현대 미술은 오늘날의 예술로, 20 세기 후반이나 21 세기에 제작되었습니다. 현대 예술가들은 전 세계적으로 영향을 받고 문화적으로 다양하며 기술적으로 발전하는 세계에서 일합니다. 그들의 예술은 20 세기에 이미 잘 진행된 경계의 도전을 계속하는 재료, 방법, 개념 및 주제의 역동적 인 조합입니다. 다양하고 절충적인 현대 예술은 전체적으로 통일되고 조직적인 원칙, 이념 또는 “-ism”이 부족하다는 점에서 구별됩니다. 현대 미술은 개인 및 문화적 정체성, 가족, 공동체 및 국적과 같은 더 큰 맥락 틀과 관련된 문화적 대화의 일부입니다.

모국어 영어에서 현대와 현대는 동의어이며 비전문가에 의한 현대 미술과 현대 미술이라는 용어를 약간 혼란스럽게합니다.

다른 학문에서이 형용사는 독특합니다. 현대 문학과 현대 문학은 다른 의미를 나타냅니다. 훨씬 더 명확하게, 현대 음악의 개념은 일반적으로 현대 대중 음악 (대량 소비 음악 산업의)을 위해 남겨둔다. 현대 음악의 음악은 20 세기의 학술 음악 음악을 위해 만들어졌지만, 교단을 동화하고 ‘현대와 현대 예술’을 말하는 출판물과 기관을 찾는 것도 일반적입니다.

현대 미술에는 예술적 실천 외에도 예술 비평과 이론, 교육 기관 및 예술 학교와의 미술 교육, 큐레이터, 현대 미술 출판물, 미디어 및 미디어, 공공 및 개인 수집, 갤러리 및 박람회와 같은 분야가 포함됩니다. 현대 미술 시장, 현대 미술 제작 산업 및 현대 미술 작품이 전시, 보존 및 문서화되는 장소를 구성합니다.

기간
현대 미술이라는 용어는 현대 미술 또는 아방가르드라는 용어를 피하기 위해 사용됩니다. 일상 언어에서 현대는 “현대적인 취향에 따라 현대적”이라는 의미로 현대와 동의어로 간주 될 수 있습니다. 기술적 인 측면에서, 예술과 문화 역사의 맥락에서 현대성의 개념은 아직 닫히지 않았지만 이미 역사적인 예술 역사의 시대와 다소 밀접하게 관련되어 있습니다. 특히 포스트 모더니즘이라는 용어의 출현과 관련하여 포스트 모더니즘 아키텍처를 참조하십시오.

현대 미술이라는 용어는 어떤 개념, 예술적 스타일, 기법, 형태 또는 예술적 현재, 운동 또는 그룹에 속하지 않습니다. 현대 미술은 그림이 될 수 있지만 비디오 아트, 공연, 개념 예술 또는 추상 금속 조각과 같이 최근 수십 년 동안 만 확립 된 형태 일 수도 있습니다.

현대 미술이라는 용어는 개별 예술 작품뿐만 아니라 구분하기 어려운 문화 및 경제 예술 제작 시스템을 대상으로 할 수 있으며, 이는 예술 사업과 부분적으로 겹치며 부분적으로 예술 시장을 향합니다. 많은 박물관과 정기적 인 미술 전시회는 오늘날 자신을 관련 현대 미술의 장소로보고 있습니다. 현대 미술의 가장 중요한 전시회는 5 년마다 열리는 카셀의 다큐멘터리 전시회입니다. 현대 미술과 현재 미술이라는 용어와 관련하여 2007 년 다큐멘터리 전시회 주최측은 “현재”라는 용어가 작품이 어제 만들어 졌다는 것을 의미하지는 않는다고 강조했다. 그들은 오늘날 우리에게 중요해야합니다. ”

범위
일부는 현대 미술을 “우리의 평생”내에 제작 된 예술로 정의하며, 평생과 수명이 다양하다는 것을 인식합니다. 그러나이 일반 정의에는 특수한 제한이 적용된다는 인식이 있습니다.

