VJing 또는 Visual jockey는 실시간 시각적 성능을위한 광범위한 지정입니다. VJing의 특징은 음악과 동기화 된 기술 조정 및 청중을위한 이미지의 실시간 생성 또는 조작입니다. VJing은 종종 콘서트, 나이트 클럽, 음악 축제와 같은 행사에서, 때로는 다른 공연 예술과 함께 열립니다. 그 결과 음악, 배우 및 댄서가 포함 된 라이브 멀티미디어 성능이 제공됩니다. VJing이라는 용어는 MTV의 Video Jockey와 관련하여 인기를 얻었지만 그 기원은 70 년대의 뉴욕 클럽 장면으로 거슬러 올라갑니다. 두 가지 상황 모두에서 VJing은 비주얼의 조작 또는 선택이며 DJing이 오디오의 선택 및 조작과 같은 방식입니다.
VJing을 실행하는 데있어 핵심 요소 중 하나는 “미디어 라이브러리”, VHS 테이프 또는 DVD와 같은 저장 매체, 컴퓨터 하드 드라이브의 비디오 및 스틸 이미지 파일, 라이브 카메라 입력 또는 컴퓨터 생성 영상. 미디어 선택 외에도 VJing은 주로 시각 자료의 실시간 처리를 의미합니다. 단어는 “비디오가 혼합되어 있지 않기 때문에 모호한 (…)”이라는 단어에도 불구하고, 생성 소프트웨어의 실행적인 사용을 설명하는 데 사용됩니다.
태생
약어 VJ는 디스크 자키 (DJ) 및 라이트 자키 (LJ)의 개념을 기반으로 개발되었습니다. 비주얼 자키와 비디오 자키를 혼동해서는 안됩니다. TV 음악 프로그램에서 비디오 자키의 발표자 활동은 시각적 자키의 예술적 성능과 크게 다릅니다.
독일어권 국가, 특히 VJ 거점 비엔나에서 VJ 지정에 대한 토론이 몇 년 동안 진행되었습니다. “비주얼리스트”라는 용어는 여기서 가장 넓은 의미에서 “클래식 VJ”기술을 사용하여 비디오 아트를 제작하지만 음악 이벤트와 독립적으로 행동하는 사람을 지칭하는 데 점점 더 많이 사용됩니다. 한편으로, 실시간으로 생성 된 비디오 아트의 독립성을 참조한다. 반면, 순수한 “비디오 자키”와의보다 나은 개념적 차별화는 장면의 새로운 트렌드를 설명하는 데 사용될 수도 있습니다. 최근에는 콘텐츠의 생생한 생성과 프로젝션 매핑의 사용 경향이 있습니다. 기존 자료 (비디오 클립, 애니메이션, 사진 등의 형태)를 실제 사용하는 클래식 VJ와 달리, 비주얼리스트는 사용 중에 실시간으로 자료를 생성합니다. 이를 위해 그는 소위 생성 소프트웨어를 사용합니다. 현대적인 VJ (또는 비쥬얼리스트)는 쇼룸 전체에 비디오 매핑과 프로젝션 객체의 분포를 사용하여 단일 직사각형 화면에 초점을 맞춘 뷰에서 벗어날 수 있습니다.
역사
이력
역사적으로 VJing은 시각과 음향의 시너지 경험을 다루는 예술 형식에서 그 참고 문헌을 얻었습니다. 이러한 역사적 참고 자료는 카메라 시큐 라, 파노라마 및 디오라마, 마술 등불, 컬러 오르간 및 액체 조명 쇼를 포함하기 위해 라이브 시네마와 같은 다른 라이브 시청각 예술 형식과 공유됩니다.
색상 기관은 색상이 기계적 및 전자 기계적 수단을 통해 소리와 일치하도록 만드는 메커니즘입니다. 컬러 오르간의 발전에 기여한 베인 브리지 비숍은 “음악을 그리는 아이디어”로 지배되었다. 1893 년에 그의 작업을 기록한 책에서 Bishop은 다음과 같이 말합니다. “저는 악기를 구입하고 악기의 음악과 일치하는 다른 색의 조명으로 연주 할 키에 부착물을 만들어 실험했습니다.”
1919 년에서 1927 년 사이 피아노 독주자 인 Mary Hallock-Greenewalt는 Nourathar라는 새로운 기술 예술 형식을 만들었습니다. 이는 아랍어로 “빛의 본질”을 의미합니다. 그녀의 가벼운 음악은 광도 및 색상의 스케일을 생성하는 환경 색상 필드로 구성되었습니다. “키보드 대신 Sarabet은 현대식 믹싱 보드와 같은 점진적인 슬라이더 및 기타 컨트롤을 갖춘 콘솔을 사용했습니다. 조명은 슬라이더를 통해, 페달을 사용하여 개별적으로 작동하는 토글 스위치를 통해 직접 조정할 수 있습니다. 키. ”
1960 년대 클럽과 개인 행사에서 “사람들은 연기에 액체 슬라이드, 디스코 볼 및 가벼운 투사를 사용하여 청중에게 새로운 느낌을주었습니다.이 실험 중 일부는 음악과 관련이 있었지만 대부분 장식으로 기능했습니다.” 이들은 액체 조명 쇼로 알려지게되었습니다. 1965 년부터 1966 년까지 샌프란시스코에서 조슈아 라이트 쇼 (Joshua Light Show)와 빛의 형제단 (Brotherhood of Light)과 같은 아티스트 집단의 비주얼 쇼는 비트 세대, 특히 메리 프랭크 스터 (Merry Pranksters)에서 영감을 얻은 “Grateful Dead”콘서트와 함께 ” 산성 시험에서 “의식의 확장.
앤디 워홀 (Andy Warhol)이 조직 한 1966 년에서 1967 년 사이 불가피한 폭발적인 플라스틱은 파티 맥락에서 음악과 영상의 융합에 기여했습니다. “폭발 파티 프로젝트는 파티의 역사를 실험적인 예술적 형식으로 조사했으며 특히 음악 시각화에 중점을두고 라이브 컨텍스트에서도 중점을 두었습니다.”
1970 년대
중요한 사건들
1970 년대 후반 비디오 및 음악 성능은보다 긴밀하게 통합되었습니다. 콘서트에서 몇몇 밴드는 음악과 함께 정기적 인 영화 / 비디오를 시작했습니다. 실험적인 영화 제작자 인 토니 포츠 (Tony Potts)는 라이브 쇼의 프로젝션을위한 조명 디자인 및 영화 제작에 대한 작업으로 The Monochrome Set의 비공식 멤버로 간주되었습니다. 테스트 부서는 처음에 “Bert”Turnball과 함께 상주 시각 예술가로 작업하여 라이브 공연을위한 슬라이드 쇼와 영화를 제작했습니다. Power Ministry of Power 조직은 공연 그룹, 전통 합창단 및 다양한 정치 운동가와의 협력을 포함했습니다. 인더스트리얼 밴드는 콘서트 홀뿐만 아니라 예술적 맥락에서, 그리고 종종 비디오 프로젝션에서 공연 할 것입니다. Cabaret Voltaire와 같은 그룹은 저렴한 비디오 편집 장비를 사용하여 사운드 작업을위한 시간 기반 콜라주를 제작하기 시작했습니다. “[비디오를 사용하기 전에] 종이에 콜라주를해야했지만 이제는 리듬 (생각 시간)으로 비디오로 제시합니다.” Test Dept, Throbbing Gristle 및 San Francisco의 Tuxedomoon과 같은 그룹이 제작 한 영화 콜라주는 라이브 쇼의 일부가되었습니다.
