초기의 전시리뷰, 스톡홀름 현대미술관, 스웨덴

현대 미술관(Moderna Museet)은 자연의 아름다움을 간직한 스켑스홀멘 섬에 위치한 국립현대미술관입니다. 1958년에 문을 연 이 건물은 스페인 건축가 Rafael Moneo가 설계했습니다. 2009년, 박물관은 스웨덴 남부의 Malmö에 Moderna Museet Malmö라는 새로운 분관을 열었습니다.

Moderna Museet은 현대 및 현대 미술에 대한 국가 위임을 받은 주립 박물관입니다. 컬렉션은 유럽에서 이러한 종류의 최전선에 있습니다. 박물관은 사회와 세계 전반에 강력한 기반을 갖춘 사람과 예술의 만남의 장소입니다. Moderna Museet은 세계적 수준의 전시회, 컬렉션 기반 프로젝트 및 교육 활동 프로그램을 통해 상당한 지역적 입지와 국제적 영향력을 가지고 있습니다. 전 세계의 다른 예술 기관과의 교류는 광범위합니다.

스톡홀름 현대미술관(Stockholm Museum of Modern Art)은 문화부 산하 국가 행정 기관으로, 지시에 따라 모든 형태의 20세기 및 21세기 미술을 수집, 보존, 전시 및 전달하는 임무를 수행합니다. Moderna Museet은 순회 전시회의 형태로 스웨덴 외부 기관과의 협력을 통해 국제적 접촉을 촉진하고 국제 예술 비엔날레에 대한 스웨덴의 참여를 책임져야 합니다. 현대 박물관은 또한 그 지역에서 국가적 책임이 있는 중앙 박물관입니다.

Moderna Museet은 1958년 5월 9일 Skeppsholmen의 운동장에서 개관했습니다. 국립 박물관의 관장인 Otte Sköld는 그의 취임 연설에서 일찍이 1908년에 국립 박물관의 현재 지역 예술 문제가 다루어졌다고 상기시켰습니다. 진지하게 그리고 이 컬렉션을 위한 새로운 건물에 대한 아이디어. 죽기 직전에 Otte Sköld는 박물관이 깨달았고 새로운 박물관을 만들겠다는 그의 약속이 결정적임을 직접 보았습니다. 1953년에 설립된 현대 박물관의 친구들과 함께 그는 국립 박물관의 20세기 미술 컬렉션을 자신의 집으로 삼았습니다. 박물관의 운전 감독인 Pontus Hultén과 Olle Granath는 다음 수십 년 동안 이러한 의도를 추구하기 위한 접촉과 계획을 가지고 있습니다.

2004년 2월 14일, 박물관 건물은 축제와 함께 재개관되었습니다. 수리 외에도 일부 공간을 개선하여 방문자가 박물관을 더 쉽게 이동할 수 있도록 하고 일부는 상부 입구 공간을 보다 적절하게 활용할 수 있는 기회를 얻었습니다. 동시에 박물관의 그래픽 프로필이 업데이트되었습니다. 재개관의 또 다른 새로운 특징은 박물관 호스트의 도입이었습니다. 즉, 인명 구조에서부터 방문객에게 상설 및 임시 전시회에서 예술 작품에 대해 설명할 수 있는 능력에 이르기까지 다양한 기술을 가진 사람들입니다. 신규 호스트를 도입한 이유는 입장료 폐지 이후 급증하는 방문객 수에 대응하기 위함이었다.

1901년 건축가 John Smedberg는 Gasverksgatan 22에 아름다운 발전소 건물을 세웠습니다. 오늘날 이 건물을 보다 적절한 박물관으로 바꾸는 임무는 수상 경력에 빛나는 건축가 회사 Tham & Videgård Hansson Arkitekter에게 돌아갔습니다. 그들은 역사적인 건물에 현대적으로 추가된 새로운 별관을 설립하기로 결정했습니다. 그리고 인테리어에 완전히 새로운 공간 질서를 부여하십시오.

Moderna Museet의 열정은 사람들을 위한 예술을 매개하는 것입니다. 사람들을 포용하고, 도전하고, 영감을 주기 위해 우리는 많은 사람들과 이야기하고자 하는 야심을 가지고 있습니다. Moderna Museet은 사람들이 다양한 출발점에서 도착한다는 사실을 인식함으로써 다양성을 인정하고 포용합니다. Moderna Museet은 예술의 경이로움을 공유함으로써 더 많은 청중을 참여시킵니다.

Moderna Museet은 세계적으로 유명한 컬렉션뿐만 아니라 획기적인 전시회, 공연 및 기타 프레젠테이션을 위해 국제 예술가를 초청한 오랜 역사를 가지고 있습니다. Picasso, Dali, Derkert, Matisse를 비롯한 예술가들의 작품을 선보이는 20세기부터 오늘날까지 유럽 최고의 예술 컬렉션 중 하나를 경험해 보세요.

