그림 그리기는 임의의 그림 매체를 사용하여 다양한 형태와 자세로 인간 형태를 그리는 것입니다. 기간은 또한 그런 그림을 일으키는 행위를 나타낼 수 있습니다. 표현의 정도는 매우 자세하고 해부학 적으로 정확한 렌더링부터 느슨하고 표현적인 스케치까지 다양 할 수 있습니다. “삶의 그림”은 실제 모델을 관찰 한 결과 인간의 모습을 그린 그림입니다. 그림 그리기는 그림으로 구성된 작업 일 수도 있고 그림 같은 더 완성 된 작업을 준비하는 그림 연구 일 수도 있습니다. 그림 그리기는 틀림없이 예술가가 흔히 접하게되는 가장 어려운 주제이며, 전체 과정은 주제에 전념합니다. 인간의 모습은 시각 예술 분야에서 가장 지속적인 테마 중 하나이며, 인물은 초상화, 일러스트레이션, 조각, 의료 일러스트레이션 및 기타 분야의 기본이 될 수 있습니다.

아티스트는 인간의 모습을 그리는 데 다양한 접근 방식을 취합니다. 라이브 모델이나 사진, 골격 모델 또는 기억과 상상력에서 그릴 수 있습니다. 대부분의 수업은 “인생 드로잉”코스에서 모델 사용에 중점을 둡니다. 사진 기술의 발달 이후 공통적 인 것은 아니지만 사진 참조의 사용은 종종 피사체의 역동적 인면을 포착하지 못하는 “평면”이미지를 생성하는 경향에 대해 비판 받거나 낙심합니다. 상상력에서 그리는 것은 종종 그것이 표현하는 표현력에 대해 찬사를받으며, 예술가의 지식 부족이나 인간의 모습을 시각화하는 데 제한된 기억으로 인한 부정확성에 대해 비난합니다. 다른 방법을 가진 예술가의 경험은이 접근법의 효과에 큰 영향을 미친다.

이미지를 개발할 때 일부 아티스트는 신체 표면의 밝고 어두운 값의 상호 작용에 의해 만들어진 모양에 중점을 둡니다. 다른 이들은 해부학 적 접근을 취하는데, 그림의 내부 골격을 근사하고, 내부 기관과 근육 조직을 덮고, 피부로 그 형태를 덮고, 마침내 (가능한 경우) 옷을 입는다. 인간의 내부 해부학에 대한 연구는 일반적으로이 기법과 관련되어 있습니다. 또 다른 접근법은 기하학적 모양에서 몸을 느슨하게 구성하는 것입니다 (예 : 두개골 용 구체, 몸통 용 실린더 등). 그런 다음 그 모양을보다 정밀하게 인간 모양과 유사하게 수정하십시오.

시각적 인 참고없이 (또는 자신의 작업을 점검하는 수단으로) 작업하는 사람들을 위해 그림의 그림에서 일반적으로 권장되는 비율은 다음과 같습니다.
평범한 사람은 일반적으로 머리가 7 ~ 2 분 (머리 포함)입니다. 이것은 종이 접시를 사용하여 교실에있는 학생에게 신체의 길이를 시각적으로 보여줄 수 있습니다.
귀족이나 은혜의 인상에 사용되는 이상적인 인물은 키가 8 개인 머리입니다.
신들과 슈퍼 히어로의 묘사에 사용 된 영웅적 인물은 8 인치 반의 머리입니다. 추가 길이의 대부분은 더 큰 가슴과 더 긴 다리에서 비롯됩니다.
이 비율은 서있는 모델에 가장 유용합니다. 다양한 신체 부위의 단축을 유도하는 자세는 그것들을 다르게합니다.

19 세기의 프랑스 살롱에서는 왁스, 오일, 안료로 된 Conté 크레용을 특별히 공식화 된 용지와 함께 사용하도록 권장했습니다. 삭제가 허용되지 않았습니다. 그 대신에, 작가는 어둡고 눈에 잘 띄는 자국을 만들기 전에 가벼운 스트로크로 그 인물을 묘사 할 것으로 예상되었다.

대중적인 현대 기술은 특별한 포도 나무에서 준비된 목탄 지팡이 및 더 거친 종이의 사용이다. 목탄은 종이에 느슨하게 붙어있어 쉽게 지울 수 있지만 최종 그림은 숯이 마찰되지 않도록 분무제 “정착액”을 사용하여 보존 할 수 있습니다. 더 단단한 압축 목탄은 더 고의적이고 정확한 효과를 낼 수 있으며, 눈금이나 그루터기라고 불리는 원통형 종이 도구로 얼룩을지게하여 눈금을 낼 수 있습니다.

