유럽의 음악 역사적 의미에서 바로크 시대는 약 1600 년에서 약 1750 년 사이의시기였습니다. 초기부터 바로크 음악은 르네상스 음악에서 벗어났습니다. 동음 이의어 (주요 보컬)의 노래에서 폴리포니 (동시에 여러 멜로디)를 대체하여 텍스트를 지배하고 오페라, 오르토, 캔터, 모노 등을 만들어 보컬 음악이 크게 발전했습니다. 초기에 바로크 양식의 모달 스케일은 주로 음악과 교환되는 교회 음악과 관련이있었습니다. 이것은 소리와 더 발전된 부분을 구성하는 능력 모두에서 큰 차이를 만들었습니다.

비 성직자 기악 작품은 바로크 양식의 혁신이었습니다. toccata, 관절, preludier, ricercars 및 capriccio에서 canzonaer, suites, sonatas 및 concertos에 이르기까지 그들 사이에 큰 차이가있었습니다. 오케스트라는 바로크 시대에 크게 발전했으며 악기가 더 좋아지면서 점점 더 많이 포함되었습니다. 바로크를 치는 악기에는 바이올린, 첼로, 크로스 피, 클라리넷, 바순, 오보, 잉글리시 호른과 초기 버전의 뿔, 트럼펫, 트롬본이 있습니다. 보컬과 악기 음악의 새로운 보트는 리듬 홀딩을 악기에 건네주는 최초의 사례 중 하나 인 일반베이스의 개발이었습니다. 보컬 음악이 게이 인 경우, 기악은 대위법을 유지하고 대위법이 자주 사용되었습니다.

처음에는 바로크 음악이 이탈리아 작곡가들에 의해 지배되었다. 클라우디오 몬테 베르디 (Claudio Monteverdi)는 그들 중 가장 유명합니다. 결국 네덜란드어, 독일어, 프랑스어 및 영어 작곡가가 더 많이 등장했습니다. 각 나라의 음악 문화는 이탈리아 음악을 사용하거나 음악에서 영감을 얻거나 자신의 음악을 만들고 사용하는 것 사이에서 수시로 다양합니다. 예를 들어, 오페라는 이탈리아 오페라가 자리를 잡기 전에 게임을 노래함으로써 독일에서 처음 시도되었습니다. 영어 오페라는 이탈리아 오페라와 가면극 공연이 혼합 된 것으로, 프랑스 오페라는 장 발티스트 뤼리 (Jean-Baptiste Lully)가 오랫동안 통치해온 많은 발레와 자신의 기법으로 특징 지어졌습니다. 그러나 이탈리아 오페라는 베니스와 나폴리에서의 개발을 통해 대중적이며 대중적으로 친숙 해졌습니다.

기악도 다르게 발전했다. 이탈리아에서는 바이올린이 인기를 얻었고 소나타는 악기의 특성을 보여주기 위해 밀접하게 발명되었습니다. Arcangelo Corelli는 소나타의 성공에 결정적인 역할을했습니다. 프랑스에서는 Marc-Antoine Charpentier와 같은 작곡가가 프랑스 박람회 및 오라토리올을 작곡했으며, Élisabeth Jacquet de La Guerre는 까다로운 셈플 로스 스틱을 작곡했습니다. 독일에서는 Heinrich Schütz와 Johann Hermann Schein이 새로운 음악 스타일을 도입했습니다. 사무엘 Scheidt, 나중에 요한 파헬벨과 디트리히 Buxtehude는 오르간 음악, 지질 박람회와 세속 toccata과 환상 모두에서 큰 성공을 거두었습니다.