예술의 비범한 힘은 우리의 생명줄입니다. 예술은 자신의 시간에 발생하고 반영합니다. 그것은 새로운 관점을 생성하는 질문을 가능하게 합니다. 예술가는 엄청난 힘이며 더 넓은 창의성을 자극합니다. Moderna Museet은 새로운 길을 개척하고 역사와 현재에 대한 성찰적 관점을 가능하게 하기 때문에 예술을 옹호합니다.

Moderna Museet은 사람과 예술을 위한 자극적인 플랫폼이었고, 정신으로 존재하는 활기차고 개방적이며 역동적인 박물관이었습니다. 관객이 동등하게 예술을 접할 수 있는 고상하고 매력적이며 직접적인 방법을 제공하는 박물관입니다. Moderna Museet은 세계적인 수준의 예술을 폭넓은 청중이 이용할 수 있도록 하는 자극적인 플랫폼이 되어 새로운 아이디어를 위한 공간을 만들고 영감을 줍니다. 우리는 전 세계 미술관의 새로운 기준을 제시합니다.

Moderna Museet은 현대 및 현대 미술을 수집, 보존, 전시 및 중재합니다. Moderna Museet은 최고 수준의 우수성을 기반으로 우리의 문화 유산을 관리하고 고품질의 국제 협력 및 인정으로 이어지는 연구를 생성합니다. Moderna Museet은 우리 분야의 선도적인 기관이며 우리는 지식을 공유한다고 믿습니다.

Moderna Museet의 수집, 연구, 전시, 중재 및 커뮤니케이션은 서로를 보완하고 비옥하게 해야 합니다. 이러한 활동은 단독으로 수행될 수 없습니다. Moderna Museet은 우리가 관련된 컨텍스트를 기반으로 자신을 정의합니다. 가능한 한 많은 사람들이 최고의 예술을 접할 수 있도록 하려는 우리의 목표는 환경 및 사회적 영향을 고려한 지속 가능한 관행에 달려 있어야 합니다. Moderna Museet은 우리가 작업을 관리하는 방식에서 실험하고, 경계를 허물고, 새로운 길을 택하는 용기에 의해 주도되어야 합니다.

130,000점 이상의 작품으로 구성된 미술 컬렉션을 보유한 Moderna Museet(현대 미술관)은 현대 및 현대 미술을 위한 스웨덴 최고의 박물관입니다. Moderna Museet에는 유럽 최고의 현대 및 현대 미술 컬렉션이 있습니다. 컬렉션에는 1900년 이후의 현대 회화, 조각, 사진 및 예술 영화가 포함되어 있으며 사진의 경우 1840년경도 있습니다.

Warhol, Picasso 및 Dali와 같은 예술가들의 국제 걸작과 20세기와 21세기의 저명한 예술가들의 임시 전시회를 결합함으로써 Moderna Museet은 끊임없이 변화하는 예술 경험을 위해 많은 재방문 방문객을 끌어들입니다. 원래 컬렉션은 스웨덴과 북유럽 미술, 1950년대와 60년대의 미국 미술, 프랑스 중심의 모더니즘이 지배했지만 컬렉션을 확장하여 더 많은 여성 예술가를 포함하고 전 세계의 작품으로 보다 다양한 컬렉션을 만들었습니다. 세계.

Moderna Museet은 매년 스톡홀름과 말뫼에서 여러 개의 대규모 전시회를 개최하며, 다수의 중소 ​​규모 전시회를 개최합니다. 2012년 스톡홀름의 박물관은 약 500,000명의 방문객을, 말뫼의 박물관은 100,000명 이상의 방문객을 기록했습니다.

1958년에 시작된 이래 박물관은 예술가들과의 긴밀한 관계로 유명합니다. 예를 들어 Marcel Duchamp는 말년에 스톡홀름에서 여러 작품에 서명했으며 Andy Warhol은 유럽에서 첫 개인전을 개최했습니다. 1968년 모데나 미술관.

Moderna Museet 컬렉션은 현재 약 6,000점의 회화, 조각 및 설치, 25,000점의 수채화, 드로잉 및 판화, 400점의 예술 비디오 및 영화, 100,000점의 사진으로 구성되어 있습니다. 컬렉션은 20세기와 21세기의 스웨덴 및 국제 예술가들의 회화, 조각, 설치, 영화, 비디오, 드로잉 및 판화와 1840년대부터 오늘날까지의 사진을 다룹니다.

집중적인 수집 이니셔티브 덕분에 박물관은 컬렉션의 폭과 깊이를 성공적으로 늘렸습니다. 1963년에 우리의 소원 박물관(Museum of Our Wishes)이 출범하여 박물관을 즉시 유럽 최고의 예술 기관으로 탈바꿈시켰습니다. 정부는 Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico 등의 상징적인 작품을 구입하기 위해 SEK 5백만을 기부했습니다. 수십 년 전에 운동이 반복되었지만 이번에는 Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller 등의 여성 예술가만을 조명하여 컬렉션에 추가되었습니다.

