고딕 예술은 AD 12 세기 로마네스크 양식으로 프랑스 북부에서 발달 한 중세 예술 스타일로, 고딕 건축의 동시 개발에 의해 주도되었다. 그것은 서유럽의 모든 지역과 남부와 중부 유럽으로 퍼졌으며 이탈리아에서는 더 고전적인 스타일을 결코 나타내지 않았습니다. 14 세기 후반, 국제 고딕 양식의 정교한 법원 스타일이 개발되었으며 15 세기 후반까지 계속 진화했습니다. 많은 지역, 특히 독일에서 후기 고딕 예술은 르네상스 예술에 포함되기 전 16 세기까지 계속되었습니다. 고딕 시대의 주요 매체에는 조각, 패널 페인팅, 스테인드 글라스, 프레스코 및 조명 원고가 포함되었습니다. 로마네스크에서 고딕으로, 고딕에서 르네상스 스타일로 건축에서 쉽게 인식 할 수있는 변화

최초의 고딕 예술은 대성당과 수도원 벽에 기념비적 인 조각품이었습니다. 기독교 예술은 종종 활자체로 보였으며 (중세 우화 참조) 신약과 구약의 이야기를 나란히 보여줍니다. 성도들의 삶이 종종 묘사되었습니다. 성모 마리아의 이미지는 비잔틴의 상징적 인 형태에서 더 인간적이고 애정 어린 어머니로 바뀌었고, 유아를 껴안고, 엉덩이에서 흔들리고, 잘 태어난 귀족의 법정 숙녀의 세련된 매너를 보여줍니다.

이 시대에는 도시의 부상, 대학 설립, 무역 증가, 돈 기반 경제의 확립, 예술을 후원 할 수있는 부르주아 계급 및 커미션 작업을 통해 세속적 인 예술이 탄생했습니다. 그림과 조명 원고의 확산. 문해력이 증가하고 세속적 언어 문학이 늘어나면서 예술 분야의 세속적 주제 표현이 장려되었다. 도시가 성장함에 따라 무역 길드가 형성되었고 아티스트들은 종종 화가 길드의 일원이되어야했다. 결과적으로 기록 유지가 더 좋기 때문에이시기에는 이전보다 더 많은 아티스트가 우리에게 알려졌다. 어떤 예술가들은 자신의 이름을 밝힐 정도로 대담했습니다.

태생
고딕 예술은 12 세기 초 프랑스의 Île-de-France에서 Abbot Suger가 세운 St Denis 수도원 교회에서 등장했습니다. 이 스타일은 건축 양식의 기원을 넘어 조각상, 기념비적, 개인적 크기, 텍스타일 아트, 페인팅 등으로 급속히 퍼졌으며 프레스코, 스테인드 글라스, 조명 원고 및 패널 페인팅 등 다양한 형태를 취했습니다. 수도원 주문, 특히 Cistercians와 Carthusians는 유럽 전역에서 스타일을 전파하고 독특한 변형을 개발 한 중요한 건축업자였습니다. 14 세기 후반까지 국제 고딕 (International Gothic)으로 알려진 일관된 유니버설 스타일이 발전했을 때에도 건축의 지역적 변화는 여전히 중요했습니다.

오늘날 일반적으로 생각되는 것보다 훨씬 더 세속적 인 고딕 예술이 있었지만, 일반적으로 종교 예술의 생존율이 세속적 동등 물보다 좋았 기 때문에, 그 시대에 생산 된 예술의 대부분은 교회의 위임을 받거나 평신도. 고딕 예술은 구약의 사건들이 신약의 사건들을 미리 묘사했으며 이것이 실제로 그들의 주요한 중요성을 가졌다는 신념을 반영하여 종종 자연에서 활 자체적이었다.

구약과 신약 장면은 검경 인간과 구원과 같은 작품과 교회 장식에서 나란히 보여졌습니다. 고딕 시대는 시각 예술이 중요한 역할을했던 마리아 헌신에 큰 부활과 일치했습니다. 성모 마리아의 이미지는 성모의 대관식을 통해 비잔틴의 계층 적 유형에서 더 인간적이고 친밀한 유형으로 발전했으며 성모의 생애주기는 매우 유명했습니다. 이탈리아의 Giotto, Fra Angelico 및 Pietro Lorenzetti 및 초기 네덜란드 회화와 같은 예술가들은 사실주의와보다 자연스러운 인류를 예술에 가져 왔습니다. 서양 예술가들과 그들의 후원자들은 혁신적인 도상 법에 대해 훨씬 더 자신감을 갖게되었으며, 여전히 대부분의 예술가들에 의해 복사 된 공식이 사용되었지만 훨씬 더 독창적입니다.

