 적이 없습니다.

휴머니즘으로 예술가의 개념은 수학, 기하학, 역사 지식, 문학 및 철학에 바탕을 둔 예술만을 “기계적”이 아닌 지적인 인물로 발전하기 시작했다. 이 새로운 사고 방식의 가장 중요한 이론가는 Leon Battista Alberti (De statua, 1464)였다. 16 일에는 Giorgio Vasari (1550 및 1568)의 ​​Vives에서 전체 논쟁에 대한 요약이있었습니다.

이 상태의 개혁을 향한 경향은 첫 번째 대학의 통합으로 시작되었습니다. 11 세기 중반 이래로 파리는 Pedro Abelardo와 Hugo de San Vitor와 같은 위대한 철학자와 교육자의 존재를 통해 유럽에서 가장 위대한 신학 문화의 중심지가되었고, 1170 년경에 합병 된 여러 학교의 공연이 이루어지면서, 파리 대학교. 교회에서 상당히 자유롭고 상대적으로 독립적 인이 학업 환경에서 휴머니즘 철학이 뿌리를 내리고 연옥의 교리가 구조화되어 지옥에서 예비 정화 단계를 거쳐 천국으로 상승하게되었습니다. 동시에 성모 마리아는 다른 성도들과 마찬가지로 그리스도의 공의 옆에있는 인류의 위대한 옹호자로 간주되기 시작했습니다. 이 과정에서 기독교 신앙이 공포와 영원한 저주로 인한 위협을 통해 죄인을 바로 잡는 오래된 경향은 신성한 진노보다는 자비를 강조하고 인간 본래의 오류 가능성을 더 많이 고려한 환상에 의해 조정되었습니다.

철학 학교에서 가르친 휴머니즘이 신앙의 근본 원리를 재정의 한 반면 고전적 고대의 요소를 예술로 흡수하고 초기 세기에 도덕적 사고를 이끌어 낸 엄격한 윤리를 느슨하게하며 문화적 분위기를 세속화, 초자연적 인 관심과 평범한 그리고 인간에 대한 관심의 변혁에 유리하다. 그는 또한 세인트 토마스 아퀴나스 (St. Thomas Aquinas)처럼 뷰티가 미덕과 밀접하게 관련되어 있음을 고려하여 고대 시대부터 잃어버린 형태의 순수한 아름다움의 가치를 구해 냈다. 비율과 본질적인 본질을 완전히 표현한 것입니다. 하우저에 따르면,이시기에 고딕 (Gothic)이라고 불렀고,

자연을 가치있게 여기는이 과정에서 인체는 특별히 유익을 얻었습니다. 그때까지는 비열한 고기의 비열한 조각이자 죄의 근원으로 여겨졌습니다. 이 시체에 대한 혐오감은 이전의 종교 문화에서 보편적 인 것이 었으며, 인간의 표현은 그의 육체를 최소화하는 양식을 통해 우위에 있었지만, 이제는 짧은 시간 내에 도달 할 수있는 원시적 인 고딕체의 로마 카톨릭의 상징적 인 회화주의 그레코 – 로마 예술 이후로 보지 못한 자연주의. 이전에 주로 재판관, 왕과 하느님으로 대표되었던 그리스도의 인격이 인간화되었고, 인류에 대한 경배는 참된 신성한 사랑을 아는 첫 번째 단계로 간주하게되었습니다. 자연주의의 정복은 모든 고딕 양식의 가장 근본적인 요소 중 하나였으며 수세기가 지난 후에도 예술적인 마임과 인간의 이상적인 아름다움에 대한 르네상스의 발전을 가능하게 만들었습니다.

피렌체의 첫 번째 단계
르네상스의 첫 번째 단계는 15 세기의 30 대 / 40 대 때였 다. 혁신과 새로운 목표가 고립되어 있지 않은 기술적이고 실용적인 접근 방식을 특징으로하는, 종종 열정적 인 실험의 시대였다. 젊은 예술가들에 의해 개발되고 발전되었으며, 다른 유럽 국가에서는 평등하지 못한 특별한 강점을 지니고있다.

새로운 언어를 개발 한 최초의 학문은 영감을 얻으려는 고대 작품의 더 큰 존재에 의해 부분적으로 촉진 된 조각품이었습니다. 15 세기의 처음 20 년 동안 도나 텔로는 이미 과거와 비교하여 원래 언어를 개발했습니다.

