예술과 패션은 서로 마주보고 과거에도 종종 서로를 바라보고 있습니다. 예술가들이 옷에 매료되어 그들의 표현에 사실감을주기위한 필수 도구 인 경우, 재단사 장인들은 종종 예술의 세계에서 영감을 얻어 예술가들과 동등한 태도를 취했습니다. 미술 학자에게 그림으로 기록 된 옷은 예술 작품과 데이트하는 데 도움이됩니다. 반면, 패션 역사가들에게 페인트 칠한 드레스는 드레스의 움직임, 제스처 및 기울기를 설명합니다.

전시회 일정은 20 세기의 전위 예술 운동에 매료되어 영감을 얻은 살바토레 페라가모 (Salvatore Ferragamo)의 연구, 연구 및 만남의 장소이었던 50 년대와 60 년대의 여러 아틀리에, 그리고 유명인의 문화. 그런 다음 90 년대의 실험을 검토하고 현대 문화 산업에서 우리가 여전히 두 개의 분리 된 세계에 대해 이야기 할 수 있는지 아니면 유동적 인 역할의 상호 작용을 다루고 있는지 숙고합니다.

전시 레이아웃의 특징은 다른 문화 기관과의 협력에 있습니다.이 문화 단체는 공동 반영을 목표 로이 개념을 구현하는 데 적극적으로 참여했습니다 : Museo Salvatore Ferragamo와 함께 Fondazione Ferragamo, 피렌체의 Biblioteca Nazionale Centrale, Gallerie degli Uffizi (Galleria d’ arte moderna di Palazzo Pitti 및 Galleria del 복장), Museo Marino Marini 및 Prato의 Museo del Tessuto.

이탈리아 패션의 경우 Bel Paese의 의류 생산에 국가 정체성을 부여해야한다는 20 세기 초의 초기 토론 이후 이탈리아 패션의 세계에 대한 언급은 프랑스 패션과 비교할 때 강력한 구별의 요소로 여겨져왔다 그런 다음 우세합니다. 이 과정의 기본은 재봉사 인 로사 제 노니 (Rosa Genoni)가 맡은 역할이자 밀라노 전문 여성 학교의 재단 부 교사이기도합니다. 1906 년 밀라노 엑스포를 위해, 그는 아이디어의 프로그램 포스터로, 두 개의 옷을 만들었습니다. 하나는 Chantilly의 Condé Museum에 보존 된 Pisanello와 Botticelli의 봄 드레스에 의해 보존 된 그림에서 영감을 받았습니다. Palazzo Pitti의 의상 갤러리가 관대하게 빌린 Pisanello의 작품에서 가져온 망토는 Sergio Tofano의 기사가 깔린 방에서 유명한 예술 작품에서 영감을 얻은 현대적인 옷과 비교됩니다. 위대한 일러스트 레이터는 Beato Angelico와 Masaccio의 프레스코 화에서 가져온 이탈리아 산 옷을 가정했습니다.

1996 년 피렌체에서 열린 비엔날레 예술과 패션 영화는 게 르노 셀란 트 (Gerno Celant)가 연출한 루이지 세템 브리니 잉그리드 시치 (Ingrid Sischy)가이 주제의 발판으로 활동하며, 40 명의 예술가와 30 개의 세계의 주요 주인공이 참여한 훌륭한 전시회입니다. 패션 브랜드, 상호 영향을 탐구하고 이야기하는 것을 목표로 한 프로젝트에서 패션의 세계와 시각 예술, 디자인, 건축, 영화, 사진, 관습 및 역사 간의 창조적 관계를 주제로 모든 사람들의 관심을 끌었습니다.

수세기 동안 예술가들은 점진적으로 유행 한 옷의 세부 사항을 묘사하여 제스처, 자세 및 취향에 대한 시각적 증거뿐만 아니라 많은 익명의 장인에 의한 솔루션, 재료 및 장식에 대한 시각적 증거를 전달했습니다. 예술가들은이 럭셔리 레이스에 적극적으로 참여하여 직물, 레이스, 자수, 법원 파티를위한 의상을 디자인하고 명화를 조각하는 패션 커뮤니케이션을 시작했습니다. 19 세기 동안, 섬유 산업의 기여와 새로운 형태의 상업적 유통으로 도시에서 패션이 확산되기 시작했습니다. 예술과 패션 사이의 독창적 인 형태의 대화를 시작한 것은 총 변신이었다. 두 세계 사이의 관계는 더욱 가까워지고 더 빈번해졌으며 교환은 더 이상 최신 유행을 입은 아름다운 세계를 대표하는 것으로 제한되지 않았습니다.