도해는 신학의 변화에 ​​의해 영향을 받았으며, 마리아의 가정은 더 오래된 처녀의 죽음에 기초를 두었고, Devotio Moderna와 같은 헌신적 인 관행에서 슬픔의 사람과 같은 주제에서 그리스도를 새롭게 대우했습니다. 인간의 고통과 취약성을 강조한 잠겨있는 그리스도와 피에타는 동정녀의 묘사와 비슷한 움직임을 나타냅니다. 마지막 심판에서도 그리스도께서는 이제 그의 열정의 상처를 보여주기 위해 가슴을 드러내시는 것으로 나타났습니다. 성도들은 더 자주 보여졌으며, 제단은 십자가에 못 박히심이나 처녀와 자녀를 대접하거나 중앙 공간 자체를 차지하는 특정 교회 나 기증자와 관련된 성도들을 보여주었습니다.

성격 묘사
로마네스크 교회와 수도원 앞에서 일반적으로 말했듯이, 고딕 양식의 건축물은 상징적 인 건축 작업으로 빛이 가득 찬 거대한 대성당과 높이가 높으며 주요 기술 공헌으로 정당화되었습니다. 중요한 토목 건축도 개발되었지만 Pseudo Dionisio Aeropagita의 저술. 또 다른 특징은 그림과 조각과 같은 다른 플라스틱 예술이 건축 지원에 종속되지 않기 시작했다는 것입니다.

그러나 연속성의 요소도 많이 있습니다. 이것은 여전히 ​​지배적 인 종교 예술입니다. 기관으로서의 수도원은 공식적인 세부 사항과 새로운 요구 사항에 대한 적응을 제외하고는 거의 변하지 않지만 그 레이아웃은 변형을 나타내지 않았으며 대부분 성당의 교회 계획은 주로 동쪽을 향한 후진 머리를 가진 라틴 십자가로 남아있었습니다. 복잡하거나 다양했습니다 (야생 식물, 중앙에 transept의 배치, 본당, 예배당 및 구급차의 합병증). 의심의 여지없이 연속성의 주요 요소는 시대를 초월한 작업 개념입니다. 대부분의 건축에서 스타일은 서로를 따르고 수세기의 리듬에 합류합니다. 아이들이나 손자, 그러나이 건물들의 건축은 제가 여러 세대에 걸쳐 일한다는 것을 의미합니다. 그들 중 상당수는 기술 또는 경제적 도전을 시작하는 대담함조차도 때로는 정치적 경쟁으로 인해 가치가 있습니다. 정치적 경쟁은 프로젝트가 시작될 때 완전히 계획되지 않았으므로 완료하는 방법을 알지 못하는 경우입니다. 시에나와 피렌체의 성당.

빛
새로운 종교 건물은 신실하고 경험적인 느낌으로 시간의 종교적, 상징적 가치를 경험하고자하는 공간의 정의를 특징으로합니다. 휴머니즘 초기자는 어두운 어둠에서 인간을 해방시켜 그를 빛으로 초대했다. 이 사실은 신 플라톤 철학적 전류의 보급과 관련이 있으며, 이는 신의 개념과 빛의 분야 사이의 연결을 확립합니다. 새로운 건축 기술로 벽이 개구부의 이익을 위해 사실상 불필요 해지면서 교회 내부는 빛으로 채워졌으며 빛은 새로운 고딕 양식의 공간을 형성 할 것입니다. 그것은 그림과 모자이크에 포함되지 않은 물리적 인 빛이 될 것입니다. 점에 집중되지 않고 초점이있는 것처럼 지시되는 일반 및 확산 광; 동시에 그것은 스테인드 글라스와 장미 창문의 놀이를 통해 변형되고 채색 된 빛이며, 공간을 비현실적이고 상징적 인 것으로 변형시킵니다. 색상이 매우 중요해집니다.

빛은 신성의 승화로 이해됩니다. 샤르트르 학교는 상징 학이 당시의 예술가들을 지배하며, 빛은 자연 현상의 가장 고귀한 요소, 최소한의 물질 요소, 순수한 형태에 가장 가까운 근사치를 고려합니다.

