인간 조각 패턴에 대한 첫 번째 증거는 최초의 호모 에렉투스가 발견 된 인도네시아 자바의 트리 닐 (Trinil)에서 540,000 년에서 430,000 년 사이에 거슬러 올라가는 끌린 껍질입니다. 남아공에서 Diepkloof Rock Shelter의 물통으로 사용 된 타조 알 껍질에 부화 한 밴딩은 기원전 60,000 년경의 중간 석기 시대로 기록되어 있습니다. 뼈와 상아에 조각하는 것은 고생 석기 예술에 중요한 기술이며, 암석에 더 큰 새겨진 암각화는 전 세계의 많은 선사 시대와 문화에서 발견됩니다.

고대에는 기원전 1 천년이 시작된 후 일부 보석에서 볼 수있는 얕은 홈이 고대 유골에서 조각되었습니다. 고대 금 반지 또는 다른 품목의 소위 새겨진 디자인의 대부분은 쫓기거나 때로는 로스트 왁스 주조와 체 이싱의 조합. 새겨진 보석은 조각되거나 새겨진 준 보석을 의미합니다. 이것은 고대 세계에서 중요한 소규모 예술 형태였으며 19 세기까지 인기를 유지했습니다.

나무 조각
목판화는 적어도 7 세기 중국부터 알려져 있으며, 가장 오래된 흔적은 둔황의 모가 오 석굴 인 실크로드의 중국 서부 문입니다. 그들은 원래 경전, 불교 대포 책에 사용되었습니다. 중국인은 또한 종이 (206AD, 서한 왕조)를 발명했는데,이 책은 인쇄, 빠른 보급 및 모든 종류의 서적 비용, 북송 왕조의 2 세기부터 지폐 또는 광고를 인쇄 할 수있게 해주었습니다. 카드 놀이 또는 기타 다양한 일상 물건이 인쇄되기 시작했습니다.

Kublai Khan에 의해 설립 된 Yuan 왕조에 따라 중국을 정복하고 이끌었던 몽골 인들도이 기술에 접근 할 수 있었고 기술자와 기술의 한쪽 끝을 제국의 다른쪽으로 옮기는 데 사용되었습니다. 동유럽과 북아프리카는 서쪽으로, 한국과 시베리아는 동쪽으로.

수학 (소위 아라비아 숫자, 대수), 무기 (트레 바 bu, 총기, 석궁), 종이, 풍차 및 기타 동양 기술에 대한 많은 발견을 포함하여 동양의 많은 기술이 십자군과 그와의 교류 과정에서 유럽에 도착했지만, 이 기술이 실크로드에 의해 서부에 도입되었다는 공식적인 증거는 없습니다. 일부 전문가들은 자일로 그래피 기술이 북유럽의 라인강 계곡에서 재창조되어 더 정확하게 찾을 수 없다고 가정합니다.

가장 오래된 서부 목재 매트릭스 인 Protat 목재는 1380 년경입니다.보다 정확하게는 Sennecey (Saône-et-Loire) 주 Laives에서 실행 된 호두 나무 판 (0.60 × 0.23 cm)의 조각입니다 부르고뉴 (Burgundy)에서는 센츄리온 (Centurion)과 두 병사, 그리고 다른 한편으로는 성모 영보 대축일의 천사를 상징합니다. 우리는 또한 Buxheim 도서관에서 발견 된 Saint Christopher가 1423 년의 원고에 붙어 있음을 주목해야합니다.

인쇄기보다 목판이 우선합니다. 조각 기술은 지원 가능한 원본과 사용하기에 비용이 적게 들기 때문에 서포트를 도입하는 것이 중요하기 때문에 지지대와 매우 관련이 있습니다. 따라서 자일로 그래픽 생산의 진화는 인쇄의 발전을 따릅니다.

르네상스

북유럽에서
목판은 1400 년까지 종이 사용과 병행하여 발전합니다. 인쇄물을 대량으로 재생하고 대중에게 도달 할 수 있습니다. 보다 자세한 재현을 가능하게하는 구리 판화는 더 비싸고 재배 된 후원자를 위해 만들어졌습니다. 그것은 1430 년 라인강 계곡에서 일반화되었고 금세공 기법을 이용했다 : Schongauer와 Dürer는 훈련에 의해 금세 공인이었다.

