Fashion Illustration는 일러스트레이션, 드로잉 및 페인팅으로 시작되고 패션 스케치로 알려진 시각적 인 형태로 패션 아이디어를 전달하는 기술입니다. 주로 패션 디자이너가 adobe photoshop 및 일러스트 레이터와 같은 디지털 소프트웨어를 사용하여 자신의 아이디어를 종이 또는 컴퓨터로 브레인 스토밍하여 팀과 쉽게 커뮤니케이션 할 수 있도록 도와줍니다. 패션 스케치는 디자이너의 생각을 미리보고 시각화하고 실제 의류로 가서 낭비를 줄이기 전에 의사 결정을 내리는 데 중요한 역할을합니다. 패션 일러스트 레이터와는 별도로 패션 일러스트 레이터는 패션 잡지의 복제물을 편집 기능의 일부로 또는 패션 업체, 패션 부티크 및 백화점 홍보 및 홍보 목적으로 위임받습니다.

패션 일러스트레이션은 예를 들어 패션 매거진이나 포스터와 같은 출판을 목적으로하는 패션 의류를위한 디자인을 그리는 것으로 구성된 예술 활동입니다. 19 세기 초에 등장한이 작품은 화가와 디자이너가 만든 것입니다. 오뜨 꾸뛰르와 매우 밀접한 관계가있는 패션 일러스트레이션은 20 세기 초부터 1908 년 패션 디자이너 Paul Poiret의 첫 번째 간행물을 통해 상징적으로 정적 인 일러스트레이션에서 일러스트레이션으로의 전환을 기념하여 수십 년 동안 영광을 누렸다. 현대, 창조적 인, 혁신적인. 이미 편재 한 그녀는 1930 년대부터 1950 년대 말까지 잡지와 광고를 통해 영광의 시간을 가졌습니다. 삽화가는 저명한 예술가입니다. 1960 년대 초반에는 르네 그루 (Leer Gruau)의 대표작이나 안토니오 로페즈 (Antonio Lopez)와 같은 재기를 제외하고는 거의 완전히 사라졌습니다. 요즘, 패션 일러스트레이션은 광고 나 잡지에서는 매우 드뭅니다. 그러나 2000 년경에 새로운 세대의 일러스트 레이터가이 예술을 영속시키고 갱신합니다.

패션 일러스트레이션은 거의 500 년 전부터 시작되었습니다. 옷이 존재해온 이후로 아이디어 나 이미지를 패션 일러스트로 번역 할 필요가있었습니다. 패션 일러스트레이션은 의류의 표현이나 디자인을 보여줄뿐만 아니라 예술의 한 형태이기도합니다. 패션 일러스트레이션은 손의 존재를 보여주고 시각적 인 사치품이라고합니다.

패션 일러스트레이션은 매우 소소한 역할을하는 패션 커뮤니케이션의 유일한 수단 중 하나가되었습니다. Vogue의 첫 번째 사진 표지는 패션 일러스트레이션의 역사에서 유역이었으며 그 감소의 유역 마크였습니다. 사진은 아무리 바뀌거나 수정 되더라도 항상 현실과 연관성이 있습니다. 나는 그들 (패션 일러스트레이션)을 산문으로 생각하고 허구의 서사를 갖는 것을 좋아합니다. 그들은 사진보다는 개인적인 비전을 통해 분명히 걸러집니다. 일러스트레이션은 계속 살아나지 만, 패션과 관련된 가난한 사람의 위치에 삽니다.

디자이너는 영감으로 시작하여 스케치북의 스케치를 대략적으로 스케치합니다.이 러프 스케치는 크로키 (croquis)로 전송되어 미술 자료를 사용하여 질감, 색상, 패턴 및 세부 사항을 적용한 패션 스케치로 렌더링됩니다.

조각이나 에칭으로 구성된 패션 일러스트레이션은 16 세기로 거슬러 올라갑니다. 새로운 영역을 발견하고 발견 한 후 컬렉션은 세계 여러 국가의 의상으로 구성됩니다.

