개념주의라고도하는 개념 미술은 작품에 포함 된 개념이나 아이디어가 전통적인 미적, 기술적, 물질적 문제보다 우선하는 기술이다. 설치라고도하는 일부 개념 미술 작품은 단순히 일련의 서면 지침에 따라 누구나 구성 할 수 있습니다. 이 방법은 미국 예술가 Sol LeWitt의 개념 예술에 대한 정의의 기초가되었으며 인쇄에 최초로 등장한 것 중 하나입니다.

개념은 1960 년대 중반부터 생산 된 작품에 적용되어 아이디어와의 교전을지지하는 독특한 대상과의 지각 적 만남을 현저하게 강조하지 않거나 완전히 제거했습니다. 플럭서스 그룹의 Henry Flynt가 1961 년 초에 그의 공연 작품을 ‘개념 예술’로 지정하고 Edward Kienholz가 1963 년에 ‘개념 테이블’을 고안하기 시작했지만,이 용어는 처음으로 출판 된 기사에서 독특한 예술 형식을 정의함에있어 대중적 명성을 얻었습니다. 운동으로 느슨하게 정의 할 수있을뿐 아니라 북아메리카, 유럽, 라틴 아메리카 및 아시아에서 거의 동시에 등장했으며 예술 작품을 예술가로 낳는보다 전통적인 분야에서 별도의 카테고리로 영향을 미쳤으며 사진, 악보, 건축 도면, 그리고 그림과 조각과 동등한 기초에 공연 예술. 더욱이, 개념 예술은 1980 년대부터 그와 같이 유명해진 멀티미디어 설치로의 이동을 낳았습니다.

개념 예술에서 아이디어 또는 개념은 작업의 가장 중요한 측면입니다. 예술가가 개념적 형태의 예술을 사용할 때, 그것은 모든 계획과 결정이 사전에 이루어지고 실행이 지나친 일임을 의미합니다. 아이디어는 예술을 만드는 기계가됩니다.

예술은 대상이나 작품의 미학적 특성이 아니라 예술의 개념이나 아이디어에 의해서만 정의됩니다. 대중의 견해와는 달리, 그것은 비판의 심사에서 임마누엘 칸트 (Immanuel Kant)에 의해 표현 된 xx 세기 이전의 예술적 아름다움에 대한 지배적 인 정의와 반대되는 것이 아니라, “아름다운 것은 개념없이 보편적으로 좋아하는 것”입니다. 예술의 즐거움, 이러한 감사의 이유가 개념에 반드시 환원 될 필요는 없으며, 즉 개념이 개념적 기준 없이도 만족할 수 있다고 말해야한다.

개념 미술 (Art & Ideas) (1998)의 저자 토니 고드프리 (Tony Godfrey)는 개념 미술이 예술의 본질에 의문을 제기한다고 주장했다. 철학 (1969). 예술이 자신의 본성을 조사해야한다는 개념은 이미 영향력있는 예술 비평가 Clement Greenberg의 1950 년대 현대 미술에 대한 비전의 강력한 측면이었습니다. 그러나 1960 년대에 독점적으로 언어 기반의 예술이 등장하면서 Art & Language, Joseph Kosuth (Art-Language의 미국 편집인이 됨), Lawrence Weiner와 같은 개념 예술가는 예술에 대한 훨씬 더 급진적 인 심문을 시작했습니다. 이전에 가능했습니다 (아래 참조).

1990 년대 젊은 영국 예술가들과 Turner Prize와의 연합을 통해, 특히 영국에서 대중적으로 사용되는 “개념적 예술”은 회화와 조각의 전통 기술을 실천하지 않는 모든 현대 예술을 의미하게되었습니다. “개념 예술”이라는 용어가 원래의 목표와 형태에서 멀리 떨어진 다양한 현대 관행과 관련이있는 이유 중 하나는 용어 ​​자체를 정의하는 문제에 있다고 할 수있다. 멜 보 흐너 (Mel Bochner)가 1970 년 초에 제안한 것처럼, 왜 그가“개념적”이라는 개념을 좋아하지 않는지를 설명하면서,“개념”이 무엇을 의미하는지 완전히 명확하지는 않으며,“의도”와 혼동 될 위험이 있습니다. 그러므로,

2010 년 런던 킹스턴 대학교 (University of Kingston)의 근대 유럽 철학 연구 센터 소장 인 피터 오스본 (Peter Osborne)은 “현대 예술은 포스트 컨셉트 (Conceptorary Art is Post-Conceptual)”라는 제목의 회의와 논쟁을 벌였다.

정의
현대 미술의 맥락에서 개념 예술의 정의는 60 년대 중반에 그것을 사용하여 생각에 기초한 예술의 목표를 정의하고 더 이상 현재 오해를 불러 일으키고 미묘한 쾌락에 의존하지 않는 Joseph Kosuth의 작품입니다. 실제로 1965 년에 Kosuth는 실제 의자, 사진의 복제 (왼쪽) 및 단어 “의자”(오른쪽)의 사전 정의가 인쇄 된 패널 인 Una e tre 의자 작업을 만들었습니다. 작가는 이미지와 단어 사이의 관계에 대해 논리적이고 세미 오 틱한 용어로 명상하도록 시청자에게 전화하도록 제안했습니다. 그러나 1960 년에 이미 서로에게 알려지지 않은 카탈로니아 어 조안 브로 사 (Caalan Joan Brossa)는 시라 (Cerilla) (시합)라는 단어를 고안했다.

개념 예술가들이 추구하는 예술의 정서적 내용의 희귀는 곧 예술 작품을 무시하려는 의지를 결정하게되었다.

20 세기 아방가르드의 참신에 대한 연구와 불안에 대한 마지막 가능성은 (1965 년에서 1980 년 사이에 개념의 15 년의 황금기를 뒤따른 가장 관련성있는 사건은 아니었다. 대상과 그림으로의 복귀로 특징 지워짐). 이런 의미에서, 매우 다른 경험은 “개념적”으로 정의 될 수 있지만 어떤 경우에도 공통의 분모 (랜드 아트, 아르테 포 베라, 바디 아트, 내러티브 아트 등)에 의해 특징 지워집니다.