흑연 연필도 그림 그리기에 일반적으로 사용됩니다. 이 목적을 위해 예술가의 연필은 9B (매우 부드럽고) ~ 1B (보통의 부드러운), 1H (중간 정도)에서 9H (매우 단단한)까지 다양한 배합으로 판매됩니다. 목탄과 마찬가지로, 그루터기를 사용하여 지우고 조작 할 수 있습니다.

잉크는 또 다른 인기있는 매체입니다. 작가는 흑연 연필을 사용하여 그림을 스케치하거나 외곽선을 그리기 시작합니다. 마지막 라인 작업은 영구적 인 잉크로 펜이나 브러시로 끝납니다. 잉크는 물로 희석되어 계조를 생성 할 수 있는데, 이는 잉크 세척이라고하는 기술입니다. 잉크가 묻 으면 연필 자국이 지워질 수 있으며 어두운 잉크로 인해 연필이 지워질 수 있습니다.

일부 예술가는 연필 스케치를 준비하지 않고 잉크로 직접 그림을 그리며 실수를 바로 잡을 수있는 능력에도 한계가 있음에도 불구하고이 방법의 자발성을 선호합니다. 마티스는 이런 방식으로 일한 예술가입니다.

Watteau와 다른 17 세기와 18 세기의 바로크 시대와 로코코 시대의 예술가들이 선호하는 방법은 흰색과 검정색의 중간 색조로 시작하여 검정색과 흰색으로 강조 표시를 펜과 잉크로 추가하는 것이 었습니다 또는 “크레용”.

인간의 모습은 선사 시대부터 그림의 대상이되었습니다. 고대의 예술가들에 대한 스튜디오 관습은 대부분 추측의 문제이지만, 누드 모델을 통해 종종 그려지고 모델링 된 것은 작품의 해부학 적 세련미에 의해 제안됩니다. 플리니우스 (Pliny)와 관련된 일화는 Zeuxis가 알몸의 Agrigentum의 젊은 여성들을 검토 한 후 이상적인 이미지를 그리기 위해 그가 결합 할 5 개의 기능을 선택하는 방법을 설명합니다. 중세 작가의 워크샵에서 누드 모델을 사용하는 것은 Cennino Cennini의 저서에 암시되어 있으며 Villard de Honnecourt의 원고는 13 세기에 삶의 스케치가 확립 된 관행임을 확인합니다. 카라치 (Carracci)는 1580 년대 볼로냐 (Bologna)에서 자신의 Accamia degli Incamminati를 개관했으며, 인생을 중심 교육으로 삼아 후기 예술 학교의 패턴을 정했습니다. 훈련 과정은 판화 복사로 시작하여 석고 모형에서 그림을 그리기 시작한 후 학생들은 실제 모형에서 그림을 그리도록 훈련 받았습니다.

18 세기 후반 Jacques-Louis David 스튜디오의 학생들은 엄격한 교육 프로그램을 따랐습니다. 드로잉의 숙달은 페인팅의 전제 조건으로 간주되었습니다. 매일 약 6 시간 동안 학생들은 일주일 동안 같은 자세를 유지 한 모델을 사용했습니다. 19 세기 말 이전에 여성들은 일반적으로 드로잉 수업을 받아 들일 수 없었습니다.

아카데미 인물은 보통 반감기의 라이브 모델을 사용하여 누드 인체를 그림, 그림 또는 조각 그대로 표현한 것입니다.

과거와 현재의 예술 학교와 아카데미의 학생들에게 필요한 일반적인 운동입니다. 따라서 이름입니다.

역사적인 기록에 의하면, 주목받는 여성 예술가를위한 누드 모델은 거의 없었습니다. 여성들은 누드 모델에서 공부하는 것이 부적절하고 심지어 위험한 것으로 여겨 졌기 때문에 특정 기관에서 금지되었습니다. 남성은 남성과 여성 누드에 접근 할 수 있었지만 여성은 캐스트와 모델에서 해부학을 배우는 것에 국한되었습니다. 1893 년 런던의 Royal Academy에서 여학생들이 인생의 그림을 접할 수있게 된 것은 아니 었습니다. 그리고 그 모델도 부분적으로 드레이프를해야했습니다.

누드 피규어에 대한 접근성이 제한되어 여성 예술가의 커리어와 발전을 저해했습니다. 가장 권위있는 형태의 그림은 체계적으로 여성에게 거부당한 해부학에 대한 심층적 인 지식을 필요로했으며, 여성은 장르, 정물, 풍경 및 초상과 같이 덜 예견 된 형태의 그림으로 이관되었습니다. 린다 노 클린 (Linda Nochlin)의 “왜 위대한 여성 예술가는 없었습니까?”라는 에세이에서 그녀는 여성이 예술적 발전에 역사적으로 중요한 장벽으로 그림 그리기를 누그러 뜨려야한다는 제한된 접근을 확인합니다.