Schongauer가 작품의 속성을 지정하기는 어렵습니다. 이러한 익명의 조각사들은 일반적으로 “자신의 방식으로 이름으로”지정됩니다.

1446 년의 마스터, 독일 (Flagellation, Kulturforum, Berlin)에서 끌로 조각.
Master ES는 다양한 테마에서 1450 년에서 1467 년 사이의 판화에서 활동합니다. 그의 알파벳은 종종 다른 조각사들에 의해 모방 될 것입니다.
1460 년에서 1467 년까지 활동 한 배너 마스터.
카드 놀이의 주인, 아마도 금세 공인보다 많은 화가 인 9는 평행 해칭, 즉 Kupferstichkabinett (드레스덴)와 프랑스 국립 도서관 (파리)에 보관 된 60여 편의 작품으로 그림자를 개발합니다.
암스테르담 내각의 마스터라고도 불리는 이성서 석사 (Hausbuchmeister)는 1465 년에서 1505 년 사이에 활성화되었습니다. 아연이나 주석의 건조 점을 시작한 것으로 보입니다. 80 개의 판화가 “그림 및 키아로 스코로 효과”로 표시됩니다.
1471 년에서 1491 년 사이에 활동 한 Martin Schongauer는 이름과 관련된 최초의 모노그램 제작자였습니다. 그는 끌 기술을 혁신합니다. 그의 작품은 등고선의 우세와 밝은 곳과 어두운 곳의 교체로 유명합니다 (La Montée au Calvaire, Fondo Corsini, Rome).
Israhel van Meckenem (1450-1503)은“600 개의 조각으로 당시 가장 많은 파산가 중 한 명으로 3/4이 사본이었다”(예수님과 믿음의 의사, Pinacoteca Nazionale, 볼로냐).
다니엘 호퍼
Martin Schongauer의 영향을받은 Albrecht Dürer는 가장 혁신적인 라인 석 조각가입니다.
한스 발둥 (Hans Baldung)은 1510 년 나무 레 소르시 에르 (Les Sorcières)에 새겼다. 그는 선의 선명함과 그의 작품의 극적인 톤으로 자신을 구별했다. 우리는 그에게 1521 년 마르틴 루터의 초상화 (Wild Horses, Fondo Corsini, Rome)를 빚지고 있습니다.
원래 스위스 출신 인 Urs Graf (1485-1528)는 에칭을 사용한 최초의 공정 중 하나였으며, 그 과정은 Wenceslas d’ Olmütz (1496)에 기인합니다. “열심히 실험을하면서 그는 스크린 방식”인종 간 행동의 새로운 이름 “을 채택했다.
알브레히트 알트도 퍼 (Albrecht Altdorfer) (1480-1538)는 자율적 인 예술적 실체의 계급으로 풍경을 높입니다. 그는 빛의 변화를 강조하기 위해 에칭을 사용한 최초의 사람이었습니다.
루카스 크라 나흐 장로 (1472-1553)는 화가이자 조각사였습니다. 그는 두 개의 나무로 된 그늘 기술을 발명했습니다. 목판은 루터교의 선전과 책 삽화 (이집트, 로마의 폰도 코르 시니로 향하는 여행)에 사용됩니다.
Lucas van Leyden (1494-1533)은 북유럽 및 이탈리아 요소 (Saint Georges)를 합성합니다. 그는 또한 기술적으로 혁신적입니다.
장로 피에르 브루 겔 (1525-1569)은 히에로니무스 콕 워크숍에서 조각을 배웠다.

북동부 이탈리아
베네토, 달마시안, 에밀리아, 롬바르디아는 15 세기 전반에 목 판화와 동판 조각을 볼 수 있습니다. 공증인 야 코포 루비 에리 (1430 년 파르마에서 태어남)의이 헌신적 인 이미지 모음에서 볼 수 있습니다.