고딕 건축가는 기술을 사용하여 빛을 변형하여 빛을 변형시켜 건물의 요소를 비 물질화하여 높이와 무중력의 명확한 감각을 얻는 구조를 구성합니다.

건축물
고딕 건축의 가장 독창적 인 참신은 로마네스크 건축의 전형적인 두꺼운 벽이 사라진 것입니다. 구조물의 무게는 더 이상 벽에 흡수되지 않지만 기둥과 건물 외부에 배치 된 일련의 2 차 구조물에 분산됩니다. 따라서 웅장한 창문으로 덮인 빛의 벽이 태어났습니다.이 벽에는 힘을 방출하기위한 복잡한 요소 네트워크가 외부에 해당합니다. 비행 버트레스, 피나클, 언로드 아치는 지붕의 측면 추력을 포함하고 지상으로 향하게하는 모든 구조적 요소이며, 충전 벽은 중요성을 잃고 창으로 대체됩니다. 고딕 양식 건축가의 특별한 능력은 새로운 정적 구조로 끝나지 않습니다. 건물은 수직 벽으로 개발 된 벽돌 벽의 한계에서 벗어났습니다.

영국에서는 6 개 세그먼트 볼트와 방사형 또는 팬 볼트를 사용하여 교차 볼트를 추가로 개발했습니다. 고딕 성당은 천국에 대한 은유로 여겨졌으므로 마지막 심판은 종종 입구에서 조각되었습니다.

늦은 고딕 건축
14 세기와 15 세기에 고딕은 이전 2 세기의 형태와 관련하여 새로운 방향으로 발전했습니다.

XIV와 XV 세기의 건물은 상당한 높이의 중앙 본당과 두 개의 훨씬 낮은 측면 본당이 특징이었습니다. 이것은 빛이 성직자의 수준에서 무엇보다 집중되었다는 것을 의미했습니다.

반면에 후기 고딕에서 가장 일반적인 내부 레이아웃은 홀 교회의 모델을 따릅니다. 즉, 중앙과 비교하여 같은 높이의 측면 통로가 있습니다. 이것은 빛이 더 이상 위에서 오는 것이 아니라 측벽에서 나오고 전체 환경을 균질하게 비추는 것을 의미했습니다. 기존의 방향성도 수정되어 이전 중심 축에 대한 강한 의미를 잃어 버리고 다심 공간성을 선호합니다. 이 우주에 대한이 새로운 비전은 15 세기의보다 세속적이고 세상적인 종교와도 관련이 있습니다.

이 새로운 감성의 지리학은 고전적인 고딕과는 다른지도를 제시합니다. 가장 혁신적인 지역은 독일, 보헤미아, 폴란드, 영국 및 알파인 지역이었습니다.

이베리아 반도는 15 세기에서 16 세기에 걸쳐 몇 세기 전의 프랑스와 독일 모델에서 영감을 얻은 일부 큰 성당의 건축을 보았습니다. 포르투갈에서는 자율적 인 경향으로 소위 마누엘 린 예술이 탄생했습니다.

페인트 등
고딕이라고 할 수있는 스타일로 그림은 고딕 건축과 조각의 기원이 거의 50 년이 지난 1200 년 전까지 나타나지 않았습니다. 로마네스크에서 고딕으로의 전환은 매우 부정확하고 전혀 분명하지 않으며, 고딕 장식 세부 묘사는 종종 그림이나 작곡 자체의 스타일에서 많은 변화가 나타나기 전에 소개됩니다. 그런 다음 인물과 표정이 더욱 애니메이션화되고 장면의 배경과 관련하여 작아지는 경향이 있으며 공간이있는 그림 공간에 더 자유롭게 배치됩니다. 이러한 전환은 영국과 프랑스에서 1200 년경, 1220 년경 독일과 1300 년경 이탈리아에서 처음 발생합니다. 고딕 시대의 회화는 프레스코 화, 패널화, 원고 조명 및 스테인드 글라스의 네 가지 주요 매체에서 이루어졌습니다.

고딕 시대의 회화는 다른 예술과 비교하여 상당한 시간 차이를 겪었으며 이탈리아 학교 (특히 토스카나와 로마) 덕분에 30 ~ 40 년의 지연으로 갱신되었습니다. 지오토의 작품 덕분에 13 세기 후반에만 무대를 빠르게 불 태우면서 그림 자체가 완전히 새로워졌습니다.

