환경 예술

환경 예술은 예술에서의 자연에 대한 역사적인 접근 방식과보다 최근의 생태학적이고 정치적으로 동기 부여 된 유형의 작품을 포괄하는 예술적 관행의 범위입니다. 환경 예술은 지구와 함께 조각 재료로 작업 한 공식적인 관심에서 벗어나 사회적 관심사와 관련된 시스템, 프로세스 및 현상에 대한 깊은 관계로 발전했습니다. 윤리적, 회복 적 자세로 발전된 통합 사회 및 생태 학적 접근은 1990 년대에 나타났습니다. 지난 10 년 동안 환경 예술은 기후 변화의 사회 및 문화적 측면이 최전방에 서서 전 세계 전시회의 초점이되었습니다.

성장하는 세계에서 우리의 환경 내에서 시스템과 상호 작용에 초점을 맞춰 창조하는 예술가의 수는 생태 학적, 지리적, 정치적, 문화적, 생물학적입니다. 이 작품의 많은 작품들은 시각적 효과와 보컬 효과가 통합되어 인간성이 사회적, 철학적, 경제적, 영적으로 어떻게 자연계에 연결되고 연결되어야 하는지를 보여주는 2 차원 및 3 차원 요소들로 구성되어있다 .

“환경 예술”이라는 용어는 종종 “생태적 인”관심사를 포함하지만 그와 관련이 없습니다. 자연물과 예술가의 자연과의 관계를 기념합니다. 이 개념은 역사적인 지구 / 토지 예술과 진화하는 생태 예술 분야와의 관계에서 가장 잘 이해됩니다. 이 분야는 환경 예술가들이 과학과 철학의 아이디어를 받아 들인다는 점에서 학제 적입니다. 이 연습은 전통 미디어, 뉴미디어 및 중요한 사회적 형태의 제작을 포함합니다. 이 작품은 농촌에서 도시 / 농촌 산업뿐만 아니라 교외와 도시에 이르기까지 모든 범위의 풍경 / 환경 조건을 포함합니다.

대부분의 예술가들은 환경으로부터 인간성의 분리를 제시하고 변화를 가져 오는 네 가지 주요 동기를 통해 그것을 해결하려고 노력한다.

자연의 취약성에 대한 인식을 높이고 자연을 보호해야합니다.
다양한 자연 현상을 탐구하여 변화를 따르고 예술에서 표현하십시오.
세계의 다른 지역에서 자연의 재료를 수집하여 배포하십시오.
손상된 경관을 복원하고 자연 상태로 돌아가는 데있어서의 환경 적 상황의 악화를 방지하기 위함.

역사:
환경 미술은 조상들의 구석기 시대의 회화로 시작되었다고 주장 할 수 있습니다. 어떤 풍경도 발견되지 않았지만 동굴 그림은 동물과 인간의 형상과 같은 초기 인간에게 중요한 자연의 다른 측면을 나타냅니다. “그들은 선사 시대의 자연 관찰이었습니다. 일방적 인 또는 다른 방식으로 수세기의 자연은 창의적인 예술의 우대 주제였습니다.” 환경 예술의보다 현대적인 사례는 풍경화와 표현에서 비롯됩니다. 예술가가 현장에서 그림을 그렸을 때 주변 환경과 날씨와 깊은 관계를 맺어이 가까운 관찰을 캔버스에 가져 왔습니다. 존 콘 스터 블 (John Constable)의 하늘 그림은 “자연에서 하늘과 가장 가깝습니다.” 또한 Monet ‘s London Series는 아티스트와 환경의 연결을 잘 보여줍니다. “나에게는 풍경이 매 순간 바뀌기 때문에 풍경 자체는 존재하지 않지만 주변 분위기는 삶과 공기와 빛을 가져다 주며 나를 따라 계속 변화한다. 과목에 진정한 가치를 부여합니다. ”

환경 예술의 기초는 낭만주의 예술 운동 (1800-1850)에서 시작되었습니다. 산업 혁명 이후,이 운동은 “신 낭만주의”운동으로 불렸다. 예술의 주요 작품은 불의와 환경 불평등을 강조하기 위해 파괴와 오염의 이미지를 포함하여 자연의 아름다움을 숭배하는 것이 었습니다.