두 개의 십자가
브루넬레스키와 도나 텔로는 처음에는 휴머니즘의 이상과 표현의 새로운 형태 사이의 관계에 대한 문제를 제기했고, 때로는 그 반대 인 다른 스타일을 밀접하게 비교하고 개발 한 두 명의 예술가였다. 브루넬레스키는 약 10 년 더 나이가 들었고, 1409 년에 로마에 갔다가 살아남은 고대 작품을보고 연구하여 그러한 창조물을 얻기위한 모든 기술을 재구성하려는 젊은 동료를위한 지침과 자극제로 사용되었습니다.

그러나 그들의 공통점은 기질과 예술적 결과의 차이를 저해하지 않았습니다. 이 의미에서 전형적인 것은 브나 넬리가 “농부”의 도나 텔로 (Donatello) 그리스도에 대한 비판과 산타 마리아 노벨 라의 십자 고사에 대한 그의 반응에 대해 비판하는 바사리 (Vasari)의 생생한 일화의 중심에있는 두 개의 나무 십자가의 비교이다. 충격받은 동료. 실제로 두 작품은 약 10 년이라는 더 넓은 시간 틀에 조각되어있는 것으로 보이지만 일화는 여전히 웅변 적이다.

Donatello의 십자가는 Ghiberti의 Hellenistic 우아함과 미적 감각을 배제한 고통의 인간 드라마에 중점을 둡니다. 계약 된 기능은 고뇌의 순간을 강조하고 몸은 무겁고 비관적이지만 진동하는 에너지입니다.

더 이상화되고 측정 된 브루넬레스키의 그리스도, 형태의 수학적 완전성은 그 대상의 신성한 완전성을 반영합니다.

비율은 조심스럽게 연구됩니다 (열린 팔은 피규어의 높이를 측정하고, 코 라인은 배꼽의 중심을 가리 킵니다). 조토 크 립 픽스 (Giotto Crucifix)의 유형을 다시 고치지 만 왼쪽에 조금 더 비틀어 더 많은 것을 만듭니다. 특권을 부여한 관점과 그를 둘러싼 “공간을 생성”합니다. 즉, 관찰자를 그림 주위의 반원형 경로로이 끕니다.

Orsanmichele
1406 년에는 피렌체의 예술이 Orsanmichele 교회의 외부 벽감 각각에 보호자 동상을 장식했다고 발표되었습니다. 새로운 조각 작업장은 산타 마리아 델 피오레 (Santa Maria del Fiore)라는 대형 워크샵에 추가되었습니다. 당시 산타 마리아 델 피오레 (Santa Maria del Fiore)는 로렌조 지 베르 티 (Lorenzo Ghiberti)와 비슷한 스타일로 지배되었는데, 고렌의 요소를 고대의 인용문과 제스처의 느슨한 자연 스러움으로 중재했습니다 실험에 온건 한 개방성을 가지고 있습니다. 이 환경에서 도나 텔로 (Donatello)와 그와 함께 Nanni di Banco (Nanni di Banco)도 형성되었으며, 그와 함께 약간 더 젊었습니다. 그와 함께 협업과 우정을 쌓았습니다.

1411 년과 1417 년 사이에 그들은 둘 다 Orsanmichele에서 일했고,이 경우에는 성공적인 작품 들간의 비교가 상호 차이와 친화력을 강조하는 데 도움이 될 수 있습니다. 둘 다 고딕 양식의 스타일을 거부했는데 고대 미술에서 영감을 얻었다. 둘 다 자유롭게 공간에 인물을 배치하고 전통적인 방식을 피하며 인물의 소성 강도와 지형의 렌더링을 증폭시켰다.

그러나 네 명의 왕관을 쓴 성도 (1411 ~ 1414)의 난니 디 방코가 황제 로마 인물의 엄숙한 부동을 인용하면 산 조르지오 (San Giorgio, 1415 ~ 1417)의 도나 텔로 (Donatello in San Giorgio) (1415 ~ 1417)는 절제된 모습을 나타내지 만, 한 순간에서 다음 순간으로 이 효과는 그림의 구성을 통해 기하학적이고 조밀 한 모양 (다리의 삼각형이 나침반, 차폐 판 및 갑옷의 타원형으로 열림)을 통해 얻어지며, 여기서 방향의 헤드를 살짝 횡 방향으로 클릭하면 몸의 최대 증거, 또한 목의 힘줄의 밑줄, 눈썹을 찌르는 눈과 깊은 눈의 chiaroscuro에 감사드립니다.