그림 그리기 명령은 대부분의 미술과 일러스트레이션 프로그램의 요소입니다. 이탈리아 미술 아카데미에는 학위 프로그램의 일부를 구성하는 스쿠 올라 리베라 델 누도 (자유로운 누드 스쿨)가 있지만 외부 학생에게도 열려 있습니다. 전형적인 그림 그리기 스튜디오 교실에서 학생들은 모델 주위에 반원형 또는 완전한 원형으로 앉아 있습니다. 두 명의 학생이 정확히 똑같은 시각을 갖고 있지 않으므로 그림은 모델을 기준으로 한 아티스트의 고유 한 위치의 관점을 반영합니다. 이 모델은 스탠드에 배치되어 학생들이 장애물없는보기를 더 쉽게 찾을 수 있도록합니다. 포즈의 유형에 따라 가구 및 / 또는 소도구를 사용할 수 있습니다. 이것들은 전형적으로 도면에 포함되어있어 작가가 볼 수있는 정도까지 포함됩니다. 그러나 배경은 환경에서 인물 배치에 대해 배우는 것이 아니라면 일반적으로 무시됩니다. 개별 모델이 가장 일반적이지만 고급 모델에서는 여러 모델을 사용할 수 있습니다. 많은 스튜디오에서 다양한 조명 장치를 사용할 수 있습니다.

대학 수준에서 강의 할 때, 그림 그리기 모델은 종종 작은 보석이나 기타 눈에 띄지 않는 항목을 제외하고 누드입니다. 포즈를 취하는 동안, 모델은 대개 여전히 완벽하게 유지되어야합니다. 오랜 기간 동안이 작업을 수행하기가 어려우므로 모델을 휴식 및 / 또는 늘리려면 주기적으로 휴식을 취하는 것이 일반적으로 긴 세션과 어려운 자세에 포함됩니다.

그림 그리기 세션의 시작 부분에서 모델은 종종 일련의 간단한 포즈를 연속적으로 만들어야합니다. 이들은 제스처 포즈라고하며 일반적으로 각각 1 ~ 3 분입니다. 제스처 그리기는 많은 아티스트에게 워밍업 운동이지만 일부 아티스트는 모든 그림 그리기의 첫 번째 단계로 제스처를 스케치합니다. 이러한 광범위한 스트로크는 손목을 가볍게 치기 만하는 것이 아니라 전체 팔을 사용하여 모델의 동작을 포착하는 것입니다. 아티스트가 종이 대신 모델에 집중할 수있게 도와줍니다. 인체에 관해서, 예술가들은 고통스럽게 비판적이다; 정물의 비율은 본격적으로 보이기 위해 완벽하게 그려 질 필요는 없지만 인간의 비율에서의 사소한 오류조차도 쉽게 감지 될 것입니다.

현대의 현대 예술가들은 모델 포즈의 몸짓이나 기분을 강조하기 위해 비율을 과장하거나 왜곡 할 수 있습니다. 결과는 완성 된 작품으로 간주 될 수 있으며, 주제, 관측, 감정 및 표식 모두를 표현하여 예술가의 그림 그리기 경험에 응답합니다.

해부학은 단지 인생 계급에서 우려의 첫 번째 수준입니다. 그림 – 그라운드 관계와 다른 구성 요소도 고려됩니다. 구성의 균형은 삶의 그림을 통해 더욱 중요 해지고 따라서 더 이해됩니다. 포즈에 대한 예술가의 역동적 인 반응과 이것이 예술 매체의 선택을 통해 어떻게 전달되는지는보다 진보 된 관심사이다. 그림 그리기 수업의 목적은 모든 종류의 인간을 그리는 법을 배우는 것이므로, 아름다운 모델이나 “이상적인”인물 만 선택하는 것이 아니라 모든 연령, 모양 및 민족성의 남성 및 여성 모델을 찾는 것이 일반적입니다. 일부 강사들은 패션 사진 작가가 선호하는 일종의 모델을 피하고 더 “현실적인”예를 찾고 성적 대상화의 함의를 피하기 위해 노력합니다. 강사는 또한 독특한 윤곽이나 표면 텍스처를 기반으로 특정 신체 유형의 모델을 선호 할 수 있습니다. 고용 된 모델의 다양성은 모델을 오랜 기간 포즈를 취할 필요가 있고 (불안한 어린이와 허약 한 노인을 배제해야 함) 모델이 누드 (미성년자의 사용을 제한하는 경우)의 겸손과 적법성에 대한 우려로 인해 제한 될 수 있습니다.