낭만 주의자는 자연의 위대함과 아름다움을 숭배했으며 인류는 그것에 매여 있어야하고 인류는 그것으로부터 분리되지 않아야한다고 믿었다. 작가들은 인류가 자연으로 돌아가도록 각성시키고 인류의 행동을 깨우 치고 각성시키기 위해 인위적으로 자연으로부터 분리 된 불의를 드러내 기 위해 그림, 음악, 조각에 주로 초점을 맞추었다.

미니멀리스트 예술, 특히 미국에서의 탄생과 함께 많은 예술가들은 갤러리 나 박물관 전시의 경계가 더 이상 그들의 요구를 충족시키지 못한다고 느꼈습니다. 미니멀리스트 조각은 설치 및 기타 예술 활동에 의한 전시의 한계를 다루었으며 기관 공간의 경계에서 벗어나 많은 사람들에게 명백한 움직임이었다. 1960 년대 말, 토지의 예술에 대한 문서화와 미학적 비판적 사고의 경향이 시작되었습니다.

환경 예술 운동의 성장은 1900 년부터 시작되어 “랜드 아트”라는 새로운 추세로 시작되었습니다. 이 예술적 운동은 1960 년에 유명한 작품 Whirlpool Pier (1970)로 Robert Smithson (1973-1938)과 같은 조각가와 화가가 일했던 풍경에 돌이킬 수없는 심각한 피해를 입힌 미국에서 발전했습니다. 이 작품은 현무암과 흙으로 지어졌습니다. 스미스 슨 (Smithson)은 불도저를 사용하여 풍경을 자르고 잘라내어 호수에 직접 영향을 미쳤습니다.

1912 년 보치 오니 (Boccioni)는 미래주의 조각품에 대한 기술 선언서에서 환경을 조각하는 것 이외에는 갱신 할 수 없다는 이론을 이미 세 이론화했다.

환경 예술의 다른 선례는 역사적인 전위에서 추적 가능하다 : 구성 론자 엘 루시 츠 키 (El Lissitskij)의 프룬 (Proun)의 환경은 건축 요소, 화가 및 모형이 뗄 수 없게 연결되어있는 1923 년 베를린의 위대한 전시회를 위해 만들어진 전시 공간이다. 반면 Dadaist Kurt Schwitters의 Merzbau는 하노버에있는 아티스트 스튜디오에서 만든 10 년 동안의 일상적인 물건을 점진적으로 축적하는 동안 작가의 삶에 대한 유기적 인 증언이됩니다.

실제 공간의 개입은 50 년대 후반부터 예술 작품의 중요한 측면으로 시작되었고, 계속해서 주요 예술적 흐름에 영향을 미치기 시작했다 (네오 다다이즘, 프로그램 예술, 미니멀리즘, 프로세스 아트, 아르테 포 베라, 개념 예술 ) 70 년대 초반까지 모든 60 년대에 걸쳐 초기에 환경 예술은 점점 더 쓸모없고 잠재적으로 자연 환경과 불일치하는 것으로 보인 전통적인 조각과 관행에 대한 비판이 커지면서 (특히 현장 별 예술, 육상 예술 및 Arte Povera와 같은) 조각과 훨씬 더 관련이있었습니다 .

다이안 부르코 (Diane Burko)와 같은 현대의 화가들은 자연 현상 – 그리고 시간의 경과에 따른 변화 -를 기후 변화에 대한 관심을 불러 일으키는 생태 학적 문제를 나타냅니다. 알렉시스 록만 (Alexis Rockman)의 풍경은 기후 변화에 대한 냉소적 인 견해와 유전 공학을 통해 다른 종들과의 인류의 개입을 묘사한다.