장막 바닥에있는 San Giorgio의 구원에서 Donatello는 stiacciato의 첫 번째 사례 중 하나를 조각하고 중앙 선형 관점에서 가장 오래된 표현 중 하나를 만들었습니다. 그러나 Brunelleschi의 이론과는 달리 그는 공간을 연속적으로 그리고 공간적으로 고치는 방법으로 원근법을 원했다. Donatello는 행동의 매듭을 강조하기 위해 주인공 뒤에 소실점을 두어 반대의 효과를 창출했다. 주인공들 자신에 의해 풀렸다.

두오모 (Duomo)의 구 (cantons)
15 세기의 30 년대에 피렌체의 두오모 (Duomo of Florence)에 대한 두 개의 칸토리아 (cantorias)의 실현으로 조각품의 도착 지점과 전환점이 나타납니다. 1431 년에 루카 델라 로비아 (Luca della Robbia)에게 위탁을 받았고, 1433 년에 도나 텔로 (Donatello)와 같은 크기의 1 초가되었습니다.

그 당시 약 30 세였던 Luca는 고전적인 식물에서 6 개의 타일이 삽입되고 4 개의 타일이 선반 사이에 배치 된 발코니를 조각했습니다. 릴리프는 찬송가 150 번을 단계별로 나타내 었습니다.이 책의 텍스트는 선반 위와 아래의 낮은 밴드에 대문자로 표기하고, 노래하고, 춤추고, 놀고, 고전적인 아름다움으로 구성되며, 효과적인 자연스럽고, 감정을 평온하고 고요한 방식으로 표현합니다.

두 번째 로마 여행 (1430 ~ 1432)에서 돌아온 도나 텔로 (Donatello)는 황제 폐허에서부터 초기 기독교 및 로마네스크 작품에 이르기까지 수많은 제안을 융합하여 연속 모자이크 배경에 대한 일련의 putti 춤 (모자이크 배경에 대한 인용문 두오모 자체 Arnolfo 디 Cambioof의 외관). 둥근 기둥이있는 구조는 프리웨어를 위해 일종의 무대를 만들어 내는데, 이것은 합창단 건축의 직선 및 수직 선과 대비되는 대각선을 기반으로 원활하게 실행됩니다. 운동의 감각은 배경과 모든 건축 요소를 감싸고있는 유리 같은 색과 금색의 테세라의 역동적 인 반짝임에 의해 강조됩니다. 이 운동의 승진은 도나 텔로의 길에서 예술가가 파두 아 (Padua)로 가져온 말로 1443 년부터 머물렀다.

중재 수치
세기 중반기의 다음 단계는 과거의 정복에 대한보다 지적주의적인 배열의 기치 아래있었습니다. 15 세기의 40 대에 이르는 이탈리아의 정치 체제는 한반도를 5 개 주요 국가로 분리 한 로디 평화 협상 (1454)으로 안정화되었다.

도시의 정치 계급이 개별 지배적 인 인물의 부상을 선호하는 한편, 권력을 중앙 집중화하는 반면에, 부르주아지는 덜 적극적으로되고, 농업 투자를 선호하고, 옛 귀족의 행동 모델을 가정하는 전통적인 전통적 이상과는 거리가 멀다. 절제와 금주의 거부. 그 해의 비 유적 언어는 문화적으로, 화려하고 유연하게 정의 될 수 있습니다.

로렌조 기 베르 티 (Lorenzo Ghiberti)는 Masolino와 Michelozzo와 함께 이전의 전통에 대한 긍정적 인 평가를 유지하고 그것을 정복하지 않고 그것을 업데이트하기 위해 휴머니즘 문화와 전망의 엄격함에 따라 그것을 수정하고 재배치 한 최초의 예술가 중 한 명이다. 세례당의 북문을 오랫동안 가공 한 후에도 안드레아 피사노 (Andrea Pisano)가 14 세기 사우스 게이트 (South Gate)를 세우고 1425 년에 새로 문을 여는 명령을 받았다. 미켈란젤로는 나중에 포르타 del Paradiso “”작품 사이에 Ghiberti의 “조정 (mediation)”지위를 상징하며 종교적, 시민 적, 정치적, 문화적 주제가 엄청나게 복잡하고 분명하고 단순한 스타일과 훌륭한 공식적인 우아함이 혼합되어 있기 때문에 지속적인 행운.