이탈리아의 Maso Finiguerra는 1452 년 피렌체의 생장 교회를 위해 새겨진 판의 증거를 만드는 수단을 발견했습니다. “Finiguera에 이어 최초의 구리 조각사들은 은세공 인, 닐 러르, 다마스 쿼처였습니다. 그들은 한편으로는 토스카나, 파도바, 베네토에 위치하여 다른 큰 구체를 형성합니다. ”
Andrea Mantegna (1431-1506)는 주제와 기술 (로마의 폰도 코르 시니, 시저의 승리)을 새롭게한다.
Baccio Baldini (1436-1487) 은세공 인 및 닐러 (Dante, Virgile et la vision de Béatrice, Fogg Art Museum, Cambridge [Massachusetts]).
산드로 보티첼리
안토니오 델 폴라 이우 올로 (1431-1496).
프란체스코 프란시아.
Parmigianino (1503-1540)는 식각 공정 (로마의 폰도 코르 시니, 그리스도의 무덤)을 지배합니다. 굵은 선이 교차하여 가려진 외관을 제공하며, 모두 건조한 점으로 몇 번의 터치 업으로 향상되었습니다.
Francesco Rosselli (1498-1513) : “광범위한 길”의 대표자.
Nicoletto da Modena는 라인의 경도와 딱딱한 형태 (알레고리 포춘, 폰도 코르 시니, 로마)로 인식됩니다.
Girolamo Mocetta (1454-1531)는 색채 효과와 기념비적 인 스타일로 작업합니다. 미세한 선이 특징이며 때로는 구부러져 있습니다.
베네 데토 몬타 냐 (Beneetto Montagna)는 뒤러 (Dürer) 스타일로 작업합니다 : 크로스 해칭 및 곡선. 그는 sfumato를 접시에 번역하려고합니다.
Giulio Campagnola (1482-1515)는 점선 기법을 도입했습니다. 그와 함께 조각은 자율적 인 예술 장르가됩니다.
티티 안 (1490-1576) : 그의 목판화는 기념비적이다 (1549 년 12 블록에 홍해의 통로). “세인트 캐서린의 신비한 결혼식은 깊고 섬세한 절개로 만들어진 해칭을 제시하며 같은시기에 에칭을 위해하는 일에 더 가깝습니다.”
Marc-Antoine Raimondi (1470-1534). 첫 번째 판화는 nielle에서 영감을 얻었으며 그의 작품은 chiaroscuro의 대가로 발전 할 것입니다 (Le Songe de Raphaël, 1507). Raphaël과의 협력은 번역판의 탄생을 의미합니다. “기술적으로, 끌을 사용하는 방법은 혁신적인 것으로 보인다. 단순한 해칭에는 십자형 해칭이 수반되므로 끌과 점선에 절개 부를 추가하여 훨씬 더 실제적인 키아로 스코로를 생성하기 때문이다.”
Hugo de Carpi, 평범한 화가이지만 천재 조각사. 그는 음영이나 반음계 크 실로 그래피 (Raphaël와 그의 연인 Albertina, Vienne)와 함께 혁신합니다. 그는 베네치아 시대에 다양한 방법을 실험 해 보았습니다 .1516 년에 상원과 총독에게 위조자들로부터 자신의 프로세스를 보호 해달라고 간청했습니다.

바로크
이 기간 동안 판화는 재생산과 자율적 장르 사이에서 진동하여 자유주의와 정당으로부터 영감을 얻습니다.

바로크 운동의 두 선구자 :

네덜란드에서 태어난 Cornelis Cort (1533-1578)는 1572 년 로마에 영구적으로 정착했습니다. 그는 모양과 두께의 변화로 인해 음조 변조 (Noces de Cana, 파리의 Bibliothèque nationale)를 획득하여 끌 기법에 혁명을 일으켰습니다. 선.
헨드릭 골지 우스 (Hendrick Goltzius, 1558-1617)는 그의 새겨진 작품으로 유명합니다. 끌 (Icarus, Fondo Corsini, Rome)이 새겨진 약 500 조각.