미국 현대 미술 평론가 인 Hal Foster는 환경 예술 작품을 “새로운 형태를 창조하거나 문맥에 대한 인식을 재구성하기 위해 환경에서 가져온 물질을 사용하는 특정 장소의 조각, 새롭고 부 자연스러운 대상을 비슷한 목적을위한 자연 시나리오, 시간 요인이 결정적인 역할을하는 경관에 대한 개별 활동, 협동 적 및 사회적으로 인식 가능한 개입 “이 포함됩니다. 이 인용문은 “환경 예술”이라는 용어가 서로 매우 다른 예술적 과정과 결과를 어떻게 의미 하는지를 보여 주지만, 환경 예술에 대한 예술 작품의 자율성에 대한 개념이 극복되어있다. 그것은 놓여있다.

“예술 시스템”을 퇴치하기위한 환경 예술의 초기 욕구에도 불구하고, 예술적 대상 그 자체, 더 일반적으로는 예술 작품의 상품화를 제거함으로써 갤러리와 박물관에서 예술 작품을 전시하는 것이 필수적으로되었다. 예술 작품으로서의 지위와 실현을 위해 필요한 재정적 자본을 수집 할 수 있어야한다. 이 필요성 때문에 Richard Long과 Robert Smith의 경우처럼 다큐멘터리 가치와 시장 가치를 모두 지니고있는 것처럼 많은 예술가들이 사진 및 영화 재생산을 목적으로 작품을 고안하게되었습니다.

운동:
환경 운동의 성장은 1960 년대 후반과 1970 년대 초반에 시작되었습니다. 초창기에는 조각과 관련이있었습니다. 특히 현장 특유의 예술, 토지 예술, 아르테 포 베라 (Arte povera)는 자연 환경과 점차 조화를 이루지 못하고 점차 사라져 갔던 전통적인 조각 형태와 관행에 대한 비난을 불러 일으켰습니다. .

1968 년 10 월, Robert Smithson은 뉴욕의 Dwan Gallery에서 “Earthworks”라는 전시회를 열었습니다.이 전시회의 작품은 전시 및 판매에 대한 기존의 개념에 명백한 도전을 제기했습니다. 수집하기에 너무 크거나 다루기 힘들었습니다. ; 대부분은 사진으로 만 표현되었으며, 취득에 대한 저항을 더욱 강조했다. 이 예술가들에게 갤러리와 모더니스트 이론의 경계를 벗어나는 것은 도시를 떠나 사막으로 나가는 것으로 달성되었다.

“그들은 풍경을 묘사하는 것이 아니라 그것을 끌어 들이고있었습니다. 그들의 예술은 단순히 경관의 것이 아니라 그것의 예술이었습니다. “1960 년대 후반과 1970 년대의 이러한 변화는 조각의 전위적인 개념, 경관과 그것과의 관계를 나타냅니다. 이 작품은 조각을 제작하는 전통적인 수단에 도전했지만 또한 앞서 언급 한 던 갤러리 (Dawn Gallery) 쇼와 같이 더 보편적 인 예술 보급 및 전시 모드를 거부했습니다. 이 변화는 새로운 공간을 열었고 그렇게함으로써 작업이 문서화되고 개념화되는 방식이 확장되었습니다.

유럽에서는 Nils Udo, Jean-Max Albert, Piotr Kowalski 등의 예술가들이 1960 년대부터 환경 예술을 창안 해 왔습니다.

도시 :
“유령선이 개울 근처에 나타나기 시작한시기를 정확히 알 수는 없지만 지역 주민들은 1950 년대에 떠 다니던 때를 기억하고 있습니다. 일부는 오래된 포경선이라고합니다. 미군 부대는 도시의 다른 지역에있는 버려진 함선을 확인했으나 여기에는 없었습니다. 크릭 슬러지는 매우 독성이 있습니다. 난파선을 방해하면 위험한 화학 물질의 급류가 물과 공기로 방출 될 것입니다. ” – 엘리자베스 앨버트 (Elizabeth Albert), “Silent Beaches, Untold Stories, 뉴욕시의 잊혀진 해안가”전시의 벽 텍스트

1978 년 Barry Thomas와 친구들은 뉴질랜드 웰링턴에서 빈 CBD 구역을 불법으로 점령했습니다. 그는 트럭 표토를 적재하고 180 개의 양배추 묘목을 자신의 빈 배추를 위해 “양배추”라는 단어 모양으로 심었습니다. 이 사이트는 예술가의 작품을 기증함으로써 침수당했습니다. 전체 행사는 6 개월 동안 지속되었으며, 원주민 나무와 숲을 축하하는 1 주일간의 축제로 끝 맺었습니다. 2012 년 뉴질랜드 최대 규모의 문화 기관인 테 파파 통가 레와 (Te Papa Tongarewa) 박물관은 양배추 패치 자료실을 ‘예술적, 사회적 역사의 중요한 일부’라고 언급하면서 구입했습니다.

