높은 르네상스 란 일반적으로 르네상스 시대의 거장 인 레오나르도 다빈치, 라파엘, 미켈란젤로의 작품이 겹쳐진 16 세기 초 이탈리아에서 제작 된 예술을 가리키는 용어입니다. 그들이 작업에서 성취 한 기술적 조화와 우아한 조화는 바사리 (Vasari)와 같은 작가들에 의해 이상으로 보류되었다.

미술사에서, 르네상스 시대는 이탈리아 르네상스 시대의 시각 예술의 정점을 나타내는 기간입니다. 이 기간은 전통적으로 밀라노의 최후의 만찬에 대한 Leonardo의 프레스코와 Florence에서의 Lorenzo de ‘Medici의 죽음으로 1490 년대에 시작되었으며 1527 년에 Charles V. 황제의 군대에 의한 로마의 해고로 끝났습니다. 이 용어는 19 세기 초반에 독일에서 처음 사용되었으며 Johann Joachim Winckelmann이 묘사 한 회화와 조각의 “하이 스타일 (High Style)”에 기원을두고 있습니다. 지난 20 년 동안, 용어의 사용은 예술적 발전을 지나치게 간소화하고, 역사적 맥락을 무시하며, 몇 가지 아이콘 작품에만 집중하는 학문적 예술 사학자들에 의해 종종 비판을 받아 왔습니다.

높은 르네상스는 1500 년에서 1530 년까지 교황 로마, 피렌체 및 베니스 공화국의 예술을 지칭합니다. 르네상스 시대의 회화로 서양 예술은 절정에 이르며 범위 내에서 보편적 인 예술 작품을 선보입니다.

이 기간의 주인은 Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564), Raphael (1483-1520)입니다.
레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)는 그의 작품에서 수 푸마 토 (sfumato)의 테크닉을 기교에 가져 왔습니다.

개요
18 세기 후반부터, 르네상스 시대는 교황 율리우스 2 세 하에서 교황청의 수도 인 로마 (Rome)를 중심으로 이탈리아 국가에서 예외적 인 예술적 생산의 짧은 기간 (30 년)을 가리킨다. 시기와 시작시기와시기에 대한 주장은 다양하지만, 일반적으로 르네상스 시대의 회화에서 가장 잘 알려진 지수는 Leonardo da Vinci, 초기 Michelangelo와 Raphael입니다. 르네상스 문화에 대한 일반적인 비평을 확장하면서, 르네상스 시대의 시각 예술은 고전적인 전통에 대한 강조, 후원의 네트워크 확대, 나중에 매너리즘이라고 불리는 스타일로의 형상적인 형태의 점진적인 감퇴로 특징 지워졌습니다.

미켈란젤로 (Michelangelo)와 라파엘 (Raphael)의 바티칸 회화는 스티븐 프리드버그 (Stephen Freedberg)와 같은 몇몇 학자들에 의해 회화에서의 높은 르네상스 스타일의 절정을 표현했다고한다.이 작품의 야심적인 척도와 구성의 복잡성, , 고전적인 고대에 대한 지적 및 장식적인 언급은 르네상스의 상징으로 간주 될 수있다. 최근 몇 년 동안, 미술 사학자들은 15 세기 말과 16 세기 초의 예술에 대한 여러 실험적 태도 중 하나 인 기간과는 반대로, 높은 르네상스를 운동으로 묘사했습니다. 이 운동은 보수적 인 것으로 다양하게 특징 지어진다. 아름다움에 대한 새로운 태도 반영; 문학적 문화의 유행과 연결된 절충주의 모델을 합성하는 고의적 인 과정; 해석과 의미가있는 새로운 선입견을 반영한다.

그 앞에 오는 기간은 초기 또는 초기 르네상스입니다. 계속되는 것은 르네상스의 마지막 또는 최종판입니다. 르네상스 시대라는 용어는 전문 서지 에서조차 사용법에있어 오도 된 것이다. 때로는 두 번째 르네상스식이 “높은”(초기 르네상스가 “첫 번째 르네상스”가되는 것과 동일) 것으로 사용되기도합니다.

