수채화는 일반적으로 사진의 사실성을 높이거나 예술적 목적으로 흑백 사진에 수동으로 색상을 추가하는 모든 방법을 의미합니다. 손 – 착색은 손 그림 또는 과잉 페인트라고도합니다.

일반적으로 브러시, 손가락, 면봉 또는 에어 브러시를 사용하여 수채화, 오일, 크레용 또는 파스텔 및 기타 페인트 또는 염료가 이미지 표면에 적용됩니다. 손으로 색칠 된 사진은 19 세기 중반에서 19 세기 후반에 컬러 사진이 발명되기 전에 가장 인기가 있었고 일부 회사는 수채화 사진을 제작하는 전문 회사였습니다.

역사
1900 년 이전
단색 (흑백) 사진은 1839 년에 다구레 (daguerreotype)에 의해 처음으로 예증되었으며, 나중에는 칼로 타입, ambrotype, tintype, 알부민 프린트 및 젤라틴 실버 프린트를 포함한 다른 방법으로 개선되었습니다. 대부분의 사진은 20 세기 중반까지 단색으로 남아 있었지만 실험은 1855 년 초반에 컬러 사진을 찍었지 만 일부 사진 공정에서는 시안 색 유형의 파란색과 같은 고유 한 전반적인 색상으로 이미지가 생성되었습니다.

더 현실적인 이미지를 만들기 위해 사진 작가와 예술가는 단색 사진을 손으로 색칠했습니다. 최초의 수채화 물결 모양은 스위스 화가이자 Johann Baptist Isenring이 1839 년에 발명 한 직후에 daguerreotypes를 색칠하기 위해 아라비아 고무와 안료의 혼합물을 사용하는 판화가 Johann Baptist Isenring에 기인 한 것입니다. 컬러 파우더는 응용에 의해 daguerreotype의 섬세한 표면에 고정되었습니다 열의. 이 기법의 변형은 1842 년 리처드 비어드 (Richard Beard)와 1842 년 프랑스 Étienne Lecchi와 1845 년 Léotard de Leuze에 의해 영국에서 특허를 받았다. 나중에는 손톱 색칠이 알부민과 젤라틴 실버 프린트에서 랜턴 슬라이드로 이어지는 연속적인 사진 혁신과 함께 사용되었다. 투명도 사진.

착색 된 사진 이미지를 만들기위한 평행 한 노력이 수공 착색의 인기를 얻었습니다. 1842 년 다니엘 데이비스 주니어 (Daniel Davis Jr.)는 전기 도금을 통해 다색 (daguerreotypes)을 채색하는 방법에 대한 특허를 취득했으며, 그의 작업은 다음 해 워렌 톰슨 (Warren Thompson)에 의해 세련되었습니다. Davis와 Thompson의 작업 결과는 컬러 사진을 만드는 데 부분적으로 만 성공했으며 전기 도금 방법은 곧 중단되었습니다. 1850 년 Levi L. Hill은 Daguerreotype에 대한 논문에서 자연 색상으로 daguerreotyping 과정을 발명했다고 발표했습니다. 기존의 무색의 손으로 채색 된 daguerreotypes의 판매는이 신기술을 예상하여 감소했습니다. 힐 차관보는 그러나 수년 간 자신의 절차에 대한 자세한 내용을 발표하는 것을 연기했으며 그의 주장은 곧 사기로 간주되었다. 그가 마침내 1856 년에 그의 논문을 발표했을 때, 그 과정은 – 진실이든 아니든 – 확실히 비실용적이고 위험했습니다.

미국의 Kodak이 Kodachrome 컬러 필름을 도입 한 20 세기 중반까지 손으로 색칠하는 것이 풀 컬러 사진 이미지를 만드는 가장 쉽고 효과적인 방법이었습니다.