이 초기 작업은 대부분 미국 서부의 사막에서 이루어졌지만 1970 년대 말과 1980 년대 초반에는 공공 경관으로 이동하는 작업을 보았습니다. 로버트 모리스 (Robert Morris)와 같은 예술가들은 버려진 자갈 구덩이와 같은 공공 장소에서 작품을 창작하기 위해 카운티 부서 및 공공 예술위원회에 참여하기 시작했습니다. Herbert Bayer는 비슷한 접근법을 사용하여 1982 년 Mill Creek Canyon Earthworks를 만들었습니다.이 프로젝트는 높은 강우 기간 동안 저수지 역할을하는 침식 제어 및 건기 동안 2.5 에이커의 공원과 같은 기능을 수행했습니다. Lucy Lippard의 획기적인 저서는 현대 토지 예술과 선사 시대의 유사점을 토대로이 선사 시대의 문화, 형식 및 이미지가 토지 및 자연계와 함께 작업하는 현대 예술가들의 작업에 “중첩 된”방식을 조사했습니다.

환경 예술의 확대 기간은 또한 도시 경관의 범위를 포함합니다. Agnes Denes는 Manhattan Wheatfield – A Confrontation (1982)에서 도시의 쓰레기와 잔해로 덮힌 2 에이커의 매립지에 밀밭을 심었습니다. 이 사이트는 현재 배터리 파크 시티 (Battery Park City)와 세계 금융 센터 (World Financial Centre)입니다.

전기 예술 : 1999 년에 불가리아 예술가 Elena Paroucheva는 전기선에 대한 새로운 개념을 창조합니다.

앨런 손 피스트 (Alan Sonfist)는 1965 년 뉴욕시에 제안 된 최초의 역사적인 타임 랜드 (Time Landscape) 조각품으로 도시 환경에 자연을 다시 가져 오는 핵심적인 환경 론적 아이디어를 소개했으며 현재 뉴욕시 그리니치 빌리지의 휴스턴 및 라 과디아 코너에서 볼 수 있습니다. 오늘날 Sonfist는 공공 당국과 민간 시민들 사이의 환경 및 녹색 문제에 대한 광범위한 열정에 동참하여 대도시 지역의 네트워크를 제안함으로써 자연이 21 세기의 도전에서 핵심 역할을 수행 할 것이라는 의식을 높이게 될 것입니다 세기. 자연과 자연 환경의 신성함은 종종 환경 예술가의 작품에서 분명합니다.

서부의 사막에서의 토공 작업이 풍경화의 개념에서 비롯된 것처럼 공공 예술의 성장은 예술가가 다른 환경으로 도시 경관을 관철하고 더 많은 잠재 고객에게 환경에 대한 아이디어와 개념을 참여시킬 수있는 플랫폼으로 도약했습니다 . “많은 환경 예술가들은 이제 자신의 작품에 대한 관객이 아니라 예술의 의미와 목적에 대해 누구와도 의견을 같이 할 수있는 대중을 원합니다.” Andrea Polli의 설치물 인 Particle Falls는 행인이 볼 수있는 방식으로 공기 중 미립자 물질을 볼 수있게했습니다. HighWaterLine의 경우 이브 모셔 (Eve Mosher)와 다른 사람들은 뉴욕시와 마이애미 같은 위험에 처한 도시에서 이웃을 걸어 다니며 기후 변화의 결과로 발생할 수있는 예상되는 홍수 피해를 표시하고 주민들과 무슨 일을하고 있는지 이야기했습니다.

