게임 체인저 : 20 세기의 실루엣 재발견, 앤트워프 패션 박물관

“게임 체인저 : 20 세기 실루엣 재발 명하기”전시회는 20 세기 중반의 혁신으로 혁신적인 실루엣을 창조하고 신체의 움직임을 자유롭게하며 건축 볼륨을 구축하여 혁신적인 디자인을 창조 한 패션 디자이너 크리스토발 발렌시아가의 획기적인 작업을 살펴 ​​봅니다. 주위 공간.

Balenciaga는 1920 년대와 1930 년대의 오트 쿠튀르의 피아노, 그리고 나중에 1980 년대와 1990 년대의 디자이너들과 함께 건설적인 모래 시계 실루엣의 대안으로 입증되었습니다. 이 “게임 체인저”는 새로운 관점에서 20 세기의 패션을 바라 보았습니다.

기모노와 같은 일본의 영향력있는 의상은 20 세기 초반 꽉 짜인 코르셋에서 여성을 해방 시켰습니다. Madeleine Vionnet, Paul Poiret, Coco Chanel과 같은 패션 디자이너들은 1920-1930 년대 여성의 기술 혁신과 현대적인 아이디어로 이러한 자유를 형성했습니다. 20 세기 말, 여성 실루엣의 경계는 미야케 이세이 (Issey Miyake), 요지 야마모토 (Yohji Yamamoto), Comme des Garçons (Comme des Garçons), 앤 데메 말메스터 (Ann Demeulemeester), 마틴 마길 라 (Martin Margiela)와 같은 일본인 디자이너와 벨기에 디자이너에 의해 더 자세히 조사됩니다. 그들은 새로운 몸매와 추상적 인 실루엣을위한 길을 열었고 패션으로 간주 될 수있는 것에 대한 새로운 해석을했습니다.

전시회의 중심 인물은 바스크 (Bessque)의 패션 디자이너 크리스토발 발렌시아가 (Cristobal Balenciaga, 1895-1972)로, 혁신의 건축가 인 두시기 사이의 중추적 인 인물로 간주됩니다. 그의 패턴과 작품은 전시회의 중심 축입니다. 각 디자이너는 비슷한 방식으로 혁신적인 아이디어로 자신의 방식으로 작업하고 고전적인 여성의 실루엣을 바꿔 놓았습니다.

이런 식으로 패션은 일련의 경향이됩니다. 유행은 몸, 공간 및 운동을 형성하는 방법입니다. Ray Kawakubo의 “Body Meets Dress, Dress Meets Body”SS 1997 컬렉션은이 새로운 모양이 패션 어휘의 일부가 된 방법을 보여줍니다.

이 전시회는 Cristobal Balenciaga, Paul Poiret, Madeleine Vionet, Gabrielle Chanel의 100 가지 독창적 인 양재 및 기성복 실루엣을 제공하지만, Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Maison Martin Margiela도 함께합니다. 뉴욕 패션 기술 연구소 (Museum of Fashion Technology Institute), V & A, MUDE Lisbon 및 Musee Galliera의 권위있는 컬렉션 대출.

20 세기 실루엣을 근본적으로 혁신 한 게임을 변화시키는 디자이너를 만나보십시오.

게임 체인저 (Game Changers) 전시회는 2016 년 3 월부터 2016 년 8 월까지 MoMu에서 진행되었습니다.이 쇼는 Cristobal Balenciaga를 주인공으로하는 게임을 변화시키는 디자이너의 130 개 이상의 실루엣으로 구성되었습니다.

이번 전시회는 Palais Galliera, V & A, FIT, 파리의 Balenciaga 아카이브, SAIC Chicago, Gemeentemuseum Den Haag, Groninger Museum, MKG Hamburg, 베를린 Kunstgewerbemuseum, Modemuseum Hasselt에서 대출 한 MoMu 아카이브 작품을 결합했습니다.

쇼는 Miren Arzalluz와 Karen Van Godtsenhoven에 의해 큐레이팅되었습니다.

타이거의 도약
미래로 거꾸로보고

이번 전시의 소개 주제는 ‘호랑이의 도약’으로, 크리스토 발 발렌 시가 (Cristobal Balenciaga)와 레이 카와 쿠보 (Rei Kawakubo)의 두 가지 게임 스타일로 구성되어있다.