최초의 “개념적”경험은 50 년대와 60 년대 사이의 네오 다다 (Neo Dada)와 미니멀 아트 (Minimal Art) 운동으로 대표되었습니다. 첫 번째는 재스퍼 존스 (Jasper Johns)와 로버트 라우 첸 버그 (Robert Rauschenberg)와 같은 주요 대표자들이 후에 팝 아트의 유명한 지수가되었습니다. 일상 생활에서 가져와 예술 작품에 삽입 된 사물의. 비슷한 성향은 곧 예술가 똥, 빈센조 아그 네티, 마리오 메르 츠, 마우리 치오 나누 치, 줄리오 파 올리니 캔으로 알려진 피에로 만조 니와 같은 이탈리아 예술가의 신-다다 이스트 도발을 구별 할 것이다.

Minimal Art (Minimalism)조차도 미국에서 시작되었으며 색채 필수적이고 큰 공상 구조의 생성을 특징으로하며 공감이나 미적 즐거움을 양보하지 않고 합리적 인 곰팡이의 열매를 선호하는 차갑고 건설적인 양식에서 영감을 얻었습니다.

그 후 몇 년 동안이 두 운동에 의해 세워진 건물들은 개념 미술 (Joseph Kosuth, Bruce Nauman, Lawrence Weiner, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, Charlotte Moorman 등)에 의해 상속되고 확장되었습니다. (Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Mario Merz, Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro 등) 그리고 Kosuth 자신에 의해 영감을 얻은 “Narrative Art”로부터 작가의 작품이 이미지로 표현되는 서사적 이원론에 의해 구체화되었습니다. 그리고 쓰기.

개념적 영역에서, 강하고 명백한 비유에도 불구하고, 즉 우리가 공연에서 찾을 수없는 사건의 전형적인 즉흥적 구성 요소에 의해 구별되는 사건과 공연과 같은 두 가지 형태의 예술적 행동이 번성했습니다. 극장의 연출 및 연출 계획에 더 가깝습니다.

이 마지막 경험의 역사적 배경이 확실히 “미래주의의 밤”과 Dadaist Cabaret Voltaire라면, 60 년대에 새로운 개념의 감수성 내에서시를 상속하는 임무는 주로 바디 아트로 떨어졌다. 신체 활동에 대한 예술가 자신은 때때로 Gina Pane의 경우와 같이 행동과 영토 사이의 다큐멘터리 정신과 넥서스가 종종 매우 설득력있는 예술적 결과를 가진 특이한 표현 영역을 탐색 한 랜드 아트의 경우와 같이 때때로 자해의 한계로 밀려났다. Nouveau Réalisme의 예술가 인 불가리아의 Christo를 1977 년 Lightning Field와 같은 American Walter De Maria의 화려한 개입에 이르기까지 영국 Richard Long의 산책로까지 포장합니다.

태생
개념 예술은 특정 현대 예술 시대 나 구조화 된 예술 운동 또는 특정 예술가 집단이 아닙니다. 즉, 우리는 여전히 1965 년에서 1975 년 사이의 용어라는 개념의 의미에서 개념 예술의 최신 정보를 얻을 수 있습니다 (그러나 전임자뿐만 아니라 추종자들도 있습니다).

개념 예술 역사의 기본 전시회 중에는 Harald Szeemann이 주최하고 1969 년 3 월 22 일부터 1969 년 4 월 27 일 사이에 베른의 Kunsthalle에서 많은 개념 예술가들이 모여 들었다. 캐서린 밀레가 유럽에서 주로 북미로 구성된 새로운 예술 운동의 첫 번째 주요 징후로 개념 예술에 대해 이야기하기 시작했습니다.

1961 년 플럭서스 : 선집 (Fluxus : Anthology) 컬렉션에 실린 음악에 관한 글의 제목으로 “컨셉 아트”라는 표현을 처음으로 사용했던 것은 미국 예술가 인 헨리 플린트 (Henry Flynt)라고한다. Joseph Kosuth가 제공 한 정의에서 : “아이디어는 아이디어로서의 아이디어.”(아이디어는 아이디어로서의 아이디어) 또는 아트 및 언어 그룹.

Kosuth는 Marcel Duchamp의 병 홀더 (1914) 또는 분수 (1917)와 같은 기성품의 개념 예술의 기원으로 거슬러 올라갑니다. 이 추세는 또한 Kasimir Malevitch의 Carré blanc sur fond blanc (1918) 시리즈 또는 더 최근에는 Isidore Isou의 Art infinitésimal (1956)의 창조와 같은 회화로 되돌아갑니다. 상상 해봐

개념 예술은 더 이상 예술가의 노하우 나 아이디어가 생산보다 우선해야하기 때문에 작품을 “완료해야”한다는 아이디어에 신경 쓰지 않습니다. 예를 들어 일부 예술가는 작품이 무엇인지에 대한 스케치 만 제공합니다. 모두가 작품을 만들려면 그것이 실현이 아니라 “가치”를 갖는 아이디어입니다.

개념 미술을 통해, 우리는 예술 역사상 처음으로, 이브 클라인의 무형 그림 감도 영역에 의해 예시 된 바와 같이, 실물없이 실제로 할 수있는 “예술적 표현”을 목격하고 있습니다. 레버쿠젠 (Leverkusen)에 출연 한 예술가들 (1969 년 레버쿠젠에있는 Städtisches Museum에서 열린 콘 제프 션 / 컨셉 션 전시회)은 “아마추어의 사진과 함께 언어의 언어로 축소되기도했습니다. 종이의 종류는 텔레 그램, 소책자, 서류 캐비넷, 자기 테이프 옆에있었습니다. 우리는 처음으로 전시장과 비슷한 전시장을 방문했습니다. ”

역사
프랑스 예술가 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)은 개념 주의자들을위한 길을 닦았으며, 예를 들어 기성품과 같은 프로토 타입 개념 작품의 예를 제공했습니다. Duchamp의 기성품 중 가장 유명한 것은 “R.Mutt”라는 가명으로 작가가 서명 한 표준 소변기 분지 인 Fountain (1917)이었으며, 매년 독립 예술가 협회 (Society of Independent Artists of Society of Independent Artists)의 전시회에 포함 된 작품 요크 (거부했다). 예술적 전통은 예술가가 아니거나 예술적 의도가 아니거나 독창적이거나 수공예품이 아니기 때문에 평범한 물건 (예 : 소변기)을 예술로 보지 않습니다. 미래의 “개념 주의자”에 대한 Duchamp의 관련성과 이론적 중요성은 이후 1969 년 미국 예술가 Joseph Kosuth의 1969 년 에세이 (Art after Philosophy)에서 다음과 같이 썼다.