17 세기가 끝날 무렵, 루이 14 세 때 프랑스 최초의 신문이 출판되었고, “최초의 패션 매거진”으로 간주 될 수있었습니다. 이 간행물은 18 세기가 끝날 때까지 발전하고 정점에 이릅니다. 혁명 이후 중요한 출판물의 중심은 파리에서 독일로 그리고 영국으로 이어졌습니다. 처음에는 익명의 예술가들에 의한 현대 패션 일러스트레이션의 시작은 대략 19 세기 초부터 시작되었습니다. 세기 중반부터 파리는 유행의 중심지로 남아 있으며 일러스트레이션의 참고 자료로 남아 있습니다. 최근의 패션 사진은 초기에 인공 장식으로 얼어 붙은 포즈로 만들어진 시간의 패션 일러스트레이션에서 영감을 얻었습니다. 19 세기 말, 삽화의 창의성은 사진의 창의성을 뛰어 넘었습니다. 그러나이 두 가지 패션 표현은 여전히 ​​20 세기 초반에 엄격한 의류 코드로 과거로 바뀌 었습니다. Charles Dana Gibson을 제외하고는 패션 일러스트레이션이 “계획 미학에서 살만”입니다. 그 당시, 패션 일러스트레이션은 그림 미술의 한 형태보다는 공예품으로 더 많이 보입니다.

이탈리아어 초상화 화가 조반니 볼 디니 (Giovanni Boldini)는 패션의 첫 삽화가 중 한 사람으로 여겨지는 그의 동료들에 의해 평가 받는다. 그는 Sargent와 함께 일러스트 레이터의 차세대의 주목할만한 영향력이 될 것입니다. Journal des dames et des 모드 (엘리트주의 잡지)는 화가, 미용사 및 작가로 함께 그룹화되어 충분한 일러스트레이션을 제공합니다. 후자는 다음 스텐실의 그림 기법에서 개발됩니다 : 페인트는 금속판을 통해 층별로, 색상별로, 색상별로 적용됩니다. 세기의 시작 부분에 Fauvism이 등장하고 유행에 대한 예증에서 빠르게 발견되는 유물론 (cubism)이 나타나고 그것을 새롭게 할 것입니다. 동시에, J.C. Leyendecker의 특징에 따라 Man Arrow Collar (in)가 만들어집니다.

제 1 차 세계 대전 이전에 파리는 패션의 중심지 였지만 예술가들 : 화가, 시인, 장식가, 작곡가, 극장 사람들 … 어깨를 문지릅니다. 오뜨 꾸뛰르와 패션 디자인은 폴 폴리스 (Paul Poiret)가 Paul Poiret가 Paul Poiret의 드레스를 혁신적으로 보여준 Paul Iribe (Paul Iribe)의 서비스를 3 년 후에 Paul Poiret의 작품으로 선보인 것처럼 절묘합니다. 이베 (Iribe)의 실현은 삽화를 예술 계급에 가져와 20 세기의 그림의 기초를 마련합니다. Poiret가 나온 지 몇 년 후 Jeanne Paquin은 Iribe, Lepape 및 Barbier에게 그녀의 작품 포트폴리오를 만들도록 요청했습니다. 이 비등에는 많은 저널이 만들어집니다. Lucien Vogel과 Michel de Brunhoff는 예술가, 작가, 일러스트 레이터의 새로운 세대 인 Gazette du Bon Ton을 설립했습니다. Art Nouveau, Cubism 또는 Art Deco와 같은 시간의 장식 예술은 시간의 반영이다. 일러스트 레이터의 영감은 극장에서 나옵니다.

최근에는 보그 (Bogue)가 유명한 일러스트 커버를 사진 이미지로 대체하기 시작한 1930 년대 후반에 패션 일러스트레이션이 쇠퇴 해 왔습니다. 이것은 패션 산업의 주요 전환점이었습니다. Laird Borrelli, Fashion Illustration Now의 저자,