Filarete는 Lorenzo Ghiberti의 학생 중 한 명이었으며, 세례당 북쪽 문 (North Door of Baptistery)이 융합되는 동안 그는 유진 IV (Eugene IV)의 성 베드로 문을 융합 한 중요한 임무를 위임 받았다. Filarete는 고대의 모든 연구와 제정을 가장 많이 만들었습니다. 그는 고전적인 스타일의 작품을 재창조하기위한 “골동품”취향에 따라 그 자체로 목적으로 고대 세계에 대한 지식을 개발 한 최초의 예술가 중 한 사람입니다. 그러나 그의 재발견은 언어학적인 것이 아니고 희소성에 대한 환상과 맛으로 애니메이션화되어 과거의 환상적인 환기를 만들어 냈습니다. 로마와 밀라노에서의 체류로 이태리 르네상스 문화의 배경이되었습니다.

야 코포 델라 퀘르 시아
이탈리아 장면에서 완전히 독창적 인 것은 Sienese Jacopo della Quercia의 인물이었다. 그의 스타일은 그 언어 내에서 영향과 자극을 사용하여 고딕 양식의 방식을 매우 개인적으로 새롭게함으로써 개발되었습니다. 그의 훈련은 Sienese 고딕의 언어에 기반을 두었습니다.이 언어는 가장 우아하고 의미있는 대뇌 효과에서 잘라냅니다. 그는 가장 진보 된 피렌체 연구, 독창성을 재 해석 한 부르고뉴 (Burgundian) 조각과 고전 유산에 동화되어 강렬하고 탄탄한 몸체가 복잡한 고딕 양식의 주름 아래 숨겨진 활력 있고 구체적인 작품을 탄력없는 활력으로 흡수합니다.

1406 년과 1407 년 사이 그는 루카 대성당에서 Ilaria del Carretto의 장례 기념탑을 깨달았는데 부르고뉴 조각상에서 유래 된 도상학은 죽은 자의 시뮬라크르가 풍부하게 옷을 입고 카타 팔크에 누워있다. catafalque의 측은 putti reggifestone, 고아한 sarcophagi에게서 가지고 간 주제에 꾸며진다. 1409 년에 Fonte Gaia는 Siena의 Piazza del Campo에서 1414 년부터 1419 년까지 근무했습니다. 전통과 일치하는 일반적인 체계에 직면하여 그는 구속의 자유를 누렸고, 인물의 자세와 몸짓은 전통적인 정면을 어지럽히는 소용돌이 치는 게임을 만들어 내며, 관람자가 모든 작업에 대한 여러 견해를 발견하도록 움직입니다.

1425 년부터 1434 년까지 그는 볼로냐에있는 San Petronio 대성당의 중앙 포털 장식에 종사했습니다. 그주기에는 창세기의 이야기와 그리스도의 청소년 이야기가 포털을 구성하기위한 안도감이 포함되어있었습니다. 누드에서는 강력한 근육 조직과 때로는 무례한 현실주의로 강력하고 활기찬 인물을 조각했습니다. 언더컷 끝 부분에서 stiacciato Donatello 대신 두 개의 보이지 않는 비행기 사이에서 그림을 압축하고 명확한 선과 그림자를 최소화했습니다. 피규어의 부드럽고 둥근 부분은 흔히 평면과 단단한 윤곽선을 번갈아 가며 교차합니다.이 콘트라스트는 15 세기 조각에서 비교할 수없는 구속 된 힘의 효과를냅니다. 결과는 집중적이고 활기차고 표현력있는 캐릭터의 결과입니다.

그의 작품은 즉각적인 후계자를 찾지 못했습니다. 그것은 스타일 론적으로 한 블록이었고 나중에 미켈란젤로 만이 이해할 수있었습니다.

15 세기 중반의 수십 년

플로렌스
플로렌스에서 차세대 예술가들은 고객의 다양한 방향과 새로운 정치적 틀을 등록한 분위기에서 첫 번째 혁신가와 직접 추종자의 유산을 상세히 설명했습니다.

망명 생활로 돌아온 뒤의 Cosimo de ‘Medici (1434)는 중요 공공 사업의 위임을 시작했으며, 중도에 의해 표시되었으며, 은신의 거부였다. 개인 작품은 David-Mercurio di Donatello (1440-1443 년경)와 같이 맛과 세련미가 어우러진 문화적으로 세련된 환경의 요구를 충족시키는 등 다른 맛으로 알려졌습니다. 고전 인용문 (Antinoo silvano, Prassitele)과 고객 (골동품 카메오에서 가져온 골리앗 헬멧의 프리즈)에 대한 경의로 조각가는 순수한 심미적 쾌락에 빠지지 않도록 현실감을 각인시켰다. 실질적으로 활기차고 현실적인 문화적 언급에 생명을 불어 넣는 포즈와 모 놀리 식 표현의 약간의 비대칭 성이 목격된다.