‘호랑이의 도약’이라는 말은 유행을 미래 지향적 인 것으로 묘사하지만 동시에 영감을 얻기 위해 과거를 되돌아 보는 철학자 월터 베냐민 (Walter Benjamin)의 독일 개념 ‘Tigersprung’에서 비롯됩니다. 과거는 전시회 전반에 걸친 지침 원칙입니다.

Rei Kawakubo의 패딩 된 ‘Body Meets Dress, Dress Meets Body’는 1997 년 봄 / 여름 실루엣으로 21 세기의 서구 모래 시계 실루엣이 새로운 모양, 커브 및 별자리를 만들기위한 방법을 모색하는 20 세기 디자이너들의 도전을 보여줍니다.

MoMu는 2015 년 7 월의 Didier Ludot Couture 경매에서이 드레스를 입수했습니다. MoMu는 Rei Kawakubo의 Comme des Garçons와 같은 벨기에 디자인 및 국제 아방가르드 디자이너를 수집합니다.

Balenciaga의 가을 / 겨울 1953 컬렉션의이 비대칭 태 피터 드레스에서 볼 수 있듯이, 역사 주의적 형태와 혁신을 사용하면 호랑이의 도약 원리의 예가됩니다.

발렌시아가 아이콘
Cristobal Balenciaga의 가장 상징적 인 실루엣

Balenciaga의 가장 상징적 인 실루엣은 배럴 라인, 반구형 모양 (1951), 튜닉 (1955), 자루 드레스 (1957), 네 모퉁이 드레스 (1968) 등 20 세기 패션에서 우위를 차지하는 모래 시계의 이상을 깨뜨 렸습니다. , 그리고 가장 추상적 인 단계의 시작을 나타내는 1958 년의 사다리꼴 아기 인형. 점차적으로 개념적 품질의 의복이 무제한적이고 자유로운 몸을 가졌습니다.

1942 년 파리의 나치 점령시기가 제한되는 동안 발렌시아가는 전례없는 결과를 가져 오는 실험 과정을 시작했습니다.

같은 해 (1947) 크리스챤 디올 (Christian Dior)은 ‘New Look’으로 세상을 사로 잡았고, 발렌시아가는 유체의 새로운 실루엣과
시체를 수축시키는 것보다.

1967 년에 제작 된이 사각 실크 가자르 드레스는 Balenciaga의 가장 추상적 인 조각 작품 중 하나였으며, 그의 경력 끝에 가장 상징적 인 의상 중 하나입니다.

자루 드레스는 1950 년대 꾸밈의 구조화되고 신체를 의식한 실루엣에서 벗어나 몸을 우아하고 편안하게 해방 시켰습니다.

느슨한 의복은 1960 년대의 쉽고 간단한 실루엣을 발표 한 충격적인 진화였다.

키모노
“스타일과 공간이 아니라 전통적인 기모노의 몸과 직물 사이의 공간에서 배웠습니다.”- Issey Miyake

이 그룹은 서양식으로 기모노 원칙을 도입하는 방법을 모색합니다.

20 세기 서구 패션의 변화와 혁신의 중요한 요소는 동양적 복장, 특히 일본인의 개념에 기인합니다. 일본은 19 세기 후반에만 서구에 문을 열었습니다. Japonism이라는 일본 장식 예술에 대한 광이 널리 퍼졌습니다. 여성의 곡선을 형상화 한 유럽의 패션과는 대조적으로 여성의 곡선을 형상화 한 유럽의 패션에 반대하는 동방의 의상은 몸을 감싸는 직사각형의 원단에 초점을 맞추어 ‘더 부드러운 복장’을 만듭니다.

French couturière Madeleine Vionnet은 기모노와 우키요에 지문을 수집하여 작품에 큰 영향을 미쳤습니다.

그녀는 말했다 : “드레스는 몸에 매달려서는 안되며 그 라인을 따라 가야합니다. 그것은 착용자와 동행해야하며 여자가 웃을 때 그 드레스는 그녀와 미소를 지어야한다. ”

Vionnet의 기모노는 1950 년대와 60 년대의 실루엣에 대한 대안적인 비전의 핵심에 놓여있는 Cristobal Balenciaga의 작업에 근본적인 영향을 미칠 수있는 기술적 혁신과 미적 동화 작용에 영감을 불어 넣었습니다.