일본의 수채화 사진 (1860-1899 년경)
유럽에서 사진의 수채화가 소개되었지만,이 기법은 1860 년대에 시작된 존경 받고 세련된 예술 형식이 된 일본에서 상당한 인기를 얻었습니다. 사진 작가 찰스 파커와 그의 아티스트 파트너 인 윌리엄 파르크 앤드류 (William Parke Andrew)가 일본에서 처음으로 그러한 작품을 제작 한 것은 가능할 수도 있지만, 처음으로 일관되게 수공예를 사용하는 것은 사진 작가 Felice Beato와 그의 파트너 인 The Illustrated London News 아티스트 그리고 채색주의자인 Charles Wirgman. Beato의 스튜디오에서는 Beato의 손으로 색칠 된 인물 인 Native Types에서 볼 수 있듯이 일본 수채화 작가와 목판 인쇄공의 세련된 기술이 유럽 사진에 성공적으로 적용되었습니다.

일본에서 손으로 색칠을 한 주목할만한 초기 사진가는 요코야마 마쓰 사 부로 (Yokoyama Matsusaburō)였습니다. 요코야마는 사진가뿐만 아니라 화가이자 석판 작가로도 훈련을 받았으며, 그의 풍부한 기술과 기법을 활용하여 사진 油絵이나 사진 유화라고 불리는 것을 만들었습니다. 사진 지지대를 잘라 내고 오일 페인트를 남은 유제에 바릅니다.

나중에 일본에서 수공예를하는 실무자는 Stillfried & Andersen이라는 회사를 포함했다. Stillfried & Andersen은 1877 년에 Beato의 스튜디오를 인수했고, 자신의 음화 이외에 많은 손으로 염색했다. Austim Baron Raimund von Stillfried und Ratenitz, 일본 사진 작가 겸 색주 쿠사 카베 김베이 (Kusakabe Kimbei)가 함께 기념품으로 인기가 많은 일본 일상 생활의 수채화 이미지를 만들었습니다. Kusakabe Kimbei, Tamamura Kozaburō, Adolfo Farsari, Uchida Kuichi, Ogawa Kazumasa 등이 손으로 사진을 찍었습니다. 많은 고품질의 수채화 사진이 일본에서 20 세기에도 계속 만들어졌습니다.

1900 년 이후
19 세기와 1940 년 사이에 서반구에서 손으로 채색 된 사진의 황금 시대가 발생했습니다. 20 세기 초반에 손으로 색칠 된 풍경 사진 촬영에 대한 수요가 증가한 것은 월러스 넛팅 (Wallace Nutting)의 작업 때문이었습니다. 뉴 잉글랜드 장관 인 넛팅 (Nutting)은 1904 년까지 전문 스튜디오를 개설 할 때까지 손색이없는 풍경 사진을 취미로 추구했습니다. 그는 손색이없는 사진을 만드는 데 35 년을 보냈으며, 가장 많이 팔리는 핸드 컬러 사진 작가가되었습니다.

1915 년에서 1925 년 사이에 손색이 뚜렷한 사진은 미국, 캐나다, 버뮤다 및 바하마의 중산층 사이에서 저렴하고 세련된 결혼 선물, 샤워 선물, 기념일 선물, 우정 선물 및 휴가 기념품으로 유명했습니다. 1929 년 대공황이 시작되고 중산층이 줄어들면서 수채화 물감의 판매가 크게 줄어 들었습니다.

숙련 된 사진 작가들은 인기가 급락 했음에도 불구하고 아름답게 손으로 색칠 된 사진을 계속 만들어 냈습니다. 한스 벨머 (Hans Bellmer)의 1930 년대 인형 조각에 대한 수채화 사진은이 기간 동안 유럽에서 사진을 계속 손으로 물들이는 예를 보여줍니다. 폴란드에서는 Monidło가 인기있는 수제 결혼 사진의 예입니다.

또 다른 손 색 사진 작가 Luis Márquez (1899-1978)는 1939-40 세계 박람회의 멕시코 사진관의 공식 사진 작가이자 예술 고문이었습니다. 1937 년 텍사스 주지사 James V. Allred에게 손으로 색칠 된 사진 모음을 선물했습니다. 멕시코 시티의 멕시코 자치 대학 (National Autonomous University of Mexico)에는 텍사스의 휴스턴 대학교 (Houston of University)와 마찬가지로 루이스 마르케스 (Luis Marnes)의 광범위한 사진 아카이브가 있습니다.