Superstorm Sandy는 뉴욕시의 잊혀진 해안가 및 역사적인 수로에 대한 수많은 예술가들의 반응을 이끌어 냈습니다. 전람, 침묵하는 바닷가, Untold Stories : 뉴욕시의 복잡한 환경 생태계 및 도시 환경에 예술가 접근의 범위를 예술가의 범위 제시하는 St. 요한 대학 교수, Elizabeth Alpert에 의해 curated 뉴욕시의 잊혀진 물가.

EcoArt :
Ecological art a.k.a. EcoArt는 우리 행성의 생명 형태와 자원으로 지속 가능한 패러다임을 제안하는 예술적 관행 또는 규율입니다. 예술가, 과학자, 철학자 및 활동가로 구성되어 있으며 생태 예술 관행에 전념합니다. 역사적인 전례에는 토공사, 토지 예술 및 풍경 그림 / 사진이 포함됩니다. EcoArt는 생태계, 지리학 적, 정치적, 생물학적 및 문화적 측면에서 시스템과 상호 관계에 중점을두고 있습니다. Ecoart는 인식을 창조하고 대화를 자극하며 다른 종에 대한 인간의 행동을 변화시키고 우리가 공존하는 자연계에 대한 장기적인 존중을 장려합니다. 그것은 사회적으로 종사하는, 행동주의적인, 지역 사회 기반의 회복 적 또는 개입 주의적 예술으로 드러납니다. 생태 예술가 인 Aviva Rahmani는 “생태 예술은 종종 과학자, 도시 계획가, 건축가 및 다른 사람들과 협력하여 환경 파괴에 직접적으로 개입하는 예술 관행이며 종종 예술가는 그 실천의 선두 주자입니다”라고 믿습니다. EcoArt에는 다음과 같은 다양한 방법이 있습니다.

Representational Artworks – 대화를 자극하기위한 의도로 이미지 생성과 대상 만들기를 통해 주로 정보와 조건을 드러냅니다.
오염 된 환경과 파괴 된 환경을 되찾거나 복원하는 개선 사업 – 환경 예술가, 조경가 및 도시 기획자와 협력하는 예술가
활동가 행동 및 / 또는 공공 정책의 변화를 이끌고, 알려주고, 활력을 불어 넣고 활성화시키는 프로젝트.
사회 조각 – 지역 사회와 그들의 풍경을 모니터링하고 지속 가능한 실천과 생활 방식에 참여하는 역할을하는 사회적 참여, 시간 기반의 작품.
다른 동물과의 치유와 공존에 영감을 불어 넣어 자연계와 함께 재구성하고 다시 마법을 불러 일으키는 EcoPoetic 접근법.
직접 만남 – 물, 날씨, 햇빛, 식물 등과 같은 자연 현상을 일으키는 작품
환경 및 환경 문제에 대한 정보를 공유하는 교육적 또는 교육적 저작물. 물 및 토양 오염 및 건강 위험과 같은 생태 학적 문제.
지속 가능하고, 그리드 외의, 퍼머 컬처 (permaculture)가 존재하는 살아있는 것 – 관계형 미학.

EcoArt 정의 : Ecological Art 또는 EcoArt가 환경 예술과는 별개로 예술 내에서 개별적인 분야로 간주되어야한다면 Ecological Artists 사이에서 토론과 토론이 있습니다. EcoArtNetwork가 공동으로 초안을 작성한 Ecological Art의 현재 정의는 “Ecological Art는 내용과 형식 / 재료 모두에서 사회 정의의 윤리를 포용하는 예술 관행입니다 .EcoArt는 보살핌과 존경을 자극하고 대화를 자극하고 격려하기 위해 만들어졌습니다. 우리가 살고있는 사회 및 자연 환경의 장기적인 번영. 사회적 참여, 활동가, 공동체 기반 수복 예술 또는 개입주의 예술로 일반적으로 나타납니다. “이 분야에서 일하고 있다고 생각되는 예술가는 일반적으로 하나 이상의 다음 원칙 :

생태계의 물리적, 생물학적, 문화적, 정치적, 역사적 측면에 관한 우리의 환경에서의 상호 관계의 웹에 중점을 둡니다.
자연물을 사용하거나 바람, 물 또는 햇빛과 같은 환경 적 힘을 사용하는 작품을 만듭니다.
손상된 환경을 복원, 복원 및 수정합니다.
생태 역학 및 우리가 직면 한 환경 문제에 대해 대중에게 알리십시오.
생태 관계를 수정하고 공존, 지속 가능성 및 치유에 대한 새로운 가능성을 창의적으로 제안하십시오.