1956 년 Lettrism의 창시자 인 Isidore Isou는 본질적으로 현실에서 결코 창조 될 수는 없지만 그럼에도 불구하고 지적 적으로 고려 됨으로써 미적 보상을 제공 할 수있는 예술 작품의 개념을 개발했습니다. 고트 프리드 빌헬름 라이프니츠 (Gottfried Wilhelm Leibniz)의 무한 정수에서 파생 된 Art esthapériste (또는 “무한 미학”)이라고도 불리는이 개념은 개념을 제외하고는 실제로 존재할 수없는 양입니다. Isouian 운동, Excoördism의 현재 화신 (2013 년 현재)은 무한대 크고 무한한 예술로 스스로 정의합니다.

1961 년 예술가 Henry Flynt가 제목으로 사용하는 그의 기사에서 만들어 낸 “컨셉트 아트”라는 용어는 프로토-플럭서스 간행물 Anthology of Chance Operations에 실 렸습니다. 그러나, 그것은 1969 년에 Art-Language The Journal of Concept art에서 시작된 문서화 된 비판적 탐구에 찬성하여 기존의 예술 대상을 버린 Joseph Kosuth와 English Art and Language 그룹에 의해 사용될 때 다른 의미를 가졌다. 예술가의 사회적, 철학적, 심리적 지위. 1970 년대 중반까지 그들은이를 위해 출판물, 색인, 공연, 텍스트 및 그림을 제작했습니다. 1970 년에 열린 최초의 개념 미술 전시회 인 개념 예술 및 개념 측면은 뉴욕 문화 센터에서 열렸습니다.

형식주의와 예술품에 대한 비판
개념 예술은 1960 년대에 운동으로 등장했다 – 부분적으로 영향력있는 뉴욕 예술 비평가 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)에 의해 표현 된 형식주의에 대한 반작용으로 일어났다. 그린버그 모던 아트 (Greenberg Modern art)에 따르면 각 매체의 필수적이고 형식적인 본질을 정의하려는 목표를 향한 점진적 축소 및 개선 프로세스를 따랐다. 이러한 성격에 반하는 요소들은 줄어들어야했다. 예를 들어, 그림의 임무는 그림이 실제로 어떤 종류의 대상인지를 정확하게 정의하는 것이 었습니다. 그림의 특성상 착색 된 안료가 적용되는 캔버스 표면이있는 평평한 물체이기 때문에 그림, 3D 원근 착시 및 외부 주제에 대한 언급은 모두 그림의 본질과 관련이없는 것으로 밝혀졌습니다. 제거해야합니다.

어떤 사람들은 개념 예술이 대상에 대한 필요성을 완전히 제거함으로써이 예술의 “비 물질화”를 계속했다고 주장했지만, 많은 예술가를 포함하여 다른 예술가들은 그린버그의 형식 주의적 근대주의의 종류와 함께 개념 예술을 근본적인 휴식으로 보았다. 나중에 예술가들은 예술이 자기 비판적이며 환상에 대한 열망을 좋아한다는 선호를 계속 공유했습니다. 그러나 1960 년대 말까지 예술에 대한 그린버그의 규정은 각 매체의 범위 내에서 계속되고 더 이상 견인력이없는 외부 주제를 배제한다는 것이 분명했습니다. 개념적 예술은 또한 예술의 상품화에 반발했다. 그것은 예술의 위치와 결정자로서 갤러리 나 박물관의 파괴를 시도했고, 예술의 소유자와 배급 자로서 예술 시장을 시도했다.

로렌스 와이너는“내 작품에 대해 알고 나면 자신의 작품을 알고있다. 누군가의 머리 속으로 올라가서 제거 할 수있는 방법은 없다”고 말했다. 따라서 많은 개념 예술가들의 작품은 사진, 글로 된 글씨 또는 표시된 물건과 같이 문서에 의해 밝혀진 문서를 통해서만 알 수 있습니다. 로버트 배리 (Robert Barry), 요코 오노 (Yoko Ono), 와이너 (Wiener)의 작품에서와 같이 때로는 작품을 설명하는 일련의 서면 지침으로 축소되었지만 실제로는 부족한 것을 멈추고 아이디어를 인공물보다 더 중요하게 강조합니다. 이것은 예술과 공예 사이의 확장 성 이분법의 “예술”측면에 대한 명백한 선호를 보여준다. 공예와는 달리 예술은 공예와는 달리 역사적 담론 내에서 발생한다.

우려
개념 예술은 종종이 예술의 분석적 특성을 주장하지 않기 위해 타원형 메시지를 보내면서 개발되는 영리한 활동과 혼동되어 왔습니다.

Paul Valéry는 예술에서 유일한 것은 예술이고 예술은 예술이라고 Ad Reinhardt는 말했다 … 회화에 적용하는 것은 형식주의의 이름을 취했다. 개념 예술의 텍스트는이 형식주의가 그림의 형식과 구성에 대한 관심보다 개념의 특권을 강화하는 데 반대했다. 그러나 Clement Greenberg가 제정 한이 법이 예술 작품의 자체 정의에 잘 부합한다는 것을 부정 할 수는 없다. 본질적으로 개념 예술가들의 규칙이 될 것입니다. 그들 역시 예술 자체의 탐구 일뿐입니다.

또한, 공간의 합병에서 최소한의 예술은 예술적 대상의 준비에 붙어 있었고 일반적으로 그것에 부착 된 관습에 의문을 제기했다.