1981 년 리츠 폭동에있는 퍼블릭 이미지 회사의 영화와 라이브 퍼포먼스를 혼합 한 예로는 뉴욕 이스트 9 번가에 위치한이 클럽은 최첨단 비디오 프로젝션 시스템을 갖추고있었습니다. 클럽 화면에 사전 녹화 된 비디오와 라이브 비디오의 조합을 보여주기 위해 사용되었습니다. PiL은이 화면 뒤에서 그림자를 화면에 투사하는 등을 켜고 재생했습니다. 보다 전통적인 록 쇼를 기대하는 청중은 프로젝션 스크린을 맥주병으로 움켜 쥐고 결국 스크린을 당겨서 반응했습니다.
기술 개발
1971 년에 설립 된 Experimental Television Center라는 Owego New York의 예술가 후퇴는 백남준, Steve Rutt 및 Bill Etra와 같은 비디오 아트 개척자들이 만든 실험 하드웨어를 수집하여 많은 예술가의 발전에 공헌했으며 장비를 제공했습니다. 무료 실험을위한 매력적인 환경의 아티스트에게 많은 결과가 Hurray 나이트 클럽에서 데뷔했으며, 이로 인해 아방가르드 작품을 정규 방송 아울렛에서 방송 할 수 없었던 비디오 아티스트들을위한 새로운 대안이되었습니다. 마찬가지로 전 세계 다른 주요 도시에서도 뮤직 비디오 개발이 진행되어 주류 텔레비전의 대안이되었습니다.
주목할만한 이미지 프로세서는 Sandin Image Processor (1971)이며, 주로 현재 오픈 소스라고하는 것을 설명합니다.
Dan Sandin 이미지 프로세서 또는 “IP”는 출력 컬러 인코더로 라우팅되는 처리 모듈을 통해 전송되는 비디오 신호가있는 아날로그 비디오 프로세서입니다. IP의 가장 독특한 특성은 이미지의 생성을 돕는 처리 방법 및 기계에 대한 대중의 접근을 강조하는 비상업적 철학입니다. IP는 “개인적, 미적, 종교적, 직관적, 종합적 및 탐색 적 성장을 위해 첨단 기계를 사용하는 법을 배우는 문화”에 대한 Sandin의 전자 표현이었습니다. 이 교육 목표는 비디오 아티스트와 비영리 단체가 부품 비용과 제작에 소요되는 땀과 노동에 대해서만 비디오 롤업을 할 수있는 “배포 종교”로 보완되었습니다. . 비디오 아트 도구의 “Heathkit”이었습니다. 전자 회로도 및 기계 조립 정보를 포함하여 완전한 건축 계획을 세웁니다. 납땜, 전자 부품 조달 및 인쇄 회로 기판에 대한 팁도 설명서에 포함되어 작동하는 비디오 신시사이저 버전을 성공적으로 구축 할 가능성이 높아졌습니다.
1980 년대
중요한 사건들
1980 년 5 월, 멀티 미디어 아티스트 / 영화 제작자 Merrill Aldighieri가 Hurrah 나이트 클럽에서 영화를 상영하도록 초대되었습니다. 현재 뮤직 비디오 클립은 대량으로 존재하지 않았으며 비디오 설치를 사용하여 가끔 영화를 발표했습니다. Merrill은 DJ의 음악과 함께 시각적 역할을 동등한 수준으로 끌어 올리기 위해 음악을 해석하기 위해 실시간으로 결합 할 수있는 주변 환경을 대량으로 만들었습니다. DJ와 함께 작업하는이 원시 시각 자료 모음은 실시간으로 혼합되어 음악을 끊임없이 시각적으로 해석합니다. 메릴은 세계 최초의 풀 타임 VJ가되었습니다. MTV 창립자들이이 클럽에 왔고 Merrill은 이들에게 “VJ”라는 용어와 역할을 소개하여 다음 해에 VJ 호스트를 채널에 초대했습니다.
Merrill은 클럽의 많은 음악가, 특히 전자 음악가 Richard Bone과 협력하여 “Emerging Video”라는 제목의 첫 번째 주변 뮤직 비디오 앨범을 만들었습니다. Experimental Television Center의 지원 덕분에 그녀의 비디오와 16mm 필름의 혼합은 독창적 인 Rutt Etra와 Paik 신디사이저의 영향을 받았습니다. 이 영화는 “High Times Magazine”을 통해 VHS에서 제공되었으며 클럽 프로그래밍에 실 렸습니다. 그녀는 다음으로 홈 비디오 시청자에 대해 새로 결성 된 소니 소니 홈 비디오 (SONY HOME VIDEO)와 협력하여 그녀의 시리즈 DANSPAK과 함께 “비디오에서 음악 속보”라는 개념을 소개했습니다. Lou Reed 및 Man Parrish가 포함 된 Jim Carrol Band와 같은 몇 가지 예외를 제외하고이 시리즈는 알려지지 않은 밴드를 특징으로했으며 그 중 상당수는 서명되지 않았습니다.
전자 음악 (특히 집과 테크노 장르)의 등장과 DJ 클럽 문화는 예술가들이 이벤트에서 라이브 비주얼을 만들 수있는 더 많은 기회를 제공했습니다. MTV의 인기로 인해 방송 및 VHS 모두에 대한 뮤직 비디오 제작이 더욱 향상되고 많은 클럽들이 엔터테인먼트 및 분위기의 일부로 뮤직 비디오를 보여주기 시작했습니다.
Joe Shannahan (1989-1990 년 Metro 소유주)은 VHS의 비디오 콘텐츠에 대해 아티스트에게 비용을 지불했습니다. 저녁의 일부는 MTV 뮤직 비디오를 재생하고 저녁의 일부는 Shanahan이 의뢰 한 지역 예술가의 믹스를 실행할 것입니다.
Medusa (시카고의 모든 연령대)는 80 년대 초 중반 (1983-85)에 걸쳐 야간 예술 공연의 일부로 영상을 통합했습니다. 또한 80 년대 중반 시카고에는 매주 토요일 밤마다 Metro가 “Video Metro”를 개최하는 Smart Bar가있었습니다.
기술 개발
1980 년대에는 비교적 저렴한 트랜지스터와 집적 회로 기술을 개발하여 개별 VJ와 나이트 클럽 소유자의 가격에 디지털 비디오 효과 하드웨어를 개발할 수있었습니다.
1981 년에 최초로 상용화 된 비디오 신디사이저 중 하나는 개발중인 나이트 클럽 현장에서 사용하기 위해 판매 된 CEL Electronics Chromascope입니다. 1983 년에 처음 제작 된 페어 라이트 컴퓨터 비디오 기기 (CVI)는이 분야에서 혁신적으로 발전하여 복잡한 디지털 효과를 비디오 소스에 실시간으로 적용 할 수 있습니다. CVI는 텔레비전과 뮤직 비디오 제작자 사이에서 인기를 얻었으며 그 시대부터 수많은 뮤직 비디오에서 기능을 제공했습니다. 1985 년에 소개 된 Commodore Amiga는 가정용 컴퓨터의 접근성을 획기적으로 향상 시켰으며 데스크톱 컴퓨터에서 방송 결과를 생성 할 수있는 2D 및 3D 애니메이션을위한 최초의 컴퓨터 애니메이션 프로그램을 개발했습니다.