컬렉션의 일부만 전시할 수 있습니다. 그러나 그것은 우리가 전시회에서 새로운 통찰력과 끊임없는 변화를 통해 표준 미술 역사 내러티브를 탐구하고 재구성하도록 허용합니다. 여기에는 2009년에 개장한 이후 컬렉션에서 작품을 선택하고 전시하는 혁신적인 각도를 가진 Moderna Museet Malmö가 포함됩니다.

대규모 미술 컬렉션은 시각적 및 지적 실험을 위한 최상의 출발점입니다. 개방적이고 살아있는 박물관인 모더나 뮤지트(Moderna Museet)는 컬렉션을 급진적으로 새로운 방식으로 자주 다시 매달아 모더니즘의 표준 역사를 끊임없이 다시 쓰고 있습니다. 2009년부터 박물관에는 스톡홀름과 말뫼의 두 위치가 있으며, 개장 이후 컬렉션에서 혁신적인 작품을 정기적으로 선보였습니다. Henri Mattisse의 Moroccan Landscape(Acanthus), Robert Rauchenberg의 모노그램, Eva Hesse의 조각 Untitled와 같은 상징적인 작품 중 일부는 거의 항상 확인 가능합니다.

폭발! – 액션으로서의 회화
Explosion은 풍부하고 복잡한 교차 비료와 회화, 공연 및 개념 예술의 경계를 탐구합니다. 그것은 1940년대 후반부터 오늘날까지 행동으로서의 회화의 확장된 아이디어를 추적합니다. 이번 전시회에는 일본의 중요한 구타이 그룹을 비롯해 시마모토 쇼조, 모토나가 사다마사, 무라카미 사부로, 시라가 카즈오 등 세계 각지에서 온 약 45명의 예술가들과 Allan Kaprow, Jackson Pollock, Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Ana Mendieta, Alison Knowles, Rivane Neuenschwander, Yoko Ono 및 Lawrence Weiner.

2차 세계 대전 이후, 세계 여러 지역의 많은 화가들이 공격적이고 장난스러운 방식으로 회화의 근본적인 가정을 공격하기 시작했습니다. 많은 예술가들이 창작 행위 자체에 중요성을 부여한 만큼 그 행위로 인한 그림도 중요하게 여겼습니다. 회화와 퍼포먼스의 경계인 이 곳에서 우연이나 관객이 작품의 공동 창작자로 채용되는 경우가 많다. 그림과 예술에 대한 이러한 실험적이고 개념적인 태도는 이후 많은 다른 예술가들에게 영감을 주었습니다. 최근 몇 년간 공연예술에 대한 관심이 높아지고 있으며, 이에 따라 그 뿌리에 대한 관심도 높아지고 있다.

이그나시 아발리 (1958)
Ignasi Aballí의 작업 Persones는 벽을 따라 길게 늘어선 더러운 발자국으로 구성되어 있습니다. 그들은 벽에 기대어 한 발을 나른하게 기대고 있는 예술가에 의해 만들어졌습니다. 이 작품은 일종의 안무이기도 하다. 관객이 벽에 기대어 평소 흠잡을 데 없는 하얀 미술관 벽에 더러운 발자국을 남기며 작품을 완성하게 하기 때문이다. 아발리는 부재와 소멸의 문제, 시간을 포착하는 다양한 방식에 사로잡혀 있다. 그의 작업은 화가로서의 배경을 바탕으로 종종 개념적입니다.

윌리엄 아나스타시 (1933)
1970년대 초, William Anastasi는 뉴욕 지하철에서 일련의 블라인드 드로잉 작업을 시작했습니다. 종종 그는 체스를 하기 위해 존 케이지로 가는 길에 있었습니다. 무릎에 스케치북을 들고 양손에 펜을 들고 큰 이어폰을 꽂고 눈을 감고 집중하고 명상하는 마음을 얻었습니다. 그의 몸은 기차의 요동, 정지 및 가속과 함께 움직였습니다. 지진계처럼 Anastasi는 자신의 위치 변화를 기록했습니다. 기차의 움직임을 기록하는 도구가 됨으로써 그는 그림의 저자임을 포기했습니다. 작품의 제목은 작품이 만들어진 시간입니다.

재닌 안토니 (1964)
Janine Antoni는 그녀의 머리카락을 페인트 브러시로 사용하여 러빙 케어 헤어 컬러로 갤러리 바닥을 칠합니다. Antoni는 우리가 우리 몸에서 수행하는 일상적인 의식을 탐구합니다. 그녀는 먹고, 목욕하고, 바닥을 닦는 것과 같은 일상적인 활동을 예술의 의식을 모방하는 조각 과정으로 변형합니다. 그녀는 이를 새기고 머리카락과 속눈썹으로 그림을 그립니다. 그녀가 사용하는 재료는 사회에서 신체를 정의하기 위해 일반적으로 사용되는 비누, 라드, 초콜릿 및 염색약입니다. 여성에 대한 그들의 특별한 의미는 그녀의 작업이 보는 사람의 성별에 따라 다르게 해석된다는 것을 의미한다고 그녀는 주장합니다.

