흘리 공기

Enplein Air (문자 그대로 야외에서)는 프랑스어로 표현 된 문구로서, 야외에서 그림을 그리는 방식으로 모든 세부 사항에서 빛이 생성하는 미묘한 뉘앙스를 포착합니다. 이 기술의 또 다른 목적은 현실의 직접적인 관찰에서 비롯된 표현이기 때문에 사물의 본질을 파악하는 것입니다. 특히 유럽 19 세기의 유행에서 plein air painting은 인상파의 그림 전류에 의해 널리 사용되었습니다. 이 방법은 미리 결정된 모양을 만들 수있는 스튜디오 페인팅 또는 학업 규칙과 대조됩니다.

과거에는 예술가들이 이미 상상했던 자연 (장르 또는 조경 예술)을 그리는 자원을 사용해 왔지만, 자연의 빛을 사용하여 특정 효과를 연구하고 달성하고 적용하기 위해 명시 적으로 선택했던 것은 19 세기 중반까지가 아닙니다. 그것들을 그분의 그림으로. 그럼에도 불구하고 Carlos de Haes와 같이 유명한 조경사는 스튜디오를 위해 대부분의 그림 작품을 보존하고 (소위 캐비닛 그림과 같이) 자연 야외의 스케치 나 메모 만 만드는 전통을 계속했습니다.

이탈리아에서는 마키 아이올리 (Macchiaioli)와 같은 다른 화가들도 비슷한 제안을 개발했지만 영국에서는 그와 비슷한 새로운 제안이 있었지만, 그러한 참신함은 바르비종 (Barbizon) 학교와 프랑스 최초의 인상파 주의자들에 의한 ‘스타일의 선택’이었다. 러시아의 Newlyn 학교는 최고의 조경 디자이너들과 다른 유럽 및 미국 국가들에서 조경 그림에 특화된 다양한 식민지와 원을 만들었습니다.

아마도 1870 년대부터 총회의 성공과 대중화의 열쇠는 유화 용 튜브 용기의 상용화 일 것입니다. 그들 전에, 각 화가는 말린 분말 안료와 아마씨 기름을 혼합하여 자신의 색을 만들어야했습니다. 같은 단계의 또 다른 발명품은 영어 “프랑스 상자 이젤”로 불리는 이젤 유형이지만, 처음 사용했던 사람은 확실하지 않습니다. 팔레트와 페인트 상자를 통합 할 수있는 신축성 다리가있는 매우 쉽게 운반 할 수있는 구조로 구성되었습니다. 이로 인해 야외에서 본격적인 국가 여행을하는 화가들은 스튜디오에서 사용하기에 적합했습니다.

개념
오 플레인 에어 페인팅과 아웃 도어 페인팅은 같은 것을 의미하며 그림 기법을 설명하는 데 사용됩니다. 즉 자연에서, 즉 바람직하게는 자연 공간에서 작업합니다. 그러나 plenairismo라는 용어는이 기술의 실천에 추가 된 이념적, 정서적 반음계가 될 것이라고보고하는 것 같습니다. 예술사를 둘러 보면 아시리아 인, 중국인, 아즈텍 인, 그리고 훨씬 이전에는 동굴 예술가들이 야외에서 그림을 그렸지만, 그들이 그렇게하게 한 사회적, 예술적 이유에 대한 문서는 없다. 단순히 종교적이거나 지리적이거나 명백했습니다. 그러나 19 세기 중반 파리의 온상에서 출현 한 이래, 총회는 상충되는 용어, 비평가, 학자 및 예술 학자 사이의 논쟁의 원인이되었습니다. 그리고 대다수를위한 추상적 인 사용의 와일드 카드. 한편 화가들은 이젤과 우산으로 그림을 그리기 위해 현장으로 나갔으며, 필요한 경우 대담하고 모델을 다소 야생의 자연에서 가장 예기치 않은 구석으로 옮겼습니다.

혁명가
톨레도의 그레코 (Greco of Toledo), 빌라 메디치 (Villa Medici)의 두 개의 작은 풍경의 벨라 스케 즈 (Velasquez), 밤에는 카페 테라스의 반 고흐 (Van Gogh)에 “순수한 풍경”으로 제시된 다른 맥락의 다른 저자들이 놀랍습니다. 한밤중에 자연스럽고 모자 주위에 양초를 두어 불을 붙입니다.