1950 년대에는 컬러 필름을 모두 사용할 수 있었지만 손으로 ​​색칠 한 사진을 제작하는 것을 중단했습니다. 그러나 1960 년대에 골동품과 수집품이 인기를 얻음에 따라 손으로 색칠 된 사진에 대한 관심이 높아졌습니다. 1970 년경부터 Elizabeth Lennard, Jan Saudek, Kathy Vargas, Rita Dibert와 같은 예술가 사진가들의 작품에서 볼 수 있듯이 수채화가 부활했습니다. Robert Rauschenberg와 다른 사람들이 예술 작품에서 결합한 사진 및 그림 매체를 사용하면이 부흥의 전조가됩니다.

고품질의 컬러 프로세스가 가능 함에도 불구하고 손으로 색칠 된 사진 (종종 세피아 토닝과 결합 됨)은 심미적 인 이유와 사용 된 안료가 큰 내구성을 갖기 때문에 여전히 인기가 있습니다. 컬러 필름이 희귀하거나 비싼 많은 국가 또는 컬러 처리가 불가능한 곳에서는 수채화가 계속 사용되었고 1980 년대에 선호되기도했습니다. 최근에는 디지털 이미지 처리가 특히 광고에서 사용되어 손으로 색칠하는 모양과 효과를 재현합니다. Adobe Photoshop과 같은 이미지 조작 소프트웨어를 사용하여 아마추어 사진 작가는 이제 색상을 사용할 수 있습니다.

재료 및 기술
염료
기본 염료는 사진의 손으로 착색하는 데 사용됩니다. 염료는 수성 현탁액에서 일반적으로 불용성 색소 인 안료와는 반대로, 수용액에서 천연 또는 합성의 가용성 색 물질이다. 섬유의 염색에 처음으로 사용 된 최초 합성 합성 염료 인 아닐린 염료는 1860 년대 독일에서 알부민 인쇄물과 유리 투명 필름 사진을 염색하는 데 처음 사용되었습니다. 염료로 손으로 염색 할 때, 물에 염료의 약한 용액이 선호되며, 색상은 종종 한번에 적용되기보다는 반복 된 세척으로 만들어집니다. 접근법은 너무 많은 페인트가 사진의 세부 사항을 흐리게하기 때문에 인쇄물을 페인트하기보다는 인쇄물을 더럽 히거나 염색하는 것입니다. 흡착지는 과잉을 흡수하여 표면의 염료 양을 제어하는 ​​데 사용됩니다.

수채화 물감
수채화 페인트는 염료보다 영구적 인 미덕을 가지고 있지만 투명성이 떨어지며 디테일을 어둡게합니다. 수채화 물감을 사용하여 손으로 색칠하려면 색상이 건조하고 생명이없는 상태로 건조되지 않도록 매체를 사용해야합니다. 페인트가 적용될 수 있기 전에 인쇄물의 표면에 프라이밍 처리를하여 색이 반발되지 않도록해야합니다. 이것은 종종 쉘락의 얇은 코팅으로 인쇄물을 준비한 다음 착색하기 전에 그릿을 첨가하는 것을 포함합니다. 사진 손으로 착색하는 데 사용되는 수채화 페인트는 안료 (천연 또는 합성), 바인더 (전통적으로 아랍어 검), 가소성을 향상시키는 첨가제 (예 : 글리세린) 및 페인트 (즉 물)를 희석하는 용제의 4 가지 성분으로 구성됩니다. 페인트가 마르면 증발합니다. 페인트는 일반적으로 부드러운 솔을 사용하여 인쇄물에 적용됩니다. 수채화 물감은 종종 “칠해진 영역의 경계에서 더 어두운 색상의 가장자리를 남깁니다.” 서로 다른 안료의 투명도가 다르므로 색상 선택은 신중하게 고려해야합니다. 사진 이미지의 가시성을 높이기 위해 더 많은 투명 안료가 선호됩니다.