우리는 개념 예술이이 두 가지 관심의 확장이라고 생각할 수 있습니다. 사실, 대상을 먼저 분석 한 다음 프리젠 테이션의 맥락으로 순환하는 시선은 개념 론자들이 예술적 대상과 건축 환경의 재정의뿐만 아니라 사회적, 이데올로기 적 환경, 심지어 심리적 심리에도 초점을 맞췄습니다. 철학적 맥락.

다른 한편으로, 표준 양식을 제작하는 산업과 관련하여, 최소한의 예술은 예술에서 새로운 양식을 개발하는 것보다 진보적 인 모더니즘 이상주의를 끝내는 데 훨씬 더 기여했습니다. 도널드 저드는 1963 년에 다음과 같이 말했습니다.

“예술의 진보는 확실히 공식적이지 않습니다. ”

1967 년

기하학적이거나 유기적이지 않은 형태는 훌륭한 발견이 될 것입니다. ( “기하학적이거나 유기적이지 않은 모양을 만들 수 있다는 것은 큰 발견입니다.”)

이 발견은 아마도 René Denizot가 그의 개념 “한계”에서 다음과 같은 개념을 제시 한 개념적 예술과 함께 나타날 것입니다.

“개념의 형태로 예술을 제시하는 개념 미술은 예술을 개념으로 가져옴으로써 예술을 개념 그대로의 형태로 가져옵니다. ”

언어 및 / 또는 예술
언어는 1960 년대와 1970 년대 초반의 개념 예술가들의 첫 번째 물결에 주요 관심사였습니다. 예술에서 텍스트의 활용은 전혀 새로운 것이 아니지만, 1960 년대에야 로렌스 와이너, 에드워드 루샤, 조셉 코 수스, 로버트 배리, 예술 및 언어 예술가는 언어 적 수단으로 만 예술을 제작하기 시작했습니다. 이전에 언어가 다른 언어와 함께 한 종류의 시각적 요소로 제시되었고 중요한 구성 (예 : 합성 입체파)에 종속 된 경우, 개념 예술가들은 브러시와 캔버스 대신 언어를 사용하여 그 자체로 의미를 부여 할 수있었습니다. 로렌스 와이너의 작품 중 Anne Rorimer는 다음과 같이 썼다. “개별 작품의 주제별 내용은 사용 된 언어의 수입에 의해서만 도출되는 반면, 표현 수단과 맥락 적 배치는 결정적이지만 별개의 역할을합니다.”

영국의 철학자이자 개념 예술의 이론가 Peter Osborne은 언어 기반 예술에 대한 중력에 영향을 미친 많은 요인들 중에서 개념주의의 중심적인 역할은 영미 적 분석 철학과 구조 주의자 모두에서 언어의 의미론으로 돌아 왔다는 것을 암시한다. 20 세기 중반의 구조주의 이후의 철학. 이 언어 적 전환은 개념적 예술가들이 취한 방향을 “강화하고 합법화”했습니다. 오스본은 또한 초기 개념 주의자들은 예술에 관한 학위 기반 대학 교육을 이수한 최초의 예술가 들이었다고 지적했다. 오스본은 이후 2010 년 7 월 9 일 코모의 빌라 수 코타 폰 다지 오네 안토니오 라티 (Pandazione Antonio Ratti)에서 열린 공개 강연에서 현대 미술이 개념 상 사후 개념임을 관찰했다.

미국 미술사의 역사가 에드워드 샨켄 (Edward A. Shanken)은 로이 애 스콧 (Roy Ascott)의 사례를 지적한다. “개념 예술과 기술과 기술의 중요한 교차점을 강력하게 보여주고, 이러한 예술-역사적 범주의 전통적인 자율성을 폭발시켰다”. 영국의 사이버 네틱 아트와 가장 밀접한 관련이있는 영국 예술가 인 Ascott는 사이버네틱스 사용이 주로 개념적이고 기술을 명시 적으로 활용하지 않았기 때문에 사이버 네틱 세렌디피티에 포함되지 않았습니다.

반대로, 사이버네틱스를 예술과 예술 교육학에 적용하는 것에 대한 그의 에세이는 “변화의 구성”(1964)이 Lucy R. Lippard의 중요한 6 년간 : Dematerialization of the Dematerialization의 페이지 (Sol Lewitt에게)에서 인용되었습니다. 1966 년부터 1972 년까지 영국에서 개념 예술의 형성에 대한 Ascott의 기대와 공헌은 그의 작품이 예술과 기술과 너무 밀접하게 관련되어 있기 때문에 아마도 (그리고 아이러니하게도) 극소수의 인정을 받았다. 또 다른 중요한 교차점은 1963 년 Ascott의 동의어 사전 사용에서 탐구되었으며, 이는 언어와 시각 언어의 분류 학적 특성 사이에 명백한 유사점을 이끌어 냈습니다. 개념은 Joseph Kosuth의 두 번째 조사, 발의안 1 (1968) 및 Mel Ramsden의 요소에서 채택 될 것입니다. 불완전한지도 (1968).

개념적 예술과 예술적 기술
Weiner, Barry, Wilson, Kosuth 및 Art & Language는 언어를 독점 매체로 채택함으로써 공식적인 발명과 자료 취급에 의해 드러난 권위적 존재의 흔적을 제거 할 수있었습니다.

개념 예술과보다 “전통적인”형태의 예술 제작의 중요한 차이점은 예술적 기술의 문제에 있습니다. 전통적인 미디어를 다루는 기술은 종종 개념적 예술에서 거의 역할을하지 않지만, 개념적 기술을 만드는 데 기술이 필요하지 않거나 기술이 항상 존재하지 않는다고 주장하기는 어렵습니다. 예를 들어, John Baldessari는 전문 사인 작가에게 그림을 그리라고 요청한 사실적인 그림을 제시했습니다. 그리고 많은 개념적 공연 예술가들 (예를 들어 Stelarc, Marina Abramović)은 기술적으로 뛰어난 연주자이며 자신의 몸을 가진 숙련 된 조작자입니다. 그러므로 전통에 대한 기술이나 적대감이 그리 많지 않은 것은 개념 예술을 전통적이고 현대적인 권위 주의적 존재 개념과 개별 예술 표현에 대한 무시로 간주하는 것으로 정의하는 것이다.

