토미 오타케 연구소의 판화와 조각 실험

60 년이 넘는 생산 기간 동안 Tomie Ohtake는 뛰어난 연구 결과를 고안했으며, 그의 연구를 이끄는 주요 축인 색상, 제스처 및 중요성을 떠나지 않고 다른 언어를 통해 모험을했습니다. 토미 오타케 (Tomie Ohtake) : 판화와 조각 실험, 판화와 조각에 중점을 두며, 그림과 함께 작가의 제작에도 마찬가지로 광대 한 영역이 있습니다.

토미 오타케 (Tomie Ohtake)는 그녀의 작품으로, 두 번째 시선에서 해산되어 복잡하고 섬세한 것으로 드러난 미니멀리즘으로 유명합니다. 두 번째 시선에서 풀린 명백한 미니멀리즘에 대한 그녀의 작품은 복잡하고 섬세한 동시에 자신을 드러냅니다.

그녀가 그림의 흔적과 움직임, 특히 자신의 작품을 이러한 새로운 재료에보다 견고하고 다른 한계로 바꾼 유동성은 두드러집니다. 제스처는 Tomie 자신의 손으로 성형 한 것으로 보이는 강철 튜브의 곡선과 비틀림 또는 예술가가 수행 한 연구의 충실도에 따라 조각에 존재하는 형태의 부정확성에 관계없이 존재합니다 종이를 찢고 절단하여 작업 수행에 대한 헌신을 분명히합니다.

작가 작품의 판화는 이미 브라질 화가로 인정받은 15 년 만에 나타났다. 처음에 그의 지문은 부서진 물결 모양의 페이딩 계획을 만들 때까지 표면이 색으로 코팅 된 실크 스크린으로 만들어졌습니다. 점차 작가는 연필로 만든 그림과 같은 다양한 가능성으로 새로운 미디어 리소그래피를 개발했습니다. 그러나 그는 금속 조각에서 브러시와 동일한 자유를 발견했으며 함께 일했습니다.

이 전시회에서 제공되는 판화는 Tomie가 어떻게이 기술을 비옥하고 혁신적인 분야로 만들 었는지 보여줍니다. 그는 대형 형식의 시리즈를 제작하고 인쇄물을 객체로 변환했으며 한 평면에서 다른 평면으로 90 도의 합류로 진행되는 작품을 제작했으며 앨범 Yu-Gen의 작곡에서 4 개의 손으로 작업했습니다. 일본에서 영감을 얻어 Haroldo de Campos의 시가 작가가 만든 이미지를 새겨 넣었습니다. 그녀의 특이한 실험주의로 그녀의 판화는 1972 년 이후 베니스 비엔날레의 Grafica D’ Oggi 룸에 초대되었습니다-미국과 같은 세계에서 가장 중요한 예술가들이 참석 한 전시회 팝 아트.

반면 토미의 작품에있는 조각품은 1996 년 비엔날 데 상파울루의 초대를 받아 특별한 방에 참여했다. 국제 행사를 위해 그녀는 볼륨을 부과하는 대신 공극을 강조하는 일련의 관형 강철 조각, 플로팅 라인을 설계했습니다. 이 시리즈에서 토미 오타케 (Tomie Ohtake)에서 수집 한 4 개의 조각품이 펼쳐집니다. 각인 된 색상, 공간에 선, 전시에 존재하는 3 개의 원형 링 세트는 그의 첫 번째 설치의 일부였으며, Paço das의 초대에 따라 수행되었습니다. 직경이 약 4 미터이고 높이가 1.50m에 이르는 서로 다른 물결 모양의 고리를 가진 후프는 만지면 움직일 때 멈춤 운동을하여 관찰자가 조각을 움직일 수있게합니다.

전기
토미 오타케 (1913 년 11 월 21 일 교토-2015 년 2 월 12 일 상파울루)는 일본인으로 브라질 화 한 한 예술가였습니다.

토미 오타케 (Tomie Ohtake)는 비공식 추상주의의 주요 대표자 중 하나입니다. 그의 작품에는 그림, 지문 및 조각품이 포함됩니다. 그녀는 1960 년에 국립 현대 미술 원에서 수상했다. 1988 년 상파울루에서 일본 이민 80 주년을 기념하여 공공 조각품으로 리오 브랑코 질서의 축복을 받았습니다.

그녀의 유명한 경력을 위해 Tomie Ohtake는“브라질 플라스틱 예술의 숙녀”로 간주됩니다. 토미 오타케 (Tomie Ohtake), 후쿠시마 티카시 (Tikashi Fukushima), 마나부 마베 (Manabu Mabe) 등의 예술가들은 브라질을 대표하는 추상 주의자이며 많은 지지자들이 있습니다.