유화
오일 페인트에는 아마 인유와 같은 건조 오일을 사용하여 코팅 한 안료 입자가 들어 있습니다. 기름을 사용하는 관행과 기법은 드로잉과 그림에 대한 지식이 필요하기 때문에 전문적인 연습에 자주 사용됩니다. 오일을 손으로 착색 할 때, 사진 이미지를 페인트 된 이미지의 기반으로 사용하는 것이 더 자주 있습니다. 사진 자료를 사용하여 정확한 오일 인물 사진을 만들 수있는 능력은 미술 범죄에 직접적으로 영향을 미쳤습니다. 일부 예술가는 실제로 오일의 사진 자료를 추적 할 때 전통적인 오일 인물 사진 (더 높은 가격에)을 페인트한다고 주장합니다. 따라서 유성 색상의 선택은 사진 자료의 인증을 허용하기 위해 안료의 상대적인 투명성에 의해 결정됩니다. 용지에 색상이 흡착되지 않도록 먼저 인쇄 크기를 조정해야합니다. 과거에는 사진 랜턴 슬라이드가 종종 제조업체에 의해 착색되었지만 때로는 사용자에 의해 다양한 결과가 나타났습니다. 보통, 1832 년부터 19 세기 말까지 콜 로디 언 시대에는 유채 물감이 사용되었지만, 그러한 슬라이드에는 유색이 사용되었습니다.

크레용과 파스텔
채도의 다양한 레벨에서 크레용이나 파스텔 스틱을 사용하는 것은 드로잉 기술에 대한 지식을 필요로하기 때문에 고도로 숙련 된 컬러리스트의 영역으로 간주됩니다. 오일, 크레용 및 파스텔처럼 일반적으로 원래 사진이 흐려지기 때문에 전통 그림과 비슷한 초상화가 만들어집니다. 목탄 및 색연필은 사진의 손 색칠에 사용되며 크레용, 파스텔, 목탄 및 연필이라는 용어는 종종 색채 표식자에 의해 상호 교환 적으로 사용되었습니다.

수채화 사진에는 염료, 수채화 물감, 기름 및 기타 안료를 함께 사용하여 인쇄 된 이미지에 다양한 효과를주는 경우가 있습니다. 사용되는 매체에 관계없이 색상을 적용하는 주요 도구는 브러시와 손가락 끝입니다. 이미지에 지문이 남지 않도록 대칭 손가락을 가리는 경우가 있습니다.

보존 및 보관
일반적으로 손으로 색칠 한 사진의 보존은 컬러 및 흑백 사진의 보존과 유사합니다. 최적의 보관 조건은 낮은 상대 습도 (약 30-40 % RH), 화씨 68도 (섭씨 20도) 미만의 온도 및 황산, 질산 및 오존과 같은 미립자 오염의 낮은 농도 . 보관 장소는 깨끗하고 해충과 곰팡이가 없어야합니다. 컬러 사진과 같이 손으로 색칠 된 사진은 빛과 자외선에 더 민감하므로 보관은 어두운 곳에서해야합니다. 저장 공간은 HVAC 오작동으로 인한 온도 또는 습도의 변화뿐만 아니라 도난 또는 자연 재해와 같은 외부 위협과 같은 내부 위협에 대해 안전하고 감시되어야합니다. 모든 자재에 대해 재난 계획을 수립하고 유지해야합니다.

daguerreotypes, albumen 인쇄물 및 tintypes와 같은 케이스 사진, 특히 손으로 색칠 된 사진을 처리 할 때는주의가 필요합니다. 그들은 깨지기 쉽고 그것들을 청소하기위한 최소한의 노력조차도 회복 할 수 없을 정도로 이미지를 손상시킬 수 있습니다. 손으로 색칠 한 사진은 수평으로, 단일 층에, 바람직하게는 아래로 향하게 보관해야합니다. 케이스는 알칼리성 또는 완충 된 티슈 페이퍼로 감쌀 수 있습니다. 사진이 케이스에서 분리되면, 매트와 받침 보드는 알칼리 완충 된 박물관 보드에서자를 수 있습니다. 매트는 이미지와 새롭게 재단 된 유리판 사이에 배치되는 한편, 받침 보드는 뒤에서 이미지를 지원합니다. 이 “샌드위치”는 Filmoplast 테이프로 봉인됩니다. 상용 유리 세제는 새 유리판에 사용하면 안됩니다. 느슨한 수채화 물감은 매트 보드 사이에 놓을 수 있습니다. 구부러진 경우에는 에멀젼이 균열 및 / 또는 들어올 리기 때문에 곧게 펴려고하지 마십시오.