일반적인 형용사 라기보다는 “현대 예술”을 특수한 예술 유형으로 분류하는 것은 영어권 세계에서 모더니즘의 시작으로 거슬러 올라갑니다. 런던에서 현대 미술 학회는 1910 년 비평가 Roger Fry와 다른 사람들에 의해 공공 박물관에 배치 할 예술품을 사기위한 사립 사회로 설립되었습니다. 1938 년 호주 애들레이드 현대 미술 협회와 같은 1930 년대에이 용어를 사용하는 여러 다른 기관이 설립되었으며 1945 년 이후에는 많은 수의 기관이 설립되었습니다. 근대주의가 역사적인 예술 운동으로 정의되면서 “현대적인”예술은 “현대적인”예술이되지 않기 때문에이시기의 “현대 예술”. 현대에 대한 정의는 자연스럽게 항상 움직이고 있으며, 시작 날짜가 앞당겨 현재에 고정되어 있으며 1910 년에 구입 한 현대 미술 학회는 더 이상 현대적인 것으로 묘사 할 수 없었습니다.

예술 스타일의 변화를 나타내는 것으로 여겨지는 특정 포인트에는 2 차 세계 대전 종말과 1960 년대가 포함됩니다. 1960 년대 이래로 자연 브레이크 포인트가 부족했을 수도 있으며, 2010 년에 “현대 예술”을 구성하는 요소에 대한 정의는 다양하며 대부분 부정확합니다. 지난 20 년간의 예술이 포함될 가능성이 매우 높으며, 정의에는 종종 1970 년경의 예술이 포함됩니다. “20 세기 후반과 21 세기 초의 예술”; “20 세기 후반과 21 세기 초의 예술, 현대 미술의 성장과 거부.” “엄밀하게 말하면,”현대 예술 “이라는 용어는 오늘날 살고있는 예술가들이 만들고 생산하는 예술을 의미합니다. “1960 년대 또는 70 년대부터이 순간까지의 예술”; 때로는 현대 박물관의 영구 컬렉션을 형성하는 박물관이 필연적으로 이러한 노화를 발견하기 때문에 박물관의 맥락에서 더욱 그렇습니다. 많은 사람들이이 문제를 피하는 “현대 미술”이라는 공식을 사용합니다. 소규모 상업 갤러리, 잡지 및 기타 출처는보다 엄격한 정의를 사용하여 “현대”가 2000 년부터 작동하지 못하도록 제한 할 수 있습니다. 오랜 경력을 가진 후에도 여전히 생산적인 예술가들과 지속적인 예술 운동은 특별한 문제를 야기 할 수 있습니다. 갤러리와 비평가들은 종종 현대와 비 현대적인 작업으로 작업을 나누기를 꺼려합니다.

사회 학자 Nathalie Heinich는 현대 미술과 현대 미술을 구별하여 역사적으로 부분적으로 겹치는 두 가지 패러다임으로 묘사합니다. 그녀는 “현대 예술”이 표현의 관습에 도전하지만 “현대 예술”은 예술품의 개념에 도전한다는 것을 발견했다. 그녀는 현대 예술의 승리 가운데 1910 년대에 만들어진 Duchamp의 분수를 현대 미술의 출발점으로 간주합니다 .2 차 세계 대전 이후 구타이의 공연, Yves Klein의 흑백 및 Rauschenberg의 Erased de Kooning Drawing으로 모멘텀을 얻었습니다.

정의
“동시성”의 개념은 무엇보다도 역사적인 개념입니다. 이 접근법에 따르면, 현대 시대는 2 차 세계 대전이 끝나는 1945 년부터 시작될 것이며, 편의상 대부분의 연구는 1945 년에 시작되어 오늘날까지 진행되는시기를 다룹니다.

“동시성”은 또한 “동시성”을 의미합니다. 현대는 같은시기에있는 것입니다. 그러므로 “현대”는 오늘날의 방식 일 것입니다. 예술에 적용되는이 개념은 행위자들이 작품을 효과적으로 평가하는데 필요한 거리를 갖지 않기 때문에 논란의 여지가있는 미학적 특이성을 갖는다. 그러므로 “현대 기술”이라는 명칭은 모든 현대 제작물이 현대적인 접근 방식에 속하지도 않으며 그렇게 주장하지 않기 때문에 연대순으로 취해야 할 필요는 없습니다.