작품
토미 오타케 (Tomie Ohtake)의 광대 한 연구는 끊임없이 합성에 대한 끊임없는 연구로 넘어갑니다. 세련되고 간결한 구성으로 깨진 단순한 모양의 경제 또는 추상 요소의 자유로운 사용, 제스처 충동 및 이러한 요소의 처분에 대한 세심한주의 사이의 균형에 의해 정복되는지 여부. 사실 작가의 작품은 일본의 전통을 나타내는 서구화의 함침 된 매트릭스에서 의도와 행동, 합리성과 감각 사이의 문턱을 발전시킨다. 그녀의 합성 연설과 조용한 성격에서 Tomie Ohtake는 항상 자신의 작품 제목을 지정할 필요가 없음을 지적했습니다. 이름을 밝히면 해석의 가능성이 제한됩니다. 작가는 첫 번째 연구의 명백한 형상화에서 벗어나 통치자와 나침반없이 만들어진 추상적 탐험에 몰두했습니다. 관찰자의 상상력에 따라 수면, 조명, 별, 코스모스 이미지를 불러 일으키지 않는 비 유적 자유 형식이 아닙니다. .

따라서 그녀는 가장 다양한 측정 값을 올릴 수있는 리소스와 다양한 기술을 사용했습니다. 독창적 인 방법을 수행하는 이러한 방법 사이에서 전환되었습니다. 잡지의 이미지에서 그린 인쇄 패턴과 질감을 바꿉니다. 그녀는 그림, 조각품 및 그래픽 작품이 양식에서 동일한 진미와 유동성을 갖도록 몸짓을 완성했습니다. 그녀는 각각 대담하고 무성한 색채 팔레트를 사용하여 각지지의 잠재력을 활용했습니다.

집에서, 아틀리에에서
Tomie Ohtake의 가정 환경은 그녀의 삶과 일에서 중요한 역할을했습니다. 1950 년대에 약 40 세가되기 시작한이 예술가는 상파울루의 Mooca 인근에있는 작은 집에서 두 자녀와 함께 살았습니다. 그곳에서 비좁은 공간에서 그녀는 첫 작품을 만들고, 형상에서 추상화로 넘어 가고, 힘을 얻기 위해 외부로 가야 할 필요와 같은 몇 가지 한계가 있지만 경력의 가장 중요한 작품 모음을 만들었습니다. 분명히 후퇴로 그림을 그린 것입니다.

1970 년대에 새 거주지로 이사 한 후 작가는 더 큰 자유를 얻었습니다. 공간은 더 이상 제약이 아니었고 더 큰 형식과 다른 기술이 창조적 충동으로 이용 될 수 있습니다. 아들 루이 오타케 (Ruy Ohtake)가 생각한이 집은 셀로 설계된 컴팩트 한 방을 자유롭게 배포 할 수있는 대규모 연속 환경으로 구성되도록 설계되었습니다. 그들의지지 구조는 측벽을지지하여 통관 센터를 넓은 복도로 남겨 두어 게이트웨이에서 모든 확장을 볼 수 있습니다. 그러나 일부 개조 공사를 마친 후에는 새로운 실험을 할 수있는 새로운 스튜디오를 비롯해 기술 자료에 저장된 이전 작품과 문서를 포함한 다른 영역이 추가되었습니다. 이 넓은 환경에서 토미 오타케 (Tomie Ohtake)는 그녀의 작품을 개발하고, 가족과 시간을 보내며, 친구, 예술가, 비평가, 큐레이터 및 기자를 받아 독특한 관계 및 협력 네트워크를 구축했습니다. 그녀의 모습과 그녀의 집은 관대함과 인내와 동의어로 브라질 예술의 여러 세대에 대한 기억의 일부입니다.

첫해
1952 년부터 Tomie Ohtake는 회화 수업에 참여했습니다. 처음에는 그림 제작을 장려 한 초기 스가 노 키스케 교수와 함께 공예와 기술을 배웠다. 그녀가 창문을 통해 본 풍경, 집의 사물 및 그림은 작가가 제작 한 첫 순간에 나타납니다. 그러나, 다른 도형들 중에서도 얽힌 트렁크 및 가지, 집의 클러스터는 점점 기하학적 인 구성을 형성하기 위해 희석함으로써 점차 인식하기 어려워지고 있음을 알 수있다.