늦은 바는 특별한 악기 음악을 크게 발전 시켰습니다. 요하네스 세바스찬 바흐 (Johann Sebastian Bach)에서 토카타와 조인트 그리고 부분적으로 상상력은 중요한 발전과 인기를 낳았습니다. 게오르그 프리드리히 헨델은 특히 오페라와 오페라를 개발했으며, 게오르그 필립 텔레만은 콘서트, 코믹 오페라 등 다양한 주제를 개발했으며, Antonio Vivaldi와 Tomaso Albinoni는 Sonate와 솔로 콘서트의 발전에 결정적이었다. Jean-Philippe Rameau는 프랑스와 이탈리아의 오페라, 도메니코 스카를 라티와 프랑수와 쿠페 린은 텔레만과 함께 바로크 양식을 따르는 갈란트 스타일의 기초를 마련했습니다. 갈란트 스타일과 고전주의는 바로크 한 복잡한 스타일에 반항했고, 단순한베이스 워크와보다 세속적 인 포커스로 게이 음악을 원했습니다.

초기 바로크 음악 (1600-1630)
초기 바로크 시대는 수많은 음악적 변화를 경험했습니다. 르네상스 시대의 변화는 가사를 쉽게들을 수있는 동음 곡 스타일에 초점을 맞춰 빠르게 발생했습니다. 오페라가 만들어 졌을 때도 노래와 연극이 함께 묶여있었습니다. 이 기간 동안 오페라는 주로 귀족을위한 것이었고, 다음 바로크 시대에는 대부분의 사람들에게 오페라가 더 자주 공연되었습니다. 오페라가 오락가락 한 직후에. 오페라처럼 보였지만 극적 특징은 훨씬 적습니다. 세 번째 노래 스타일은 칸타타 (cantata)였으며, 대부분은 바로크 양식의 생물이었다. 그것은 원래 연극을 포함하지 않았지만, 솔리스트와 합창단 사이에 몇 가지 설명이있는 합창단이었습니다.

초기 막사와 르네상스 사이의 또 다른 중요한 차이점은 바로크가 악기 음악의 출현과 뮤지컬 앙상블의 음악가의 증가를 시작했다는 것입니다. 이것은 일반 저음의 생성, 특정 장소에서의 특정 코드가있는 즉흥적 인 저음 홀 및 모달 음악에서 음조 음악으로의 전환을 포함하여 음악에 커다란 변화를 일으켰습니다. 네덜란드와 독일의 오르간 음악은 르네상스 시대에서 분명히 발전했습니다. 바로크 음악은 악기, 음악가 및 오케스트라에 대한 요구가 커졌습니다. 그것은 또한 이전의 음악보다 더 진보 된 것으로서, 크로네틱, 고조파, 대위법 및 르네상스 음악 이외의 다양한 기술에 관한 것입니다.

이 악기는 본질적으로 르네상스 시대의 음악 이었지만, 바이올린처럼 그 중 몇 곡이 더 중요하게되었습니다. 악기의 독특한 음향 또한 고려되었으므로 악기가 소리 나는 방식에 따라 멜로디를 쓰고 기분이나 이벤트를 묘사하는 악기의 고유 한 사운드를 사용했습니다. 또한 음악은 전술과 행의 리듬으로 점차적으로 쓰여지므로 예측 가능성이 높아졌습니다.

조기 계측기
바이올린은 오랫동안 주변에 있었지만 1600 년대 초반에 오페라와 발레처럼 “심각한”음악에 사용되었습니다. 이것은 지금까지 선호되었던 게임과 경쟁하는 방식이었습니다. 이 게임은베이스 바이올린과 더블베이스 바이올린을 포함한 가족의 것이 었습니다. 후자의 두 곡은 오늘날의 더블베이스의 전신 이었을지도 모릅니다. 엄격한 가족의 다른 도구에는 프랑스 포 셰트가 포함되어 있으며, 형태가없는 “주머니 소설”의 일종이며 처음에는 드레 이어 (dreielire)가 사용되었습니다.

하프 (harp), 류트 (lute), 만돌린 (mandolin) 및 시스터 (cister)와 같이 변형 된 악기가 여러 군데 있습니다. 송풍기에서 트롬본의 전신 인 새크 부트 (Sackbut)가 널리 사용되었습니다. Lutte는 프랑스 음악을 위해 주로 예약되었고, 이론은 이탈리아에서 더 많은 자리를 차지했습니다.