이탈리아에서
다음 예술가들과 함께 바로크는 주제와 기술 모두에서 자신을 주장합니다.
Federico Barocci dit le Baroche (1528? -1612)는 식각과 끌을 연결합니다 (L’ Annonciation, Fondo Corsini, Rome). “바로 쉬는 첫 번째 물린 후 미세한 선으로 형성된 풍경 부분에 거의 붓글씨로 왁스로 바니시를 바르십시오. 따라서 매트릭스의 그루브를 파는 여러 산 통로를 포기합니다. “다중 바이트 프로세스”라고 불리는 결과는 완전히 혁명적입니다. 여기에는 특별한 조각 방법이 추가됩니다. 평행선은 진동하는 빛의 효과를 얻기 위해 점선을 추가하여 여러 방향으로 가로를 가로지 릅니다. ”
아고스티노 카라치 (Agostino Carracci, 1557-1602)는 17 세기 이탈리아의 가장 위대한 작가 중 한 명으로 여겨진다 (1579 년 7 개의 조각으로 동방 박사의 숭배). 끌의 작품은 Cort와 Goltzius를 연상시킵니다. 1590 년부터 그는 페르디난드 데 메디시스 (Ferdinand de Médicis)와 크리스틴 데 로레인 (Christine de Lorraine)의 결혼식을 기리는 명예의 전당을 식각했다.
Jusepe de Ribera는 17 세기 판화의 대가로 여겨집니다. 그러나 그의 생산은 매우 짧은 기간 (1616-1630)에 걸렸다. 그의 가장 좋아하는 영역은 불규칙한 선이 우세한 에칭입니다 (Le Poète, 1620, Rome, ING).
Stefano della Bella (1610-1664)는 인상적인 생산량을 가지고 있습니다. 1,000 개가 넘는 조각으로 대부분 끌과 drypoint로 강화 된 식각입니다 (Les Caprices de la mort, 1648 절).
Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1665)은 항상 독학으로 간주되었습니다. “그의 조각 기술은 선에 중점을두고있다. 그는 빛 효과를 만들려는 시도와 관련이있는 단일 디자인 기법의 발명가가 될 것이다.”Castiglione은 검은 색에 모노 타입을 사용하지 않고 흰색에 하나의 디자인을 사용했다. 배경 (성찬의 우화).

북유럽에서
앤트워프와 플랑드르는 예술가들을위한 진정한 보육원입니다. 거의 모든 사람들이 그들의 기술을 완성시키기 위해 이탈리아로 여행 할 것입니다.

그중에서도 다음을 유지합시다.

피에르 폴 루벤스 (1577-1640). “그는 앤트워프에 매장 주의자 학교를 설립 한 것에 대한 훌륭한 공로를 가지고있다. 그를 위해, 인쇄는 보급과 지식의 수단이다. 그는 본질적으로 번역의 수단으로 조각을 사용한다.” P. Paul Rubens fecit (촛불, 로마, Fondo Corsini의 늙은 여성).
Cristoffel Jegher (1596-1652)는 17 세기의 나무 조각 전문가로, 기술적 인 감소 (버킹엄 셔의 Waddesdon Manor)가 감소했습니다.
Pieter Claesz Soutman (1580-1657)은 chiselscuro를 만들 수있게 해주는 끌로 졸졸하는 기술을 개발했습니다.
Hercules Seghers (c. 1590-1638)는 착색 된 식각과 아콰 틴트를 검은 광택으로 발명했습니다.
Rembrandt Van Rijn (1606-1669)은 먼저 에칭을 사용한 후 건조 점을 사용합니다. 마지막으로 두 기술을 혼합하여 종이 효과 (일본 종이 또는 양피지)로 재생합니다.

프랑스
피렌체에서 훈련을받은 acques Callot (1592? -1635)는 중요한 시리즈 (Les Foires, Les Supplices, Les Miseries de la Guerre)에서 에칭을 개발했습니다. 그는 기술의 최대 가능성을 이용하고 싶었고 “aquafortists의 전통적인”소프트 바니시 “를 마스터 Florentine 캐비닛 제조업체의”하드 바니시 “로 교체하기로 결정했습니다. 입체 공간”.
조각가 이론가 인 아브라함 보사 (1604-1676)는 프랑스 바로크 조각사의 원형입니다. 그의 책은 당시의 조각 기술에 대한 요약입니다. “부드러운 광택을 만드는 방법”, “마구간을 다루는 방법”및 “물을 강하게 사용하는 방법”, 그리고 마지막으로 “방법” 인쇄기를 만드는 수단과 함께 요판을 인쇄하십시오.”
니콜라스 아 놀트 (1650-1722).
장 밥 티스트 레빌 (1767-1825).