현대의 영향
예를 들어, Manet (1832–1883) 및 이후 Marcel Duchamp (1887-1968)와 같은 근대주의의 등장에는 원형 개념주의가 뿌리를 내 렸습니다. “개념적 예술”운동의 첫 번째 물결은 약 1967 년에서 1978 년으로 연장되었습니다. Henry Flynt (1940–), Robert Morris (1931–2018) 및 Ray Johnson (1927-1995)과 같은 초기 “개념”예술가들은 나중에 영향을 미쳤습니다. 개념 예술의 널리 받아 들여진 운동. Dan Graham, Hans Haacke 및 Lawrence Weiner와 같은 개념 예술가는 후속 예술가들에게 큰 영향을 미쳤으며 Mike Kelley 또는 Tracey Emin과 같은 유명한 현대 예술가는 때때로 “누가?” , 또는 “포스트 컨셉트”아티스트 (Post-in art 접두어는 종종 “때문에”로 해석 될 수 있음).

현대 예술가들은 개념 예술 운동의 많은 관심사를 받아 들였지만, 자신을 “개념 예술가”라고 할 수도 있고 그렇지 않을 수도 있습니다. 반제품 화, 사회 및 / 또는 정치적 비평, 매체로서의 아이디어 / 정보와 같은 아이디어는 특히 설치 예술, 공연 예술, 넷 아트 및 전자 / 디지털 예술을 다루는 예술가들 사이에서 현대 미술의 측면이되고있다. 확인 인용]

예술가
이 형식으로 인해 개념적 예술가는 예술 작품의 대상에서 멀어지게됩니다. 이것은 언어와 그 파생어 (수학적 그래프, 거리 측정, 연도 등)를 사용하는 예술적 활동으로 이어지고 작품의 존재를 위해 필요하고 종종 충분한 조건이됩니다. 그러나이 예술가들이 시연을 가장 잘 수행 할 수있는 언어로 언어를 사용한다고해서 예술에 대한 담론이 대상을 대신하더라도 주제가 단지 아이디어에 있지 않기 때문에 우리가이를 비평 가나 작가에게 동화시킬 수있는 것은 아닙니다. 이 아이디어를 실천하는 데있어

개념 아티스트들은 Mel Bochner가 자신의 전시회 (매우 작동 모드에서 매우 개념적임)에서 “재 작업 할 필요가없는 종이에 작업 그림 및 기타 눈에 보이는 것들”이 처음으로 재결합 된 것을 발견하더라도 균질 한 그룹을 구성하지 않았습니다. 1966 년 뉴욕의 시각 예술 학교에서 예술로 보았고, 그 다음 카탈로그 페이지에서만 볼 수있는 전시회에서 Seth Siegelaub가 그 작품을 보았습니다.

또 다른 시도는 1969 년 신문의 형태로 개념 예술의 주요 행위자들을 모아서 Art-Language The Journal of Concept Art로 모아서 결국 Art and Language 그룹에 이름을 지어주었습니다. 수용된 모더니즘의 관행에 대한 대화와 중요한 장치가 작품을 구성한다고 가정 한 개념 예술가.

전반적으로 시작부터 두 가지 경향이 제기되었다. 첫 번째는 수학, 반학, 철학 또는 사회학에 의해 유발 된 관심사를 선택한 반면, 두 번째 경향은 상상력과 임시와 관련된 강력한 시적 청구를 가진 제안을 선호했다. 우리는 또한이 두 가지 경향, 특히 Vito Acconci, Carl Andre, Nancy Holt 또는 Robert Smithson과 같은 미국 예술가의 이러한 두 가지 경향을 종합 한 작품을 발견했습니다. 후자는 구체적인시의 언어 적 실험을 확장합니다.

아티스트 로렌스 와이너는 나이아가라 폭포에서 공을 던지는 것과 같은 “특정 행동을하기 위해”글을 썼습니다. 이 행동은 이루어졌고 Weiner는 중요한 것은 서면 제안 이었으므로 그 행동을 수행 할 수 있거나 수행 할 수 없음을 분명히했습니다.

같은 맥락에서 리차드 롱 (Richard Long)은 1969 년 3 월 22 일 19 일과 3 월 22 일 사이에 행진했다. 그는 전시회에서 태도가 그의 이름, 날짜 및 작품 제목을 나타내는 직사각형 흰색 시트 형태로 나타날 때. 그러나 걷는 과정에 대한 헌신과 수천 킬로미터의 여행으로 유명한 영국 예술가에게는 성취가 필수적입니다.