새로운 참고 문헌을 통해 현대적인 방법을 정의 할 수 있습니다. 첫 번째 중 하나는 이전 시대에 대한 범법입니다. 따라서 “현대 예술”의 개념은 소위 “고전”예술의 개념, “미술”및 그 범주 (페인팅, 조각 등)와 관련하여 그 독립성을 주장하고 싶습니다. “현대적인”방식으로 개념과 관련하여. 따라서 현대적인 방식 자체는 제외됩니다. 그것은 “현대 예술”의 연속의 일부이며 그것을 끝내고 싶습니다.

또한, “현대적인 방식”이라는 표현은 오늘날 살아 있고 활동적이거나 여전히 가능한 예술가들을 위해 사용되고 있으며,이 경우 1960 년대 팝아트, 컨셉 아트, 플럭서스 (Fluxus) 등 현대적인 방법의 기원이 될 것입니다. 또는 비디오 아트. 현대 예술 시대와 클레멘트 그린버그 이론 (Crement Greenberg)이 기술의 특수성을 찾는 것으로 정의한 것은 이러한 예술적 흐름과 함께 끝날 것입니다.

동시대의 정의에 대한 끊임없는 검색에서 예술 비평과 제도는 중요한 역할을합니다. 따라서 일반적으로 “현대적인”비판에 의해 촉진 된 경향을 반영하지 않는 현대적인 “표지 된”접근 예술 형식에서 제외된다.

지리적 관점에서 볼 때, 주로 서부 (파리, 런던, 뉴욕)와 같은 주요 미디어 장소에서 시작하여 1989 년 베를린 장벽이 무너지면서 중국이 이와 같이 상승했습니다. 현대 미술의 세계는이 진보를 벗어나지 않고 전 세계, 아프리카와 라틴 아메리카가되었습니다.

테마
많은 사람들이 현대 예술 작품에 접근하는 데 어려움을 겪는 것 중 하나는 재료, 형태, 주제 및 기간의 다양성이라는 다양성입니다. “통일 된 조직 원리, 이데올로기 또는-주의의 부족으로 인해 우리는 종종 더 자주, 더 친숙한 예술의 시대와 움직임에서 볼 수 있습니다.” 넓게 말하면, 모더니즘은 모더니즘 원칙을 바라 보는 것으로 본다. 작업의 초점은 자기 참조 적이며 자체 자료 (선, 모양, 색, 형태에 대한 조사)를 조사하는 것이다. 마찬가지로, 인상파는 극심한 현실주의에 대한 시도와 반대로 빛과 색을 통해 순간에 대한 우리의 인식을 본다 (실제주의는 예술적 움직임이다).

반면에 현대 미술에는 하나의 단일 목표 또는 관점이 없습니다. 그 견해는 오늘날 분명하지 않으며 아마도 세계를 반영 할 것입니다. 따라서 모순되고 혼란스럽고 개방적 일 수 있습니다. 그러나 현대 작품에는 여러 가지 공통 주제가 있습니다. 이것들은 철저하지는 않지만, 주목할만한 주제로는 정체성 정치, 신체, 세계화 및 이주, 기술, 현대 사회와 문화, 시간과 기억, 제도적, 정치적 비판이 있습니다. 포스트 모더니즘, 포스트 구조주의, 페미니스트, 마르크스주의 이론은 현대 미술 이론의 발전에 중요한 역할을 해왔다.

역사

태생
사진의 출현은 Degas와 같은 xix 세기의 많은 예술가들에게 영향을 미쳤으며 현대 미술을 낳았습니다. 예술은 더 이상 현실을 충실하게 표현하는 중요한 기능을 가지고 있지 않으며, 사진을 통해 더 잘 할 수 있으며, 예술은 이제 다른 형태를 시도하고, 아름다움의 정경을 깨고, 새로운 실험과 개념적 아이디어를 제공 할 수 있습니다.