충격:
환경 예술 안에서, 예술 작품이 초래할 수있는 환경에 대한 피해를 고려하지 않은 환경 예술가들과 자연에 해를 입히려는 의도가없는 환경 예술가들 사이에 중요한 구별이있을 수 있습니다. 예를 들어, 미적 장점에도 불구하고, 미국 예술가 인 Robert Smithson의 유명한 조각품 인 Spiral Jetty (1969)는 불도저를 사용하여 땅을 긁어 내고 자르는 경관에 영원한 피해를 입혔습니다. 나선 자체가 호수에 충돌했습니다. 1969 년 오스트레일리아 시드니의 리틀 베이 (Little Bay)에서 해안선을 일시적으로 감쌌을 때 유럽 조각가 크리스토 (Christo)에 대한 비판이 제기되었다. 보존 주의자들의 의견은 환경계에서 국제적인 관심을 불러 일으켰고이 지역의 현대 예술가들로 하여금 토지 예술 및 특정 장소 예술.

지속 가능한 예술은 환경 (사회적, 경제적, 생물 물리학 적, 역사적, 문화적)과의 관계에서 작품과 그것의 수용의 더 넓은 영향을 고려하여 만들어집니다. 일부 예술가는 잠재적 인 영향을 최소화하기로 선택하고 다른 작품은 자연 상태로 즉각적인 풍경을 복원하는 작업을 포함합니다.

영국의 조각가 인 Richard Long은 수십 년 동안 바위, 진흙 및 가지와 같은 부지에있는 천연 소재를 재 배열하여 일시적인 야외 조각 작업을 했으므로 오래 지속되는 해로운 영향을 미치지 않습니다. 크리스 드 루리 (Chris Drury)는 일년에 한 번, 일일 명상의 산책의 결실이고 결과 인 “약품 휠”이라는 제목의 저작물을 제정했습니다. 이 작품의 인도 물은 모자이크로 발견 된 물체의 만다라였습니다. 자연 예술은 프로세스 예술이었습니다. 자르기 예술가 스탠 허드 (Stan Herd)는 땅과 비슷한 연관성과 존경심을 보여줍니다.

네덜란드 조각가 인 Herman de Vries, 호주의 조각가 인 John Davis, 영국의 조각가 인 Andy Goldsworthy와 같은 주요 환경 예술가는 마찬가지로 무사히 일한 풍경을 남겨 둡니다. 어떤 경우에는 작업을 수행하는 과정에서 적절한 토착 식물 군을 가진 손상된 토지를 심상화했다. 이런 식으로 예술 작품은 서식지에 대한 민감성에서 나온다. 아마 20 세기 후반 환경 예술의 가장 유명한 사례는 조셉 보이스 (Joseph Beuys)가 1982 년에 Documenta에서 행한 생태적 행동 인 7000 Oaks 였는데, 조셉 보이스 (Joseph Beuys)는 예술가와 조수가 7000 그루의 오크 나무를 심고 지역 환경의 상태를 강조하고 카셀시 주변.