주목할만한 예
1917 : Marcel Duchamp의 분수, 개념 예술의 발명으로 독립에 관한 기사에 설명되어 있습니다.
1953 : Robert Rauschenberg는 Rauschenberg가 지운 Willem de Kooning의 그림 인 Erased De Kooning Drawing을 만듭니다. 그것은 예술의 근본적인 특성에 대한 많은 의문을 제기했으며, 유명한 Rauschenberg가 그 일을했기 때문에 작품이 “예술”일뿐 아니라 다른 예술가의 작품을 지우는 것이 창의적인 행위가 될 수 있는지를 관객에게 생각하게했습니다.
1955 : Rhea Sue Sanders는 시각 예술과시와 철학을 결합하고 공모의 개념을 도입하여 첫 번째 텍스트 조각 인 복잡한 조각을 제작합니다. 시청자는 상상력으로 예술을 달성해야합니다.
1956 : Isidore Isou는 무한의 예술가 인 소개 (Imaginary Aesthetics 소개)에서 무한 예술의 개념을 소개합니다.
1957 : Yves Klein, Aerostatic Sculpture (파리). Galerie Iris Clert에서 하늘로 방출 된 1001 개의 파란색 풍선으로 구성되어 그의 제안 흑백을 홍보했습니다. 블루 에포크 전시회. 클라인은 또한 16 개의 폭죽이 설치된 파란색 패널 인 ‘One Minute Fire Painting’을 전시했습니다. 다음 주요 전시회 인 1958 년 공허에서 클라인은 자신의 그림이 보이지 않는다고 선언하고 빈 방을 전시했습니다.
1958 년 : Wolf Vostell Das Theatre는 The Straße / The Theatre가 거리에 있습니다. 유럽 ​​최초의 해프닝.
1960 년 : 이브 클라인의 행동은 공허로의 도약 (A Leap Into The Void)으로, 창문 밖으로 뛰어 내려 비행을 시도합니다. 그는 “페인터는 하나의 걸작을 끊임없이 만들어 내야한다”고 말했다.
1960 : 예술가 스탠리 브루 우 (Stanley Brouwn)는 암스테르담의 모든 신발 가게가 그의 작품을 전시한다고 선언합니다.
1961 년 : 쾰른의 Wolf Vostell Cityrama는 독일 최초의 해프닝이었습니다.
1961 년 : Robert Rauschenberg는 갤러리 Iris Clert에 전보를 보냈습니다. ‘이것은 Iris Clert의 초상화입니다.’ 초상화 전시회에 그의 기여로.
1961 : 피에로 만조 니 (Pierro Manzoni)는 자신의 대변을 담고있는 깡통 예술가의 똥을 전시했습니다 (열렸을 때 작품이 파괴 될 것이기 때문에 아무도 확실히 말할 수는 없었습니다). 그는 자신의 무게로 금을 판매하고 있습니다. 또한 자신의 호흡 (풍선으로 둘러 싸인)을 공기의 몸으로 팔아서 사람들의 몸에 서명하여 모든 시간 또는 특정 기간 동안 예술 작품으로 선언했습니다. (이것은 그들이 지불 할 준비가 된 금액에 달려 있습니다). Marcel Broodthaers와 Primo Levi는 지정된 ‘작품’에 속합니다.
1962 : 아티스트 Barrie Bates는 빌리 애플 (Billy Apple)로 자신의 브랜드를 바꾸어 자신의 정체성을 지우고 일상 생활과 상업을 예술로 계속 탐구합니다. 이 단계에서 그의 작품 중 상당수는 제 3자가 제작합니다.
1962 : Christo의 Iron Curtain 작품. 이것은 좁은 파리 거리의 오일 배럴 바리케이트로 구성되어 큰 교통 체증을 일으켰습니다. 예술 작품은 바리케이드 자체가 아니라 교통 체증을 초래했습니다.
1962 : 이브 클라인 (Yves Klein)은 세느 강둑에서 다양한 의식으로 비 물질적 그림 감도를 제시합니다. 그는 금박을 대가로 자신의 ‘그림 감도'(그것이 무엇이든간에 그것을 정의하지 않았습니다)를 판매하도록 제안합니다. 이 행사에서 구매자는 클라인에게 금메달을 주었다. 클라인의 감도는 중요하지 않았기 때문에 구매자는 인증서를 태워야하고 클라인은 금박의 절반을 세느 강으로 던졌습니다. (구매자가 7 명있었습니다.)
1962 : 피에로 만조 니 (Pierro Manzoni)는 The Base of the World (세계의 기초)를 제작하여 행성 전체를 그의 작품으로 전시했습니다.
1962 : Alberto Greco는 파리, 로마, 마드리드 및 피 에드 레라 베스에서 열린 Vivo Dito 또는 Live Art 시리즈를 시작했습니다. 각 작품에서 Greco는 일상 생활에서 예술에 관심을 불러 일으켜 예술이 실제로보고 보는 과정이라고 주장했습니다.
1962 : Wiesbaden에있는 FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik, George Maciunas, Wolf Vostell, 백남준 등.
1963 : George Brecht의 Event-Scores, Water Yam 컬렉션이 George Maciunas에 의해 최초의 Fluxkit으로 출판되었습니다.
1963 년 : 뒤셀도르프의 Festum Fluxorum Fluxus와 George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, 백남준, Ben Patterson, Emmett Williams 등.
1963 년 : Henry Flynt의 컨셉트 아트 (Concept Art)는 Anchology of Chance Operations에 실렸다; Jackson Mac Low와 La Monte Young (에디션)이 출판 한 예술가와 음악가의 작품과 컨셉 모음. Chance Operations의 Anthology는 John Cage의 아이디어와 관련하여 Dick Higgins의 중개 예술 비전 개발을 문서화했으며 초기 플럭서스 걸작이되었습니다. Flynt의 “컨셉 아트”는 “인지 적 허무주의”에 대한 아이디어와 논리와 수학의 취약성에 대한 통찰력에서 나온 것입니다.
1964 년 : Yoko Ono가 자몽 : 지침서 및 그림책을 출판합니다. 휴리스틱 아트의 예 또는 미적 경험을 얻는 방법에 대한 일련의 지침.
1965 : 예술 및 언어 창립자 Michael Baldwin Mirror Piece. 그림 대신 작품은 방문자와 Clement Greenberg 이론 모두에 도전하는 다양한 수의 거울을 보여줍니다.