이 지연의 이유는 아마도 그림과 조각이 가진 다른 모델과 관련이 있었을 것입니다. 로마네스크 시대에 조각품은 이미 갱신되어 일부 경우에는 기존 고전주의 작품을 재발견했지만 주요 참조 모델을 그리는 것은 비잔틴이었습니다. 학교. 4 차 십자군 전쟁 (1204) 동안 콘스탄티노플의 정복과 동방 라틴 왕국의 형성으로 비잔틴 회화와 모자이크 작품의 흐름은 더욱 두껍게되었습니다.

13 세기 후반, 니콜라 피사노 (Nicola Pisano) 시대에, 회화 적 생동감, 자연 주의적 렌더링 및 조각과 회화 사이의 표현력 사이의 단절은 절정에 이르렀으며 화가들은 조각가들이 도입 한 특별한 혁신 앞에서 무장 해제되었습니다. 그러나 2 세대 이내에 화가들은 무대를 태워 모델과 언어를 갱신 할 수 있었으며, 공간, 이야기의 생동감, 믿을만한 인물 및 그럴듯한 건축 또는 조경 환경을 복구하기 위해 그림 예술에 도달하기까지했습니다. 그림은 또한 더 저렴한 비용으로 인해 더 넓은 고객을 확보함으로써 갱신에 도움이되었습니다.

로마네스크 양식의 그림에서, 특히 이탈리아 중부의 그림은 실제적인 이식성에 대한 지시가 뒷받침되는 페인트 판의 확산을 물려 받았습니다. 주요 과목은 많지 않았습니다.

모양의 십자가는 교회의 본당 끝에 매달려 신자들의 동요를 불러 일으켰다.
어린이와 마돈나, 교회의 상징 및 종교를 인간화하는 어머니 / 자녀 관계의 상징;
아시시의 성 프란치스코의 인물과 관련된 새로운 도해가 눈에 띄는 성도들의 묘사.
이탈리아 13 세기의 지배자 중에는 베를린 기 아르 베를린 기리와 마르 가리 톤 다 레조도 있었는데 둘 다 여전히 완전히 비잔틴 적이지만 전형적인 서구 문자를 보여주기 시작했다. 그 후 Giunta Pisano는 비잔틴 예술의 가능성을 제한하여 전형적인 “이탈리아”스타일을 창조했습니다. 조르지오 바사리 (Giorgio Vasari)에 따르면이 한계는 시마 부 (Cimabue)가 처음으로 극복 한 것으로“어리 석고 민첩하고 평범하지 않은 그리스 방식”에서 출발했다. 마지막으로, 새로운 현대 서양식이 아시시 (Asisi) 상공회 당의 건축 현장에 형성되었으며, 유명한 프레스코 화는 지오토 (Giotto)에 기인합니다. 그러나 최근의 연구는 이탈리아 학교의 혁신적인 범위를 부분적으로 줄였습니다.

지오토 학교 (Taddeo Gaddi, Giottino, Maestro della Santa Cecilia, Maso di Banco 등) 외에도 Duccio di Buoninsegna, Pietro 및 Ambrogio Lorenzetti 및 Simone Martini와 같은 석사를 보유한 Sienese 학교도 매우 중요했습니다. Pietro Cavallini, Jacopo Torriti 및 다른 사람들과 함께하는 로마 학교의 중요성도 매우 최근입니다. 더 독립적 인 성격은 Buonamico Buffalmacco 또는 Bologna의 Vitale입니다.

프레스코
프레스코는 초기 기독교와 로마네스크 전통의 연속으로 남부 유럽의 교회 벽에서 주요 화술 서사로 계속 사용되었습니다. 생존 사고는 덴마크와 스웨덴에게 Biblia pauperum 스타일의 가장 큰 생존 교회 벽화 그룹을 제공했으며, 일반적으로 최근에 건축 된 교차 금고까지 확장되었습니다. 덴마크와 스웨덴에서 그들은 거의 모두 종교 개혁 이후 석 회식으로 덮여 있었지만 그것들을 보존 한 이후에도 일부는 그대로 남아 있었다. 덴마크에서 가장 훌륭한 예는 Fanefjord, Keldby 및 Elmelunde의 교회를 장식 한 덴마크 Møn 섬의 Elmelunde Master의 사례입니다. Albertus Pictor는 스웨덴에서 일하던 시절 가장 유명한 프레스코 예술가입니다.