존 발데사리 (1931)
집주인의 아들인 John Baldessari는 때때로 아파트를 다시 장식해야 했습니다. 그는 벽을 칠할 때 그림을 그리는 척 하곤 했다. 이 즐거운 개념적 연습은 그가 단조로운 일을 하는 데 도움이 되었습니다. 그는 또한 한 종류의 화가와 다른 화가의 차이점에 대해서도 생각하기 시작했습니다. Six Colorful Inside Jobs에서 Baldessari는 6일 동안 방을 6가지 기본 색상과 보조 색상으로 다시 칠하고 위에서 촬영하게 합니다. 그림의 시간은 영화의 몇 분이 됩니다. 제목은 말장난. 인사이드 잡은 할리우드 탐정 드라마를 암시합니다. 시간은 평일 6시에 해당합니다. 화가는 신처럼 일곱째 날에 쉰다.

린다 벵글리스 (1941)
린다 벵글리스(Lynda Benglis)의 연작 ‘푸어(Pours)’에서 큰 통에서 물감을 붓고 바닥에 말립니다. 따라서 페인트는 캔버스나 패널의 형태로 “지지대”가 없는 조각, 건조된 페인트의 특성을 가지고 있습니다. 폴락과 달리 그림은 벽에 걸지 않고 바닥에 직접 설치됩니다. 회화적, 조각적 특성 외에도 Benglis의 작품은 폴락에 대한 논평이기도 하며, 이는 1970년 미국 잡지 Life에 발표된 사진과 폴락 그림의 작은 그림에서 더욱 강화되었습니다.

올레 보니에르 (1925)
올레 보니에르는 1947년 스톡홀름의 전설적인 단체전에서 그의 작품을 처음 선보였습니다. 2년 후인 1949년에는 추상회화이자 악보인 작품 플링겔링(Plingeling)을 만들었습니다. 이 흰색 그림은 무지개 빛깔의 우주로 볼 수 있습니다. 이 우주에서 생겨나는 점들은 불합리한 궤도를 가지고 있으며 때때로 서로 충돌하여 딸깍거리는 소리가 난다. Plingeling에는 어떻게 연주해야 하는지에 대한 명시적인 지침이 포함되어 있지 않으며 수행할 때마다 결과가 다릅니다. Bonniér의 작업은 회화로 만들어졌지만 음악으로 변형될 수 있는 지침을 포함하는 작업인 수행적 회화의 초기 예입니다.

조지 브레히트 (1926–2008)
Water Yam은 1963년 Georg Brecht가 Fluxus Manifesto를 저술한 George Maciunas가 디자인한 상자에 처음 출판한 예술가의 책입니다. Fluxbox 또는 Fluxkit이라고도 하는 이 상자에는 다양한 종류의 이벤트에 대한 이벤트 점수 또는 Flux 점수인 다양한 크기의 카드가 들어 있습니다. 악보는 종종 우연이나 우연의 여지를 남겨두고 사용자 또는 악보가 공개적으로 연주되는 경우 청중이 스스로 해석하여 작품의 공동 제작자가 되도록 합니다. Brecht는 그의 점수가 “일상 생활의 세부 사항, 우리를 둘러싼 물체의 무작위 별자리가 눈에 띄지 않게 하는 것”을 보장하기 위한 것이라고 말했습니다.

토니 콘래드 (1940)
Tony Conrad는 1960년대 뉴욕에 도착했을 때 예술 현장에 대해 회의적이었지만 생생한 영화 현장을 발견하고 예술 기관과 무관한 곳이기 때문에 더 흥미로웠습니다. Conrad는 영화와 회화의 흥미롭고 새로운 발전을 결합하기를 원했습니다. 그의 전략 중 하나는 초장편 영화를 만드는 것이었습니다. Andy Warhol은 24시간 동안 계속되는 영화를 만들었습니다. 40년을 이어온 콘래드의 작품 옐로우 무비! 아이디어는 값싼 페인트가 시간이 지남에 따라 점차적으로 색이 변한다는 것입니다. 아무도 “영화”에서 일어나는 변화를 측정할 수 없지만, 이것은 당신 자신의 상상 속에서 일어나고 있기 때문에 중요하지 않다고 Conrad는 말합니다.

외빈드 팔스트롬(1928–1976)
Öyvind Fahlström은 실험적으로 여러 분야에서 작업한 다면적인 예술가였습니다. 그는 시각 예술가, 작가, 영화 제작자 및 작곡가였습니다. 1960년대 초 뉴욕에서 팝아트와 만화문화와의 만남은 그의 예술에 큰 영향을 미치며 보드게임의 형태로 다양한 그림을 그리기 시작했다. 게임은 정치적, 사회적, 경제적 권력을 설명하는 그의 방식이었습니다. 관객은 그림의 마커와 요소를 이동하여 새로운 조합을 형성하도록 의도적으로 초대됩니다.