1965 : John Latham의 Still and Chew라는 복잡한 개념 미술 작품. 그는 Latham이 파트 타임으로 가르치는 런던의 Saint Martin ‘s School of Art에서 많은 찬사를 받았으며 Clement Greenberg의 예술과 문화의 가치에 반하는 미술 학생들을 초대합니다. 그린버그의 책 (대학 도서관에서 빌린)의 페이지는 학생들에 의해 씹어지고, 산에 용해되고, 그 결과로 나온 용액은 병에 담겨 라벨이 붙은 라이브러리로 반환됩니다. Latham은 파트 타임 직책에서 해고되었습니다.
1965 : 네덜란드 예술가 마리 누스 보에 젬 (Marinus Boezem)은 Show V와 함께 중요하지 않은 조각으로 네덜란드에서 개념 예술을 선보였다. 쇼에는 사람들이 걸을 수있는 다양한 공기 문이 배치되어 있습니다. 사람들은 따뜻함, 공기의 감각적 경험을 가지고 있습니다. 차갑고 따뜻한 해류가 실내로 날아갈 때 발생하는 세 개의 보이지 않는 공기 문이 화살표와 선 묶음으로 공간에 표시됩니다. 발생하는 공간의 표현은 해당 공간에있는 사람의 행동에 영향을 미치는 보이지 않는 프로세스의 결과이며 시스템에 공동 수행자로 포함됩니다.
Joseph Kosuth는 1965 년에 1 ~ 3 개의 의자 개념을 발표했습니다. 작품의 프리젠 테이션은 의자, 사진 및 “의자”라는 단어의 정의로 구성됩니다. Kosuth는 사전에서 정의를 선택했습니다. 정의가 다른 네 가지 버전이 알려져 있습니다.
1966 년 : 1966 년에 창립 된 Art & Language의 Air Conditioning Show는 1967 년 Arts Magazine 11 월호에 기사로 출판되었습니다.
1966 : NE Thing Co. Ltd. (Vancouver의 Iain 및 Ingrid Baxter)는 비닐 봉투로 싸인 방 4 개짜리 아파트의 내용을 Bagged Place에 전시했습니다. 같은 해에 그들은 기업으로 등록한 후“행정의 미학”의 첫 번째 국제 사례 중 하나 인 기업 모델에 따라 실무를 조직했습니다.
1967 : Mel Ramsden 최초의 100 % 초록 그림. 그림은 그림의 물질을 구성하는 화학 성분의 목록을 보여줍니다.
1967 : Sol LeWitt의 개념적 예술 단락은 미국 미술 저널 Artforum에 의해 출판되었습니다. 단락은 최소에서 개념 예술로의 진행을 표시합니다.
1968 년 : Michael Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge 및 Harold Hurrell이 Art & Language를 발견했습니다.
1968 : Lawrence Weiner는 자신의 작품을 물리적으로 제작하는 것을 포기하고 LeWitt의 “개념 예술 단락”에 이어 가장 중요한 개념 예술 선언 중 하나 인 “의도 선언”을 공식화합니다. “1. 작가는 작품을 구성 할 수 있습니다. 2. 작품을 제작할 수 있습니다. 3. 작품을 제작할 필요가 없습니다. 각 작품은 작가의 의사 결정과 동일하고 일관성이 있습니다. “수신 상황에 따라 수령인에게 컨디션을 유지해야합니다.”
프리드리히 휴 바흐 (Friedrich Heubach)는 독일 쾰른에서 작가의 프로젝트에서 뛰어난 간행물 인 Interfunktionen 잡지를 런칭합니다. 그것은 원래 Fluxus의 영향을 보여 주었지만 나중에는 개념적 예술로 옮겼습니다.
1969 : Billy Apple의 APPLE, Robert Newman의 Gain Ground, Vito Acconci가 많은 중요한 초기 작품을 생산 한 112 Greene Street를 포함하여 1 세대 뉴욕 대안 전시 공간이 설립되었습니다.
1969 : 밴쿠버 사이먼 프레이저 대학교에서 로버트 배리의 텔레파시 피스 (Telepathic Piece)는“전시 중에 나는 텔레파시로 예술 작품을 의사 소통하려고 노력할 것이다. 그 성격은 언어 나 이미지에는 적용 할 수없는 일련의 생각이다 ” .
1969 년 : Art-Language의 첫 번째 호 저널리즘 아트 저널이 5 월에 출판되었습니다. 이 작품은 개념적 예술 저널로 자칭되며 Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin 및 Harold Hurrell이 편집했습니다. Art & Language는이 첫 번째 수의 ​​편집자이며 두 번째 수에 의해 1972 년까지 Joseph Kosuth는 미국 편집자가되었습니다.
1969 년 : Vito Acconci는 팔로 잉 피스를 만들어 개인 공간에서 사라질 때까지 무작위로 선택된 대중 멤버를 따릅니다. 작품은 사진으로 표시됩니다.
영문 저널 인 Studio International은 Joseph Kosuth의 기사 “Art after Philosophy”를 세 부분 (10 월 -12 월)으로 출판했습니다. “개념적 예술”에 관해 가장 많이 논의 된 기사가되었습니다.
1970 : Ian Burn, Mel Ramsden 및 Charles Harrison이 Art & Language에 합류했습니다.
1970 년 : 화가 존 발데스 사리 (John Baldessari)는 솔 르 위트 (Sol LeWitt)의 컨셉 아트 주제에 대해 “캠프 타운 레이스 (Camptown Races)”및 “일부 마법의 저녁”(Some Enchanted Evening)과 같은 대중 음악에 관한 일련의에 루다이 트 (erudite) 문장을 설정 한 영화를 전시합니다.
1970 년 : Douglas Huebler는 24 분 동안 도로를 따라 운전하면서 2 분마다 촬영 된 일련의 사진을 전시합니다.
1970 년 : Douglas Huebler는 박물관 방문객들에게 ‘한가지 비밀’을 적어달라고 요청합니다. 결과 1800 개의 문서는 일부 계정에 의해 대부분의 비밀이 유사하므로 매우 반복적으로 읽는 책으로 편집됩니다.
1971 : Hans Haacke의 실시간 소셜 시스템. 이 시스템 아트는 뉴욕시에서 세 번째로 큰 토지 소유자의 부동산 보유를 자세히 설명합니다. 재산은 주로 할렘과 로어 이스트 사이드에 있었고, 쇠약하고 잘 관리되지 않았으며, 단일 그룹이 통제하는 지역에서 가장 큰 부동산 농도를 나타 냈습니다. 캡션은 같은 가족이 소유하거나 관리하는 회사 간의 최근 판매를 포함하여 건물에 대한 다양한 재무 정보를 제공했습니다. 구겐하임 미술관은 전시회를 취소하면서이 작품의 정치적 의미가 “미술관 박물관 유기체로 들어간 이물질”을 구성한다고 진술했다. 구겐하임의 수탁자가 업무의 대상이 된 가족과 재정적으로 연결되어 있다는 증거는 없습니다.