현대 미술은 현대 미술 (약 xx 세기)의 실험, 특히 전통 및 제도적 장소에서 예술을 취하려는 욕구의 기초가된다. 이런 의미에서 예술은 점차 대표 기능을 잃어 가고 있습니다. 현대 창조는 합리성에 대한 이러한 공격이 야기하는 갈등과 권력의 발작으로 가득 찬 현실에 대한 거울로 남아 있습니다. 예술은 사회의 위기를 반영하고 가치를 표현하는 장소로 남아 있습니다. 예술과 역사의 관계는 질적으로나 양적으로 평가되지는 않지만, 수집가, 본사, 갤러리, 박물관 등 더 많은 예술적 개념을 이끌어냅니다. 그러나 현대 미술가들은 대중을 다루기 위해 제도적 틀 밖에서 예술적 의견을 표현하기를 원하며 제도와 연계되어있다. 그들의 접근법은 이데올로기 (나치즘을 향한 하트 필드)에 반대하거나 정치 사상의 전파에 참여하는 것이었다.

현대 미술에 부과 된 이데올로기의 끝에도 불구하고, 현재 예술가들은 제도에 대한 깊은 헌신을 표현함으로써이 유산을 독자적으로 받아들이고 있습니다. 특히, 그들의 감도가 방해받을 때.

오늘날 현대 미술은 현대 이데올로기의 쇠퇴를 겪고있다 (1960 년대, 그리고 1990 년부터 공산주의의 몰락으로). 그것은 문체 갱신, 예술적 혼합, 다양한 기원, 기술 예술 (컴퓨터의 수학적 능력 및 소프트웨어의 인체 공학적 접근), 현실에 대한 접근 방식과 같은 새로운 행동을 기반으로합니다. 기술은 항상 도구를 예술에 가져 왔습니다. 오늘날 아티스트는이 도구를 미디어 도구로 사용하여 새로운 도구를 발명합니다. 그것은 기록 된 역사적 문화를 기반으로합니다. 읽고, 방문하고, 이해하고, 검색하고, 전문화하고, 주제에 초점을 맞추고 수행 한 것을 넘어갑니다. 그는 때때로 입장을 취하고 어떤 경우에도 언론 보도를 요구하는 실증적이거나 충격적인 태도를 원합니다.

“미술”에서 플라스틱 예술까지
현대 미술은 현대 미술 실험에 기반을두고 있으며 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)과 고전적 표현의 제약으로부터 예술 실천을 해친 다른 사람들의 위반을 정기적으로 주장한다.

포스트 모더니스트 사상은 현대 예술에 내재 된 대부분의 문제들을 이데올로기 적 흐름 (공산주의와 자본주의)으로부터 해방 시키지만, 헌신적 인 예술가들이 정치적 또는 이데올로기 적 학대를 비판하지 못하게 막지 않고있다.

프랑스에서, 플라스틱 예술 학부의 창설은 예술의 학문적 가르침에 대항하기위한 기초가됩니다. 예술 교육, 사회학, 민족학, 미학 및 기타 분야에서 이전에 외국인 과목은 최근의 발전에 맞춰 예술 연구를 안내합니다.

뷰티에 대한 공식적인 검색에는 새로운 미학 연구 경로가 뒤 따릅니다. 그 중 가장 근본적인 개념 예술, 미니멀리즘, 공연, 바디 아트는 예술의 의미와 인식을 영구적으로 수정하며, 때로는 미처에 대한 최초의 밀폐 된 견해가됩니다.

그러나 새로운 저술가, 자유 형상, 트랜스 아방가르드와 같은 특정 흐름과 저격병은 전통적인 매체를 떠나지 않고 창의적 접근 방식을 근본적으로 수정했습니다.

매체 유형의 분류 (그림은 종종 설치, 공연 또는 기타를 선호하여 포기 됨)와 작품의 내용은 예술 중재 네트워크를 크게 수정합니다. 새로운 갤러리 외에도 새로운 전시 상황과 새로운 보급 매체의 출현이 있습니다.