실 플로이어 (1968)
Ceal Floyer의 주요 관심사는 빛, 그림자 및 색상, 그리고 우리가 감각으로 세상을 인식하고 해석하는 방법입니다. 현대 기술을 많이 사용하여 그녀는 우아함과 명백한 단순함이 결합된 아이디어 기반 작품을 만듭니다. 여기에서 모니터 화면은 완전히 바뀌는 색상으로 채워집니다. 이것은 실제로 다른 안료가 있는 브러시를 담근 물 한 잔을 클로즈업한 것입니다. 안료는 비디오 기술의 기본 색상에 해당합니다. 따라서 Floyer는 아날로그와 디지털 색상을 결합합니다.

피노 갈리지오 (1902–1964)
1959년, 피노 갈리지오의 산업화에 대한 선언이 출판되었습니다. 산업 예술은 기계적으로 생산되어야 하고 모든 사람이 이용할 수 있어야 합니다. 예술은 사람들 사이에서 만들어지거나 아예 만들어지지 않아야 했습니다. 수천 킬로미터에 달하는 캔버스를 대량 생산하여 대중에게 배포하여 금융 투기를 일으키고 계급 분열을 영속화하는 데 기여한 부르주아 예술에서 그들을 해방시키자는 아이디어였습니다. 양과 질은 하나가 되어 사치품으로서의 예술품의 지위를 종식시킨다. Gallizio는 또한 자본주의의 물신 숭배 상품으로서의 역할에서 예술을 해방시키려는 상황주의로 알려진 급진 좌파 예술 운동의 창립 멤버였습니다.

차이궈창(1957)
Cai Guo-Qiang은 화약과 불꽃놀이를 사용하여 공중에 그림을 그립니다. 때로는 이러한 작업이 몇 초 동안 지속되고 때로는 폭발로 인해 종이나 캔버스에 흔적이 남습니다. 1989년부터 Guo-Qiang은 “외계인을 위한 프로젝트” 기념비적인 폭발 작업을 지상에서 직접 만들어 다른 행성에서 볼 수 있도록 하고 있습니다. 1998년 Guo-Qiang은 Moderna Museet와 Vasa Museum 사이의 얼어붙은 물에 대한 프로젝트를 수행했습니다. 유대인들을 약속의 땅으로 인도했습니다.

호리오 사다하루 (1939)
호리오 사다하루는 1966년 구타이와 함께 첫 작품을 선보였습니다. 연간 100회 이상의 전시와 공연을 통해 전시는 별개의 상황이 아니라 삶의 연장이며, 일상의 활동은 기본적으로 퍼포먼스라고 강조합니다. . 매 순간은 다르고 무엇과도 바꿀 수 없습니다. 호리오는 아이의 열린 마음으로 순간의 가능성에 매진합니다. 끊임없는 의식 속에서 그는 매일 주변의 일상적인 물건들을 물감으로 덮는다. 색상 선택을 피하기 위해 그는 상자에 있는 물감의 순서에 충실하여 개인적인 흔적을 피합니다. 이 그림 같은 의식은 누구라도 인계받을 수 있고 영원히 지속됩니다.

이브 클라인 (1928-1962)
Yves Klein에게 파란색은 공허함, 하늘, 바다, 즉 무형을 나타냅니다. 그의 거의 모든 작품은 그의 시그니처 컬러인 International Klein Blue의 모노크롬입니다. 그는 안료의 광택과 강렬한 특성에 영향을 미치지 않는 특수 바인더를 사용했습니다. 클라인의 인체 측정법은 공연처럼 관객과 함께 그린 그림이다. 모델들은 서로의 몸에 직접 페인팅을 하고 캔버스에 자신을 밀어붙이거나 살아있는 붓처럼 캔버스를 가로질러 서로를 드래그했습니다. Klein은 히로시마에서 원자폭탄에 의해 타버린 인간의 그림자가 있는 돌을 보고 신체의 직접적인 각인으로 그림을 그리는 아이디어를 얻었다고 합니다. 이 광경은 그의 불 그림에도 영감을 주었을 것입니다.

카나야마 아키라
카나야마 아키라 구타이 그룹의 비서. 그는 농담으로 그 직책이 너무 많은 일이 필요하기 때문에 그림을 그릴 시간이 없었고 대신 원격 제어 장난감 자동차가 그를 대신해 페인트를 칠하게 했다고 말했습니다. 그 결과 작품(1957)은 잭슨 폴록의 드립 페인팅에 대한 비판으로 볼 수 있는데, 그것들은 약간 닮았다. 가나야마에서 자신의 감정을 물감으로 표현하는 천재 남성 대신에 무작위로 종이 주위를 확대하여 물감 자국을 남기거나 작가의 발바닥이 종이에 흔적을 남긴 작품 Footprints에서 장난감 자동차가 대신합니다. 따라서 Kanayama는 작품의 품질과 독창성에 대한 예술가의 개인적인 관련성에 도전했습니다.