스테인드 글라스
북유럽에서는 스테인드 글라스가 패널 페인팅으로 대체 된 15 세기까지 중요하고 권위있는 페인팅 형태였습니다. 고딕 양식의 건축물은 큰 건물에서 유리의 양을 크게 늘려 부분적으로 장미 창처럼 넓은 유리창을 허용했습니다. 초기에는 주로 검은 색 페인트와 투명하거나 밝은 색의 유리가 사용되었지만 14 세기 초에는 유리에 그려진 은의 화합물을 사용하여 소성되어 여러 가지 색의 변형을 허용했습니다. 노란색, 투명 유리와 함께 사용됩니다. 이 기간이 끝날 무렵에는 디자인에 점점 더 큰 유리 조각이 사용되었으며, 노란색은 주된 색으로, 다른 색에서는 비교적 작은 유리 조각이 사용되었습니다.

12 세기에서 14 세기 사이의 회화의 발달은 고딕 건축 시스템의 급속한 출현에 의해 조절되었다. 대부분의 새로운 성당에서 유리 표면은 이제 벽돌과 비교하여 우세하고 벽을 장식해야 할 필요성이 점점 커지고 있습니다. 이러한 이유로 모자이크와 프레스코의 고대 및 통합 기술은 피할 수없는 쇠퇴에 직면하고 있습니다. 이러한 감소는 로마 시대에 약간의 성공을 거두면서 이미 개발을 시작한 유리 페인팅과 패널 페인팅의 현대적 개선과 일치합니다. 그 실현은 건축 요구 사항에 종속되지 않으므로 아티스트는 절대 자유로 자신을 표현할 수 있습니다. 유리 그림은 대성당의 창과 장미에 적용 할 컬러 창을 구현하는 것으로 구성됩니다.

중세에는 큰 석판을 얻을 수 없었기 때문에 각 창은 여러 조각으로 구성되어야했습니다. 이러한 이유로, “H”형 리드 스트립으로 형성된 프레임에 의해 함께 결합 된 유색 유리를 사용하기로 결정되었다. 먼저 유리를 이전에 만든 도면에 따라 적열 금속 팁으로 절단 한 다음 다양한 조각을 리드 스트립의 두 날개 사이에 끼 웁니다. 골판지에 의해 제공된 디자인을 재구성하기 위해 각 스트립을 인접한 스트립에 용접 하였다. 전체가 철 프레임에 삽입되어 벽으로 막혔습니다. 이 기술을 통해 큰 효과의 형상을 얻을 수있었습니다.

그림을 그리려면 유리에 직접 붙을 수있는 색상이 필요했습니다. 프랑스에서는 그리 사유 (이탈리아 그리 사글 리아)가 유리 분말과 철 산화물의 혼합물에서 얻어지고 물과 동물성 접착제와 혼합 된 물질로 실험되었습니다. 그리 사유의 사용은 매우 간단했습니다. 장식 할 다양한 유리 조각에 뿌려졌고 일단 건조되면 불투명하게 만드는 특징이있었습니다. 그런 다음 그리 자유를 나무 스타일러스로 긁어 아래 유리의 투명도를 높였습니다. 그림을 고치려면 그리 세유가 유리 페이스트 자체에서 녹고 섞이도 록 개별 안경을 다시 요리해야했습니다. 그렇게하면서 추적 된 윤곽선이 불투명 해졌습니다.

회화의 주제를 다루는 방법은 변화된 역사적, 사회적, 경제적 상황에 영향을받습니다. 도시 부르주아지는 이제 훨씬 더 구체적인 정신과 세계와 삶에 대한 비전 또한 근본적으로 변화한다는 정신에 의해 움직입니다.

성스러운 이야기의 점진적인 업데이트가 있는데, 여기서 성서의 성품은 시대의 옷을 입고 나타나고 장소는 기존 장소와 일치합니다.

이탈리아에서는 프랑스, ​​영국, 독일, 네덜란드와는 달리 프레스코 화와 모자이크도 매우 널리 퍼져있었습니다. 종교적 상징으로, 창은 초자연적, 형이상학 적 빛의 통과를 허용합니다. 그리스도의 종말론에 따르면, 스테인드 글라스 창문은 묵시록의 하늘 예루살렘의 광채를 상기시킵니다. 빛은 하나님의 영이며 창은 신성한 빛으로 빛나는 마리아의 상징입니다. 스테인드 글라스 창문의 수는 종종 상징적 종교적 가치를 지닙니다. 그들은 3 개 (삼위 일체), 4 개 (전도자), 7 개 (7 개의 성찬, 성령의 7 가지 선물, 창세기에 따르면 창조의 7 일).