1990 년대
중요한 사건들
1990 년대에 Xmix 편집 (1993 년 시작), 런던의 “Lifeforms”(VHS, 1994)의 Future Sound, Emergency Broadcast Network의 “Telecommunication Communication Breakdown”과 같은 VJ의 저작물을 더 배포하기 위해 1990 년대에 다수의 녹음 된 작품이 출판되기 시작했습니다. “(VHS, 1995), Coldcut and Hexstatic의”Timber “(1997 년 이후 VJamm VJ 소프트웨어 사본을 포함한 CDRom에 대한 VHS, 1997 년 이후), 1996-1998 년의 작품의”메고 비디오 “편집 (VHS / PAL, 1999) 영국의 Channel 4 (및 DVD 출시)를위한 Addictive TV의 1998 년 TV 시리즈 “Transambient”.
미국에서는 VJ 장면이 나이트 클럽에서 지하 파티로 바뀐 것으로 인해 격렬한 장면이 등장했을 것입니다. 1991 년경부터 1994 년까지 Mark Zero는 시카고 레이브와 하우스 파티에서 영화를 반복 할 것입니다. 최초의 대규모 시카고 레이브 중 하나는 1993 년 밀워키의 Drop Bass Network가 제작 한 “Massive New Years Eve Revolution”이었습니다. 이 법안에 OVT (Optique Vid Tek) VJ가 등장하면서 주목할만한 이벤트였습니다. 이 행사에 이어 1993 년 4 월 3 일에 개최 된 Psychosis가 진행되고 Psychic TV가 OVT Visuals의 영상을 통해 제목을 붙였습니다. 샌프란시스코에서 Dimension 7은 1993 년에 시작된 서해안 초기 장면을 작업하는 VJ 집단입니다. 1996 년과 1998 년 사이에 Dimension 7은 프로젝터와 레이저를 버닝 맨 축제에 가져갔습니다.
The Light Surgeons 및 Eikon과 같은 영국 그룹은 기존의 액체 조명 쇼 기술을 슬라이드, 필름 및 비디오 프로젝션 레이어와 결합하여 클럽을 변화시키고 이벤트를 열광시키고있었습니다. 브리스톨에서는 1980 년대 대학에서 공동 창립자 인 Mike Godfrey의 건축 논문에서 비롯된 대화식 몰입 형 환경을 개척하면서 Children of Technology가 등장했습니다. Children of Technology는 자체 제작 한 CGI 애니메이션 및 비디오 텍스처 라이브러리를 Jeff Minter와 Dave Japp의 아이디어 인 대화식 VLM (Virtual Light Machine)의 출력과 통합하여 고출력 비디오 및 레이저 프로젝션을 사용하여 500m2 이상의 레이어 스크린에 출력 전용 조명 쇼 내에서. “Ambient Theatre Lightshow”는 Glastonbury 93에서 처음 등장했으며 Shamen에게 VJ 영상을 제공했습니다. 축제에서 “Ebeneezer Good”을 쳤다. 초대 된 뮤지션은 프로토 타입 몰입 환경 내에서 VLM을 사용하여 Ambient Theatre Lightshow에 걸렸습니다.
Children of Technology는 1993 년에서 1995 년 사이의 “Obsession”레이브 쇼 공연, 극장, 클럽, 광고, 주요 무대 쇼 및 TV 이벤트를 포함한 광범위한 프로젝트에 대화 형 비디오 개념을 도입했습니다. 여기에는 3D 비디오 / 사운드 녹음 및 성능을 갖춘 선구적인 프로젝트와 많은 미디어 기술 아이디어가 현재 자리 잡고있는 1990 년대 후반의 주요 건축 프로젝트가 포함되었습니다. 또 다른 단체 인 “헥스 (Hex)”는 컴퓨터 게임에서 미술 전시회에 이르기까지 광범위한 미디어에 걸쳐 작업하고 있었으며 라이브 시청각 방해, 컴퓨터 생성 오디오 공연 및 대화 형 협업 기기를 포함한 많은 새로운 미디어 하이브리드를 개척했습니다. 이것은 설치 예술과 같은 분야에서 클럽과 댄스 파티를 넘어 많은 VJ가 일하는 오늘날의 추세의 시작이었습니다.
일본의 저서 “VJ2000″(1999 년 하라다 데자부로)은 VJ의 관행을 논의하기 위해 출판 된 최초의 간행물 중 하나이다.
기술 개발
떠오르는 격렬한 장면과 홈 엔터테인먼트 시스템을위한 약간 더 저렴한 비디오 기술의 조합으로 인해 소비재가 예술적 제작에 더 널리 사용되었습니다. 그러나 이러한 새로운 유형의 비디오 장비 비용은 여전히 많은 예술가들에게 엄청나게 높았습니다.
2000 년대 VJ 장면의 확산으로 이어지는 세 가지 주요 요인이 있습니다.
저렴하고 빠른 노트북;
비디오 프로젝터의 가격 인하 (특히 회사가 craigslist에서 상품을 선적하는 닷컴 컴 버스트 이후)
강력한 격찬 장면의 출현과 국제적으로 클럽 문화의 성장
그 결과 VJ 장면은 새로운 예술가와 스타일의 폭발을 보았습니다. 이 조건들은 또한 알고리즘적이고 생생한 시각을 만들어내는 예술가들의 덜 눈에 띄는 (그러나 그럼에도 불구하고) 강한 운동의 갑작스런 출현을 촉진시켰다.
10 년 동안 비디오 기술은 전문 영화 및 텔레비전 스튜디오를위한 것이 아니라 프로슈머 시장을위한 접근성 (예 : 결혼 산업, 교회 프리젠 테이션, 저예산 영화 및 커뮤니티 텔레비전 제작)으로 전환되었습니다. 이 믹서는 성능 설정의 핵심 구성 요소로 VJ에서 빠르게 채택되었습니다. 이것은 Technics 1200 턴테이블의 출시와 비슷합니다. Technics 1200 턴테이블은 고급 홈 엔터테인먼트 시스템을 원하는 주택 소유자에게 판매되었지만 음악가와 음악 애호가가 실험에 적합했습니다. 처음에는 비디오 믹서를 사용하여 VHSplayer와 라이브 카메라 소스에서 미리 준비된 비디오 자료를 혼합하고 나중에 새로운 컴퓨터 소프트웨어 출력을 혼합에 추가했습니다. 90 년대에는 Panasonic의 WJ-MX50과 같은 다양한 디지털 비디오 믹서가 개발되었습니다.
VJ는 Amiga 컴퓨터 용 NewTek Video Toaster와 같은 초기 데스크탑 편집 시스템을 신속하게 사용할 수있게되었습니다. 소프트웨어 개발자는 O’Wonder의 “Bitbopper와 같은 라이브 비주얼을 위해 특별히 설계된 시스템을 개발하기 시작했습니다. “.