선구자
그림 기법을 이데올로기 사용하기 전에 (그리고 다른 사람들은 19 번째 용어 비평가, 부르주아, 그리고 “Fanes”는 끝없는 예술가들의 목록을 보여주었습니다. 그들 중 많은 사람들이 먼저 선으로 그린 ​​”in situ”자발적으로 그리고 시스템 여기에, plenairistas Dürer, Claude Lorrain, Poussin, Salvator Rosa, 그리고 Camille Corot, Joseph Mallord William Turner, Constable 등이 있습니다.

18 세기 후반 3 일 영국에서 총회가 여전히 이름이 바뀌지 않은 가장 냉담한 쇼비 니스트들을 제외하고는 운동, 기술 자원, 올바른 풍경화를위한 학문적 레시피, «공기와 빛을 흡수하다»의 동의어. 따라서 전문가와 비평가가 제안한 훌륭한 선구자 교사는 John Constable이었습니다.

Diderot가 1767 년 파리 홀을 거닐다가 완성 된 그림보다 많은 스케치를 선호했다는 사실은 바르 글론의 화가들이 앵글로-네덜란드 전통에 따라 싸운 공식 및 정면 전투를 방해하지 않습니다. 1820 년대에 Fontainebleau의 숲, Saint-Cloud, Sèvres 및 La Mancha 운하의 해안을 따라 기업 적으로 그려진 것은 전례가 많은 대중 식민지 식민지에 의해 정당화됩니다.

수채화와 여행자
1804 년 영국에서 수채화 협회 (수채화 협회)의 창설과 유럽과 미국에서 수채화 그림의 대중화로 인해이 기법은 여행 화가와 “총회 개척자”의 왕이되었습니다.

1831 년 모로코를 여행 한 유제니 오 델라 크루 아 (Eugenio Delacroix)는 풍경화를 잊어 버린 “캐비넷 화가”, 여행 예술가들의 수채화 사용, 이후 수 차례의 수채화 노트, 그림, 메모 및 페인트를 수백 가지의 수채화 노트에 담았습니다. 그 자연스런 음표 중 일부는 몇 년 후에 캔버스가 될 것입니다. 예를 들어, 1841 년 파리 살롱에서 발표되었고 루브르 박물관에서 보존 된 유대인 결혼식. 1820 년부터 당시 유럽 법원의 시장 및 그림 사업 촉매 및 예술 심판원 인 홀의 초 학술 계획에서 수채화 기법을 받아 들였다. 1824 년에 4 명의 영국 예술가가이 홀에서 승리했습니다 (토마스 로렌스, 존 콘 스터 블, 코플리 필딩, 리차드 파크 보 닝턴).

Delacroix의 특정 사례에서, 물체의 빛의 행동에 대한 그의 발견과 반사는 Seurat 및 Paul Signac과 같은 점묘주의 이론가의 전제 역할을 할 것입니다.

개요 및 완료된 작업
코틀의 풍경에 자극을 받아 1845 년 파리 살롱을 떠난 후의 시인이자 미술 평론가 인 찰스 보델 레르 (Charles Baudelaire)는이 작품에서 꼼꼼하게 작업 한 미술 작품을 고려한 것에 대한 공식적인 모순을 폭로하고, 자발적인 스케치를 거부했다. 자연적인. 알프스 반대편에서 마키 아이올리 (macchiaioli)라고 불리는 화가의 일원들도이 모순을 추측했다.

이 스캔들은 전 세계의 명백한 화가들로부터 자극을 받았으며, 가장 잘 알려지고 널리 퍼진 프랑스의 모범에 의해 집중된 것으로 추정 된 스케치를 완성 된 예술 작품으로 간주하고 제시하기로 결정했습니다. 총회의 기술은 미래의 어느 누구도 빼앗을 수없는 질적 인 도약을 만들었습니다.

흘린 공기와 해변에서 충만 소풍
Watteau의 국가 짧은 서사시, Lorraine의 Claudius의 목가적 인 풍경 장면 및 Giorgione가 그린 자연에 액자로 싸여 있고 때로는 감싸지는 다소 신화 적 또는 종교적 장면은 본격적인 그림이 아니지만 어려울 수는 없습니다. 기억하지 않고 Manet의 아침 식사 또는 Claude Monet 버전을 상상해보십시오. 회화의 개념에서 이러한 형이상학 적 진화의 관찰은 공간이나 시간이없는 학교와 혁명으로서의 총회의 열쇠를 이해하는 데 도움이된다.

그러나 전체주의의 정의가 회화 학교의 범주를 차지하고 (사실 자체를 모방 한 시점과 같이 계속해서 드러나는) 조경 지역은 바다 해안 (이미 Constable 또는 Courbet의 직관에 이미 존재)이었습니다. 일반 및 해변. Linda Nochlin이 결론을 내릴 때 리얼리즘의 마지막 장은 야외에서 바다로 그려졌습니다.