원고 및 판화
조명 된 원고는 가장 완벽한 고딕 양식의 그림을 나타내며 기념비적 인 작품이 남아 있지 않은 곳에서 스타일을 기록합니다. 프랑스 고딕 삽화가 담긴 최초의 원본은 13 세기 중반까지 거슬러 올라갑니다. psalter는 또한 삽화를 포함하지만, 그러한 조명 된 많은 사본은 왕의 성경이었습니다. 1253 년부터 1270 년까지 거슬러 올라가는 세인트 루이스의 파리 시편은 템페라 페인트와 금박에 78 개의 전체 페이지 조명을 갖추고 있습니다.

13 세기 후반, 서기관들은 평일에 정해진 시간에 사용했기 때문에 시간 책으로 알려진 평신도들을위한 기도서를 만들기 시작했다. 알려진 최초의 예는 약 1240 년 옥스포드 근처의 작은 마을에 사는 알 수없는 평신도를 위해 쓰여진 것 같습니다. 귀족은 그러한 삽화를 자주 사서 장식용 삽화에 잘 지불했습니다. 이들 중 가장 유명한 작가 중에는 장 푸셀 (Jean Pucelle)이 있으며, Pu 느 드에 브루의 시간은 찰스 4 세 왕이 그의 여왕 Jean 느 드뢰의 선물로 의뢰했습니다. 그러한 작품에 나오는 프랑스 고딕의 요소에는 길고 상세한 그림으로 당시 건축을 연상시키는 장식 페이지 프레임 사용이 포함됩니다.

14 세기 중반부터 목판화로 잘라낸 텍스트와 이미지가 모두 포함 된 블록 북은 저지대에서 가장 인기있는 교구 사제들에 의해 저렴한 것으로 보입니다. 세기가 끝날 무렵, 여전히 종교적인 주제에 관한 삽화가있는 인쇄 된 책은 번영하는 중산층에게 빠르게 접근 할 수있게되었으며, Israhel van Meckenem 및 Master ES와 같은 인쇄 제작자들에 의해 상당히 높은 품질의 판화가되었습니다. 15 세기에 주로 판화에 싼 값싼 인쇄물이 도입되면서 농민도 집에서 헌신적 인 이미지를 얻을 수있었습니다. 시장 바닥에 아주 작고 종종 색이 칠해진이 이미지는 수천 개에 팔렸지만 이제는 벽에 붙여진 매우 희귀합니다.

제단 및 패널 페인팅
캔버스에 오일 페인팅은 15 세기와 16 세기까지 인기를 얻지 못했고 르네상스 예술의 특징이었습니다. 북유럽에서 초기 네덜란드 회화의 중요하고 혁신적인 학교는 본질적으로 고딕 양식이지만, 고전주의에 대한 이탈리아의 관심 부흥이 큰 영향을 미치기까지 오랜 시간이 걸렸기 때문에 북부 르네상스의 일부로 간주 될 수도 있습니다. 북쪽. Robert Campin 및 Jan van Eyck와 같은 화가는 유화 기법을 사용하여 세밀한 세부 작품을 제작했으며, 원근법이 정확하고, 리얼한 사실주의가 지금까지 포함 할 수있는 사실적인 세부 사항에서 정밀하게 발생하는 매우 복잡한 상징과 결합되었습니다. 공장.

북유럽의 가장 부유 한 도시의 초기 네덜란드 회화에서 유화에 대한 새로운 순간적 현실은 미묘하고 복잡한 신학 적 암시와 결합되어 종교적 장면의 매우 상세한 설정을 통해 정확하게 표현되었습니다. Robert Campin의 Mérode Altarpiece (1420 년대)와 Washington Van Eyck Annunciation 또는 Rolin 장관 (1430 년대, Jan van Eyck)의 마돈나가 그 예입니다. 부유하고 작은 판화의 경우, 유화의 폴립 (polyptych)조차도 점점 인기를 얻었으며, 종종 처녀 나 성도보다 훨씬 작지만 기증자 초상화를 함께 보여주었습니다. 이들은 일반적으로 가정에 표시되었습니다.

조각
고딕 양식의 조각품은 로마네스크 시대에 주어진 역할, 즉 소위 석조 성경을 만들어 건축을 장식하고 신자들을 교육하는 역할에서 옮겨졌습니다.

건축 건축에서 조각품의 배치는 점차 복잡해지고 두터워졌습니다. 로마네스크 시대와 마찬가지로 조각의 가장 중요한 에피소드는 구약과 신약의 성격이 일반적으로 표현되는 대성당의 문입니다.