세기의 중앙 수십 년 동안, 조각가들은 Copient et Varietas의 원리에서 영감을 얻었는데, Alberti가 이론화 한 것으로, 클라이언트의 관철 된 취향을 충족시키기 위해 약간의 변형과 진화가있는 유사한 모델의 반복을 포함했습니다. 이 의미에서의 예가 베르나르도 로셀 리노 (1446 ~ 1450)의 레오나르도 브루니 (Leonardo Bruni), 피에로 (Piero)와 지오바니 데 메디치 (Giovanni de ‘Medici)의 데스 데 디오 다 세티 냐노 (Desiderio da Settignano, 1450 ~ 1450)의 카를로 마르 소피 피니 Andrea del Verrocchio (첫 번째 Laurentian 시대, 1472 년). 이 작품들에서, 일반적인 모델 (arcosolium)에서 출발하더라도, 우리는 점점 더 세련되고 귀중한 결과를 얻습니다. 그러나 가장 중요한 창조물은 San Miniato al Monte에있는 포르투갈 추기경의 채플이었습니다.이 곳에서는 다양한 분야가 풍부하고 다양한 전체를 창출하는데 기여했습니다.

파도바의 도나 텔로
파두 아 (Padua) 터스 커니 휴머니즘과 북부 예술가 사이의 중요하고 초기의 관계가 발전 할 수있다. 많은 토스 카나 예술가가 15 세기의 30 대 및 40 대 베네치아시에서 활동했습니다 : Filippo Lippi (1434 ~ 1437), Paolo Uccello (1445) 및 조각가 Niccolò Baroncelli (1434 – 1443).

이 의미에서 근본적으로는 도나 텔로 (Donatello)라는 도시에 도착한 것이 었습니다.이 도시는 가타 멜라 타 (Gattamelata)의 승마 기념물과 성자 제단과 같은 기억에 남는 작품을 남겼습니다. 도나 텔로는 1443 년부터 1453 년까지이 도시에 머물렀고, 가게를 준비해야했습니다. 도나 텔로가 떠난 이유는 명확하지 않으며 어쩌면 그의 공장 임대 계약 만기와 같은 우발적 인 이유와 관련이있을 것입니다. 아마도 그 엄격한 예술에 덜 우호적 인 피렌체 환경과 관련이 있습니다. Donatello가 망명 한 Palla Strozzi의 풍부한 피렌체 은행가의 초청으로 움직 였다는 가설은 어떠한 피드백에 의해서도지지되지 않는다.

파도바에서 작가는 개방적이고 열정적이며 이미 잘 특성화 된 문화 속에서 그의 작품의 참신함을받을 준비가되었음을 알게되었습니다. 도나 텔로 (Danatello)는 또한 독일의 유물 (베네치아의 많은 조각상에 존재)의 선형 표현주의와 성도의 제단에 영감을 준 목조 제단 또는 조각과 그림의 혼합 된 빈 공예와 같은 다색성의 맛과 같은 국지적 자극을 흡수했다. .

성도의 제단
아마도 대성당 델 산토 (1444-1449)의 십자가의 긍정적 인 확인 덕분에, 약 1446 년에 도나 텔로 (Donatello)는 더욱 인상적이고 권위있는위원회 (Basilica del Santo)의 전체 제단을 건설했습니다. 구호품 및 7 개의 동상은 도시에서 출발 할 때까지 일한 라운드에서 청동 색으로 장식되었습니다. 1591 년에 해체 된 최초의 건축 구조는 가장 중요한 복합 단지에서 사라졌으며 Donatello가 관측자의 인물, 공간 및 시점 사이의 관계를 정의한 극도의 관심을 알고 있으므로 그것이 분명합니다. 상당한 손실. 현재의 배열은 1895 년의 임의의 재구성으로 거슬러 올라간다.

원래의 모습은 3 차원의 “성스러운 대화”를 기억해야했으며, 둥근 6 명의 성도가 8 개의 기둥이나 기둥으로 표시된 일종의 얕은 캐노피 아래 Madonna and Child 주변에 배치되었고, 오늘날과 같이 노회가 시작될 때가 아니라 걸어 다니는 것. 모든면에서 부조로 장식 된이 기지는 일종의 프리델라입니다.