신고전주의
이탈리아 풍경에 대한 18 세기 수집가의 열정은 작가 Vanvitelli (1653-1736), 주세페 바시 (1710-1782), Luca Carlevarijs (1663-1730), Marco Ricci (1617-1730)의 제작을 지시합니다. 후자는 그의 에칭에서 빛의 영향과 잎의 움직임을 번역하기 위해 작고 들쭉날쭉 한 선을 소개합니다.

Canaletto (1697-1768)는 빛의 진동을 그의 식각 (1763, Windsor Castle, Royal Collection의 석호에 발코니와 갤러리가있는 카프리스)으로 변환하려고 시도합니다.
Giambattista Tiepolo (1696-1770)와 그의 아들 Giandomenico (1727-1804)는 해칭, 카운터 크기, 평행 기복이있는 곡선, 점묘법, 평행선 등 멋진 기술자입니다.
주세페 바그너 (1706-1786)의 워크숍은 자주 예술가들 (브루 솔론, 바라 티, 주치 등)과 거기에서 개발 될 새로운 기술들, 특히 아름다운 방법의 관점에서 중요합니다. 깨끗하고 깊은 선을 만들 수있는 부드러운 점으로 끌에 조각.

Giovanni Battista Piranesi는 “Piranese”(1720-1778)로 알려져 있습니다.
Diderot 백과 D’ Alembert 백과 사전의 삽화는이 예술이 재배를 대중화하는 데 어떻게 도움이되었는지 보여줍니다.

18 세기에는 다양한 형태 (요판, 에칭 등)의 동판 조각이 우세합니다. 나무 조각은 인기있는 이미지에 국한됩니다.

현대 시대
한편, Aloys Senefelder에 의한 리소그래피의 발명. 완전히 새로운 원리 (수성 잉크 길항제 및 더 이상 구제책이 아님)를 기반으로하는 리소그래피를 사용하면 까다로운 조각 기법을 배울 필요없이 직접 그릴 수 있습니다. 따라서 많은 화가와 일러스트 레이터가 독일, 이탈리아, 프랑스 및 영국에 널리 배포 된 인쇄물에 액세스합니다.

반면에, Briton Thomas Bewick은 “최종 곡물”(또는 “스탠딩”)에 조각을 개발하여 목재 조각을 최신 상태로 만듭니다. 나무에는 구리와 같은 끌이 새겨 져있어 모든 세밀한 부분을 허용하고 구호 기술의 장점을 가지고 있습니다. 따라서 텍스트와 동시에 활판 인쇄에 조각을 인쇄 할 수 있습니다.

1818 년경 찰스 톰슨 (Charles Thompson)이 프랑스에서 도입 한이 기술은 출판과 언론에서 널리 사용됩니다. Héliodore Pisan, François Pannemaker et fils, Hippolyte Lavoignat와 같은 큰 이름을 가진 수백 명의 조각가들이 Honoré Daumier, Gustave Doré, Grandville 등과 같은 위대한 일러스트 레이터의 작품을 해석하기 위해 매일 일합니다. 언론의 성장에 따라 목재 조각은 거장 기술자가 제공하지만 종종 창의성이없는 재생산 산업이되는 경향이 있습니다.

Auguste Lepere와 같은 작가들과 함께 원래의 목판화로 돌아 가려는 시도는 19 세기 말에 너무 늦게 도착하고, 에칭은 사진에 기초한 기술 (하프 톤)로 대체됩니다.

레코더를 대표하는 회사를 설립하는 것은 19 세기 후반에 중요한 사건 중 하나입니다. 1862 년의 소사이어티 협회, 1889 년 프랑스 화가 및 조각사 협회.이 모델은 1802 년 런던에서 설립 된 조각사 협회입니다.

Barbizon School은 Eau-forte 저널이 주도하고 있으며 유리 진부한 16과 같은 새로운 기술을 실험하고 있습니다. Millet and Corot은이 새로운 기술을 채택 할 것입니다 (Le Petit Berger, Corot, Milan, 1855, A. Bertarelli) . Antonio Fontanesi는 발명의 에칭을 재발견합니다. 그는 반복적 인 물림 (빛 효과)을 사용합니다. 그는 또한 유리 진부를 사용합니다.