11 “x14″이하의 인쇄물과 안정적인 장착면을 세로로 안전하게 보관할 수 있지만 모든 사진 인쇄물을 가로로 보관하는 것이 이상적입니다. 인쇄물은 또한 ISO (International Organization for Standardization) 표준 14523 및 10214를 사용하여 제조 된 무산소의 리그닌이없는 상자에 빛과 물 공급원으로부터 멀리 보관해야합니다. 보관 재료는 ANSI (American National Standards Institute) Photographic Activity Test (PAT) 또는 유사한 표준을 준수해야합니다. 사진에 박리 또는 치핑 유제가있는 경우 플라스틱 인클로저에 보관하면 안됩니다. 정전기로 인해 이미지가 손상 될 수 있습니다. 피부 기름과 염분이 표면을 손상시키는 것을 방지하기 위해 사진을 취급 할 때는면 장갑을 착용해야합니다.

경우에 따라 전문 보호자에게 연락해야 할 수도 있습니다. 미국의 역사 및 예술 작품 보존 협회 (AIC)는 지역 보전 서비스를 식별하는 데 도움이되는 보전 사 찾기 도구를 제공합니다. 영국과 아일랜드의 보존 등록부 (Conservation Register)는 전문화, 사업 및 성으로 검색하는 유사한 도구를 제공합니다. 국제적으로 다른 보전 서비스를 찾기 위해 Conservation OnLine (CoOL) 보존 전문가 리소스는 국가별로 검색 할 수있는 도구를 제공합니다.

색재
염료와 수채화 물은 손으로 색칠 한 사진에 적용 할 때 비슷한 보존 조치가 필요합니다. 사진 자체와 마찬가지로 손으로 사진에 찍힌 수채화 및 염료는 가벼운 손상을 받기 쉽고 어두운 저장실에 보관하거나 흐린 간접 조명으로 표시해야합니다. 일반적인 미립자 오염 물질로 인해 수채화 물감이 희미해질 수 있지만 페인트 표면은 부드러운 브러시로 가볍게 먼지를 제거하여 청소할 수 있습니다.

오일 페인트는 종종 tintypes, daguerreotypes 및 ambrotypes에 적용되었습니다. 모든 사진에서와 마찬가지로이 물질은 안료가 변색되거나 어두워 지도록하는 직접적인 광원과 상대 습도 및 온도의 빈번한 변화로 인해 유성 페인트가 깨지는 원인이 될 수 있습니다. 상당한 피해를 입은 사진의 경우 유화 보존 자의 전문성이 치료를 위해 필요할 수 있습니다.

크레용 및 파스텔 손으로 색칠 된 사진은 가루가 많은 표면을 가지므로 보존 목적으로 보호해야합니다. 역사적으로, 크레용과 파스텔 컬러의 사진은 유리의 보호 층 아래의 프레임에서 판매되었는데, 이는 종종 사진 표면의 취급 및 얼룩을 줄이는 데 성공했습니다. 크레용 또는 파스텔 컬러 사진에 대한 보존 작업은 원본의 프레임과 원본 유리를 유지해야 개체의 신뢰성과 가치를 유지할 수 있습니다. 사진이 원래 인클로저에서 분리 된 경우 프레임 또는 케이스에 보관할 때까지 보관 품질의 폴더에 저장할 수 있습니다.

보조 재료
미국에서는 많은 상업적으로 판매되는 손으로 색칠 된 사진을 소매 용으로 포장하고 프레임을 만들었습니다. 20 세기 초 수채화 사진은 종종 매트 보드 위에 올려 져 유리 프레임 뒤에 놓였으며 목재 판판, 판지 또는 두꺼운 판지로 뒷받침되었습니다. 뒷면 시트는 종종 매트 보드의 뒷면에 붙어있었습니다. 불행하게도, 19 세기 후반과 20 세기 초반에 생산되고 사용 된 종이 제품은 고도로 산성이며 황색을 띠고 수작업으로 색칠 된 사진이 퇴색합니다. 종이의 금속 함유 물은 또한 산화되어 종이 재질의 여우의 원인이 될 수 있습니다. 우드 패널 슬레이트는 오프 가스로 인해 사진의 품질이 저하됩니다.