일련의 예를 통해이 절에서는 1 세기가 넘게 진행된이 대화를 통한 경로를 제안합니다.

우리는 미래의 실험을 잊지 않고, 영국의 라파엘 사전 예술가들, 구스타프 클림트 (Viustane Secession of Gustav Klimt)와 위너 베르크 스테 (Wiener Werkstätte)와 함께 시작합니다. 그런 다음 소니아 들로네 (Sonia Delaunay)와 같은 패션을 만든 예술가들의 경험과 Thaiont with Vionnet 또는 Dalí, Cocteau with Schiaparelli와 같은 예술가와 패션 제작자 간의 직접적인 협력을 통해 가장 최근의 협력까지 진행합니다. 몬드리안의 이브 생 로랑 (Yves Saint Laurent)의 경우와 같이 예술에서 영감을 받아 패션을 깊게 혁신 한 디자이너들에게 특별한 관심을 기울입니다.

주제는 다양한 주제를 고려하여 수행됩니다. 현재 트렌드에 대한 대안을 만든 아티스트와 패션 산업과 협력 한 아티스트; 예술가들의 독창성을 추구 한 패션 디자이너들은 아방가르드의 가장 독창적 인 제안을 공유했지만 무엇보다도 모든 형태의 작품의 모양이나 표면에서 영감을 얻은 사람들입니다.

뉴욕의 문화 현장, 파티 참석, 야간 개회, 회고전 및 패션쇼에 출연하면서 그는 오늘날 우리가 인정하는 예술, 패션 및 유명인 간의 관계를 형성하는 데 도움을주었습니다. 이 개념은 다양한 뉴욕 사교 행사 및 Waros를 보여주는 일련의 사진과 Makos Studio의 유명한 설치 Altered Image와 함께 탐구됩니다.

Andy Warhol은 그의 작품을 통해 패션, 예술 및 산업의 증류소 인 The Souper Dress와 같은 가장 인상적인 예를 들어 인상적이고 자주 희생적인 미학적 입력을 이끌어 냈다는 데는 의심의 여지가 없습니다. 유명한 캠벨 수프의 실크 스크린 인쇄와 함께 종이, 셀룰로오스 및면으로 60 년대로 제작 된이 드레스는 전시회의 일부로 전시되어 있습니다.

예술과 패션에
패션 예술입니까? 간단한 질문은 오랫동안 조사되어 왔지만 명확하고 명백한 정의에 도달하지 않은 분명히 표현 된 관계의 복잡한 우주를 보여줍니다. 이 프로젝트는 상호, 영감, 겹침 및 협력, 전라 파 엘리트 경험에서 미래파 경험에 이르기까지, 초현실주의에서 급진적 패션에 이르기까지 두 세계 간의 대화 형태를 분석합니다. 전시회 일정은 20 세기의 전위 예술 운동에 매료되어 영감을 얻은 살바토레 페라가모 (Salvatore Ferragamo)의 연구, 연구 및 만남의 장소이었던 50 년대와 60 년대의 여러 아틀리에, 그리고 유명인의 문화. 그런 다음 90 년대의 실험을 검토하고 현대 문화 산업에서 우리가 여전히 두 개의 분리 된 세계에 대해 이야기 할 수 있는지 아니면 유동적 인 역할의 상호 작용을 다루고 있는지 숙고합니다.

이 간단한 질문은 명확하거나 모호하지 않은 정의에 도달하지 않고 오랜 시간 동안 오랫동안 조사되어 온 명료 한 관계의 복잡한 우주를 숨 깁니다. 패션은 기능적이어야하고 따라서 실생활을 구체적으로 언급하고 장인 및 산업과의 연관성을 위해 패션을 따르지 않는 예술 붓다의 이상과는 거리가 멀다. 심지어 예술계에서도. Andy Warhol은 예술 작품의 독창성이 더 이상 예술 작품과 일치하지 않으며 오늘날 패션 디자이너의 전시회가 확산되고 스타일리스트가 현대 예술의 관행을 이용할 수 있음을 환영합니다. 이러한 맥락에서, 지난 세기에 일어난 것처럼 예술과 패션 사이의 이분법에 대해 이야기하는 것이 여전히 가능합니까?