1954 년 파리에서 현대 미술 박물관에있는 살롱 비교기는 1954 년에이 공간의 모든 전시자들을위한 만남의 장소로 같은 공간에서 비 유적이며 추상적 인 회화 화가들과 대면했다. 화가.

세계화 시대의 현대 미술
1980 년대부터 비디오 기술, 커뮤니케이션 미학, 컴퓨터 아트, 그리고 디지털 아트, 바이오 아트 등 강력한 “기술적”요소를 갖춘 예술이 등장했습니다. 산업 연구.

1990 년대 서양 현대 미술은 과거에 거의 없었던 이른바 “개발 도상국”의 많은 예술가들에게 “라벨”을 부여했다. 세계화의 패러다임과 고전적인 시공간 참조의 상실은 개인의 접근 방식을 중요하게 여기거나 전기, 사회 학적, 심지어 종교적 요소까지도 작업 과정에서 평가합니다.

인터넷과 연결된 커뮤니케이션은 전시회 자체의 업스트림 인 현대 미술의 수신 및 중재에서 점점 더 중요한 역할을하며, 이는 국가 중재 구조를 점차 통합합니다. 그것은 미래 가치에 대해 무료로 조언하는“현대 미술 컨설턴트”에게 길을줍니다. 그러나 대부분의 선진국에서 발생했던 변화 (특히 3 차 산업의 비중이 증가하고 있음)는 예술에 대한 요구가 점차 일반화되어 예술가, 위기의 의무를 쉽게 수행하지 못하고있다.

일반 대중의 눈에 모호하고 도발적인 현대 예술은 종종 공식 예술의 발산으로 간주됩니다. 그러나 오늘날 전보다 훨씬 더 널리 받아 들여지고 있습니다. 품질이 다른 작품이 급증하면 혼란스럽고 대중의 입장에서 개인적 투자가 필요합니다 (현대 예술 이론 참조).

인터넷에 상장되어있는 현대 미술 작품은 잠재적 인 재정적 횡재이며, 진정한 독창적 인 작품을 희생시키면서 패션 효과를 배제하지는 않습니다.

매체와 조정 사이
현대 매체는 고전 매체 (오일 페인팅, 파스텔, 상인, 청동, 대리석 등) 외에도 새로운 매체, 심지어 “비 매체”를 좋아합니다. 특히, 많은 저작물의 임시 또는 “진행중인”소명은 매체의 개념에 의문을 제기하는데, 이는 종종 안정적인지지보다는 단순한 중재의 벡터가된다. 이것은 1980 년대에 시작된 정보 매체의 변화와 일치하며, “관계”의 논리에 찬성하여 점차 비 물질화되고 있습니다.

“유형”매체
거울 (예술 및 언어 거울 조각)
폐기물 (Daniel Spoerri의 아침 식사), 다양한 재료 (콘크리트, 흙, 모래 등)
대변 ​​(피에로 만조 니의 랩 아티스트), 소변, 피
폴리스티렌, 폴리 우레탄, 실리콘, 플라스틱 등 (시저 확장)
기타 개체가 다소 변형되거나 성능이 저하됨 (Arman 및 Gérard Deschamps 축적)

“무형”매체
환경 (특히 랜드 아트, 제임스 터렐 라이트)
상황 hic et nunc (사회 예술의 수집)
현재 프로젝트 (Roman Opałka의 진행중인 작업)
언론 경험 (Space Media Fred Forest)

“기술”매체
마이크로 필름 (예술 및 언어)
팩스 (Hans Haacke)
컴퓨터 소프트웨어 (예술과 언어 아무도 깨지지 않은 사이버 네틱 아트 워크)
넷 아트
기계 시스템 (Stelarc)
살아있는 유전자 (바이오 아트)

“시각 예술가가되는 사진 (Joel-Peter Witkin)”과 같은 특정 매체- “실험”이되는 영화관 (Matthew Barney의 Cremaster 시리즈)은 같은 방식으로 예술의 상태를 자체적으로 획득했습니다. 그림, 조각 또는 음악보다) 오늘날은 자율적 인 범주를 구성합니다.