근본적인 구절은 고딕 시대에 조각품이 더 이상 건축 공간 (포탈 또는 수도의 잼)에 완전히 통합되지 시작했지만 실제로는 다양한 하중지지 요소. 따라서 최초의 만능 조각상은 독립적이고 독립적으로 사용되었지만 아직 상상할 수는 없었지만 나타났습니다. 이방인으로서의 신상으로 숭배 한 이교도에 대한 싸움의 유산은 여전히 ​​잠재되어 있었지만, 이탈리아 르네상스 때까지 동상은 항상 벽, 틈새, 건축물 아래 또는 caryatids 및 telamons로 배치되었습니다. .

문체 적 관점에서 볼 때 고딕 조각의 혁신적인 특징은 건축에 도입 된 것보다 덜 분명하지만 예술사에서의 후속 개발에 대한 결과는 그다지 풍부하지 않습니다. 한편으로 그림의 길이가 상당히 길어지고 모델이 가상 및 때로는 불가능한 휘장과 같은 완전히 새로운 게임에 살면 다른 한편으로 그는 신체 움직임, 얼굴 표정, 개별 생리학의 그럴듯한 표현으로 돌아 왔습니다. 이전의 시대에 알려지지 않은 자연주의에 대한 예술가의 관심은 (예를 들어 Reims 성당 포털, 1250 년경 또는 Nicola Pisano의 작품에서와 같이) 로마의 초상화와 비교됩니다. 그림 분야에서 동일한 업적보다 수십 년 앞서 기 때문에 이것은 더욱 중요합니다.

그러나 고전주의와 비교할 때, 다른 표현 적 불안, 형태와 휘장의 특정 각도, 키아로 스코로 효과의 불안한 사용에 주목해야합니다.

기념비 조각
고딕 시대는 본질적으로 고딕 건축에 의해 정의되며, 시작이나 끝에서 조각의 스타일 개발과 완전히 맞지 않습니다. 큰 교회, 특히 문 주변의 정면에는 큰 고막이 계속 있었지만 조각 된 인물이 줄 지어 퍼져있었습니다.

샤르트르 대성당의 서구 (왕실) 포털 (1145 년경)의 동상은 우아하지만 과장된 기둥 형 신도를 보여 주지만, 남쪽의 통행 포털은 1215 ~ 20 년에보다 자연스럽고 스타일이 강화되고 벽 뒤에서 분리가 증가하고 있습니다. 고전 전통에 대한 인식. 이러한 추세는 몇 년 후 랭스 대성당의 서쪽 포털에서 계속되었으며, 유럽 전역에서 고딕 양식이 확산되면서 평소와 같이 수치가 거의 반올림했습니다. 밤베르크 대성당은 아마도 1240 년에 6 세기 이후 서양 예술에서 최초의 실물 크기 승마 상인 밤베르크 라이더와 함께 13 세기 조각의 가장 큰 조립품을 가지고있을 것입니다.

이탈리아에서 니콜라 피사노 (1258 ~ 78)와 그의 아들 지오바니는 로마 석관의 명백한 영향과 누드의 동정심있는 취급을 포함하여 정교하고 붐비는 작곡을 포함하여 프로토-르네상스라고 불리는 스타일을 개발했습니다. 시에나 대성당 (1265 ~ 68), 페루자의 폰타나 마조 레 (Pontana Maggiore), 1301 년 피스 토이 아 (Pistia)의 조반니의 강단

1400 년경 부르고뉴와 플랑드르에있는 클로스 슬 루터와 그의 추종자들의 국제 고딕 작품에서 고전적인 스타일의 또 다른 부흥이 목격되고있다. 후기 고딕 조각은 북에서 계속 이어졌다. 표현적인 인물; 대부분의 생존 사례는 독일의 다른 곳에서 많은 상징주의가 뒤따 랐습니다. 틸만 리멘 슈나이더 (Tilman Riemenschneider), 베이트 스 토스 (Vit Stoss) 등은 16 세기까지 스타일을 계속 이어 가면서 점차 이탈리아 르네상스 영향을 흡수했습니다.

석재 또는 설화 석고에서 실물 크기의 무덤 효과는 부유 한 사람들에게 인기가 있었고, 거대한 다단계 무덤이 진화했으며, 베로나의 Scaliger 무덤은 너무 커서 교회 바깥으로 옮겨 져야했습니다. 15 세기에는 석재를 감당할 수없는 경제적 인 본당을 위해 유럽의 여러 지역에 걸쳐 노팅엄의 해조류 제재를 수출하는 산업이있었습니다.