레이 카와 쿠보 (Lei Kawakubo), 요지 야마모토 (Yohji Yamamoto), 미야케 이세이 (Issey Miyake)와 같은 20 세기 말의 일본 디자이너들은 파리에서 개최되는 국제 패션을 창작합니다.

와비 사비 (wabi-sabi)와 같은 일본 미학의 영향과 기모노의 원리, 신체 주위에 패브릭을 감싸는 아이디어가 그들의 작품에 존재하며 많은 동시대 인력에 의해 채택되었습니다.

사진가 피터 린드버그 (Peter Lindbergh)는이 시리즈의 1983 년 레이 카와 쿠보 (Rei Kawakubo)의 가장 상징적 인 의상을 사로 잡았다.

대형 볼륨
메이슨 마틴 마르지 라 (Maison Martin Margiela)는 이탈리아 사이즈 78 호로 제작 된 원형 의류를 폭파하여 오뜨 꾸뛰르 (out cosuture)와 프레 타 포르타 (ready-to-wear)의 개념을 해체합니다. 착용자의 몸에 맞지 않습니다 사전 정의 된 상업용 크기로 제공되지 않습니다.

Margiela의 대형 의류는 미리 만들어진 산업 의류가 표준 크기의 다양한 신체 유형을 위해 생산되는 패션 시스템을 해체합니다. 이러한 의류는 ‘하나의 (이상) 크기 맞춤’이라는 전제하에 표준 신체 유형의 아이디어를 삭제합니다. 모든’.

스트레이트 라인
이 그룹은 20 세기, 1920 년대와 1960 년대의 서로 다른 시간에 어떻게 곡선 모양의 S 자형 실루엣이 더 직선적이고 현대적인 선으로 나아 갔는지 보여줍니다.

19 세기 후반과 20 세기 초반의 세련된 유연한 실루엣은 아르누보의 높이에 있으며 극히 작은 허리와 풍부한 가슴으로 특징 지어졌으며 점차적으로 20 세기 초반에 개혁 드레스의 직선으로 이어졌습니다.

Garçonne은 짧은 머리를 쓰고 똑바로 끈적 끈적한 드레스를 입고 소년 같았습니다.

샤넬은 뉴 우먼을 ‘해방 시켰을뿐 아니라, 새로운 에얼론을 여전히 느낄 수있는 새로운 슬림 한 아름다움을 선사했습니다.

운동복은 고급 패션쇼에 영향을 주었고 샤넬, 장 패투, 마들렌 바이 오네 (Madeleine Vionnet) 같은 디자이너는 스포티하고 세련된 해방 된 뉴 우먼에게 음식을 제공했습니다.

Balenciaga는 직선을 1955 년의 유명한 ‘튜닉’실루엣으로 재 해석했습니다.이 실루엣은 똑 바른 긴 치마 위에 입은 단순한 무릎 길이의 의복입니다. 의상은 실루엣의 윤곽을 제안하는 반면 착용자의 신체와 의복 사이의 공간은 자유로운 움직임을 제공합니다. 우아한 단순성으로 즉각적인 성공과 영향을 받았습니다.

Balenciaga의 튜닉 재 해석은 곧 그의 작품에서 새로운 고전이되었으며 1955 년 2 월부터 1968 년 2 월까지 Balenciaga 컬렉션에 다시 나타났습니다.

1920 년대의 혁명적 인 정신은 1960 년대에 우주 시대 세대를위한 똑같은 똑 바른 실루엣, 자유와 근대성의 상징으로 되풀이됩니다. 1960 년대의 ‘청년’과 미래파 디자이너들은 1950 년대 허리를 없애고 대신에 다시는 그램 실루엣을 제시했습니다. André Courrèges와 Paco Rabanne는 견습 과정에 참여했거나 Balenciaga의 레이블에서 일했으며 순수한 기하학적 형태를 이어 받았다.

프랑스 사진 작가 피터 냅 (Peter Knapp)은 André Courrèges의 긴밀한 협력자였으며 1960 년대에 가장 주목할만한 우주 시대 이미지를 만들었습니다.

시체에 대해 다시 생각해 보라.
드레스는 몸을 만나다, 몸은 드레스를 만나고 하나가된다. Rei Kawakubo S / S 1997

한 번 코르셋에서 풀어 놓은 몸은 20 세기 말에 의복과 관련하여 새로운 역할을 수행 할 준비가되었습니다.