VJ의 첫 번째 알려진 소프트웨어는 Vujak으로, 1992 년에 제작되었으며 아티스트 인 Brian Kane이 자신이 속한 비디오 아트 그룹 인 Emergency Broadcast Network에 의해 Mac 용으로 작성되었지만 라이브 공연에는 사용되지 않았습니다. EBN은 Mark Marinello와 Greg Deocampo가 개발 한 EBN VideoSampler v2.3을 사용했습니다. 영국에서 Bristol의 기술 분야 어린이는 1992 년과 1993 년에 AVLS 또는 Audio-Visual-Live-System이라는 VLM (Virtual Light Machine)을 사용하여 몰입 형 비디오 라이트 쇼를 개발했습니다. VLM은 비디오 엔지니어 Dave Japp가 사용하는 맞춤형 PC입니다. Jeff Minter (Llamasoft & Virtual Light Co.)가 프로그래밍 한 초소형 트랜스포머 칩 및 수정 된 마더 보드.
VLM은 Jeff의 초기 Llamasoft Light Synthesizer 프로그램 이후에 개발되었습니다. VLM을 사용하면 라이브 뮤지션의 DI 나 DJ의 활성화 된 Jeff의 실시간 실시간 비디오 패턴이 CGI 애니메이션 / VHS 사용자 정의 텍스처 라이브러리 및 라이브 카메라 비디오 피드백과 함께 팬 소닉 비디오 믹서를 사용하여 실시간으로 혼합되었습니다. 기술의 어린이들은 거대한 표면 및 매핑 된 투영과 동시에 실시간 3D 빔 효과를 생성하기 위해 고출력 및 저전력 비디오 투영을 사용하여 자체 “비디오 라이트”시스템을 개발했습니다.
VLM은 Shamen, The Orb, Primal Scream, Obsession, Peter Gabriel, Prince 등 1993 년에서 1996 년 사이에 사용되었습니다. VJ의 관심이 높아짐에 따라 VLM의 소프트웨어 버전이 Atari의 Jaguar 콘솔에 통합되었습니다. 90 년대 중반, Cthugha와 Bomb와 같은 Audio Reactive Pure Synthesis (클립 기반이 아닌) 소프트웨어는 영향력이있었습니다. 90 년대 후반에는 MooNSTER, Aestesis 및 Advanced Visualization Studio와 같은 생성 비주얼 프로그램과 Gianluca Del Gobbo가 제작 한 FLxER와 같은 비디오 클립 플레이어 및 VJamm을 비롯한 여러 PC 기반 VJing 소프트웨어가 사용 가능했습니다.
Max / MSP, Macromedia Director 및 이후 Quartz Composer와 같은 프로그래밍 환경은 자체적으로 사용되기 시작했으며 VDMX 또는 pixmix와 같은 VJing 프로그램을 작성하기 시작했습니다. 이러한 새로운 소프트웨어 제품과 10 년 동안 컴퓨터 처리 성능이 크게 향상됨에 따라 VJ는 이제 정기적으로 컴퓨터를 징계하고 있습니다.
2000 년대
중요한 사건들
새로운 세기는 시각적 성능의 실천에 새로운 역학을 가져 왔습니다. 이전에 VJ가되었다는 것은 다른 사람들과 격리 된자가 발명의 과정을 의미했습니다.이 용어는 널리 알려지지 않았습니다. 그런 다음 인터넷 채택이 증가하면서 다른 실무자에게 접근하는 것이 표준이되었으며 가상 커뮤니티가 빠르게 형성되었습니다. 집단적 감각은 가상 세계에서 물리적 공간으로 바뀌었다. 이는 VJing에 중점을두고 유럽 전역에서 열리는 수많은 축제를 통해 분명해집니다.
유럽에서의 VJ 이벤트
바르셀로나에서 열린 VideA 축제는 2000 년에서 2005 년까지 진행되었습니다. AVIT는 VJCentral.com의 온라인 커뮤니티가 물리적 존재를 자체적으로 조직하고 리즈 (2002)에서 처음으로 축제를 가졌으며 시카고 (2003)로 시작되었습니다. 브라이튼 (2003), 샌프란시스코 (2004) 및 버밍엄 (2005), 크로아티아 (2003)의 320×240, 베를린의 유럽 (2003)에 문의하십시오. 또한 브뤼셀의 Cimatics 축제는 개척 행사로 인정 받아야하며 2002 년 VJing에 전념하는 첫 번째 축제 버전으로 선정되었습니다. 2003 년 핀란드 미디어 아트 페스티벌 PixelAche는 VJing 주제에 전념했으며, 2003 년 베를린의 카오스 컴퓨터 클럽은 VJ 캠프 및 의회 행사를 특징으로하는 AVIT 조직자와 협력을 시작했습니다. LPM-Live Performers Meeting은 2004 년 로마에서 태어났습니다. 종종 개별 작업 아티스트, 동료 VJ 아티스트를 만나고 새 프로젝트를 분리하고 모든 VJing 관련 경험, 소프트웨어, 질문 및 통찰력을 공유 할 수있는 장소를 제공하기 위해. LPM은 2019 년 20 번째 판을 세면서 VJing, 시각 및 라이브 비디오 성능의 아티스트, 전문가 및 애호가를위한 세계적인 국제 회의 중 하나가되었습니다. 또한 2005 년과 2007 년에 영국 아티스트 Addictive TV가 British Film Institute와 함께 London IMAX 시네마와 BFI 사우스 뱅크에서 시청각 공연을 보여주는 크로스 오버 이벤트 인 Optronica를 제작했습니다.
VJing, 제네바의 매핑 페스티벌, 파리의 Vision’R에 전념하는 두 개의 축제가 2005 년에 첫 번째 버전을 열었습니다. 또한 VJ를 메인 스테이지 라인업에 정기적으로 포함시키기 시작했습니다.
유럽 이외의 VJ 이벤트
몬트리올에서 열린 MUTEK 축제 (2000 ~ 현재)는 정기적으로 실험적인 음향 예술 공연과 함께 VJ를 선보였으며, 이후 엘렉트라 축제 (2008 ~ 현재)도 몬트리올에서 나타 났으며 많은 VJ 공연을 선보였습니다. 호주 퍼스에서 Byte Me! 페스티벌 (2007)은 새로운 미디어 이론가 및 디자인 전문가와 함께 Pacific Rim 지역의 많은 VJ의 작품을 보여 주었다.
적은 자금으로 미국 현장은 축제보다 더 많은 워크샵과 살롱을 주최했습니다. 2000 년에서 2006 년 사이에 Grant Davis (VJ Culture)와 Dimension 7의 Jon Schwark는 샌프란시스코에서 강력한 VJ 커뮤니티를 구축하고 교육하는 데 중요한 월간 모임 인 “Video Salon”을 제작했으며 캘리포니아와 미국 전역의 VJ가 참석했습니다. 상태. 또한 매년 “Video RIOT!”를 제작했습니다. (2003-2005)는 2003 년 RAVE 법 (미국인의 엑스터시 취약성 감소 법)에 따른 정치적 진술로 사용되었습니다. 2004 년 조지 W. 부시 대통령의 재선에 의한 불만 표시; 2005 년 샌프란시스코시 조례를 무시하고 공개 집회를 제한했습니다.