조경 학교의 총회 확대.

외관
Plein air는 John Constable과 Richard Parks Bonington 덕분에 영국에서 19 세기 초에 나타났습니다. Plenerism은 빛과 공기가 독립적 인 중요성과 순전히 그림적인 관심을 얻는 예술가들의 미학의 기초가됩니다. 개체 자체는 의식적으로 그려 지거나 구체적인 실루엣으로 표현되지 않거나 완전히 사라지지 않습니다. 이 기법은 프랑스 인상파들 사이에서 매우 인기가있었습니다 (그 당시 용어는 야외가 널리 사용되었습니다). Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-Francois Millet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir 및 Claude Monet과 같은 아티스트는 plein air painting 개발에 기여했습니다.

자연광으로 페인팅하는 것은 오랫동안 알려져 왔으며 주로 스케치를 만드는 데 사용되었습니다. 그러나 Barbizon School과 Impressionists의 예술가들 사이에서이 페인팅 기법은 새로운 삶을 얻었습니다.

플레인 에어 페인팅의 특징
일반적으로 인상주의는 야외에서 작가의 작품의 주요 예입니다. 유명한 예술 평론가 J.-L. Castagnari는 다음과 같이 썼습니다.

“[느낌 파]들은 지루하고 평범한 것이 아닌 다른 방식으로 자연을 인식합니다. 그들의 그림은 삶으로 빠르고, 빠르며, 쉬운 것입니다 … 그들은 정확한 재생산을 위해 노력하지는 않지만 일반적인 인식에 의해 제한됩니다. 그들은 풍경 자체가 아니라 이로 인한 인상이라는 인상 주의자입니다. 풍경 … 그래서, 그들은 현실에서 떠나 이상주의의 위치로 완전히 움직입니다. ”

야외에서 공연 된 에트 루를 본격적인 독립 회화 수준으로 끌어 올린 것은 인상파들이었다. 인상파들은 가능한 한 정확하게 자신의 세계에 대한 인상을 전달하려고 노력했습니다.이 목표를 위해 그들은 기존의 학문적 규칙을 버리고 자신 만의 훌륭한 방법을 만들었습니다. 그것의 본질은 순수한 페인트의 개별 스트로크의 도움으로 빛, 그림자, 물체 표면에서의 반사의 외부 인상을 전달하는 것이 었습니다. 이 방법은 주변의 빛-공기 공간에서 형태가 용해 된 느낌을주었습니다. 클로드 모네는 그의 작품에 대해 다음과 같이 썼습니다.

“저의 장점은 제가 가장 불안정하고 변화하는 현상에 대한 인상을 전달하려고 노력하면서 자연에서 직접 썼다는 것입니다.”

현대에는 야외에서 훈련하는 것이 여러 예술, 교육 기관에서 회화를 가르치는 데있어 기본 요소 중 하나가되며 자연계에서 회화의 일부입니다.

역사
예술가들은 오랫동안 야외에서 페인트를 칠했지만 19 세기 중반에 바비 즌 학교, 허드슨 리버 학교 및 인상파들에게 자연광 작업이 특히 중요해졌습니다.

유럽의 많은 예술가들이 로마에서 만나 야외에서 페인트를 칠합니다. Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819)는 로마와 그 주변 (루브르 박물관에서 전시 된 작품)에서 석유로 풍경 스케치를 수행합니다. 또한 이론가이자 교육자 인 그는 1799 년에 “그림, 특히 풍경 1의 장르에 관한 학생에게 조언”을 썼습니다. 이러한 “야외 그림”관행은 XIXth 세기 중반 프랑스에 퍼져 나갔습니다. Charles-François Daubignyor와 같은 Barbion School의 특정 회원들과 함께 Eugène Boudin과 같은 독립적 인 화가들과 상당한 영향을 미쳤습니다. Edouard Manet 2의 주인.

주제에 관한 가장 오래된 회화 작품 중 종이에 기름으로 그린 ​​스케치 인 Alexandre-François Desportes (1661-1743)의 작품을 인용하십시오. 주제는 식물과 동물 군을 대표하는 풍경이며, 그림 준비, 특히 사냥 장면, 루이 14 세 및 루이 14 세용으로 제작되었습니다. 이 작품 중 일부는 루브르 박물관 또는 파리의 사냥 및 자연 박물관에 눈에 ly니다. 1817 년에 Achille Etna Michallon (1796-1822)은 “Pric de Rome pour le paysage historique”의 첫 번째 우승자였습니다. 다른 학생들 중에서도 그는 특히 1825 년에서 1828 년까지 이탈리아에서 일련의 풍경을 만들어 낸 코롯을 가지고있었습니다! Corot은 그의 경력을 통해 야외에서 모티프에 페인트 칠을 계속할 것입니다. 그는 바비 존 스쿨의 선구자 중 한 명으로 퐁텐 블로에서 그림을 그렸습니다.