1997 년 봄 / 여름 레이 코와 쿠보는 ‘몸을 다시 생각해’라는 생각을 한 발 더 내디뎠으며, 그녀의 유명한 ‘덩어리’와 ‘범프’콜렉션 인 ‘Dress Meets Body, Body Meets Dress, Become One’ 통합 유기 패딩 된 모양, 따라서 인체를 제거하거나 개조합니다.

가와 쿠보 (Kawakubo)는 그것을 단지 “몸을 재고하는 것”이라고 불렀지 만, 언론은 Quasimodo라는 컬렉션, 또는 악화 된 “올해의 추악한 컬렉션”이라고 불렀습니다.

“이전에 본 것이 아니라 반복 된 것이 아니라 미래를 바라 보는 새로운 발견은 자유롭고 활기찬 것입니다.”
– 보도 자료 Comme des Garçons 1997

안무가 인 Merce Cunningham은 자신의 시나리오 제작에 참여했으며, 간단하게 다음과 같이 말합니다. “덩어리는 우리가 매일 볼 수있는 친숙한 모양, 어깨에 가방이 달린 자전거 메신저, 엉덩이 팩을 입은 관광객, 어머니의 아기 팔.”

마찬가지로 영국의 예술가이자 패션 디자이너 인 Georgina Godley의 작품은 섹시하거나 섹스가없는 여성의 몸매를 벗어났습니다. 대신 그녀는 아프리카에서 영감을받은 여성의 몸을 숭배하는 ‘제 3의 길’을 선택했습니다.
불임의 여신들과 베르메르의 여인들.

Martin Margiela는 여성의 서양식을 ‘살아있는 인형’으로, 또는 인형을 여성에게 더 완벽한 버전으로 해체 시키려한다. 그의 컬렉션은 재단 용 인형이 허리 코트로 변했다 (1997 년 봄 / 여름, 가을? 겨울 1997-98). 및 1950 년대 적응 형 금속선 모조 자켓 (1989 년 가을 – 겨울).
여성 신체의 주물화 된 버전으로 작동하는 더미의 실제 생체를 의복으로 입혀서 표준화 된 모조품이 실제 생체와 어떻게 다른지를 보여줍니다.

“인형 … 많은 여성들이 인형을 원한다.”
– 요지 야마모토

MoMu는 전시회의 중앙 무대에 몸을 배치하기 위해 사진 작가 Daniel Sannwald (앤트워프 왕립 예술 학교 졸업)의 감독하에 홀로 그래픽 비디오를 제작했습니다. Sidi Larbi Cherkaoui (Eastman)의 안무와 현재 Balenciaga 하우스의 예술 감독 인 Demna Gvasalia가 선정한 Balenciaga 아카이브 앨범을 선보이며 왕립 예술 아카데미의 패션학과를 졸업했습니다.

이 아카이브에는 Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Maison Martin Margiela, Comme des Garçons 및 Gvasalia의 자체 라벨 Vêtements가 제공하는 게임 변경 디자인이 동반됩니다.

‘나’가없고 아이의 몸과 어머니의 몸과 외부 세계 사이에 구별이없는 인간 언어 사전 언어 단계 (13 개월)의 회상에서 추상적 인 의복과 생체가 하나로 합쳐진다. 새로운 별자리.

뒤에서 본
“나는 지나가는 사람, 사라지는 사람으로 만 여자를 볼 수 있습니다. 나는 옷이 앞면이 아니라 뒤에서 만들어 져야한다고 생각합니다.”- 요지 야마모토

여성의 실루엣의 뒤는 Cristobal Balenciaga의 작업에서 초점이되었습니다. 목덜미의 목덜미에서 우아하게 떨어지거나 뒤쪽에서 아래로 떨어지는 목선은 특징적으로 흐르는 드레이퍼 리를 형성했습니다.

Balenciaga는 전통적인 기모노 neckline에서 영감을 얻었습니다. 옷깃을 목에 단단히 묶어 맞춤형 옷과 낮 앙상블로 목덜미를 노출 시켰습니다.

일본에서는 목덜미가 여성의 신체에서 가장 아름다운 특징 중 하나로 간주됩니다.

따라서, 기모노 칼라의 뒷면은 목덜미를 노출시키고 더 오래 보이게합니다.