일반적인 효과는 중앙에서 처녀 자리부터 시작하여 연속적으로 더욱 강렬한 파도 속에서 움직임의 전파가 있었음에 틀림 없다. 행동에서 묘사 된이 성녀는 어린이를 충실한 사람들에게 보여주기 위해 보좌에서 일어나기 위해 막혔다. 라운드의 다른 상 (성도 프란체스코, 안토니오, 지 스티나, 다니엘레, 루 도비 코, 프로스 도키모)은 자연스럽고 잔잔한 제스처를 지니고 있습니다. 제스처와 표현의 경제는 표현의 긴장을 너무 강하게 피하면서 성자의 기적을 가진 경이로운 장면, 즉 사소한 부조에 둘러싸인 즉, 전도자와 열두 putti의 네 상징의 패널이 있습니다.

성 안토니의 기적을 설명하는 네 개의 대형 패널은 기적적인 사건이 일상 생활과 섞여있는 군집 장면들로 구성되어 있지만, 힘줄의 사용으로 항상 즉시 확인이 가능합니다. 백그라운드에서 매우 낮은 수준의 구제에도 불구하고 엄청나게 깊은 아키텍처의 장엄한 배경이 열려 있습니다. 많은 주제가 고대 기념물에서 가져온 것이지만, 가장 눈에 띄는 것은 군중입니다.이 군중은 처음으로 표현의 불가분의 일부가됩니다. 당나귀의 기적은 순간의 엄숙함을 증폭시키는 인물 집단의 크기에 비례하지 않고 단축 된 아치가있는 삼자입니다. 회개 한 sonit의 기적은 시청자의 시선을 중심으로 향하게하는 계단의 경사 선과 함께 일종의 서커스에서 설정됩니다. 아바의 마음의 기적은 동시에 관찰자의 눈을 인물의 팔에 의해 안내되는 원형 동작으로 만드는 역사의 핵심 사건을 동시에 보여주는 나레이션입니다. 신생아의 기적은 마침내 전경에서 기둥 앞에 놓인 일부 인물을 말하며 관객쪽으로 환상적으로 투사되기 때문에 크기가 더 큽니다. 일반적으로 선은 굴절되고 활기가 있으며 건축 부분의 금과은 (현재 산화 됨)에 의해 빛의 번쩍임이 강화됩니다.

돌 제재에서 아마도 제단의 뒷면 때문에 Donatello는 Melagro의 죽음에 대한 고대 모델을 다시 만들었습니다. 공간은 취소되고 단지 석관과 단조로운 인물 화면 만이 컴포지션에 남아 얼굴 표정과 분노한 제스처 덕분에 기능이 흐트러지며 무엇보다도 선명한 각도를 생성하는 선의 대조에 의해 강조된 역 동성이 나타납니다. 다색성으로 강화 된 다이내믹 한 선이 눈에.니다. Donatello는 이태리 북부 미술에 대한 근본적인 영향에 대한이 작품에서 Gattamelata 대신 같은 해에 반복 된 전형적인 인간 주의적 개인에 대한 합리성과 신뢰의 원칙을 포기했다. 이것들은 예술가가 극도의 즉각적으로 읽은 최초의 증상으로, 다음 수십 년 동안 성숙한 초기 르네상스의 이상에 대한 위기를 말합니다.

가타 멜라 타 (Gattamelata)의 승마 기념비
그것은 아마도 1446 년, 에콰도르 다 나르 니 (Gattamelata) (1443 년 사망)라고 불리는 행운의 선장의 상속인에 의해 1446 년에 거슬러 올라가서 바실리카 델 산토 앞 정사각형에 승마 기념비를 지을 예정이다. 청동 작품은 예술가가 정교하게 고전적인 승마 기념물을 시험해 볼 수있게했으며, 1453 년에 완성되었습니다.

세노 타프 (cenotaph)로 생각 되듯이, 그 당시에는 중요한 접근로를 축으로 외관과 측면에서 약간 벗어난 가까운 바실리카와 관련하여 조심스럽게 연구 된 장소에서 공동 묘지 지역이되었습니다. 여러 관점에서.

이 유형의 조각품에 대한 최근의 전례는 없습니다. 14 세기의 승마 동상, 청동 없음, 보통 무덤을 넘어 섰습니다 (Scaliger arks와 같은); 페인팅에는 전례가 있는데 그 중에는 Simone Martini의 Guidoriccio da Fogliano와 Paolo Uccello의 Giovanni Acuto가 있습니다. 그러나 Donatello는 로마의 마커스 아우렐리우스의 승마 동상, 파비아의 Regisole, 산 마르코 (San Marco)는 얼굴을 아래로 향하게 한 발걸음으로 나아가는 말의 길을 재개했습니다.