이 프로젝트는 오염, 겹침 및 협업이라는이 두 세계 간의 대화 형태를 분석합니다. 초 라파 엘리트 경험에서 초현실주의 경험, 초현실주의에서 급진적 패션에 이르기까지. 이 경로는 20 세기의 예술적 아방가르드에 매료되어 영감을 얻은 살바토레 페라가모의 작품에 중점을 둡니다. 50 년대와 60 년대의 일부 아틀리에, 연구와 회의의 장소, 유명인 문화의 탄생에 90 년대의 실험을 계속하고 현대 문화 산업에서 우리가 여전히 두 가지에 대해 이야기 할 수 있는지 궁금해합니다. 세계가 뚜렷하지 않거나 대신에 우리는 유동적 인 역할 게임에 직면하고 있습니다.

전시 계획의 특징은 여러 문화 기관의 협력과 다양한 장소의 전시 장소에 있습니다 : Salvatore Ferragamo Museum, Ferragamo Foundation과 함께 프로젝트의 발기인 및 주최자 외에도 다양한 전시회를 개최합니다. 피렌체, 중앙 국립 도서관, 갤러리 데 글리 우피치 (Palazzo Pitti의 현대 미술관), 마리노 마리니 박물관, 프라 토에는 직물 박물관

참여한 기관은 공통의 반영을 목표로 아이디어 실현에 적극적으로 참여했다.

그것은 살바토레 페라가모 박물관에 대한 찬사입니다. 한편으로는 프로젝트와 상징을 기리기 시작했습니다. 20 세기 후반의 위대한 미국 예술가 중 한 명인 Kenneth Noland는 영감을 받았습니다.

살바토레 페라가모 박물관 (Salvatore Ferragamo Museum)의 전시회에는 4 명의 큐레이터가 있습니다. 공동 작업의 열정과 정신으로 이니셔티브에 참여한 다양한 기관의 이사 및 관리자 및 카탈로그 작성자에게 함께 큐레이터가 작품의 최종 선택을 도와 지식과 전문가를 이용할 수 있도록 도와주었습니다. 경험담. 국내외에서 가장 유명한 공공 및 민간 컬렉션의 많은 대출이 있으며, 전시회에 국제적인 느낌을줍니다.

살바토레 페라가모 박물관
이탈리아 피렌체의 Salvatore Ferragamo Museum은 이탈리아 신발 디자이너 Salvatore Ferragamo와 그의 시조 회사의 삶과 작품을 전념하는 패션 박물관입니다. 이 박물관에는 1920 년대부터 1960 년에 사망 할 때까지 Ferragamo가 소유하고 소유 한 10,000 개의 신발 모델이 들어 있습니다. Ferragamo가 사망 한 후 그의 미망인과 아이들이이 컬렉션을 확장했습니다. 박물관에는 1950 년대부터 현재까지 영화, 프레스 절단, 광고 자료, 의류 및 액세서리가 포함되어 있습니다.

페라가모 가족은 1995 년 5 월에 박물관을 설립하여 살바토레 페라가모의 예술적 특성과 신발뿐만 아니라 국제 패션의 역사에서 그가 한 역할에 대해 국제 청중을 알게되었습니다.

대부분의 기업 박물관과 마찬가지로 Museo Salvatore Ferragamo와 그 보관소는 1960 년 창립자 사망 이후 회사를 이끈 Salvatore Ferragamo의 미망인 Wanda와 6 명의 아이들의 비전에서 비롯되었습니다. 특히, 아버지 사망 후 회사의 핵심 신발 및 가죽 제품 사업을 관리 한 장남 인 Fiamma는 가족을 대신하여이 프로젝트의 주도권에 서서 역사가들의 도움을 받아 전략을 구체화했습니다. 그리고 기록 보관소.

박물관에 대한 아이디어는 처음에 Salvatore Ferragamo의 역사에 관한 Palazzo Strozzi에서 전시회가 조직되었을 때 시작되었습니다. 전시회는 런던의 빅토리아와 앨버트, 로스 앤젤레스 카운티 박물관, 뉴욕 구겐하임, 도쿄의 소 게츠 카이 재단, 무 세오 드 벨라 스 등 세계에서 가장 유명한 박물관에서 개최되었습니다. 멕시코의 예술품. 임시 전시회는 점차 상설되었다.

박물관의 문화적 중요성과 수년에 걸친 많은 이니셔티브의 중요성을 인정하여 1999 년 Salvatore Ferragamo는 구겐하임 임프레자 e 컬투 라 상을 수상했으며, 문화적으로 건설적인 목적을 위해 문화에 가장 투자하는 기업들에게 매년 수여되었습니다. 박물관은 1938 년 이래 회사의 본부였던 Palazzo Spini Ferroni의 피렌체 역사 중심지에 있습니다.