휴대용 조각품
주로 평신도와 종종 여성 시장을위한 작은 조각들은 파리와 다른 센터에서 상당한 산업이되었습니다. 아이보리의 종류에는 작은 헌신적 인 polyptychs, 단일 인물, 특히 Virgin의 거울 그림, 빗 및 연애 장면이 담긴 정교한 관이 포함되어 있습니다. 매우 부유 한 사람들은 Duc de Berry의 Holy Thorn Reliquary와 같이 세속적이고 종교적인 보석류와 에나멜 처리 된 금속 세공물을 모았습니다. 돈이 부족하여 현금으로 다시 녹아 버릴 때까지.

상아, 뼈와 나무의 작은 구호는 종교적, 세속적 주제를 모두 다루고 교회와 가정에서 사용되었지만 건축 장식과 무관 한 고딕 조각은 주로 가정을위한 헌신적 인 물건으로 만들어 지거나 지역 교회를위한 기부로 의도되었습니다. 그러한 조각품은 도시의 장인의 작품이었으며, 3 차원 작은 조각상의 가장 전형적인 주제는 성모 마리아 혼자 또는 자녀와 함께 있습니다. 파리는 상아 작업장의 주요 중심지였으며 이탈리아도 상당한 생산량을 보였지만 대부분의 북유럽으로 수출되었습니다.

이 독립적 인 조각품의 예는 세인트 데니스 수도원 교회의 소장품입니다. 은색의 처녀와 자식은 1339 년으로 거슬러 올라갑니다. 메리는 유아 그리스도의 모습을 들고 흐르는 망토에 싸여 있습니다. 망토의 단순성과 어린이의 젊음은 북유럽에서 14 세기와 15 세기 초반에 발견 된 다른 조각품을 Presage합니다. 이 조각품은 12 세기 말과 13 세기 초에 부분적으로 로마네스크 양식 인 초기의 뻣뻣하고 길쭉한 스타일에서 공간적이고 자연스러운 느낌으로 진화 한 모습을 보여줍니다. 다른 프랑스 고딕 조각 과목에는 당시 대중 문학의 인물과 장면이 포함되었습니다. 트루 바 두르의시에서 나온 이미지는 아마도 거울 상자와 작은 상자의 장인들 사이에서 특히 인기가 있었는데 아마도 여성들이 사용하기 때문일 것입니다.

점토 또는 납 배지, 메달 및 이미지가 찍힌 수풀과 같은 신사 순례 기념품도 인기 있고 저렴했습니다. 그들의 세속적 동등 물인 축배 배지는 봉건적, 정치적 충성심 또는 동맹의 조짐이었다.이 봉건은 영국에서 나쁜 봉건제 하에서 사회적 위협으로 여겨졌다. 1483 년 영국의 리차드 3 세 왕이 복천으로 주문한 13,000 개의 배지와 함께 웨일즈 왕자 인 아들 에드워드의 수사를위한 흰 멧돼지의 엠블럼과 함께 더 싼 형태가 때때로 무료로 제공되었습니다. 당시 인구. 에나멜을 입힌 금으로 라운드에서 완전히 모델링 된 Dunstable Swan Jewel은 기증자에게 매우 가깝거나 중요한 사람에게 제공 될 수있는 훨씬 더 독점적 인 버전입니다.

예술과 예술가의 사회적 배려
양모와 옷감 사업의 번영은 유럽에서 북쪽에서 남쪽으로 (플로렌스, 제노아, 베니스에서 샴페인과 플랑드르에 이르기까지 메디나 델 캄포를 잊지 않고) 유럽을 가로 지르는 박람회 및 무역 루트와 연계되어 예술 단수의 탄생입니다. 매우 중요한 사회적 명성을 가진 태피스트리 패브릭. 단순한 장인에 대한 고려를 넘어서지 않은 작가를 위해서가 아니라 소유자를 위해. 산업 예술과 오늘날의 미술을 고려하는 예술 사이를 명확하게 구분하지 않고, 마스터 건축업자, 화가 및 조각가에 대해서도 마찬가지입니다. 우리는 많은 사람들의 이름을 지키더라도 하나를 행사하지도 않았습니다. 자유주의 직업과 비교할 수없는 사악하고 기계적인 거래.