폴 매카시
Black and White Tapes는 1970년대 초기 공연 13편을 편집한 것입니다. 이 선택은 테마의 싹트기 발전, 잔인한 육체, 그리고 그의 작품을 상징하게 된 퍼포먼스 페르소나를 보여줍니다. Hermann Nitsch와 비엔나 활동가들처럼 Paul McCarthy는 통제력 상실을 탐구하지만 의식적인 요소는 없고 할리우드의 피상성과 물질적 풍요와 직접적인 관련이 있습니다. Nitsch와 McCarthy 모두에게 공통된 것은 액체 형태(페인트)가 캔버스에 직접적으로 제한되지 않고 갑자기 그리고 파국적으로 사방에 나타나는 체액과 유사한 방식으로 유출된다는 것입니다.

아나 멘디에타
1970년대 초 Ana Mendieta는 주로 피, 흙, 불과 물을 사용하여 실루엣과 “지구의 몸 조각”을 만들기 시작했습니다. 그녀는 몸을 도구로 사용하여 자연에 인간의 흔적을 남겼습니다. 그녀의 공연은 영화에 기록되었습니다. Ana Mendieta는 랜드 아트와 바디 아트의 두 가지 동시대 운동을 결합한 최초의 사람으로 삶, 죽음, 장소 및 소속감을 주제로 한 작품을 만들었습니다. Mendieta의 피, 화약, 흙, 불의 의식적 사용은 또한 쿠바의 Santería 종교와 관련이 있습니다. 13살 때 멘디에타는 쿠바에서 미국으로 보내져 고아원에서 자랐습니다. 정체성에 대한 그녀의 탐색과 소속감은 멘디에타의 전 작품에 영향을 미칩니다.

무라카미 사부로
무라카미 사부로(Saburo Murakami)는 구타이 그룹의 공동 창립자이자 가장 영향력 있는 회원 중 한 명입니다. 그는 그룹의 야외 전시 개념을 공식화하고 회화의 경계를 이동하고 장르가 캔버스에 페인트를 넘어설 수 있는지 탐구함으로써 회화에 도전하는 퍼포먼스 행위를 만들었습니다. Six Holes는 회화에 대한 문자 그대로 이론적 타격입니다. 작가는 몸의 여러 부분을 사용하여 프레임에 뻗어있는 여러 겹의 갈색 종이에 구멍을 뚫었습니다. 그의 실험 결과는 퍼포먼스와 오브제 사이의 관계를 재협상하려는 최초의 예술적 시도인 새로운 종류의 “회화”였습니다.

리반 노이엔슈반더
Rivane Neuenschwander는 그녀의 예술을 “미묘한 유물론”이라고 부릅니다. 그녀는 일상적인 재료를 사용하여 시간의 흐름, 삶의 연약함, 인간 관계를 표현합니다. 마치 그녀가 두 명의 셰프에게 쇼핑 목록에서 찾은 쇼핑 목록을 바탕으로 식사를 만들도록 요청했을 때와 같이 최종 결과를 결정짓는 우연과 해석 과정을 종종 허용합니다. 슈퍼마켓의 바닥입니다. Secondary Stories(2006) 작품에서 밝은 색의 티슈 페이퍼 원이 내부 천장 위로 부채꼴로 떠 있습니다. 때때로 그들은 무작위로 바닥에 떨어져 페인트 방울과 같은 새로운 패턴을 형성합니다.

헤르만 니취
Vienna Actionists의 연극적이고 공격적인 회화 공연과 바디 아트는 예술과 의례 및 종교를 결합했습니다. 여러 면에서 헤르만 니취의 작품은 고통을 통한 치유적 정화의 한 형태인 카타르시스를 추구하는 고전 드라마와 같다. 그들은 현대 서구인이 정화 및 재생 효과로 황홀경을 일으킨 의식에서 너무 멀리 떨어져 있다는 사실에 대한 저항을 제공합니다. 이러한 사상에 따르면 우리는 고통과 슬픔과 두려움도 경험할 수 없다면 큰 기쁨을 경험할 수 없습니다. 비엔나 행동주의자들의 관행은 가톨릭, 정신분석, 부르주아, 계층적 사회 질서에 대한 반항의 요소가 있는 오스트리아 표현주의 전통의 일부로 볼 수 있습니다.

니키 드 생팔
1960년대 초, Niki de Saint Phalle는 그녀의 촬영 사진(Tirs)으로 남성 중심의 예술계를 근본적으로 뒤흔들었습니다. 이 작품에서 그녀는 나무 판자에 두꺼운 석고 층으로 페인트 용기를 덮었습니다. 그런 다음 그녀는 멀리서 그들에게 소총을 쏘았습니다. 총알이 용기에 맞았을 때 페인트가 석고에 무작위로 떨어졌습니다. 총을 쏘는 행위는 공연으로도 볼 수 있는 지극히 고의적인 행위가 되었다. Niki de Saint Phalle는 행동을 설명하면서 모든 남자, 그녀의 형제, 사회, 교회 및 학교에 총을 쏘고 있다고 말했습니다.