“French School”은 미국의 일러스트 레이터보다 우선합니다. Drian, Benito, Erté 또는 Christian Bérard와 같은 일부 일러스트 레이터는 특히 인정을 받았으며, 미국 잡지 Harper ‘s Bazar 또는 Vogue, French Femina 또는 L’ Officiel이 그 순간의 가장 큰 이름을 발표합니다. 잡지는 패션을 확산시키는 데 필수적입니다. 패션 디자인은 덜 정교 해지고 예술적 접근이 가능할뿐만 아니라 설명이 가능하며 보고서 작성에 도움이됩니다. 패션 쇼, 일상 생활, 칵테일 등은 René Bouët-Willaumez의 작품처럼 일반적입니다. 1930 년대 초, 패션 일러스트레이션에서 색상이 더 널리 보급되었습니다. 처음에는 보그 (Vogue) 커버의 미국판에서, 다음은 내부 페이지에서 나타났습니다. 초현실주의 운동은 패션 매거진에 들어간다. 이 그림은 또한 실증적 인 형태에서부터 에릭이 대표하는보다 예술적인 방향에 이르기까지 “새로운 사실주의”로 진화하고있다. 그러나 패션 사진의 혁명은 일러스트레이션의 장소를 점차적으로 변화시킬 것입니다. 모든 사람들이 점차 자신이 좋아하는 분야를 얻게됩니다. 패션에서 사진 촬영, 일러스트레이션에서 광고로. 그럼에도 불구하고, 패션 잡지의 확산과 영향력은 시간의 예술적 흐름을 흡수하고, 그림과 병행하여 사진은 이러한 진화로부터 모두 이익을 얻을 것이다.

전쟁이 시작되기 훨씬 전부터 시작된 추세로, 그림의 예산 제한이 사진의 혜택으로 간주됩니다. 삽화가는 대부분 광고 나 쇼를 위해 일하거나, 돌아가거나, 돌아가거나, 이러한 분야에 점점 더 많은 관심을 기울이고 있습니다. 1950 년대 중반, 케네스 폴 블록 (Kenneth Paul Block)은 목탄 기술을 사용하여 Women ‘s Wear Daily의 6 명의 일러스트 레이터 팀에 합류했습니다. 그는 전문 잡지의 “삽화”부서가 끝날 때까지 42 년 동안 그곳에 머물러있을 것입니다. 1960 년대에는 패션계가 완전히 혁명을 일으켰습니다. 패션 자본이 파리에서 런던으로 이동하고, 기성복은 앞으로 몇 년 동안 의복을 뒤엎을 것이며 팝 아트와 히피 엔 운동은 패션 일러스트레이션에 영향을 미칩니다. 1963 년 René Bouché의 죽음은 누구도 대체하려고 시도하지 않고 상징적으로 잡지에서 유행의 일러스트레이션의 끝을 상징합니다. 그것은 희박한 젖소, 광고, 란제리 및 액세서리를 위해 겉으로보기에 예약 된 패션 일러스트의 시간입니다. 사진은 완전히 통치한다. Richard Avedon이나 Irving Penn과 같은 패션 사진가들이 주인입니다. 잘못 다루어 진 그림은 십대를위한 잡지에 피난처가 될 것입니다. 사진보다 대안이 덜 비싸지 만, 이러한 출판물의 독자에게는 적합하지 않은 오뜨 꾸뛰르의 원칙에서 멀리 떨어져있는 영감을 주거나 제안하는 역할을합니다. 국제 섬유 (in), 공식 패션, WWD 또는 선생님은 최고의 일러스트 레이터의 서비스를 유지하면서 디자이너의 작업을 게시 할 수있는 전문 잡지가 있습니다. Gruau를 비롯한 일부 희귀 한 예술가들과 젊은 안토니오는 “패션 디자이너의 본질”로 그의 죽음 이후에 주목할 만하다.

1980 년대부터, 패션 일러스트레이션은 출판물에 약간의 공간을 찾는 것처럼 보입니다. 다산의 Antonio Lopez는 항상 패션과 다양한 기법을 선보이며 경력에있어 가장 중요한 위치에 있습니다. Tony Viramontes는 Fashion in painting, 완전히 삽화가 안된 아방가르드 패션 잡지가 나타났습니다. 미국 배니티 페어의 새로운 버전, 또는 다음 10 년 엘리트 주의자 몽상가 (V에서) 패션보다 광범위한 컨텍스트에서 일러스트 레이 션과 마찬가지로 그림에 자신의 페이지를 열 것입니다. 선구자 제이슨 브룩스 (Jason Brooks)와 같은 일부 일러스트 레이터는 컴퓨터 제작을 담당합니다.

2000 년대에이 그림은 세계에서 중요한 위치를 차지하는 것처럼 보입니다. David Downton은 처음에는 가장 다양한 주제를 가진 삽화가로 1966 년 오트 꾸뛰르로 시작하여 주제를 포기하고 다시 돌아와 일러스트레이션을 시작했으며 고전적이지만 현대적인 패션 일러스트레이션으로 인정 받고 있습니다.