1972 : Art & Language Institute는 Document & 5에서 Index 01을 전시합니다. 이는 Document & 5에서 Art & Language의 텍스트 작품 및 Art-Language의 텍스트 작품을 색인화합니다.
1972 년 : Antonio Caro는 National Art Salon (콜롬비아 보고타의 Museo Nacional)에 출품 : Aquinocabeelarte (Art는 여기에 맞지 않음), 각 글자는 별도의 포스터이며, 각 글자 아래에는 일부의 이름이 적혀 있습니다. 국가 탄압의 피해자.
1972 : 프레드 포레스트 (Fred Forest)는 신문 르몽드 (Le Monde)에서 빈 공간을 사서 독자들에게 자신의 예술 작품으로 채우라고 권유합니다.
토론토에서 일반 아이디어 출시 파일 잡지. 이 잡지는 확장 된 공동 작업 작품으로 기능했습니다.
1973 : Jacek Tylicki는 자연이 예술을 창조 할 수 있도록 자연 환경에 빈 캔버스 나 종이 시트를 배치합니다.
1974 년 : 텍사스 애 머릴로 인근 캐딜락 목장.
1975-76 : The Fox의 3 가지 이슈가 뉴욕의 Art & Language에 의해 출판되었습니다. 편집자는 Joseph Kosuth였습니다. 폭스는 미국 예술 및 언어 회원들에게 중요한 플랫폼이되었습니다. Karl Beveridge, Ian Burn, Sarah Charlesworth, Michael Corris, Joseph Kosuth, Andrew Menard, Mel Ramsden 및 Terry Smith는 현대 미술의 맥락을 주제화 한 기사를 썼습니다. 이 기사들은 개념 예술의 내부 영역 내에서 제도적 비평의 발전을 보여줍니다. 예술계에 대한 비판은 사회적, 정치적, 경제적 이유를 통합합니다.
1975-77 Orshi Drozdik의 개인 신화 공연, 사진 및 오프셋 인쇄 시리즈 및 부다페스트의 ImageBank 이론.
1976 : 내부 문제에 직면 해 있으며 Art & Language 회원은 분리되어 있습니다. Michael Baldwin, Mel Ramsden 및 Charles Harrison의 손에 남아있는 Art & Language라는 운명.
1977 : 독일 카셀에있는 Walter De Maria의 수직 지구 킬로미터. 이것은 1km의 황동 막대로 지구로 가라 앉아 몇 센티미터를 제외하고는 아무것도 보이지 않았습니다. 따라서 크기는 크지 만이 작품은 대부분 시청자의 마음에 있습니다.
1982 년 : 카셀시에서 예술과 언어로 운영되는 Victorine을 도큐멘타 7로 공연하고 Art & Language Studio와 함께 배우가 그린 3 웨슬리 플레이스에서 공연을했지만 공연이 취소되었습니다.
1986 : 예술과 언어가 Turner Prize에 지명되었습니다.
1989 년 : Christopher Williams의 앙골라에서 베트남으로 첫 출전. 이 작품은 1985 년에 정치적 실종이 발생한 것으로 알려진 36 개국의 목록에 따라 선택된 하버드 대학교 식물 박물관의 유리 식물 표본에 대한 일련의 흑백 사진으로 구성됩니다. .
1990 : Ashley Bickerton과 Ronald Jones는 Whitney Museum of American Art에서 “3 세대 개념 예술가”의 “마음 이상의 개념 : 개념과 대상”전시회에 참여했습니다.
1991 년 : 로널드 존스는 메트로 픽처 갤러리에서 어두운 정치 현실에 뿌리를 둔 사물과 텍스트, 예술, 역사 및 과학을 전시합니다.
1991 년 : Charles Saatchi가 Damien Hirst에 자금을 지원하고 Saatchi Gallery에서 다음 해에 그의 삶에서 누군가의 마음에 죽음의 육체적 불가능을 보여줍니다.
1992 년 : Maurizio Bolognini는 자신의 프로그램 된 기계를 “밀봉”하기 시작합니다. 수백 대의 컴퓨터가 프로그래밍되어 무한한 속도로 실행되어 아무도 볼 수없는 임의의 이미지를 생성합니다.
1993 : Matthieu Laurette는 여성 발표자가 자신에게 누구인지 물어 보는 ‘멀티미디어 아티스트’인 Tournez manège (데이팅 게임)라는 프랑스 TV 게임에 참여하여 예술적 출생 증명서를 만들었습니다. 로 레트는 예술 청중에게 초대장을 발송하여 집에서 TV로 공연을 보았으며 작가의 공연을 실제 공연으로 바꿨습니다.
1993 년 : 바네사 비 크로프트는 이탈리아 밀라노에서 첫 번째 공연을하면서 음식 일기를 전시하는 두 번째 관객 역할을하는 모델을 사용했습니다.
1999 : Tracey Emin이 Turner Prize에 지명되었습니다. 그녀의 전시회의 일부는 콘돔, 피 묻은 팬티, 병 및 침실 슬리퍼와 같은 이물질로 둘러싸인 흐트러진 침대 인 My Bed입니다.
2001 : Martin Creed는 조명이 켜지고 꺼지는 빈 방인 The Lights Going On and Off의 터너 상을 수상했습니다.
2004 : Andrea Fraser의 비디오 Untitled는 호텔 방에서 수집가와의 성적인 만남에 관한 문서 (감찰을 실시하고 촬영하는 데 기술적 인 비용을 조달하는 데 동의 한 수집가)가 Friedrich Petzel Gallery에 전시되었습니다. 그것은 그녀의 1993 년 작품 Do n’t Post Joy, 또는 Collecting Can Be Fun, 27 페이지 분량의 대본과의 인터뷰 내용을 담고 있으며 대부분의 텍스트가 삭제되었습니다.
2005 : Simon Starling이 보트로 변신 한 나무 창고 인 Shedboatshed의 터너 상을 수상한 후 라인강을 따라 내려가 다시 창고로 돌아섰습니다.
2005 : Maurizio Nannucci는 베를린에있는 Altes Museum의 정면에 All Art Has Been Contemporary의 대형 네온 설치물을 제작합니다.
2014 년 : 올라프 니콜라이 (Olaf Nicolai)는 국제 대회에서 우승 한 후 비엔나의 발 하우스 광장 (Ballhausplatz)에서 나치 군사 사법 재판소 기념관을 창설합니다. 3 단계 조각 위에 새겨진 비문에는 스코틀랜드 시인 이안 해밀턴 핀레이 (Ian Hamilton Finlay, 1924 ~ 2006)의 시가 두 단어로 나뉘어져 있습니다.