이 기간 동안 샌디에고 (2003)에서 Video Salon의 “SIGGRAPH VJ Battle”, 토론토 (2006)에서 Videocake의 “AV Deathmatch”시리즈 및 Mapping Festival의 “VJ Contests”와 같은 여러 VJ 전투 및 경쟁이 시작되었습니다. 제네바 (2009). 이들은 VJ에게 최고의 믹스를 선보일 일정 시간이 주어지고 심사위 원단에 의해 여러 기준에 따라 판단되는 전통적인 DJ 전투와 매우 유사합니다.
기술 개발
새로운 소비자 수준 기술의 가용성과 경제성 덕분에 더 많은 사람들이 VJing에 참여할 수있었습니다. 사용 가능한 컴퓨터 처리 능력의 급격한 증가는보다 컴팩트하지만 종종 더 복잡한 설정을 가능하게하여 때로는 VJ 소프트웨어를 실행하는 강력한 컴퓨터를 사용하여 믹싱을 제어하기 위해 비디오 믹서를 사용하여 VJ를 우회 할 수 있습니다. 그러나 많은 VJ는 여러 소스와 함께 비디오 믹서를 계속 사용하므로 광범위한 입력 장치에 대한 유연성과 컴퓨터의 CPU 과부하로 인한 컴퓨터 충돌 또는 비디오 재생 속도 저하에 대한 수준의 보안을 허용합니다. 비디오 처리.
오늘날 VJ는 비디오 샘플 재생 (Korg Kaptivator), 실시간 비디오 효과 (Korg Entrancer) 및 3D 비주얼 생성을 포함하여 비주얼 성능의 모든 측면을 포괄하는 다양한 선반 하드웨어 제품을 선택할 수 있습니다.
DVD의 광범위한 사용은 긁을 수있는 DVD 플레이어를위한 이니셔티브를 제공했습니다.
2000 년대에 VJ가 마우스 / 키보드 컴퓨터 인터페이스와 주로 상호 작용하는 대신 물리적 노브, 다이얼 및 슬라이더를 기반으로 컨트롤러를 사용할 수 있도록 많은 새로운 MIDI 컨트롤러 모델이 출시되었습니다.
라이브 비디오 작업에 대한 실험적인 접근 방식을 사용하는 많은 VJ도 있습니다. 퓨어 데이터와 같은 오픈 소스 그래픽 프로그래밍 환경은 종종 퍼포먼스를위한 맞춤형 소프트웨어 인터페이스를 생성하거나 라이브 데이터를 처리하기 위해 실험 장치를 컴퓨터에 연결하는 데 사용됩니다 (예 : IBVA EEG 판독 뇌파 장치, Arduino 마이크로 프로세서, 또는 어린이 장난감을 구부리는 회로).
또한 10 년 후반에는 와이드 스크린 캔버스, 다중 프로젝션 및 비디오를 건축 형태로 매핑하는 등 디스플레이 구성이 크게 증가했습니다. 이러한 변화는 방송 기반 기술에서 NTSC 및 PAL의 4×3 종횡비 사양에서 10 년 동안 단단히 고정 된 컴퓨터 산업 기술로의 전환에 의해 밑줄이 그어져있다. 여기서 사무실 프레젠테이션, 몰입 형 게임 및 기업 비디오 프리젠 테이션의 다양한 요구는 산출 방법의 다양성과 풍부함. ~ 640x480i 고정 형식의 NTSC / PAL과 비교할 때 DVI를 사용하는 최신 랩톱은 최대 ~ 2500 픽셀 너비의 다양한 해상도를 출력 할 수 있으며 Matrox TripleHead2Go와 함께 이미지가 서로 다른 3 개의 디스플레이를 공급할 수 있습니다.
조작
DVJ 디스크는 DVJ에서 재생할 수있는 오디오 / 비디오 클립이 포함 된 DVD입니다. 디스크의 음악과 비디오는 DVJ가 원하는 모든 것이 될 수 있지만 DJ 세계와 마찬가지로 전자 음악 스타일 일 것입니다. 전관 방송 시스템으로 전송되는 오디오 외에도 비디오는 비디오 프로젝터 또는 기타 시청 장비로 전송됩니다. 디스크의 오디오 및 비디오는 스크래치, 믹싱 또는 DVJ의 기타 변환에 관계없이 항상 동기화됩니다. 다른 오디오 및 비디오 믹싱 방법과 비교할 때 매우 혁명적이었습니다. 비디오는 항상 오디오를 따르도록 세 심하게 프로그래밍해야했기 때문입니다. 이것은 종종 비디오 측을 보장하기 위해 두 번째 애니메이터의 존재를 필요로하여 DJ의 즉흥 연주 가능성을 제한했다.
DVJ 플레이어 (대부분의 모든 DJ에는 비닐, CD 또는 DVD를 재생할 수있는 두 명의 플레이어가 있으며, 일부는 다른 미디어를 재생할 수있는 추가 플레이어가 있으며 다른 일부는 여러 소스를 혼합 할 수 있음) DVJ 플레이어에는 오디오 및 비디오를 사용해야합니다 DVJ가 오디오 및 비디오 소스를 선택하고 믹싱 할 수있는 믹서. 일부 믹서를 사용하면 DVJ가 비디오에서 간단한 변환을 수행 할 수도 있습니다. 오디오 믹서는 이퀄라이저, 볼륨, 효과 및 크로스 페이드를 관리 할 수있는 반면, 오디오 및 비디오 믹서는 색조, 채도, 밝기, 선명도 및 TV에서 볼 수있는 기타 파라미터를 관리 할 수도 있습니다. 또한 비디오 클립간에 페이드, 인스턴트 전환 또는 페인 페이드와 같은 다양한 유형의 전환을 수행 할 수 있습니다.
믹서는 일반적으로 엔터테인먼트 세계에서 새로운 것은 아니지만 (텔레비전이나 영화 스튜디오에서 가장 많이 발견됨) DJ의 세계에 있습니다. DVJ를위한 DVJ 플레이어 사용의 단순성으로 인해 DVJing은 DVJing이 멤버를 확보 할 수있게되었으며, 주로 나이트 클럽과 열렬한 파티 주최측의 강력한 DJ 요청을 받았습니다. 그러나 이러한 기술은 매우 최근에 비용이 많이 들기 때문에 DVJing은 여전히 클럽 세계의 일부가 아닙니다. 이러한 기술을 사용하는 한 곳은 Sander Kleinenberg, Addictive TV, Christian S 및 Kel Sweeney와 같은 최고의 DVJ를 위해 예약되어 있지만 Liquid Basildon입니다. 분명히, 이러한 기술이 민주화되면서 가격이 떨어지고 궁극적으로 아마추어 애니메이터에게 장비를 제공 할 수 있습니다. DVJ는 미래의 비디오 믹싱 기술 혁신을 통해 편광,
장비
DVJ의 기본 구성에는 오디오 믹서와 비디오 믹서라는 두 명의 플레이어가 포함됩니다. 가장 인기있는 DVJ 플레이어는 파이오니아 DVJ-1000입니다. 거실의 DVD 플레이어보다 읽기 속도가 빠른 DVD 플레이어, 그리고 비닐 턴테이블을 모방 한 디자인과 관련된 읽기에서 트랙에서 점프 또는 복귀를 가능하게하는 버퍼 메모리. DVJ는 트레이를 돌려 노래를 빠르게 검색 할 수 있습니다. 노래를 다른 노래와 함께 설정하려면 재생 속도 (피치)를 높이거나 낮추십시오. “CDJ / Vinyl”옵션을 사용하면 노래에서 앞뒤로 이동할 수 있습니다 (유명한 “스크래치”효과).