옷깃의 유체 라인과는 달리, 기모노는 가슴 주위에 단단히 고정되어 있으며 뒤쪽에는 빗살로 장식 한 커다란 오비 매듭과 높은 chignon 헤어 스타일과 같은 다른 유명 액세서리가 장식되어 있습니다.

발렌시아가 (Balenciaga)는 1965 년 가을 / 겨울 컬렉션의 분홍색 이브닝 가운과 같은 1960 년대의 가장 유명한 디자인에이 요소에 대한 개인적인 해석을 포함시켜 전시합니다.

아기 인형
추상화의 길

1950 년대 루스 피팅 과실리 (loose-fitting negligée)에서 이름을 딴 chemise 드레스 나 아기 인형은 1957 년 겨울 컬렉션에서 Balenciaga에 의해 처음 소개되었습니다.

레이스로 만든 사다리꼴 모양의 칵테일 디자인으로 착용자의 실제 몸매를 윤곽이 잡힌 꽉 조이는 복장 위에 착용하여 허리의 표정과 그 거부를 절충합니다.

다음 여름 1958 년 컬렉션에서 Cristobbal Balenciaga는 한 발 더 나아가 몸에 대한 언급이 근본적으로 제거 된 전체 드레스의 볼륨을 과장했습니다.

허리, 엉덩이, 가슴은 신체와 의복을 중재하는 새로운 빈 공간에 거주하지 않고 눈에 띄지 않게되었습니다.

아기 인형은 1950 년대에 Balenciaga 실험의 가장 획기적인 형태로 간주 될 수 있습니다.

babydoll의 사다리꼴 모양은 현대 디자이너에게 감사의 출발점입니다.

궁극적 인 추상화
최종 단계

1968 년 Cristobbal Balenciaga는 1960 년대 세계에서 가장 독창적이고 순수한 디자인을 선보이면서 자신의 집을 마감했습니다. Le Chou Noir 또는 그의 상징적 인 네 모퉁이 드레스에서 볼 수 있듯이 그의 겨울 1967 컬렉션의 일부.

Balenciaga의 늦은 양재 작업은 1960 년대의 붐을 일으킨 ‘out of touch’와는 다르다고 말 해져 왔지만 사실 그의 진보적 인 신체 추상화와 순수한 라인은 다음 세대를 포함하여 그를 뒤쫓아 온 세대의 창조물에서 발견 될 수 있습니다. 피에르 카르뎅 (때로는 그의 버섯 모양과 추상화로 욕설을 받았다), 시세이라 (스페인), 후세인 찰라 얀 (키프로스), 와타나베 준야 (일본), 아이리스 반 허펜 (네덜란드)의 3D 프린트 드레스 등 이세이 미야케 (Issey Miyake) ).

그들은 전임자들처럼 혁신의 전통에서 패션을 더욱 발전시킵니다. 이 방법은 과거의 아이디어가 영원한 Tiger ‘s Leap에서 미래의 모습과 충돌합니다.

닫는 실루엣은 Alexander McQueen의 ‘Horn of Plenty’에서 비롯된 것으로,이 컬렉션은 McQueen이 “준비되기 전에”자신의 말로 “패션 역사를 다루고 성숙한 디자이너로 시작될 수있는”마지막 컬렉션입니다.

그는 샤넬, 디올, 발렌시아가와 같은 20 세기의 상징적 인 디자이너를 연상케하고 자신의 도장을 찍습니다. Chanel과 Dior의 전형적인 물떼새 격자 모티브가이 드레스에서 새 프린트, McQueen의 서명으로 바뀝니다.

Balenciaga의 캐터필라 같은 드레스가 급격히 폭발적으로 증가합니다.

벨기에 패션 박물관 앤트워프

MoMu (모드 뮤지엄)는 벨기에의 앤트워프 (Antwerp) 주 패션 박물관입니다. 2002 년 9 월 21 일에 설립 된이 박물관은 벨기에 패션을 수집, 보존, 연구 및 전시합니다. 이 박물관은 특히 80 년대와 90 년대에 앤트워프 훈련을받은 패션 디자이너 그룹 (Martin Margiela, Dries Van Noten, Ann Demeulemeester, Walter Van Beirendonck, Dirk Van Saene, AF Vandevorst, 기타.). 박물관의 첫 번째 감독은 왕립 미술 아카데미 (Antwerp)의 패션 학교 설립자이자 감독 인 Linda Loppa였습니다. 현재 감독은 Kaat Debo입니다.