변환:
생태 페미니스트 예술가 인 Aviva Rahmani와 같은 다른 예술가들은 자연 세계와의 인간 관계에 대해 생각하고 변형이나 간척에 초점을 맞춘 생태 학적 정보를 바탕으로 한 작품을 만듭니다. 지난 20 년 동안 Rosalie Gascoigne는 농촌 지역에서 버려진 쓰레기와 쓰레기로 고요한 조각품을 만든 환경 관련 작업에 중대한 관심을 보였습니다. 마찬가지로 Marina DeBris는 해변의 쓰레기를 사용하여 해변과 바다 쓰레기에 대해 사람들에게 교육하는 trashion을 만듭니다. 파트리스 스텔라스트 (Patrice Stellest)는 쓰레기와 함께 큰 설치물을 만들었지 만 전 세계에서 수집 된 관련 항목과 태양 에너지 메커니즘을 통합했습니다. John Wolseley는 원격 지역을 하이킹하고 시각적 및 과학적 데이터를 수집 한 다음 시각적 및 기타 정보를 종이의 복잡한 벽 규모 작업에 통합합니다. 워싱턴 DC의 유리 조각가 인 Erwin Timmers와 Alison Sigethy가 그린 환경 예술이나 녹색 예술은 최소한의 재활용 건축 자재 중 일부를 통합합니다. 구조용 유리. EcoArt의 저술가이자 이론가 인 Linda Weintraub는 재활용과 심리학 간의 상관 관계를 설명하기 위해 “주기 논리”라는 용어를 사용했습니다. 21 세기의 예술가들의 물질에 대한 신중한 참여는 오래된 문명의 폐기 된 도자기와 금속의 구석기 시대의 숨겨진 더미로 귀결됩니다. Weintraub은 맥아더 휄로우 Sarah Sze가 낭비되는 쓰레기를 재활용하고, 재사용하고, 재 처리하여 우아한 거친 설치물로 만드는 작업을 인용합니다. 그녀의 자기 반성 작품은 우리 자신의 어수선한 삶과 소비자 문화에 대한 관심을 이끌어냅니다. 브리짓 하이츠 클러 (Brigitte Hitschler)의 에너지 분야는 숨겨진 재료 문화를 드러내 기 위해 미술과 과학을 사용하여 매립 된 석회 슬래그 더미에서 400 개의 적색 다이오드에 전력을 공급 받았다. 생태 예술가이자 행동 주의자 인 비벌리 나이드 (Beverly Naidus)는 환경 적 위기와 핵의 유산 문제를 다루는 설치물을 만들고 변형을 염두에 둔 종이에 작품을 만든다. 그녀의 공동체 기반 퍼가 배양 프로젝트 인 Eden Reframed는 phytoremediation과 버섯을 사용하여 토양의 퇴화를 개선하여 약용 식물과 식용 식물을 재배하고 수확 할 수있는 공공 장소를 만듭니다. Naidus는 10 년 넘게 워싱턴 대학교 (타코마)에서 교수로 재직 한 교육자로, 커뮤니티 교과 과정에서 생태학 및 사회적 관행에 관한 예술을 병합하는 학제 간 스튜디오 아트를 만들었습니다. Naidus의 저서, 변화를위한 예술 : 틀 외부 교육은 교사, 활동가 및 예술가들을위한 자료입니다. 조각가이자 설치 예술가 인 Erika Wanenmacher는 Tony Price가 창의력, 신화 및 뉴 멕시코의 핵 보유를 다루는 작품을 개발 한 데서 영감을 얻었습니다. 다니엘 델 네로 (Daniele Del Nero)를 비롯한 다양한 예술가들은 살아있는 곰팡이를 예술적 요소로 사용하여 다양한 방식으로 작업했습니다.

재생 가능 :
신 재생 에너지 조각은 환경 예술의 또 다른 최근 발전입니다. 지구 기후 변화에 대한 관심이 증대됨에 따라 예술가들은 미적 반응을 에너지 생성 또는 절약의 기능적 속성과 병합하여 기능적 수준에서 명시 적 개입을 설계하고 있습니다. Andrea Polli의 Queensbridge 풍력 프로젝트는 교량의 구조에 풍력 터빈을 통합하여 교량 및 인접 지역을 조명 할뿐 아니라 원래 설계의 측면을 재현하는 실험적 건축물의 예입니다. 랄프 샌더 (Ralf Sander)의 공공 조각 인 월드 세이빙 머신 (World Saving Machine)은 뜨거운 한국 여름 여름에 서울 시립 미술관 밖에서 눈과 얼음을 만들기 위해 태양 에너지를 사용했다. 이 신흥 지역의 전문가는 Ecodesign 기준에 부합하는 생태 학적 정보를 기반으로 한 윤리적 및 실용적인 코드에 따라 작동합니다.