오늘날 널리 질문되는 멀티미디어 예술의 개념은 1950 년대에 등장한 것처럼 공연의 작품의 상태, 종종 혼합 된 공연에 의문을 제기합니다.

기관
예술계의 기능은 주요 박물관에서 개인 갤러리, 비영리 공간, 예술 학교 및 출판사, 개별 예술가, 큐레이터, 작가, 수집가 및 자선가의 관행에 이르기까지 예술 기관에 따라 다릅니다. 예술계의 주요 부문은 영리 및 비영리 부문 사이에 있지만, 최근 몇 년 동안 영리 민간 및 비영리 공공 기관 사이의 경계가 점차 흐려지고 있습니다. 가장 잘 알려진 현대 미술은 상업용 현대 미술 갤러리의 전문 예술가, 개인 수집가, 미술 경매, 기업, 공공 자금 지원 예술 단체, 현대 미술관 또는 예술가가 운영하는 예술가가 전시합니다. 현대 예술가들은 작품의 직접 판매뿐만 아니라 보조금, 상 및 상으로 지원됩니다. 직업 예술가는 미술 학교에서 훈련하거나 다른 분야에서 등장합니다.

공공 자금 지원을받는 현대 미술 단체와 상업 부문 사이에는 밀접한 관계가 있습니다. 예를 들어, 2005 년 국제 미술 시장 및 경영 이해에 관한 책은 영국에서 소수의 딜러가 공개적으로 자금을 조달 한 현대 미술관에 등장하는 예술가들을 대표한다고보고했습니다. 상업 조직에는 갤러리와 미술 박람회가 포함됩니다.

기업은 또한 현대 미술 세계에 자신을 통합하여 구내에서 현대 미술을 전시하고 현대 미술 상을 조직 및 후원하며 광범위한 기업 컬렉션을 구축했습니다. 기업 광고주는 현대 미술 및 쿨 헌팅과 관련된 명성을 자주 사용하여 고급 제품에 대한 소비자의 관심을 끌고 있습니다.

예술 기관은 현대 미술으로 지정된 것을 규제하는 데 비판을 받았습니다. 예를 들어, 외부인 예술은 말 그대로 현대 예술로, 오늘날에 만들어지고 있습니다. 그러나 한 비평가는 예술가들이 독학하여 예술적 역사적 맥락 밖에서 일하고 있다고 가정하기 때문에 그렇게 간주되지 않는다고 주장했다. 전시에 대한 많은 관중에도 불구하고 섬유 디자인과 같은 공예 활동도 현대 미술의 영역에서 제외됩니다. 미술 평론가 인 피터 팀 스는 현대 미술의 영역에 들어가기 위해 공예품이 특정 가치에 참여해야하는 방식에주의를 기울 였다고 말했다. “아름다움의 본질에 대한 파괴적인 논평으로 의도 된 세라믹 물건은 단순히 아름다운 것보다 현대 미술의 정의에 더 적합 할 것입니다.”

언제든지 특정 장소 나 예술가 그룹은 차후의 현대 미술에 큰 영향을 줄 수 있습니다. 예를 들어, The Ferus Gallery는 로스 앤젤레스의 상업용 갤러리였으며 50 년대 후반과 60 년대에 캘리포니아 현대 미술을 다시 활성화했습니다.

대중의 태도
현대 미술은 때때로 예술과 제도가 그 가치를 공유한다고 느끼지 않는 대중과는 상충되는 것처럼 보일 수 있습니다. 영국에서는 1990 년대에 현대 미술이 대중 문화의 일부가되었으며, 예술가들은 별이되었지만, 희망적인 “문화적 유토피아”로 이어지지는 않았습니다. Julian Spalding 및 Donald Kuspit과 같은 일부 비평가들은 회의론, 심지어 거부조차도 많은 현대 예술에 대한 합법적이고 합리적인 반응이라고 제안했습니다. “Art Bollocks”라는 에세이의 브라이언 애쉬 비 (Brian Ashbee)는 “많은 설치 예술, 사진, 컨셉 아트, 비디오 및 일반적으로 포스트 모던이라고 불리는 다른 관행”은 이론적 담론의 형태로 구두 설명에 너무 의존적이라고 비판합니다. 그러나 박물관에서 전통이 아닌 예술을 받아들이는 것은 예술 작품을 구성하는 것에 대한 관점이 바뀌면서 증가했습니다.