그것이 700 년에 유럽에 왔던 이래로 개발 된 Skalmeien은 다음 9 백년 동안 모든 테너와 저음 판을 얻었다. Skalmeien은 더블 블레이드 악기 였으므로 클라리넷보다 오보와 더 관련이 있습니다. 그것은 1600 년대 중반에 온 바로크 밥의 출발점이었습니다. 또한 부스러기 혼, 아연, 교차 흐름 및 블록 플루트가 모두 사용되었습니다. 파우 크 (pauke) 및 금기 (tabuos)와 같은 타악기도 사용되었습니다. 가장 일반적으로 사용되는 장치 중 하나, 특히베이스 음색에서 중소 규모 객실의 경우 소형 방과 cembalo에 대한 단서가있었습니다. 큰 방은 파이프 라인을 사용하여 주로 교회였다.

음악 발전
르네상스에서 바로크 음악으로의 전환은 서구 음악의 주요한 위반 중 하나였습니다. 전통적인 스타일의 노래 인 prima pratica는 인터 레이스 멜로디 라인이있는 르네상스의 보컬 폴리 포니 (동시에 많은 멜로디)였습니다. 새로운 스타일 인 seconda pratica는 독창성, 깨끗한 텍스트, 멜로디와베이스 라인 및 표현적인 조화에 대한 관심을 구분했습니다. 그러나 동시 발음에서 동성애로의 전환은 노래에서 유의미했지만, 바로크 전체에서 동시 발음이 중요했던 기악에서는 그렇지 못했다.

첫 번째 사례와 두 번째 사례의 구분은 Monteverdi의 “불필요한”일치 및 불협화합 원칙 위반에 대한 1600 년 Giovanni Maria Artusi의 비판에 대한 응답으로 Claudio Monteverdi와 그의 형제 Giulio Cesare가 1605 년과 1607 년 사이에 정의한 것입니다. Monteverdi의 답변은 첫 번째 스타일에서는 텍스트를 지배하는 음악이었고 다른 하나는 다른 방향이었던 것입니다. Monteverdi는 두 번째 연습이 첫 번째 연습을 대체하지 못했음을 알고 있었지만 대안이었습니다.

초기 바로크에서 가장 중요한 소개 중 하나는 일반적인 저음이었다. 일반적인 저음은 cembalo와 첼로와 같은 두 개의 악기로 종종 연주되는베이스 음이었습니다. 일반적인 저음에 대한 목록은 때때로 연주 할 수있는 코드에만 국한되었지만 코드 사이에는 무료 멜로디 즉흥 연주가있었습니다. 일반적인 저음을 유지함으로써 멜로디 악기에 즉흥 연주를 제공했습니다.

색조도 중요했습니다. 르네상스 시대는 중세 교회 음악에 기초하여 모달 규모로 크게 사용되었습니다. 그러나 바로크 음악의 개발은 너무 까다 롭고 모달 규모 자체가 충분하지 못했습니다. 1600 년 직후, 불협화음을 포함하여보다 선율적인 자유를 위해 열리는 음조 음악으로 전환했습니다.

초기 바로크에서 일어난 또 다른 음악 발전은 정서적 이론이었는데 음악은 감정을 재현 할 수 있다는 생각이었습니다. 여기에서 애정의 일부는 양식이되어있어서 대담하고 높은 투구와 높은 페이스가 기쁨을 상징했으며 슬픔은 깊은 투구였습니다. 느린 속도와 둔감은 종종 불협화음과 다른 감정으로 멜로디, 페이스, 계측 및 톤 어리의 조합으로 상징되었습니다. 특히 몬테 베르디 (Monteverdi)는 그의 오페라와 마들렌트에서 이것을 발전 시켰습니다.

이미 16 세기 중반 베니스에서 로맨스가 잘 활용되었지만, 바로크 시대의 초기에는 특히 조반니 가브리엘리 (Giovanni Gabrieli)와 함께 진화하기 시작했습니다. 가브리엘리 (Gabrieli)는 특별한 sonates를 썼고 노래없이 음악 작품에 대한 용어를 일관되게 처음 사용했습니다. 유일한 소나타는 고전주의가 된만큼 발전되지 않았으며 작곡가가 악기의 강도를 결정할 수 있도록 열었습니다. 가브리엘리 (Gabrieli)는 특히 악기를 서로 대화하고, 악기 그룹을 서로 대항하며, 황동 송풍기에 대한 줄, 내부 송풍기 그룹 또는 서로에 대한 줄과 같이 실험했습니다.