맹인 그림
모양과 색상 외에도 감각의 문제는 Tomie Ohtake 작품의 의제에도있었습니다. 1959 년에서 1962 년 사이에 작가는 눈을 가린 일련의 그림을 만들었으며 큐레이터 Paulo Herkenhoff의 “Blind Paintings”타이틀로 알려졌다. 이 과정에서 작가는 프랑스 철학자 모리스 메를로 포티 (Maurice Merleau-Ponty)와 대화를 통해 예술에 대한 토론을 통해 세계에 대한 인식을 전달함으로써 회화의 과정에서 비전을 박탈하는 것입니다. . 그러나 그들은 기회를 다루지 만 완전히 맹목적으로 만들어지는 것은 아닙니다. 예술가는 사전에 선택한 색상과 추적해야 할 길을 선택했습니다. 이 색상의 주된 색상은 흰색, 검은 색, 회색 및 갈색으로 작동합니다.

Processo Construtivo
1960 년대 중반부터 Tomie Ohtake는 콜라주를 정교하게 만드는 데 사용 된 브라질 및 일본 잡지에서 철회했습니다. 이것들은 그림과 판화의 원형으로 거의 작동했습니다. 이 기능은 종이에 수작업으로 찢어짐의 영향 또는이 방법으로 생성 된 텍스처, 그루브 및 버에 의해 부정확하게 표현되는 기하학적 모양 근처의 색상 필드를 정의하는 데 사용되었습니다. 콜라주에 존재하는 브랜드와 더 미묘한 얼룩조차 종종 그녀의 그림과 조각에 충실하게 구현되었습니다.

1970 년대와 1980 년대에 이미 그녀의 연구에서 윤곽 모양에 대한 더 큰 정의가 분명합니다. 이것은 가위를 사용하여 종이를 자르는 것에서 비롯됩니다. 연구와 그에 따른 작업은 더욱 규칙적으로 이루어집니다. 그럼에도 불구하고 가위에는 나침반과 눈금자 (Tomie Ohtake가 사용하는 도구)의 정밀도가 없으므로 기하학적 모양의 진 직도에서 제스처 편차가 발생할 가능성이 있습니다. 수년에 걸쳐 이러한 프로젝트는 더 유동적이지 않았고 유동성 성분이 많고 유기 브러시 스트로크가 많으며 구조가 더 유연 해졌습니다. 그러나, 대출, 판매 또는 전시 된 정보에 대해 작가가 직접 스케치 한 전시회 및 카탈로그 유형에 대한 반복적 인 연구가 수행되었습니다.

기하학적 모양
“서양 기하학의 합리성과는 달리 Ohtake는 끊임없이 부정확성을 경험합니다”

우주 토미
토미 오타케는 기하학을 탐구 한 예술가였습니다. 예를 들어, Concretism과 Neoconcretism의 경우처럼, 퍼져 나간 움직임과 관련이없는 작가는 추상화, 색상 적용, 텍스처 준비 및 표현 제스처에 의해 안내되는 자신의 언어와 방법을 가져 왔습니다. 2000 년대에는 예술가의 작품에서 원형의 재발이 기록되어있다. 유기체 모양, 밝고 곡선은 우주와 관련된 해석을 증가시킵니다. 백열 구는 은하, 블랙홀, 일식, 행성과 유사하거나 쌍으로 나타나 파도, 방사선을 나타냅니다. 그러나 그녀의 그림은 망원경으로 읽을 수 있지만 구성된 이미지는 현미경의 렌즈에서 나온다고 믿을 수도 있습니다. 원은 또한 일본 선의 측면에서 읽을 수 있으며, 리듬의 힘, 사이클의 아이디어를 보여주고 단색 배경의 큰 독방 곡선으로 특정 침묵을 고취시킵니다.

석판화
1960 년대 초 이래로 Tomie Ohtake는 잡지에서 찾은 종이를 연구했습니다. 그녀는 조각을 통해 실크 스크린 인쇄 프로세스에 대한 경험을 시작하여 작가는 자신의 제스처의 유동성을 바꾸어 인쇄소를 대표 할 수있었습니다. 1970 년 초 토미 오타케는 리소그래피 세계에 들어갔다. 그녀의 작품의이 부분은 색채가 너무 생생하고 특이한 조합으로 인해 예술가가 만들어 낸 작품으로 그림 작품과는 다릅니다. Tomie의 석판화는이 기술에서 사용 가능한 모든 그래픽 레퍼토리를 활용합니다. 재현 및 기술 전문가와의 협력 가능성을 통해 그녀는 색채 준비 및 양식 오버레이와 같은 구성 솔루션을 만들 수있었습니다.