대리인
Giovanni Fattori (1825-1908)는 에칭의 위대한 대가 중 하나입니다. Baudelaire는 다음과 같이 말합니다. “플라스틱 예술의 표현 중에서도 에칭은 l 문학적 표현에 가장 가깝고 자발적인 사람에게 가장 적합한 것입니다. ”

로돌프 애커 만 (Rodolphe Ackermann) (1764 년 4 월 20 일, 작센 선제후 스톨 베르크, 1834 년 3 월 30 일, 런던 핀치 리)는 서점, 석판가, 출판사 및 미술 도서 일러스트의 선구자 중 한 사람입니다. 그는 식각을 이용한 식각 공정 인 아쿠아 틴트 또는 아쿠아 테 인트 기법을 민주화하는 데 도움을주었습니다.

Whistler (1834-1903)는 Fantin-Latour, Courbet 및 Legros로 조각을 시작했습니다. 그는 에칭으로 시작한 후 1871 년 (레이 랜드 가족의 초상)에서 건조 점에서 일했습니다. Francis Hayden (1818-1910)은 건조 점, 번식, 물기, 아 콰틴 등 대기의 영향을 해석하는 기술을 혼합합니다.

Manet과 같은 인상파들은 분위기를 번역하기 위해 조각과 리소그래피를 사용합니다 (La danseuse Lola de Valence, Paris, Bibliothèque nationale). Degas는 단일 유형 (1885, 파리, 예술 및 고고학 도서관에 화장실에 여자)을 추가하여 동일한 작업을 수행합니다. Pissarro는 나무 조각을 좋아합니다 (여성은 잔디 만들기, 1895). 우리는 Pierre Renoir, Paul Cézanne, Vincent van Gogh를 잊지 말아야합니다. 폴 고갱 (Paul Gauguin) (1848-1903)은 나무 조각 (1893-Te Faruru, Chicago, Art Institute)에 대한 편견을 가지고 있었다.

실용적인 제약 조건을 없애기 위해 조각은 순수한 예술 영역으로 돌아가 전통 기술을 재발견하고 현대화합니다. 20 세기는 Félix Vallotton (La Manifestation, Lausanne, Vallotton gallery) 및 Edvard Munch와 같은 예술가들과 함께 실의 나무, 단순함 및 표현 가치를 재발견했습니다.

Die Brücke와 Blaue Reiter 운동의 예술가들은 양식을 단순화하여 놀 수있는 나무 조각에 매료되었습니다.

Matisse는 목판, 에칭, drypoint (Henri Matisse 판화, 1900 년), 리소그래피 (bayadere 바지가있는 대형 odalisque, 1925, 베른, EWK 컬렉션), 아쿠 틴트 및 리 노컷 등 모든 기술을 실험합니다.

조르지오 모란 디 (Giorgio Morandi, 1890-1964)는 “형태를 생성하는 빛, 소성을 구성하는 체적, 색조 또는”색상 위치 “로 배치하여 구별 할 수있는 색을 병합하는 것을 관리합니다. 네덜란드 사람에게 물린 덕분에 그는 빛의 파도를 녹음 할 수 있습니다.

피카소 (1881-1973)는 2,000 개 이상의 알려진 작품으로 각인되었습니다. 1933 년 Roger Lacourière가 설탕을 넣은 끌과 물로 시작하여 Vollard Suite를 만들었습니다. 그는 모든 과정을 시도하고 갱신합니다. 다른 주들은 우리에게 완벽주의 예술가를 보여줍니다.

1921 년 조지 스 기멜 (1898-1962)은 삽화를 위해 끌과 소금 아 쿼틴으로 수많은 목판을 제작했습니다. 그는 목 판화를 개발하여 장식용 및 고급 패션 용 인쇄 직물을 생산했습니다.

Valentin Le Campion (1903-1952)은 책장을 전문으로합니다.

Claude Jumelet (1946-)은 Estienne School의 전 학생입니다. 그는 Périgueux에있는 우표 인쇄소의 조각사이며 맞춤 조각사이며 Art of Stamped Engraving의 일원입니다.

Jacky Larrivière (1946-) 위와 동일합니다.
Jean Fautrier, Raoul Ubac, Johnny Friedlaender, Stanley Hayter, Henri-Georges Adam, George Ball, Roger Vieillard, Marcel Fiorini, Louttre.B 또는 Pierre Courtin의 작품에서 새로운 재료와 새로운 프로세스의 사용 그림이나 그림에 대한 종속, 그리고 특정 수단의 인식에 관여함으로써 표현의 완전한 자율성을 보장합니다.