이러한 깨지기 쉬운 재료의 단순한 보존은 모험심이 강한 아마추어에 의해 수행 될 수 있습니다. 손으로 색칠 한 사진을 프레임에서 제거하고 원래의 나사 나 손톱을 프레임을 함께 유지 한 상태로 유지해야합니다. 우드 패널, 산성 판지 판 및 산성 백킹 페이퍼는 프레임과 매트 보드에서 제거하여 버리거나 우표와 같은 식별 정보 또는 뒷판에 쓰는 것과 같은 식별 정보를 유지할 수 있습니다. 비록 본질적으로 산성 임에도 불구하고 사진이 마운트 된 매트 보드는이 원래 장착의 본질적인 가치 때문에 제거하거나 교체 할 수 없습니다. 종종 예술가의 서명과 사진의 제목이 매트 보드에 새겨 져 있습니다. 제한된 품질 저하를 촉진하는 가장 좋은 보존 방법은 저온, 저습 상대 습도 및 저 광량의 건조한 환경에서 사진을 저장하는 것입니다. 손으로 색칠 한 사진은 원래 프레임으로 교체하고 보관 품질의 산 성이 아닌 판지로 제자리에 고정하고 원래의 못이나 나사로 막아야합니다.

관련 기술
손 – 착색은 착색, 조색, 보정 및 견본과 구별되어야합니다.

착색 된 사진은 상업용 제조업체에서 생산 한 염색 된 인쇄 용지로 만듭니다. 하나의 전체 색상이 이미지의 기초가되며 하이라이트 및 중간 톤에서 가장 분명합니다. 1870 년대의 알부민 인쇄 용지는 옅은 핑크색이나 파란색으로 구입할 수 있었고 1890 년대에는 옅은 자주색 또는 분홍색의 젤라틴 – 실버 인쇄 용지를 사용할 수있었습니다. 다른 종류의 착색 된 종이도있었습니다. 시간이 지남에 따라 그러한 착색은 종종 매우 희미해진다.
토닝은 사진 이미지 자체의 전체 색상을 변경하는 다양한 방법을 나타냅니다. 금, 백금 또는 다른 금속의 혼합물은 따뜻한 갈색, 보라색, 세피아, 블루스, 올리브, 적갈색 및 청 흑색을 비롯한 다양한 톤을 생성하기 위해 개발 시간, 온도 및 기타 요인의 변화와 함께 사용됩니다. 잘 알려진 유형의 토닝은 세피아 톤입니다. 단색 인쇄에 색상을 추가하는 것 외에도 색조를 사용하면 이미지 안정성이 향상되고 대비가 높아집니다.
Retouching은 손으로 색칠하는 것과 동일한 도구 및 기술을 많이 사용하지만 손상을 피하거나, 원하지 않는 기능을 숨기거나, 세부 사항을 강조하거나, 사진 인쇄물에 누락 된 요소를 추가하기위한 것입니다. 예를 들어, 얼굴의 흠을 제거하여 시터의 모습을 개선하고, 하늘이 과도하게 노출 된 풍경에서 초상화 수정을 사용하여 구름을 이미지에 칠할 수 있습니다. 수채화 물감, 잉크, 염료 및 화학 감속기는 메스, 뾰족한 브러시, 에어 브러시 및 수정 연필과 같은 도구와 함께 사용됩니다.
“결정체”+ “발연 물질”(오일)의 구형 체는 아직 알부민 인쇄물에 색을 적용하는 또 다른 방법이었다. 인쇄면이 오목한 유리 조각 안쪽을 향하도록 아래로 붙여 넣었습니다. 접착제 (일반적으로 전분 페이스트 또는 젤라틴)가 건조되면 인쇄물의 종이 뒷면이 문지르며 유리 위에 투명 유제 만 남습니다. 그런 다음 이미지를 손으로 색칠했습니다. 또 다른 조각의 유리가 뒤쪽에 추가되었으며 이것은 또한 손으로 채색 될 수 있습니다. 두 조각의 유리는 서로 얽혀있어 섬세하고 딱딱한 이미지를 만들어 냈습니다.