이탈리아의 높은 르네상스
이탈리아 르네상스에는 피렌체 – 로마 르네상스 식을 사용하는 것이 가장 권위있는 예술적 중심지로서 로마에 의한 피렌체의 대체가 있습니다. 3 피렌체는 사바나 롤라 (Savonarola)의 흥망 성쇠와 메디치 퇴학을 포함한 폭력적인 사회 정치 운동에 의해 흔들렸다. 로마에서 바티칸의 야심 찬 예술 프로그램 (성 베드로 대성당, 시스틴 예배당, 에스파냐 드 라파엘)은 일류 예술가들의 별자리 인 Bramante, Sangallo, 앞서 언급 한 Rafael and Miguel Ángel을 끌어 들였다. 그 중에는 매너 니스트 (Giulio Romano, Benvenuto Cellini 등)로 여겨지는 다음과 같은시기에 눈에 띄는 사람들이 있습니다. 베네치아 페인팅 학교의 독특한 특성으로 인해 베니스 만의 중요한 예술 학교 중 하나 인 벨리니 (Bellini), 조르지오네 (Giorgione), 티티 안 (Titian)의 가장 중요한 부분에 참석 한 베네치아 만이 그 중요성을 강조합니다.

유럽의 나머지 지역은 이미 르네상스 시대 (이탈리아에서 4 천년 동안)의 최초의 르네상스 혁명의 영향을 받았지만, 실제로는 후기 시대까지는 아니었다. Renaissance 또는 Manierismo에서 르네상스의 고전주의 단계의 예술의 영향이 모든 차원에 도달했을 때, 이탈리아어로 500). 이것은 Vite (1550)의 저자 인 Vasari와 같은 학자들이 자신의 이전 세대의 천재들에게 준, 심지어는 준 신화 (blasi-divinize) 한 비범 한 명성 때문이었습니다 (사실, 라파엘은 이른바 ‘ “신성한”-).

15 세기 중반의 르네상스와 관련하여 선형적인 관점에서의 실험으로 특징 지어 졌던 르네상스의 특징은 Leonardo ‘s sfumato에서 발견 된 성숙과 균형에 의해 특징 지어졌다. Michelangelesque terribilitá의 대리석 볼륨; 빛과 그림자에 새로운 명성을 부여하는 베네치아 (Venetians) 또는 라파엘 (Raphael)의 마돈나 (Madonnas)의 색채, 질감 및 chiaroscuro에서. 초상화에서 팔을 따라 잡기 (Gioconda에서와 같이). 특히 손에 든 외모와 자세를 가진 인물들의 관계에 의해 특징 지워지는, 특히 삼각형의, 뚜렷한 구성에서.

매너리즘은 역사 서술이 그것을 자율적 인 스타일로 정의하고 있지만, 초기에는 Miguel Ángel이나 Rafael의 maniera를 그린 또는 조각 한 독창성이없는 예술가를 지정하는 것을 비웃는 용어였다. 물론 르네상스 시대의 예술가들이 얻은 명성은 그들 모두를 그들과 비교하기를 원했습니다. 틴토레토 (Tintoretto)라는 성격의 예술가는 “티치아노의 색과 미켈란젤로의 그림”을 사용하도록 선포했습니다.

바로크 양식의 파열 주의적 미학에 의해 주도 된 17 세기에는 고전주의 경향 (프랑스 고전주의, 볼로냐 스쿨, 고전주의 회화)이 남아 있었는데, 이는 18 세기에도 학계와 신고전주의 양식을 통해 계속되었다. 고대 예술의 형태의 순수성에 대한 고고 학적 회복에 중점을 둡니다.), 그리고 20 세기 초반까지 전위 주의적 혁신에 저항하는 예술의 공식 패러다임이었던 학문을 통한 현대 미술에서. 19 세기 중엽 라파예트 운동은 라파엘 이전의 장인 정신을 되찾은 척했다.

유럽의 다른 지역에서의 높은 르네상스
이탈리아 르네상스 형식의 수용은 15 세기 내내 느리고 불균일했다; 그러나 16 세기 중엽에 조각과 본문 덕분에 르네상스 시대의 작품이 널리 보급되자 치료사 (Vasari, Serlio, Vignola, Palladio)가 고전적인 정경을 만들었습니다.