오페라의 발전
오페라는 바로크 시대 초기에 발견되었지만, 목회 드라마, 마드 리갈 및 중개자에 의해 영감을 받았을 수도 있습니다.이 세 곡은 모두 드라마와 음악이 혼합 된 것입니다. 또한, 그리스 연극이 오페라의이면에서 중요한 의미를 가졌음을 이해 한 Girolamo Mei와 같은 인본주의 자. Meise의 아이디어는 Camerata Fiorentina라는 Bardi 백작의 학계에 관심있는 사람들의 서클에서 논의되었습니다.

토론은 멜로디로시, 연극 및 연극을 연주하는 방법에 관한 것이 었습니다. 르네상스 시대에 마드리거스 (Madrigals)는 이전에 언급되었지만,이 노래는 대위법에 의한 것이기 때문에 청취자가 그 행동을 따르기가 어려웠습니다. Camerata Fiorentina에서는 단음과 노래가 하나의 반주와 함께 노래 목소리로 쓰여졌는데, 종종 무대, 기타, cembalo 또는 오르간에서 만들어졌습니다. 단 하나의 노래만으로는 그 행동을 따르는 것이 더 쉬워졌습니다. 또한이 구절은 텍스트의 내용을 따라야 짧은 음표와 높은 음조가 계시 및 긴 음색을 특징으로하고 낮은 음성 안내는보다 조용한 분위기를 특징으로해야합니다. 첫째로, 그것은 Monodies를 쓴 Vincenzo Galilei와 Giulio Caccini 였고, 후자는 Monolog를 많이 개발했습니다. Monods는 초기 바로크 시대의 끝에 사라졌지 만 다른 많은 유럽 국가로 퍼져서 거기에 비슷한 노래를 불러 일으켰습니다.

그러나 monos는 singles 싱글이었고, 음악에 관심이있는 florentines은 일련의 연속적인 모노 시리즈를 완성 할 가능성을 논의했습니다. 바디가 로마로 이사 한 후에도 토론이 계속되었습니다. Jacopo Peri는 1598 년 대프니 (보존되지 않음)와 1600 년 L’ Euridice에서 오페라에 대한 첫 번째 시도를 기록했습니다. Peri는 또한 이야기를 말하고 단음 (결국 “아리아”)을 묶은 단어에 대해 질책을 일으켰습니다. 부활의 배경은 고대 그리스인들이 노래를 부른 채로시를 공연했던 널리 받아 들여지는 이론에 있었다.

오페라는 실험적으로 시작되었지만 오페라가 자리 잡은 것은 클라우디오 몬테 베르디 (Claudio Monteverdi)와 함께했습니다. 그의 오페라 L’ Orfeo에서 Monteverdi는 오페라에 등장하는 두 가지 관행에서 텍스트와 음악의 균형에 대해 이해했습니다. 그는 무대 뒤쪽과 앞쪽에 음악가를 배치했으며 페이지에도 배치했습니다. 40 명의 음악가가 참여하는 대규모 오케스트라 외에도 불협화음, 놀랄만 한 화음 및 건전한 색상을 의식적으로 사용하는 것이 특징이었습니다. 몬테 버디 (Monteverdi)는 그 당시 세계 음악에서 흔히 볼 수 없었던 트롬본을 사용하여 지하 감각을 창출했으며, 피리는보다 목가적 인 주제를 만들어 냈습니다. 오케스트라는 전체 오케스트라와 함께, 종종 극적으로, 감정을 향상시키기 위해, resitatives 동안 더 적극적인 역할을했습니다.