디지털 기술의 이점으로 사용되는 다른 옵션으로는 루핑, 프리즈 프레임, 슬로우 모션, 즉석 일시 정지 / 재생이 있습니다 (턴테이블은 시작 또는 중지하는 데 약간의 시간이 필요함). 2004 년에 유명한 호주 DJ 인 DJ J-red가 태어난 Jarrod Fox는 턴테이블리스트 스타일로이 기술을 사용하기 시작했습니다. J-red는이 기술을 프라하에서 2005 년 International Turntablist Federation World Championships에 도입하여 세계 ITF 실험 챔피언이자 세계 DJing 경쟁에 비디오를 포함시킨 최초의 DJ가되었습니다.
Videonics는 비디오 믹서를 판매하는 여러 브랜드 중 하나입니다. 이 장치는 여러 비디오 소스 만 수용하고 여러 방식으로 결합합니다. DVJ Panoply의 또 다른 반복되는 부분은 스위처입니다. 많은 디지털 플레이어, CD 또는 DVD에는 페이더 시작 옵션이있어 믹서의 페이더가 플레이어에게 트랙을 재생하도록 요청할 수 있습니다. 이러한 스위치 (예 : Pioneer DJ 브랜드의 VSW-1 스위처)를 사용하면 비디오 스크래치 효과는 오디오에서 듣는 전통적인 왕복 운동을 보여줍니다. 다른 오디오 및 비디오 믹서도 크로 마키 옵션을 제공하여 유명한 “인레이”를 수행 할 수 있습니다. Videonics는 이러한 가능성을 제공하는 여러 믹서를 생산합니다.
DVJ는 DVD에 포함 된 트랙을 믹서에서 조정할 수있는 특정 색상으로 재생할 수 있습니다. 그런 다음 믹서는이 색상을 찾아 DVJ가 선택할 수있는 것으로 교체합니다. DVJ는 종종 카메라를 사용하여 청중을 촬영하거나 사진을 찍고 이미지 나 비디오를 다른 것에 오버레이하여 새로운 것을 만듭니다. 하이 엔드 믹서의 예로는 Pioneer SVM-1000이 있는데, 여기에는 미리보기 화면, 스위치, 오디오 및 비디오 효과가 모두 4 채널 믹서로 결합되어 있습니다. 파이오니어 DJM-800 믹서, 파이오니어 VSW-1 스위처 및 트리플 프리뷰 화면으로 표준 구성을 얻을 수 있습니다. 그러나이 유형의 구성에서는 전송해야하는 많은 수의 디스크를 사용해야합니다. 또한 디스크를 변경하면 컴퓨터 구성과 달리 시간이 낭비되고 DVJ가 디스크를 손상시킬 위험이 있습니다.
컴포넌트 구성과 달리 OtisAV DJ, PCDJ, VirtualDJ 및 Serato Scratch Live와 같은 컴퓨터 소프트웨어는 모두 오디오 및 비디오 믹싱 기능을 제공합니다. 비디오는 컴퓨터에 의해 혼합 된 후 비디오 프로젝터에 연결되어 물리적 믹서가 필요하지 않습니다. 이 소프트웨어는 컴퓨터를 플레이어, 오디오 및 비디오 믹서 및 미리보기 화면과 같은 일체형 장치로 변환합니다. 비닐 플레이어 또는 턴테이블을 제어 디스크 (타임 코드)와 함께 사용하여 소프트웨어를 제어 할 수 있으며, 일부 소프트웨어는 MIDI 컨트롤러로 제어 할 수있어 더 가벼운 구성이 가능하며 테이블 믹서와 플레이어를 구입할 필요가 없습니다. 이 시스템을 사용하기 위해 DVJ는 DVD 트랙을 추출하여 USB 메모리에 저장하므로 운반 할 장비가 줄어 듭니다.
이 솔루션은 더 실용적 일뿐만 아니라 더 저렴합니다. DVJ 플레이어는 수천 유로에 달하는 반면 소프트웨어와 컨트롤러는 수백 유로에 구입할 수 있으며 충분히 강력한 모든 컴퓨터에서 사용할 수 있습니다. 컴퓨터, 소프트웨어 및 USB 메모리를 사용하는 구성보다 구성 요소 구성이 더 비쌀 수 있습니다. 특히 다른 컴퓨터를 구입할 필요가없는 강력한 컴퓨터가있는 경우 더욱 그렇습니다. DVJ 플레이어는 수천 유로에 달하는 반면 소프트웨어와 컨트롤러는 수백 유로에 구입할 수 있으며 충분히 강력한 컴퓨터에서 사용할 수 있습니다.
컴퓨터를 사용하는 시스템은 최신 그래픽 카드가 포함 된 강력한 컴퓨터에서만 사용할 수 있습니다. 그렇지 않으면 비디오 품질이 저하 될 수 있으며 대기 시간이나 충돌의 위험이있어 전체 성능이 저하 될 수 있습니다. 파일을 인코딩하고 읽는 데 사용되는 설정은 매우 중요하며 품질에 영향을 줄 수 있지만 현재 방법 및 품질 표준은이 문제를 해결합니다. 또한 물리적 드라이브가 SD 해상도로 제한되는 경우 Serato와 같은 소프트웨어는 1080p까지 HD 720p를 지원합니다 (아직 기술적으로 지원되지는 않지만).
DJ는 헤드폰을 사용하여 청중 모르게 다음 트랙을 준비합니다. DVJ는 비디오와 동일한 작업을 수행해야하며 여러 화면이 필요합니다. 구성 요소 구성의 경우 Y 스플리터 케이블과 같이 각 플레이어에 비디오 화면이 필요합니다. 컴퓨터를 사용한 구성에서는 컴퓨터에 비디오 출력과 비디오 출력이 모두있는 비디오 출력이 두 개 이상 있어야합니다. 다른 하나는 비디오 출력 만 있습니다. 이것은 DVJ의 캐빈에 공간을 확보하는데, 그렇지 않으면 3 개의 미리보기 화면, 컨트롤러 및 출력 화면이 차지합니다. 더 나은 기술, 형식 및 해상도가 등장함에 따라 이러한 시스템을 호환되도록 업데이트 할 수 있습니다.
일반적인 기술 설정
VJing의 중요한 측면은 기술을 사용하는 것, 즉 다른 분야를위한 기존 기술을 다시 사용하거나 라이브 공연을 목적으로하는 새롭고 구체적인 기술을 만드는 것입니다. 비디오의 출현은 VJ (비디오 자키)의 형성을 결정 짓는 순간입니다.
VJ는 종종 비디오 믹서를 사용하여 다양한 비디오 소스를 라이브 모션 컴포지션에 혼합하고 중첩시킵니다. 최근에는 전자 악기 제조업체들이 VJing을위한 특수 장비를 만들기 시작했습니다.