100-101
그녀의 지난 2 년 동안, Tomie Ohtake는 강력한 생산과 대규모를 가졌습니다. 흰색, 빨간색, 노란색 및 파란색으로 밝고 빛나는 단색을 만들어 내면서 색채 변화의 극적인 감소로 인해 제작 된 작업. 그것의 선과 모양은 구호로 요약되어 있으며, 축적 된 페인트의 두꺼운 층은 화면 배경을 사고와 불연속으로 가득 찬 지형으로 만드는 요점입니다.

공공 사업
1980 년대부터 토미 오타케 (Tomie Ohtake)는 공공 공간과 공존 형태의 영역을 가져 왔으며, 이는 플라스틱 생산의 그림 요소를 나타냅니다. 여러 도시에 사는 장소에서 그러한 형태는 킬로 또는 톤의 철, 콘크리트, 강철, 유리 펠릿 또는 필요한 것으로 변환됩니다. 기념비적 인 규모를 달성 할 수있는 그러한 양은 실제로 무게를 갖는 것처럼 보이지 않습니다.

더 이상 존재하지 않지만 다양한 논쟁을 일으킨 그녀의 첫 공개 작품 중 하나는 1985 년 리우데 자네이루를 위해 디자인 된 떠 다니는 별이었습니다. 그녀는 금속 조각을지었습니다. 우주선을 유지하는 데 사용되는 동일한 인프라와 공간. 1988 년 브라질에서 80 년 동안 일본 이민을 기념 한 위대한 대중 인정 작품 중 하나 인 그녀는 여기 (issei, nissei, sansei, yonsei) 인 4 세대 아치 또는 곡선 / 파로 일본 세대를 대표했습니다. -Avenida 23 de Maio의 20 년 후, 그녀는 이민을 축하하기 위해 돌아 왔으며, 이번에는 과룰 류스 국제 공항으로가는 도로 중 하나에 원형 조각이 배치 된 100 주년이되었습니다.

1997 년에 그녀는 건물을 통합하기위한 첫 3 차원 작업을 고안했습니다. Ruy Ohtake가 건축 설계를했던 Aché Laboratory의 단지에 위치한 그녀의 아들-작품은 단일 점으로 지원되며 내부와 측면을 구별 할 수없는 기하학적 모양 인 Moebius 테이프로 작동합니다. 항상 연속 운동으로 무한대 기호를 닮았습니다. 그 전에 Tomie Ohtake는 이미 계획된 공간과 관련된 패널, 벽화 및 그림을 실현하는 데있어 건축과 협력했습니다.

그녀가 건축 규모로 행동하기 시작했을 때 작가의 작업 절차는 스케치, 콜라주 및 빠른 모형 제작으로 시작되었습니다. 종종 그녀의 힘을 손상시키지 않고 손으로 만들었습니다. 그런 다음 정교한 방법을 사용하여 섬세한 형태를 기념비적 인 조각품으로 변환하는 기술자 및 엔지니어와의 협력을 통해 상상력이 풍부한 모델을 만들었습니다.

토미 오타케 연구소
2001 년 11 월 28 일에 문을 연 Instituto Tomie Ohtake는 상파울루에서 국가 및 국제 예술, 건축 및 디자인 전시회를 기획 할 목적으로 설계된 몇 안되는 공간 중 하나입니다.

이 연구소의 이름을 딴 예술가를 기리기 위해이 연구소는 지난 60 년 동안 예술적 발전과 토미 오타케 (Tomie Ohtake)가 살고 일한 기간을 더 잘 이해하는 데 도움이되는 초기 예술 운동에 빛을 발하는 전시회의 본거지입니다. . 연구소는 대중에게 문을 연 이후 Louise Bourgeois, Josef Albers, Kusama Yayoi Kusama, Salvador Dalí, Joan Miró 등 브라질에서 전례가없는 공연을 보여주었습니다.

토론, 연구, 콘텐츠 제작, 아카이브 작업 및 출판의 병행 프로그램을 통해 증폭 된 선구적인 전시 프로그램뿐만 아니라 Instituto Tomie Ohtake는 창립 이래로 현대 미술을 가르치는 방법에 대한 중요한 연구를 수행했습니다. 이것은 공립 및 사립 학교의 교사와 학생들을위한 새로운 훈련 방법을 개척하고 모든 사람들에게 개방되는 행사 프로그램과 새로운 세대의 예술가들이 발전하고 번영하도록 장려하는 프로젝트에서 나타납니다.