Monteverdi는 몇 편의 오페라를 썼다. 이듬해 이미 L’ Arianna가 왔는데, 거의 보존되지 않았습니다. 1640 년 Il ritorno d’ Ulisse 이전에 그에게 알려진 오페라는 없었습니다. 피렌체에서는 일부 작품이 공연을하고 있었지만 초기 바로크에서는 오페라가 없었습니다. Francesca Caccinis Roggiero dall’isola d’ Alcina의 해방은 1625 년부터 몬테 베르디 (Monteverdi)와 그의 동시대 인들에게 오페라의 음악적인 특징을 가지고 있는데, 아리아, 레atives 티스트, 성가대 및 오프닝 infonia를 포함하지만 발레라고 불렸다. 무언가 나중에, 로마는 멜로디 스타일을 유지하면서 양자리는 덜 멜로디가 된 오페라의 수도로 자리 잡았습니다. 또한 조부모가 여성의 노래를 불렀던 것도 로마에있었습니다. 로마에서 다른 사람들과 함께 Stefano Landi는 활발한 오페라 작곡가였습니다. 그는 일반적으로 Il Sant ‘Alessio 또는 La Morte d’ Orfeo에서와 같이 목가적이고 그리스의 신화 적 주제에서와 마찬가지로 종교적이고 만화적인 주제의 오페라를 썼다.

기간의 끝으로 독일에 오페라의 모양이 또한 있었다. 이탈리아에서와 마찬가지로 첫 번째 오페라는 Dafne (1627)이지만 세상적인 칸타타 였을 수도 있습니다. 그것은 하인리히 슈츠 (Heinrich Schütz)에 의해 쓰여진 것으로 믿어 지지만 대본 만 다루어집니다.

연설과 캔툰
오페라가 퍼지기 시작하자마자 오리엔티어가 퍼졌습니다. 오라 토리는 종교 언어의 마드 리갈 (madrigals)과 laudi 종교 텍스트가 일상 언어에 영감을 받았다. 오라토리엄 (=기도 집)은 기독교 텍스트 또는 메시지를 발표 한 것으로, 가장 흔히 오페라를 닮았지만, 그것은 resitatives, crosses 및 dance가 있었지만, 행동의 기초가 된 성서 텍스트를 읽는 내레이터가있었습니다. 그러나 오케스트라는 세속적 인 음악의 영향을 받았고, 오페라도 종교적인 주제를 가지고 있었기 때문에 때때로 오르 토리안들은 장면조차도 갖지 못하게되었다. 에밀리오 데 카발리 에리 (Emilio de ‘Cavalieri)는 오페라의 출현에도 적극적으로 나서서, 최초의 오라토리엄 라기보다는 “영혼과 몸의 준비”라고 썼다. 오페라와 마찬가지로 오르간의 변형이 독일에서 나타났습니다. 다시 하인리히 쉬츠 (Heinrich Schütz)는 1623 년에 독일의 사례 인 부활의 역사를 썼다. 독일에서는 “역사”가 음악 형식에 사용되었고, “오라토리움”이라는 용어는 1640 년까지 발견되지 않았다.

그 칸툰 역시 일찍 도착했다. 그들은 대부분 범죄 였고 세속적 또는 종교적 텍스트를 기반으로했습니다. 세속적 인 cantats는 종교에서 멀리 진화했다. 종교에는 도구 소개, 분리 된 아리아와 산적과 산호 섹션, 그리고 교회가 노래에 참여할 부분이 포함되어있었습니다. 이 cantat는 Johann Sebastian Bach와 같은 독일 작곡가들 사이에서 나중에 강타한 작품이되었습니다.

기타 교회 음악
칸트 (cantats), 마드 리갈 (madrigals), 오라토리 (areatories) 외에도 다른 종교적 멜로디 장르가있었습니다. 그들 중 하나는 프랑스의 대응이었다. motets는 prima pratica를 공유하게 기뻤고, 르네상스, 주로 Giovanni Pierluigi da Palestrina, Josquin des Prez와 Orlando di Lasso에서 영감을 얻었다. 그러므로 그들은 텍스트를 지배하는 음악을 가지고있었습니다. 알레산드로 그 란디 (Alessandro Grandi)는 모노 드에서 영감을 얻은 반대편을 사용했기 때문에 멜로디가 덜 지배적으로되고 목소리가 더 커지기 때문에 모 테트는 두 번째 프리티 코에 더 가까워졌습니다. 이 믹스는 Grandi가 특히 솔로 폭동, 명상 및 서정적 아리아에서 영감을 얻은 것을 보여 줬습니다.