1830 년 프랑스의 Barbizon School은 Charles-François Daubigny 및 Théodore Rousseau와 같은 예술가들이 다양한 조명 및 날씨 조건에서 실외 환경의 모습을보다 정확하게 묘사 할 수있게했습니다. 1800 년대 후반, plein air 접근 방식은 인상 주의자 스타일과 통합되었으며 Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley 및 Frédéric Bazille과 같은 예술가들은 야외에서 작품을 만들기 시작했습니다. 프랑스에서 시작된 운동은 캘리포니아에서 시작하여 뉴욕의 허드슨 강 계곡을 비롯한 자연광 특성이 뛰어난 다른 미국 지역으로 이동했습니다.

19 세기 말과 20 세기 초 말 야외 페인트가 튜브 (1841)의 색상으로 호황을 누리고 있습니다. 이를 통해 아티스트는 대부분의 경우 스튜디오에서 그림을 완성하더라도 쉽게 이동할 수 있습니다. 그들의 관심은 현재 순간에 비추어 볼 때 자연이 페인트 칠을하는 것처럼됩니다. 인상파들은 그림 같은 측면이 아니라 대기 효과를 위해 풍경을 그립니다. 빛 조건과 하루의 시간에 따라 주제가 취할 수있는 다양한 측면을 설명하므로 시리즈 (Cathedrals and Millills of Monet) ). 테오 도레 뒤레 (Teodore Duret)는 “인상파 화가의 역사 (History of Impressionist Painters)”(1939 년 파리 출판)라는 제목의 작품에서 특히 “인상파의 위대한 혁신 : 야외 회화”를 쓸 것이다.

그러나 인상파 운동의 태도는 혼합되었다. 데 가스는 르누아르와 달리 “원하는대로 무엇이든 할 수있다”는 것과 달리 시간이 부족한 채 “야외에서 페인트 칠”을 거부했다.

20 세기 인상파 이후 세계의 많은 예술가들이 야외에서 그렸다. 그중에는 프랑스어, André Derain, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri Manguin 또는 Italian Francesco Filippini가 있습니다. 상대적으로 말하자면, 인상파와 20 세기 후반과 21 세기 초의 야외 화가들은 같은 그림 적 접근 방식을 공유합니다. 이 예술가들은 새로운 보는 방식과 관련된 새로운 회화 방식을 연구하고 있습니다. 그들에게는 하늘과 물의 빛나는 효과, 변화하는 효과의 착색 된 진동을 렌더링하는 즉각적인 감각을 전사하는 문제입니다. “(테오도르 뒤레, 인용 작품)

Macchiaioli는 19 세기 후반 토스카나에서 활동하는 이탈리아 화가 그룹으로, 이탈리아 미술 아카데미가 가르치는 낡은 관습을 어 기고 자연 채광, 그늘, 그리고 색깔. 이 관행은 Macchiaioli가 다소 다른 목적을 추구했지만 몇 년 후 저명한 프랑스 인상파와 관련이있다. 그들의 운동은 1850 년대 후반 피렌체에서 시작되었습니다.

영국의 Newlyn School은 19 세기 후반에이 기술의 또 다른 주요 지지자로 간주됩니다. 튜브에 페인트 (치약 용 페인트 등)가 도입되면서 1840 년대에는 플레인 에어 페인팅의 인기가 높아졌습니다. 이전에는 화가는 마른 색소 분말을 아마 인유와 분쇄하고 혼합하여 자체 페인트를 만들었습니다.

관찰에 의한 야외 회화 행위는 21 세기에도 계속해서 인기를 끌었으며 오늘날 현대 미술에는 풍경화가 있습니다. 우리가 가끔 무의식적으로 “풍경 그림, 주제에 그림 그리기, 야외 그림, 유목 예술”이라고 부르는이 운동은 David Hockney, Per Kirkeby, Peter Doig, Antonio Lopez Garcia, Klauss Fussman, Vincent Bioulès, Alexandre Hollan… 캘리포니아 Plein-Air Revival을 통해 미국 서해안에서 특히 역동적입니다.