잭슨 폴록
잭슨 폴록이 1947년에 획기적인 발전을 이루었을 때 그는 완전히 새롭고 혁명적인 회화 방식으로 전환했습니다. 큰 캔버스를 바닥에 직접 놓고 붓과 막대기를 액체 물감 냄비에 담그고 시끄러운 비밥이나 다른 재즈 음악을 들으면서 사방을 움직이면서 캔버스에 물방울이 떨어지도록했습니다. 그는 이 방법이 아름다운 문양으로 흩어져 있는 유색 모래로 만든 아메리카 원주민 인디언 의식 모래 그림과 관련이 있다고 말했습니다. 폴록에게 그림을 그리는 행위 자체는 완성된 작품만큼 중요했습니다. 그의 회화 방식은 액션 페인팅(Action Painting)이라 불리며, 획기적인 추상표현주의의 한 사람으로 평가받고 있다.

로버트 라우센버그, 니키 드 생팔
1961년 5월, 예술의 움직임 전시회가 파티와 함께 ​​열렸습니다. Niki de Saint Phalle는 극장 배경에 페인트로 채워진 무수한 가방을 붙이고 그 위에 플라스틱 시트와 카펫을 놓아 댄스 플로어를 형성했습니다. 손님들이 춤을 추기 시작하자 가방이 터져 추상화를 그렸다. 파티가 끝난 후 Robert Rauschenberg와 Billy Klüver(Experiments in Art and Technology, EAT의 설립자)만이 유일한 손님이었습니다. 그 그림은 여전히 ​​무대 위에 놓여 있었다. 그들은 그것을 밖으로 가져갔고, Rauschenberg는 작업을 개선할 수 있고 아마도 길을 가로질러 퍼뜨림으로써 택시 운전사의 주의를 끌 수 있다고 제안했습니다. 몇 대의 지나가는 자동차가 택시가 마침내 멈추기 전에 캔버스에 타이어 자국을 남겼습니다.

캐롤리 슈니만
Carolee Schneemann은 퍼포먼스와 페미니스트 예술의 선구자입니다. 1960년대 초 그녀는 자신의 몸을 예술적 재료로 사용했으며 “바디 아트”로 작업한 최초의 미국 예술가였습니다. Eye Body에서 그녀는 페인트, 그리스 및 분필로 얼룩진 누드로 나타납니다. 그림을 캔버스에서 그녀의 몸으로 옮기면서 Schneeman은 묘사하고 바라보는 대상으로서의 여성의 몸에 대한 현대 여성의 역할과 예술의 지배적인 태도에 도전합니다. 그녀는 과감하다는 비판을 받았지만 그녀의 화려한 작품에는 항상 목적이 있습니다. 그녀는 회화의 주제이자 대상으로서 여성의 몸과 섹슈얼리티를 지배하는 힘을 되찾는다. 공연 외에도 Schneemann은 조립품, 영화, 비디오 및 설치를 만듭니다.

이클립스 – 암흑 시대의 예술
태양이 어두워지는 일식(Eclipse)은 계몽주의의 많은 이상이 버려진 것처럼 보이는 사회의 상황과 예술적 접근 모두를 설명합니다. 이 국제 현대 미술 전시회의 예술가들은 교훈적으로 계몽적인 문화에 대한 믿음의 부족을 공유합니다. 따라서 제목의 은유.

예술가들은 설치, 조각, 퍼포먼스, 비디오 프로젝션, 페인팅을 매체로 사용하여 어둡거나 비합리적인 주제를 탐색하고 공식화했습니다. 그들 중 많은 사람들이 삶의 부조리에 대한 특별한 감각을 가지고있어 상쾌한 유머 감각을 얻습니다. 인류의 실존적 문제가 출발점이다. 전시회는 두 가지 주요 트랙을 추구합니다. 하나는 어둡고 신비롭고 간결하고 다른 하나는 더 무정부적이고 해학적입니다.

Eclipse는 오늘날 예술에 대한 진술이자 질문입니다. 90년대 예술가들이 다큐멘터리 전략이나 관계 미학처럼 표현될 수 있는 입장인 현실에 집착했다면 오늘날 많은 예술가들은 이해할 수 없는 것을 반영하는 추측에 더 관심이 있습니다. 우리가 암울한 시대에 살고 있다는 말은 과감하게 들릴 수 있습니다. 그러나 9월 11일 이후, 정치적 격변의 시대에 우리는 편협함이 증가하는 것을 목격하고 있습니다. 이 전시는 정치적이지 않은 예술을 단순하게 강조하지만 잘못된 말을 할 권리를 주장하는 예술, 즉 픽션의 허가를 사용하여 실험하는 예술입니다.