Girolamo Frescobaldi는 기악에서 지배적이었습니다. 그는 25 세의 성 베드로 교회의 오르간 연주자가되었고, 피아노 악기, 특히 오르간을위한 작품을 많이 만들었습니다. 그는 교회 문맥에서 가장 자주 emb바로와 기관을 위해 카타르시오와 카프리시오와 리카 카 로스에게 편지를 썼다. 프레스코 발디 (Frescobaldi)는 자신의 어조로 가장 유명했는데, 이는 형식과 장황한 목소리 사이의 긴장이 특징이었습니다. 이것은 다른 것들 중에서도 그가 색채가 많은 것을 의미했지만, 그는 또한 조화로운 도구에 관심이있었습니다.

또한 독일에서는 음악 발전이 있었고, 특히 Michael Praetorius는 그의 산호와 특히 음악 이론 인 Syntagma Musicum으로 음악 전환을 정의했습니다. 하인리히 슈츠 (Johan Hermann Schein)와 사무엘 샤이 트 (Samuel Scheidt)는 독일에서 바로크 음악을 주로 소개 한 그의 자손 중 특히 세 명이있었습니다. 서로, 그리고 Praetorius에게 알려진 세 명의 S-er.

이 중 특히 오르간 음악을 저술 한 사람은 사무엘 샤 히트 (Samuel Scheidt)였다. Scheidt는 설립 된 오르간 챔피언 인 Jan Pieterszoon Sweelinck로 기관 기술을 연구했습니다. 1624 년 Scheidts Tabulatura nova는 독일의 중요한 기관 컬렉션으로 간주됩니다. Scheidt는 일반적인 저음과 건전한 발달을 사용했으며, 멜로디와는 대조적으로 썼다. Scheidt는 특히 fantasia 조각에서 활동적이었고 그의 오르간 음악은 당시 북독 오르간 음악을 개발하는 데 매우 중요했습니다.

요한 헤르만 샤인 (Johann Hermann Schein)은 현대와 이탈리아 산을 독일산 산호 전통과 혼합하는 데 성공했습니다. 그 중에서도 루터교 교회 음악이 발전 할 수 있도록 가창한 목소리에 장식용 노래를 추가하고 다른 목소리로 나눈 구를 추가했습니다. 그는 또한 나중에 솔로 악기로 작품을 추가하고 솔로 파트와 파트를 모두 i로 대조했습니다. 둘 다 오페라 노바 (Opella nova)라는 이름의이 작품들은 오랫동안 개신교 작곡가들 사이에서 교회 음악의 표준을 설정했습니다.

하인리히 슈츠 (Heinrich Schütz)가 아마도이 세 가지 중 가장 영향력있는 사람이었을 것입니다. 지오바니 가브리엘리 (Giovanni Gabrieli) 학생과 몬테 베르디 (Monteverdi)를 방문했을 때, 그는 소리와 목소리를 사용하여 최고의 메시지를 얻는 것에 대해 많은 것을 배웠습니다. 그는 가브리엘리의 주요 오케스트레이션을 빌렸다. 예를 들면, 시편 다윗과 칸트온 (Cantion)은 독일어와 라틴어로 각각 종교적으로 노래했다. Schütz는 또한 오페라와 오라토리올을 썼지 만 순수한 기악에서 멀리 떨어져 있었다. Schütz는이 기간을 훨씬 넘어 교회 음악을 계속 발전 시켰습니다. 슈츠 (Schütz)는 가브리엘리 (Gabrielli)처럼 여러 암소를 사용하고 합창단을 상대로 소나 솔리스트를 키우는 능력으로 유명해졌습니다. 이것은 그가 텍스트를 강조하기 위해 극적인 경험을 만들었다는 것을 의미했습니다. 따라서 Schütz는 두 번째 연습에 안전하게 배치 될 수 있습니다.