어쨌든 Donatello는 인간 행동이 사고에 의해 인도되는 개인의 인간적 숭배에 기초하여 독창적 인 표현을 만들었습니다. 높은 지하실에 놓인이 작품에서 사람의 모습은 이상적입니다. 죽음 이전의 진짜 노인으로부터의 초상은 아니지만 로마의 초상에 의해 영감을 얻은 이상적인 재건은 정밀한 지형을 가지고 있습니다. 평상복. 말은 정지 된 힘을위한 방전 지점으로도 작용하는 발굽 아래의 공을 사용하여 막힌 자세를 취합니다. 리더는 스터럽에서 다리를 쭉 뻗어 먼 지점을 고정시키고 칼집에있는 칼로 항상 비스듬한 위치에있는 비스듬한 위치에서 명령의 막대기를 손에 든다.이 요소는 대위법의 역할을한다. 말의 수평선과 전진 운동을 강조하는 condottiere의 수직선에 대해서도 머리의 약간의 편차가 강조됩니다. 기념비는 이후의 모든 승마 기념물의 원형이었습니다.

리미니
Sigismondo Pandolfo Malatesta는 리미니에서 자신과 그의 가족을 영화 롭게하는 일련의 중요한 활동에 대한 활동적인 포 몰토 스타였습니다. 야심 찬 프로젝트의 절정은 수십 년 동안 새로운 르네상스 건축물 인 Malatesta 매장지 인 Leaf Battista Alberti, Piero della Francesca가 근무한 Malatesta Temple (약 1450 년경)에서 수십 년 동안 San Francesco 교회의 보수 공사였습니다. 그 안에는 풍부한 플라스틱 장식품이 있었는데, 이는 건축 구조를 뒤덮었습니다. 각 예배당 입구의 기둥은 실제로 Agostino di Duccio의 지시에 따라 조각 된 우화 또는 내러티브 부조로 덮여 있습니다. 피렌체 출신의 조각가는 stiacciato Donatello에서 시작하여 자체 감각의 스타일을 개발했습니다. 주제는 대부분 1460 년에 파문을 일으킨 교황 비오 2 세 피콜로미니 (Pius II Piccolomini)와 대조적으로 교회를 일종의 휴머니스트 한 성전으로 만든 지그 몬도 (Sigismondo) 자신이 결정한, 모호하고 복잡한 복잡한 우화이다.

15 세기의 마지막 분기

Niccolò dell’Arca
볼로냐에있는 Niccolò dell’Arca (1485 년경)의 죽은자를위한 애도는 의심 할 여지없이 15 세기의 이탈리아 조각상의 파노라마에서 명백한 비교가없는 작품입니다. 이 수치는 극도로 사실적이며 고통의 표현력이 강하고 두 개의 피실험자가 통제 할 수없는 고뇌의 울음 소리가되고 반대의 바람에 의해 팽창 된 옷자락이 분노하게 만듭니다. 이 표현의 뿌리는 부르고뉴 조각품과 마지막 도나 텔로 작품에서 찾아 볼 수 있지만 가장 직접적인 연관성은 볼로냐에서 활동해온 페라레세 화가, 특히 에콜 드 로베리 (Ercole de ‘Roberti)가 카펠라 가가 넬리 (Cappella Garganelli)의 잃어버린 벽화에 대한 활동과 관련이있다.

이 작품은 에밀리안 조각상에서 실제적인 추종을 갖지 못했습니다. Compianto della Modenese Guido Mazzoni의 연속적이고 광범위한 조각 그룹은보다 평화 롭고 일반적인 방식으로 “Dionysian”광란의 음색을 약화 시켰습니다.

롬바르디아
또한 롬바르디아에서는 페라라 페인팅 학교의 영향을 받았다. 오랜 기간 동안 가장 중요한 건축 현장이었던 밀라노 대성당의 장식 외에도 많은 사람들이 오랫동안 기쁜듯한 스타일을 이어가고 있으며, Certosa di Pavia 외관의 조각 장식이 사용되었습니다. 기업에서 활동하는 예술가들 중에는 Cristoforo Mantegazza가 있는데, 이들은 조상의 축출 (약 1475 년)에 기인한다. 구겨진 종이처럼 보이게되는 거친 도자기에서.

지오바니 안토니오 아마데오 (Giovanni Antonio Amadeo)의 나사로 부활 (약 1474)은 반대로 Bramante의 교훈에서 파생 된 건축물의 깊이에 밑줄을 긋고 있지만, 더 깊고 갑작스러운 윤곽으로 조각 된 인물들로 구성되어 있습니다. 거. 일반적으로 Lombard.