노르딕 르네상스 (특히 플랑드르 부흥 – 플랑드르 기원 – 독일 르네상스 – 뒤뤼르, 알트 도르프, 그린 우드 드, 다뉴브 스쿨)는 이탈리아와 유동적 인 관계에 있지만 자율적 인 초점으로 발전해 왔으며 고전적인 시대이기도합니다. 인쇄술 (Gutenberg, 1453)이 허용 한 진정한 사회 혁명과 지적 혁명은 15 세기의 마지막 10 년과 16 세기의 처음 두 세기 (프란츠 – 부르고뉴와 독일에서 막시밀리안 I의 등장으로 정치적으로 지배되었다. 개신교 종교 개혁 (Luther ‘s Thesis, 1517)에서 절정을 이룬 탁월한 사회적, 정치적, 이데올로기 적 변화의 시나리오에서.

카톨릭 군주국과 스페인의 처음 2 개의 합스부르크 군 (필립 박람회와 찰스 1 세, 찰스 5 세)의 역사 서술은 대개 15 세기의 마지막 4 분의 1과 16 세기의 처음 2/3를 가리킨다. 스페인의 높은 르네상스는 16 세기의 마지막 3 분의 1 동안 필립 2 세의 야심 찬 예술 프로그램에 의해 지배되었지만 스페인의 르네상스 시대라는 용어를 유보합니다. 스페인 지적 생산의 모든 분야는 진정한 황금 시대에 접어 들었다.

또한보십시오 : 스페인 르네상스, 스페인 르네상스 문학, 스페인에있는 과학 기술의 역사 및 스페인에있는 기독교의 역사.
프랑스 르네상스와 영국 르네상스에는 또한 독특한 특성이있었습니다.

건축물
건축의 높은 르네상스 양식은 1510 년 로마의 몬트리올 피에트로 (Tempietto)의 템 피에토 (Tempietto)가 시작된 Donato Bramante로 시작됩니다. 템피 에토 (Tempietto)는 고대 로마의 기념 건축의 본격적인 부활을 의미합니다. 데이비드 왓킨 (David Watkin)은 바티칸 (1509-11)에서의 라파엘 (Raphael)의 작품처럼, “기독교와 인간 주의적 이상을 화해시키려는 시도”라고 주장한다.

그림
높은 르네상스는 전통적으로 플로렌스 조르지오 바사리가 제안한 미술사 모델을 따르는 창조적 인 천재성의 위대한 폭발로 간주되었습니다. Fra Bartolomeo와 Mariotto Albertinelli와 같은시기의 상대적으로 사소한 화가조차도 디자인과 기법의 조화를 위해 여전히 찬사를받는 작품을 제작했습니다. Michelangelo, Andrea del Sarto 및 Correggio의 후기 작품에서 길쭉한 비율과 과장된 포즈는 나중에 르네상스의 스타일이 예술사에서 언급되었으므로 소위 매너리즘을 미리 구성합니다.

조르지오 네 (Giorgione)와 이른 티티 안 (Early Titian)의 그림의 고요한 분위기와 빛나는 색채는 베니스에서 행해진 높은 르네상스 스타일을 잘 보여줍니다. 이시기의 다른 주목할만한 작품으로는 Leonardo da Vinci의 Mona Lisa와 Raphael의 The School of Athens가 있습니다. 아치 밑의 라파엘 프레스코 (Raphael ‘s fresco)는 관점, 구성 및 무용지물의 거장 작품입니다.

조각
미켈란젤로의 피에타 (Pietà)와 상징적 인 데이비드 (David)가 대표하는 높은 르네상스 조각은 고요함과 움직임 사이의 “이상적인”균형을 특징으로합니다. 높은 르네상스 조각은 일반적으로 대중과 국가에 의해 위임 받았으며, 이것은 조각품에 대한 인기가 높아지면서 값 비싼 미술 형식입니다. 조각은 흔히 다른 사람들이 위탁 한 예술 작품을 연구하고 존경 할 수있는 안뜰 내에서 건축을 꾸미거나 장식하기 위해 사용되었습니다. 추기경, 통치자, 은행가 같은 부유 한 사람들은 매우 부유 한 가족과 함께 개인 후원자 일 가능성이 더 높습니다. 교황 율리우스 2 세는 또한 많은 예술가들을 후원했다. 르네상스 시대에는 개인 고객을위한 소규모 조각상, 흉상과 무덤을 개발했습니다. 조각과 관련된 주제는 대부분 종교적 이었지만 무덤 조각과 회화는 물론 대성당의 천장 형태로 고전적인 인물이있었습니다.