현대 조각
조각에 현대적인 사용의 예에는 펜던트와 같은 보석 또는 약혼 및 결혼 반지 내부에 텍스트를 작성하여 파트너 이름과 같은 텍스트를 포함하거나 스포츠 트로피에 우승자의 이름을 추가하는 것이 포함됩니다. 현대 조각의 또 다른 응용은 인쇄 산업에서 발견됩니다. 거기에서 매일 수천 페이지의 페이지가 윤전 그라비어 실린더, 일반적으로 이미지가 전달되는 약 0.1 mm의 구리 층을 가진 강철베이스에 기계적으로 조각됩니다. 조각 후 이미지는 약 6 µm 크롬 층으로 보호됩니다. 이 프로세스를 사용하면 이미지가 고속 인쇄기에서 백만 장 이상 인쇄됩니다. 전 세계의 일부 학교는 파리의 에콜 에스티 엔 (Ecole Estienne)과 같이 조각을 가르치는 것으로 유명합니다.

조각의 갱신
Lacourière-Frélaut 워크숍과 같은 인쇄는 Stanley William Hayter (Atelier 17), Joëlle Serve (atelier 63)와 같은 조각 워크샵에서 조각의 부흥에 참여할 것입니다. 필립 몰 리츠 (Philippe Mohlitz), 조지 볼 (George Ball) 또는 에릭 데스 마지 에르 (Erik Desmazières)는 끌을 끌고, 마리오 아바 티 (Mario Avati)는 블랙 포인트, 필립 파비에 (Philipe Favier)는 건조 점을 비롯해 젊은이와 노소의 많은 예술가들은 다양한 기술과 다양한 조합을 위해 조각하는 데 관심이 있습니다. Estienne School의 이전 학생들과 특정 우표의 요판 조각에 출구가 있습니다.

리소그래피
1960 년대에는 프랑스에서 장례 예술 산업으로 등장한 또 다른 유형의 조각이있었습니다. 이 조각은 아마도 동부 국가에서 나왔을 것입니다. 파리에는 두 개의 유고 슬라비아와 러시아가있었습니다.

이 조각 기술은 다이아몬드 추적 지점을 사용하여 거울처럼 광택이 나는 고급 검은 화강암에서 수행됩니다. 원칙적으로 그것은 중국 짐바브웨의 말린입니다. 스웨덴에서 가장 비싼 화강암 인 고급 검은 화강암도 있습니다.

이 조각은 화강암으로 이루어지기 때문에 석판화이므로 두 가지 명칭이 있습니다.이 기술은 건조 점이라고합니다.

조각의 재료에 대한 그림과 지식의 숙달이 필수적이며 예술적 감수성이 우수한 독특한 lapidary 판화입니다. 이 조각의 틈새에는이 조각에 모든 광채를 부여하고 장례 예술을 위해 만들어 졌기 때문에 악천후에 견딜 수 있도록 페인트를 넣어야합니다 (Michel Robardet의 반대쪽, 서명 하단 왼쪽) .

현대 기술을 사용하면 샌드 블라스팅, 전기 밀링 커터, 레이저 및 작업자가 컴퓨터를 사용하여 조각으로 예술적 측면을 자유로이 조각합니다.

영화 조각
2012 : Peter Greenaway의 Goltzius와 Pelican Company는 네덜란드 화가와 조각사 Hendrik Goltzius의 이야기를 들려줍니다.
2014 년 : Jean-Pierre Limosin의 Hokusai 방문. Arte와 Zadig Productions가 제작 한 51 분짜리 다큐멘터리.

공예품으로 조각
기술의 요소와 도구의 중요한 부분은 보석류, 금속 가공 기술, 목재 조각-고대부터 무기 오버 헤드 제조 또는 칼에 직접 사용 된 조각에서 조각되었습니다. 보석 자체에, halberds, 갑옷 자체 등. 근본적인 차이점은 작업의 이해에 있습니다. 이젤 형태의 시각 예술과 같이-조각가, 예술가가 의도 한 플라스틱 특성 및 응용 예술에 따라 고품질의 표현 인상을 얻을 필요성으로 인해 -제품 자체에는 이러한 특성이 있어야합니다.