우려 사항
20 세기 초반부터 일반적인 관심사는 예술을 구성하는 요소에 대한 문제였습니다. 현대 (1950 년부터 현재)에는 아방가르드의 개념이 갤러리, 박물관 및 수집가가 주목할 예술을 결정하는 데 사용될 수 있습니다.

현대 미술에 대한 관심 또한 비판을받습니다. Andrea Rosen은 일부 현대 화가들은 “현대 예술가가 무엇을 의미하는지 전혀 모른다”고 말하고 “모든 잘못된 이유로 그 안에있다”고 말했다.

개념의 비판
그러나 세계화 과정은 통일 된 현대의 개념에 의문을 제기합니다. “현대 미술”은 포스트 모더니즘의 총체적인 그림입니다. 언어 논리에 따르면, 이러한 단어 조합은 전 세계의 현대 공동체를 포함한다고 주장합니다. 실제로, 그것은 입학 기능을 가진 가치의 개념으로 작용합니다 : 그것은 예술이 무엇인지 아닌지를 결정합니다. 이러한 차이로 인해 ‘현대 미술’이라는 기존 개념에 맞지 않는 현대 미술의 예술적 질은 부정된다.

아래 5 가지 추출물은 소위 “현대”기술과 관련하여 공식화 된 비판의 본질을 요약합니다.

장 모네 레트 (Jean Monneret)의 팜플렛 비전은 본질적으로 납세자의 돈을 낭비하는 무책임한 공무원들이지지하는 상태 예술을 본다.
현대 미술의 지지자들의 변증법의 끝으로가는 아름다움에 대한 그들의 부정을 입증함으로써 필립 르 예우 네의 분석;
행정 법원 앞에서 국가를 공격하여 장 모네 레트와 유사한 유죄 판결을 방어하기 위해 행동 한 프레드 포레스트;
플라스틱 예술가 다니엘 부렌 (Daniel Buren)은 빈 예술의 현대 예술에서 생각의 파산을 지적합니다.
Franck Lepage는 그의 한순간 강의 중 누가 춤을 이끄는가? CIA와 문화 냉전 (Chief Paid the Piper ?: CIA and Cultural Cold War) : Frances Stonor Saunders의 냉전의 맥락에서 CIA는 현대 미술을 촉진하기 위해 문화 자유 의회와 같은 단체에 어떻게 자금을 지원했는지 설명합니다. 서유럽에서 미국 예술로 제시하고 사회적 정치적 의미를 박탈합니다.

장 모네 레트
1999 년 Salon des Indépendants de Salon의 카탈로그에서 진 모네 레트 (Jean Monneret) 살롱 회장은 시각 예술의 가르침과 선택을 관장하는 공무원들을 오랫동안 비난 한 후 합의 된 현대 예술에 대한 폭력 팜플렛을 시작했다. 주 및 지방 당국이 구매 한 저작물 :

“현대 예술? 모든 살아있는 예술가는 현대 예술의 일부입니다. 예술을 만드는 예술가입니다. 모든 예술가. 자유롭게!
그러나 국가는 대중이 소위 “현대”예술, 즉 국가 예술이라고 할 가치가있는 예술이 단 하나 있다고 믿기를 원한다. 마치 설치, 공연 또는 미 교양 예술은 마치 그와 함께 제공되는 전설이 그 자체로 예술적 전통의 역사적, 선형, 논쟁의 여지가없는 것처럼 보인다. 소위 “현대”예술에서는 볼 것이 적을수록 말할 것이 더 많다는 것은 사실입니다! 현대 미술 전시회에서 환기 덕트, 비상 장비 또는 위생 시설 타일은 종종 제시된 작품과 통합됩니다. 그렇다면 문제는 어디입니까? 컨테이너와 내용의 조화가 완벽합니다.
실제로, 역사 살롱의 예술. 민주주의는 납세자의 돈에 관심이있는 국가가 모든 다양성에서 현대의 현실을 배제하지 않고 설명 할 것을 요구할 것이다 …”