수집
MoMu는 의류, 신발, 섬유, 액세서리, 레이스 등 33,000 개 이상의 품목을 보유하고 있습니다. 의류 및 액세서리는 구매를 통해 수집 된 컬렉션의 핵심을 형성하지만 사적인 개인, 디자이너 및 패션의 기부를 통해 형성됩니다. 주택 및 장기 대출을 통해 예를 들어, Linda Loppa와 Christine Matthijs의 초기 선물은 MoMu의 디자이너 컬렉션을 시작했습니다. 이 하위 소장품은 Dries Van Noten과 Bernhard Willhelm과 같은 관대 한 기부금으로 풍부 해졌습니다. 또한 Walter Van Beirendonckin 2012의 100 가지 실루엣, Antwerp Coccodrillo 신발 가게 Geert Bruloot 및 Eddy Michiels의 창립자 및 영국 디자이너 Stephen Jones의 수십 가지 디자이너 신발과 100 개 이상의 모자를 포함한 장기 대출도 포함됩니다. 박물관 컬렉션은 기부금과 네덜란드 수집가 Jacoba de Jonge가 수집 한 역사적인 패션을 부분적으로 구매함으로써 2012 년에 수백 편의 작품으로 확장되었습니다. 전직 직물 및 의상 박물관 Vrieselhof의 전 수집품과 함께 MoMu는 오늘 집에서 주로 보관되는 약 33,000 개의 물체를 관리합니다.

컬렉션은 의류, 액세서리 및 직물뿐만 아니라 도구, 섬유 생산 기계, 패턴 및 패션쇼 초대장과 같은 예기치 못한 작품으로 구성됩니다.

MoMu의 수집 정책은 벨기에의 디자이너 및 앤트워프의 Royal Academy of Fine Arts 패션 학부 졸업생들의 작업에 중점을 둡니다. 현대 국제 패션계에서 유래 된 유명 인사도 컬렉션에 포함되어 있습니다.

컬렉션은 인수, 대출 및 수많은 기부를 통해 매년 증가하고 있으며 현재 33,000 개가 넘습니다. 이것은 MoMu 컬렉션을 세계에서 현대 벨기에 패션의 가장 크고 중요한 컬렉션으로 만듭니다. 박물관은 디자이너 컬렉션에서 조각에 대한 국제 대출 요청을 지속적으로받습니다.

MoMu의 서유럽 복장과 직물에 대한 역사적인 컬렉션은 이전의 제복 및 섬유 박물관 Vrieselhof 컬렉션의 연속입니다.

2011 년에는 역사 수집 물이 중요한 인수로 확대되었습니다. 20 세기의 18, 19, 그리고 상반기의 2,000 개 이상의 물체가 Jacoba de Jonge의 개인 소장품에서 수집되어 기존 MoMu 컬렉션을 보완했습니다.

유행과 의상 수집 이외에, 박물관에는 또한 광대 한 도서관 수집이 유숙한다. MoMu 도서관은 역사 및 현대 패션, 직물 및 민족 복장을위한 학술 도서관입니다. MoMu 라이브러리는 전 세계 15,000여 권의 저서, 가치있는 참고서, 수백 개의 현대 및 역사 잡지, 급성장하는 디지털 데이터베이스 이미지로 구성된 아카이브를 통해 전 세계에서 최고입니다.

2017 년에는 연구 수집 물이 박물관의 수집 물에 추가되었습니다. 스터디 콜렉션은 방문객에게 물건을 가까이서 연구 할 수있게하여 패션에 대해 방문자를 가르치기위한 별도의 콜렉션입니다. 학습 컬렉션은 학술 연구, 교재 또는 영감을 얻는 데 사용할 수 있습니다. 2018 년 가을부터 상담이 가능합니다.

스터디 컬렉션은 역사, 현대 및 민족 의류, 조각 및 샘플로 구성됩니다. 이 더 접근하기 쉬운 수집품은 앤트워프 대학의 보존 복원 부서에서 장기간 대여 한 Jacoba de Jonge 여사의 기부금과 MoMu의 조각들로 구성되어 있습니다.