VJing은 비디오 카메라, 비디오 데크 및 모니터와 같은 비디오 하드웨어를 사용하여 공연자들이 처음 개발하여 카메라에서 라이브 입력으로 사전에 녹음 된 요소와 혼합 된 방송 TV로 즉석 공연을 전송합니다. 이 전통은 상업적으로 또는 VJ가 주문 제작 한 다양한 하드웨어 및 소프트웨어를 사용하여 많은 VJ와 함께합니다.
VJ 하드웨어는 카테고리로 나눌 수 있습니다-
소스 하드웨어는 VJ (예 : 비디오 카메라 및 비디오 신시사이저)로 조작 할 수있는 비디오 사진을 생성합니다.
재생 하드웨어는 디스크 또는 테이프 기반 저장 매체 (예 : VHS 테이프 플레이어 및 DVD 플레이어)에서 기존 비디오 스트림을 재생합니다.
믹싱 하드웨어를 사용하면 비디오 믹서 또는 VJ 소프트웨어를 사용하는 컴퓨터 등 여러 비디오 스트림을 결합 할 수 있습니다.
효과 하드웨어를 사용하면 비디오 스트림에 특수 효과를 추가 할 수 있습니다 (예 : 색상 교정 장치)
출력 하드웨어는 비디오 신호, 예를 들어 비디오 프로젝터, LED 디스플레이 또는 플라즈마 스크린을 표시하기위한 것입니다.
VJ가 작업에 사용할 수있는 여러 유형의 소프트웨어가 있으며 Adobe Premiere, After Effects 및 Apple의 Final Cut Pro와 같은 기존 NLE 제작 도구를 사용하여 VJ 쇼용 컨텐츠를 만듭니다. VJ는 전문가 성능 소프트웨어를 사용하여 비디오를 실시간으로 재생하고 조작합니다.
VJ 성능 소프트웨어는 매우 다양하며 컴퓨터가 아날로그 비디오 믹서의 역할을 대체하고 여러 화면 또는 프로젝터로 구성된 확장 캔버스에서 비디오를 출력 할 수있는 소프트웨어를 포함합니다. Modul8 및 Magic과 같은 전용 VJ 소프트웨어를 생산하는 소규모 회사는 VJ에 라이브 카메라 입력과 결합 된 여러 레이어의 비디오 클립을 실시간으로 처리 할 수있는 정교한 인터페이스를 제공하여 VJ에 완벽한 선반 솔루션을 제공하여 컨텐츠에 간단히로드 할 수 있습니다. 행하다. 2000 년대에 등장한 인기 타이틀로는 Nusol, Resolume이 있습니다.
일부 VJ는 자신의 성능 스타일에 맞게 소프트웨어를 직접 개발하는 것을 선호합니다. Max / MSP / Jitter, Isadora 및 Pure Data와 같은 그래픽 프로그래밍 환경은 수년간의 코딩 경험 없이도 이러한 사용자 지정 소프트웨어를 신속하게 개발할 수 있도록 개발되었습니다.
샘플 워크 플로우
VJ가 수행하는 데 사용할 수있는 여러 유형의 하드웨어 및 소프트웨어 구성이 있습니다.
연구와 성찰
여러 연구 프로젝트가 반사적이고 이론적 인 관점에서 VJing의 문서화와 연구에 전념해 왔습니다. 라운드 테이블, 토크, 프리젠 테이션 및 토론은 매핑 페스티벌의 경우와 같이 ISEA 및 Ars Electronica와 같은 새로운 미디어 아트와 관련된 페스티벌 및 컨퍼런스의 일부이며 VJing과 관련이 있습니다. 대화를 통한 아이디어의 교환은 생산의 실용성과 관련된 문제에서보다 복잡한 아이디어와 프로세스 및 개념으로 토론의 전환에 기여했습니다. VJing과 관련된 과목은 정체성, 페르소나 (개인 및 집단), 예술, 관객 참여, 저작, 네트워크, 협업 및 이야기의 순간입니다. 공동 프로젝트를 통해
온라인 및 인쇄 된 정기 간행물은 VJing에 대한 특별 문제를 시작했습니다. 이것은 라이브 시네마 (VJ의 작품)와 Vague Terrain (온라인 뉴 미디어 저널)과 VJ의 라이즈 (The Rise of the VJ) 문제가있는 AMinima 인쇄 잡지의 경우입니다.
컴퓨터 지원 프로젝션
슬라이드 사용과 같은 다른 관행, 특히 특히 야외에서 허용되는 드레싱에 대해 컴퓨터가 여전히 최신 상태 인 경우에도 1990 년대 말부터 VJ가 컴퓨터를 선택했습니다.
컴퓨터의 이러한 대규모 사용은 웹에서 VJ 장면과 미래에 대한 많은 고찰의 근원에있는 대규모 커뮤니티의 개발을 가능하게하며 AVIT 또는 Contact-Europe와 같은 여러 축제주기를 확립 할 수있게 해줍니다.
체재
이 소프트웨어는 대부분의 형식을 허용하며 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다.
이미지와 비디오 모두에 대한 모든 유형의 인코딩을 포함하는 전통적인 디지털 이미지;
플래시 형식, 3D 및 프랙탈 생성을 포함하는 컴퓨터 생성 이미지.
VJ는 이미지를 모두 혼합하여 한 종류의 이미지로만 작업하도록 선택할 수 있습니다.
소프트웨어
가장 간단한 것부터 가장 기술적 인 것까지 모든 것이 존재합니다.
사운드 분석 기능이있는 소프트웨어 : 대부분 오디오 편집 소프트웨어에 추가 된 플러그로, BPM을 자동으로 감지하여 미리 결정된 또는 미리 정의되지 않은 시퀀스를 무작위로 반복 할 수 있습니다.
가상 비디오 믹서 : 가상 편집 스튜디오 (소프트웨어에 따라 다소 기술적 인 부분)를 재생성하는 소프트웨어이므로 여러 비디오 채널을 혼합 할 수 있습니다.
가상 비주얼 신시사이저 : 고급 및 기술 기능을 갖춘 소프트웨어로, 컴퓨터 키보드의 특정 키에 특정 기능을 할당하여 “I”로 단순화 된 일종의 “비주얼 키보드”를 만들 수 있습니다. 키를 누르면 비디오가 트리거됩니다 ”
하드웨어
또한 기술 발전도 많이 이루어 졌으므로 이제 컴퓨터의 거의 모든 것을 꽂을 수 있으므로 조이스틱 (퀘벡의 조이스틱)과 같은 믹서를 통해 또는 가상 CD 데크를 장착하거나 미디 키보드로 미디 키보드로 제어 할 수 있습니다.
일부 소프트웨어는 휴대용 멀티미디어 플레이어에서 작동하므로 컴퓨터를 대체 할 수 있습니다.
장비의 비용과 제약
비용은 목표와 사용 가능한 수단에 따라 다릅니다. 전문 비디오 장비는 여전히 비쌉니다.
시작하려면 비디오 출력 (바람직하게 휴대용), 이미지 소프트웨어 (Mac의 경우 Windows의 경우) 및 TV를 갖춘 컴퓨터가 필요합니다.
비디오 프로젝터의 가격은 점점 저렴 해지고 있지만 대형 극장에서는 여전히 부족합니다. 한 가지 해결책은 상황에 따라 임대하는 것입니다. 야간 공연의 경우 프로젝터는 스크린 크기와 주변 광에 따라 2,000 ~ 50,000 루멘을 제공 할 수 있습니다.