장비와 도전
19 세기 중반, 일반적으로 ‘프랑스 상자 이젤’또는 ‘필드 이젤’로 알려진 ‘박스 이젤’이 발명되었습니다. 누가 개발했는지는 확실치 않지만 신축성이있는 다리와 내장 된 페인트 상자 및 팔레트가있는 휴대 성이 뛰어난 이젤은 숲과 언덕 위로 올라 가기 쉬워졌습니다. 오늘날에도이 제품은 간단한 케이스 크기로 접어 보관하기 때문에 (가정용으로도) 인기있는 선택으로 남아 있습니다.

Pochade Box는 아티스트가 모든 공급품과 팔레트를 상자 안에 보관하고 뚜껑 안쪽에서 작업 할 수 있도록하는 소형 상자입니다. 일부 디자인은 뚜껑에 내장 된 클램프로 고정 할 수있는 더 큰 캔버스를 허용합니다. 뚜껑 안에 습식 페인팅 캔버스 나 패널 몇 개를 담을 수있는 디자인도 있습니다. 이 상자는 주로 플레인 에어 페인팅에 사용되는 반면 스튜디오, 가정 또는 교실에서도 사용할 수 있으므로 인기가 상승하고 있습니다. 포카 데 박스는 주로 현장 도장에 사용되기 때문에 캔버스 나 작업 표면은 일반적으로 20 인치 (50cm)를 넘지 않을 수 있습니다.

실외, 동물, 벌레, 구경꾼 및 날씨와 같은 환경 조건에 페인트를 칠하는 데 사용되는 페인트 유형이 문제입니다. 아크릴 페인트는 따뜻하고 맑은 날씨에 빨리 굳어지고 건조 될 수 있으며 재사용 할 수 없습니다. 스펙트럼의 반대편에는 습기가 있거나 습한 조건에서 석출되는 페인팅이 쉽지 않습니다. 플레인 에어 페인팅의 출현은 아크릴의 발명을 예정하고있었습니다. plein air를 칠하는 전통적이고 잘 확립 된 방법은 유성 페인트의 사용을 통합합니다.

옹호자
Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley 및 Pierre-Auguste Renoir와 같은 프랑스 인상파 화가들은 플레인 에어 페인팅을 옹호했으며 그 작업의 대부분은 야외에서 대형 흰색 우산의 산란광으로 이루어졌습니다. Claude Monet은 열렬한 plein air 아티스트로서 특정 순간에 외부 환경의 친밀함과 유사성을 포착하기 위해 스튜디오에서 외부 환경을 페인트하는 것보다는 외부 환경이 있어야한다고 추론했습니다. 19 세기 후반과 20 세기 초 러시아에서 Vasily Polenov, Isaac Levitan, Valentin Serov, Konstantin Korovin 및 IE Grabar와 같은 화가들은 plein air를 칠하는 것으로 유명했습니다.

그러나 플레인 에어 페인팅을 좋아하는 사람들은 구세계에만 국한되지 않았습니다. 올드 라임 (Old Lyme) 학교와 같은 미국 인상파도 열렬한 화가였습니다. 이 시대에 미국의 인상파 화가들은 Guy Rose, Robert William Wood, Mary DeNeale Morgan, John Gamble 및 Arthur Hill Gilbert를 언급했습니다. 캐나다에서, Group of Seven과 Tom Thomson은 공중 지지자들의 예입니다.

장소
Barbizon (Seine-et-Marne)은 프랑스 (Barizon 학교)의 초기 인상파 시대의 신화적인 장소 중 하나가되었습니다. 1830 년부터 여전히 벌목꾼이있는 곳은 손상되지 않은 자연으로부터 영감을 얻기 위해 오는 모든 화가 Ganne 여관에 오신 것을 환영합니다. 나중에, 그들은 Barbizon과 Chailly-en-Bière 사이에 체류를 공유하여 시골이나 인근 Fontainebleau 숲에서 주제를 찾습니다.
노르망디 해안 (옹플 뢰르 르 아브 르), 인상파 유치
Argenteuil (Val-d’Oise)의 세느 강둑 : Monet, Sisley, Signac
La Fournaise 레스토랑에서 정기적으로 일했던 인상파와 Fauves의 모임 인 Chatou (Yvelines)
오베르 쉬르 오 아즈 (Val-d’Oise), 반 고흐의 마지막 정거장, 세잔과 피사로가 정착 한 폰토 아즈
모레 쉬르 로잉 (Seine et Marne)과 시슬리가 결코 지치지 않은 교회
Jean-Baptiste Corot에 의해 “발견 된”Grez-sur-Loing과 1880 년대 스칸디나비아 예술가 공동체가 정착 한 곳 (Carl Larsson과 그의 아내 Karin, Peder Severin Krøyer, Michael, Anna Ancher, Christian Krohg)
Cezanne가 축하하는 Sainte-Victoire 산