마이클 보레만스
회화와 드로잉으로 가장 잘 알려진 벨기에 예술가 Michaël Borremans(b. 1963, 겐트 거주)는 그의 특징적인 신초현실주의 스타일의 여러 작품을 선보입니다. 주제는 세피아 톤의 과거에 속해 있는 것처럼 보이는 사람들로, 어떤 수수께끼 같은 작업에 집중합니다. <어드밴티지>와 같이 구속복을 입은 청년의 모습을 보여주는 등 우리가 어떤 장면을 바라보고 있는지 불확실한 분위기를 더해주는 작품들의 제목들이다.

안리 살라
Borremans 그림의 불가사의한 품질은 종종 반어둠 속에서 촬영되는 Anri Sala(b. 1974, 베를린 거주) 비디오 작업과 일치합니다. 그의 작품 중 하나인 Ghostgames에서 두 사람은 어둠 속의 해변이 될 수 있는 게임에 참여합니다. 그곳에서 손전등을 사용하여 게를 유인하거나 압력을 가하여 상대의 다리 사이로 기어가서 골을 넣습니다. . 이미지의 정보 부족은 질문을 제시하고 감각을 날카롭게 합니다.

나탈리 뒤베르그
Nathalie Djurberg(b. 1978, 베를린 거주)는 모형 점토로 만든 그로테스크한 ​​인물 세계를 배경으로 한 비디오 작업을 만듭니다. 영화의 형식은 어린이용 TV와 비슷하지만 종종 고통스러울 정도로 뚱뚱한 여성의 등장인물이 잔인한 폭행에 연루되어 있습니다. Djurberg는 현재 밀라노의 Fondazione Prada에서 개인전을 선보이고 있습니다.

다나 슈츠
Dana Schutz'(b. 1976, 뉴욕 거주) 그림은 또한 서로에게 수술을 하는 ‘자동 식인종’, ‘중력 광신도’와 같은 기괴한 생존자들이 거주하는 이상하고 종말 이후의 세계를 연상시킵니다. ‘ 또는 단순히 ‘예수 안으로’ 들어간 사람들. 공식적으로 그녀는 미술사의 다양한 스타일 사이를 유연하게 탐색합니다. 그녀의 그림은 종종 그림으로는 불가능한 주제인 도전적인 아이디어를 기반으로 합니다.

엘렌 갤러거
Ellen Gallagher(b. 1965, 로테르담과 뉴욕 거주)의 작품 De Luxe는 아프리카계 미국인 독자를 겨냥한 오래된 광고 사진으로 만든 역사적 인물과 신화적 인물을 혼합한 작품입니다. Water Ecstatic 시리즈에서 그녀의 수채화도 몇 점 소개됩니다. 이 시리즈는 노예 무역의 대서양 통과에 익사한 임신한 노예로부터 발달한 특별한 종인 잠수함 인간에 대한 신화를 기반으로 합니다.

톰 매카시
Tom McCarthy(b. 1969, 런던 거주)는 INS – International Necronautical Society의 사무총장입니다. INS는 오스트리아에서 열린 그룹 회의 중 하나의 보고서 – Calling All Agents -가 포함되어 있으며, 예술에는 정치적인 다이아마이트인 파괴적 메시지가 포함되어 있다는 생각을 자행하고 있습니다. McCarthy의 새로운 사이트별 오디오 작업은 일반적으로 컬렉션을 통해 방문자를 안내하는 데 사용되는 오디오 가이드에서 스웨덴어로 제공됩니다.

루카스 아제미안
Lucas Ajemian(b. 1975, 뉴욕 거주)의 작업은 코드화된 메시지의 전달자로서의 예술을 암시합니다. 그의 형인 재즈 뮤지션 Jason Ajemian과 함께 Skeppsholmen의 교회에서 공연을 만들고 비디오로 촬영하여 전시회에 선보일 예정입니다. 그들은 1971년의 Black Sabbath 클래식 Into Void를 10인 오케스트라와 함께 거꾸로 연주하며, 이것이 숨겨진 사탄의 메시지를 드러낼 것이라고 주장하는 신화를 참조합니다.

마이크 넬슨
Mike Nelson(b. 1967, 런던 거주)도 그룹과 협력합니다. 그의 경우에는 기억상실증이 있는 걸프전 참전용사들로 구성된 가상의 바이커 갱단 The Amnesiacs가 있습니다. 회원들은 Nelson이 50주년 선물로 Friends of Moderna Museet의 자금 지원으로 Moderna Museet 컬렉션을 위해 구입한 대형 공간 설치물인 Amnesiac Shrine에서와 같이 기억을 재구성하는 작품을 “돕는” 것입니다.

폴 매카시
퍼포먼스 기반 비디오 작업에서 Paul McCarthy(b. 1945, 로스앤젤레스 거주)는 위협적이고 한심한 아버지의 모습을 묘사합니다. Alfred E. Neuman을 닮은 인형 머리 또는 미친듯이 달려드는 디즈니 월드의 피투성이의 비웃는 해적. Magnus af Petersens가 2006년 Moderna Museet에서의 회고전과 관련하여 Paul McCarthy와 협업한 것은 Eclipse의 개념에 영감을 준 하나의 이벤트였습니다.