필립 르 예우 네
2006 년 7 월 테일러의 도덕 보고서에서 부통령 인 화가이자 기자 인 필리페 르 예우 네 (Philippe Lejeune)의 바론 테일러 (Baron Taylor)의 기초에 대한 검토는 미술의 개념과 현대 미술의 개념을 구별한다.

“우리는“그림”이라는 예술을 실천합니다.이 활동은 한때 미술의 일부로 간주되었습니다. 근대성에 대해 염려 할 때, 무엇보다도 아름다움만큼 무거운 명령을 제거하기를 원하며, 우리가 살고있는 구식과 현대의 싸움은 단순히 아름다움에 대한 언급을 제거하는 것으로 구성됩니다. 지난 세기의 반을 경험 한 후에는 더 이상 전통 예술의 가치를 더 이상 바꿀 수 없었고, 그들은 완전히 다른 상품을 공급하기로 항상 같은 겉보기 레이블로 결정했습니다. 그들은 정직했습니다. 얼굴을 대고 그들의 이름을 바꾸십시오. 현대 살롱은 더 이상 그림 살롱이 아니며 현대 미술 살롱입니다.

현대 미술은“페인팅”이 전시 된 장소에서 자연스럽게 혼란을 야기합니다. 그러나 우리는 새로운 형태의 예술을 정의하기보다는 교량에 지친 선수와 같은 다른 분야의 규칙을 적용합니다. 현대 예술은 ‘제외를 제외한 모든 규칙을 거부합니다. 당신은 유명한 슬로건이 모든 금지를 금지한다는 것을 알고 있습니다. 현대 미술은 우카 세에만 있습니다. 표현을 제외한 모든 것.

현대 미술은 개념 자체, 즉 개념에서 시작하여 감각을 제공합니다.
미술은 완전히 다른 목표를 가지고 있으며, 매우 다른 프로그램을 가지고 있습니다. 검증 된 것부터 시작하여 집단 기억과 맞 닿아 아이디어, 즉 비교할 수있는 요소에 정확하게 도달합니다. ”

프레드 포레스트
프레드 포레스트는 MNAM (Georges-Pompidou 센터)에 대한 재판을 마치고 현대 미술의 기능과 기능 장애 (L’ Harmattan, Paris, 2000)의 뒤 표지에 다음과 같이 썼다.

“이 책은 현재의 엘리트 형태로 더 이상 지속될 수없는 시스템의 한계와 모순을 드러내는 경향이있다. 철 냄비에 대한 냄비, 그것은 조지 퐁피두 센터에 대한 국무원까지, 그리고 그를 통해 인수에 대한 투명성 거부에 대한 현대 미술의 공공 기관에 대한 내 소송의 메뉴로 설명 예술 이외에도, 여기에서 수행 된 접근은 무엇보다도 공공 자금의 사용과 민주주의에서의 문화의 사용에 대한 실질적인 질문을하는 시민의 접근이다. ”

다니엘 부렌
2011 년 9 월 Daniel Buren은 L’ Œil의 검토에서 긴 인터뷰에서 “현대 예술”이라는 표현의 무능력, 혼란 및 파산에 대해 언급했다.

“일반적으로 전 세계 비엔날레, 모든 전환점에서 열리는 박람회 및 붐비는 경매 실-그에 기인 한 압도적 인 건강은 생각의 측면에서 직전에있는 역설적 인 측면이라고 말하고 싶습니다. 더 이상 역사상 순간이 아니라 일상적인 방식입니다. “현대”는 완전히 의미가없는 용어이지만, 새싹에서 모든 것을 소멸시키기 위해 찾은 가장 강력한 발견 중 하나입니다. 예술가는 조금이라도 새롭고 혼란 스러울 수 있습니다.”