나폴리 왕국
아라공의 알폰소 5 세 (Alfonso V)에있는 나폴리 왕국에서는 카스텔 누오보 (Castel Nuovo)의 아치가 근본적인 에피소드였습니다. 조각가의 이기종 그룹이 거기에서 일했으며, 전체의 무질서의 기원이었다. 카탈로니아 어 – 부르고뉴 식으로 연결된 최초의 예술가 팀에게는 Domenico Gaggini와 Francesco Laurana의 성격이 돋보이는보다 복합적인 작품이 생겨 났으며 작품이 끝난 후에도 그들은 오랫동안 왕국에 남아있었습니다 .

개기니 (Gaggini)는 시칠리아에서 가장 활발했던 왕조의 원조였으며 롬바르디아 원주민의 풍요 로움과 지역 특색을 결합했다. Laurana는 그 대신 그녀의 가장 인정받은 명작이었던 연상되고 세련된 아름다움의 초상화에서 더 많은 합성 양식을 전문으로했습니다. 예를 들어, Eleonora d’ Aragona의 초상화 (1468, Palermo, Palazzo Abatellis)에서는 형상이 근본적인 것으로 축소되어 형태의 합성 및 기하학적 순도를 개발하는 희귀 한 아름다움을 특징으로합니다 . 이 이상화는 조각가가 우르비노에서보아야했던 Piero della Francesca의 작품에 접근합니다.

15 세기가 끝날 무렵, 피렌체 작품과 장인의 직접적인 존재는 Lorenzo the Magnificent와의 동맹에 의해 선호되었으며,보다 엄격하게 르네상스 식의 숭배에 찬성하여 왕국에 존재하는 비균질적 인 주소의 선택을 허용했습니다. Antonio Rossellino와 Benedetto da Maiano의 작업은 근본적이었습니다. 후자는 Sant’Anna dei Lombardi의 교회에서 Piccolomini Chapel의 장식을 담당했는데, 포르투갈의 추기경 피렌체 예배당의 계획을 재개 하였지만, 지방의 맛에 따라 더욱 풍성한 장식적인 충만 함으로 업데이트되었습니다. 고객.

베네토
1479 년과 1496 년 사이 피렌체의 길은 Andrea del Verrocchio에게 위탁 된 Bartolomeo Colleoni의 승마 기념비의 위임장으로 직접 침투했다. His work differs from Donatello’s illustrious precedent also for the stylistic values of the work. At the concentrated and serene gait of Gattamelata, Verrocchio opposed a leader set according to an unprecedented dynamic rigor, with a vigorous and vigorously turned bust, his head firmly aimed at the enemy, his legs rigidly apart with compasses, the gritty and vital gestures.

In the second half of the fifteenth century the sculptors active in Venice were mainly architects or figures, however, linked to their construction sites, which were formed in their shops. For example, it was the case of the two sons of Pietro Lombardo, Tullio and Antonio, who received commissions for grandiose monuments of the Doges, statues and sculptural complexes. The addresses expressed by the sculpture of that period were not homogeneous and ranged from the vigorous and expressive realism of Antonio Rizzo (statues of Adam and Eve in the Arco Foscari), to the mature classicism of Tullio Lombardo (Bacchus and Arianna).

The Tullio Lombardo workshop in particular was entrusted with some funeral monuments of state, which is one of the most complete examples of this type. The funeral monument to doge Pietro Mocenigo (about 1477-1480) has a series of statues and reliefs linked to the figure of “captain da mar”, in the celebration of his victory, albeit modest, against the Ottomans in the Aegean. The monument was set up as the awarding of a triumph, recalling from the ancient some symbolic myths, such as that of the labors of Hercules.

Even more related to ancient models was the funeral monument to the doge Andrea Vendramin (1493-1499), with an architectural structure derived from the Arch of Constantine, which was amplified in the following years. The deceased is represented in the center, lying on the sarcophagus, which is decorated by personifications of Virtue, of Hellenistic flavor. In the lunette the doge is portrayed on a bas-relief, while he adores the Virgin who resembles a classical goddess. Also the plinth, where the elegant inscription in Roman lapidary is found, is rich in symbolic reliefs in style that imitates the antique, even when it represents biblical characters such as Judith. In the lateral niches there were originally ancient statues, today in the Bode Museum (Paggi reggiscudo), in the Metropolitan Museum (Adamo) and in Palazzo Vendramin Calergi (Eva), replaced centuries later by the works of other artists.

The spread of antiquarian fashion then stimulated the birth of a real fashion of old-fashioned bronzes, which had its center in Padua. The most successful interpreter of this genre was Andrea Briosco, known as Il Riccio, who started a production able to compete with the Florentine workshops.