또한 루프를 만들 수있는 캠코더와 편집 소프트웨어가 있어야합니다.
추가 단계를 수행하려면 소프트웨어를 실시간으로 주문하려면 제어 표면 (midi 또는 DMX)을 확보해야합니다.
그런 다음 우리는 DVD 플레이어뿐만 아니라 다른 외부 비디오 소스, 비디오 믹서, 비디오 이펙터, 두 번째 컴퓨터, 여러 무대 카메라, 스크린 등을 보게됩니다.
2008 년에 시작 예산은 새로운 장비의 경우 300 ~ 600 €이었고 행사의 경우 절반이었습니다.
반복되는 토론
컴퓨터가 선택의 도구로서 등장하고, 그것이 등장한 커뮤니티의 출현으로, 많은 반성이 VJ 장면에 영향을 미쳤으며 우리는 단일 토론, 즉 존재 여부에 대한 요약을 할 수 있습니다. 시각적 믹스에서의 의미
장면의 전문성을 옹호하기 위해 일부 VJ는 전체 및 서 사각으로 간주되는 전체 믹스 품질의 필수 지점으로 의미합니다.
반대로, 다른 VJ는 모든 사람들이 원하는 의미를 자유롭게 배치 할 수 있도록 기술적 의미에서 비롯된 기술적 인 장면에서 태어 났기 때문에 VJ 장면은이 라인 드라이빙을 계속해야한다는 생각을 변호합니다.
마지막으로, 의미에 대한 토론에서 다른 토론은 섞여 있습니다. 일부 VJ는 자신을 정치-VJ로 지정하여 클럽을 사회적으로 반영되는 미디어로 바꾸고, 정치적으로 강한 루프를 사용하여 더 강한 사회적 구조로 클럽을 변화시킵니다. 그들의 비디오 믹스 내에서의 의미.
대학
시각적 혼합에서 의미의 존재 유무에 대한 되풀이되는 논쟁 외에도, 공개적으로 전념하지 않는 소프트웨어와 하드웨어를 각각 논리적으로 선택하는“그란데 에콜”몇 개가 있습니다.
VJ-DJ : DJ 접근 방식에 최대한 근접합니다. DJ는 두 개의 트랙과 믹싱되므로 VJ는 최소한 두 개의 소스와 믹싱됩니다 (모든 소스는 가장 기술적 인 여러 VJ를 혼합하는 것부터 여러 비디오 레코더까지) 단순).
VJ 비디오 아티스트 : 비주얼 드레싱보다 예술 작품에 더 가까이 다가갑니다. 사용 된 시퀀스는 독창적이며 서비스는 시각적 믹스보다 시각적으로 실제 시각적 생성을 기반으로합니다.
VJ-visucien : 우리는 음악에 의한 라이브 행위, 즉 컴퓨터가 실시간으로 지원하는 창작에 접근하고 있습니다. 이 서비스는 실시간 개념과 믹스의 적응성에 훨씬 기반을두고 있습니다. 이를 통해 음악가, 댄서 또는 즉흥 시인과 같은 다른 아티스트와 상호 작용할 수 있습니다.
아날로그 또는 컴퓨터 기반 비디오 믹서, 비디오, 비디오 레코더 및 카메라를 생성하는 제어 인터페이스 (클러스터로 연결될 수 있음)가있는 컴퓨터를 연결할 수 있습니다.
VJ- 개발자 / 디자이너 : 믹싱 하드웨어 디자인이든 전용 소프트웨어 디자인이든 자신 만의 툴을 개발합니다.
비디오 기기의 개념은 현재 개발 중이며 단락 또는 계획되지 않은 전류 흐름에 의한 비디오 생성기 (구 게임 콘솔, 카메라, 비디오 레코더 등)의 수정 / 변경, 전위차계, 페이더 또는 다양한 센서.
비디오에 적용 할 수있는 유형 인터페이스 (현지화 된 터치 스크린 및 / 또는 모바일 + 소프트웨어 솔루션)의 설계
가변 램프, 기계식 필터, 애니메이션 레이어 및 미니 카메라를 기반으로 한 기계식 비디오 기기 구성으로 증폭을 보장합니다.
학교가 무엇이든 VJ의 작품은 비주얼이나 도구의 자체 제작만큼이나 연구에서 미리 수행되는 작품입니다.
아티스트와 엔지니어
VJ는 예술가뿐만 아니라 기술자로 보여야합니다. 자신이 선택한 수단과 프로젝션 기술이 무엇이든, 그는 장비의 올바른 기능을 담당하므로 가능한 빨리 장비를 수리 할 수 있습니다. 그는 다양한 기술적 제약에 적응할 수 있어야합니다. 또한 비디오 루프 생성, 비디오 수집, 비디오 샘플링, 애니메이션 생성, 스틸 이미지 생성, 실시간 카메라 조작 등 비디오 믹스에 필요한 장비를 개발할 수 있어야합니다.
VJing 공연은 콘서트, 쇼, 나이트 클럽, 미술관, 박람회, 이벤트, 연극 공연 등 다양한 장소에서 볼 수 있습니다.이 서비스는 임시적이고 독특한 예술적 공연에서 광고 클립에 이르기까지 다양합니다.
간행물
시각적 컨텐츠 및 판촉 문서 데이터베이스는 DVD 형식으로 제공되며 개인 웹 사이트 및 Archive.org의 “Prelinger Archives”와 같은 대규모 데이터베이스를 통해 온라인으로 제공됩니다. Tom Vsford의 “Design of Signage”컬렉션 (2006), Analog Recycling의 “79 VJ Loops”(2006)와 같은 다른 VJ의 Public Domain 또는 Creative Commons 라이센싱에 따라 다양한 웹 사이트에 디지털 비디오 루프 세트를 공개하기 시작한 많은 VJ ), VJzoo의 “Vintage Fairlight Clips”(2007) 및 Mo Selle의 “57 V.2″(2007).
Addictive TV, Lightrhythm Visuals (2003), Visomat Inc. (2002) 및 Pixdisc에서 제작 한 영국 ITV1 TV 시리즈 Mixmasters (2000-2005)의 작품과 같은 홍보 및 컨텐츠 기반 DVD가 등장하기 시작했습니다. 비주얼 제작자, VJ 스타일 및 기술에 중점을 둡니다. 이후에는 NOTV, Atmospherix 및 기타 레이블이 뒤따 랐습니다. Mia Makela는 2007 년에 “LIVE CINEMA”라는 Caixa 포럼의 Mediateca를위한 DVD 컬렉션을 기획하여 “라이브 시네마”의 새로운 자매 실천에 초점을 맞추 었습니다. 개별 VJ 및 단체는 또한 Eclectic Method의 bootleg 비디오 믹스 (2002) 및 Eclectic Method의 “We ‘re Not VJs”(2005)와 아이 워시의 “DVD2″(2004) 및 이들의 작업을 포함한 DVD 및 CD-ROM을 출판했습니다. “DVD3″(2008).
“VJ Book : 라이브 비주얼 성능에 대한 영감과 실용 조언”(Paul Spinrad, 2005), “VJ : 시청각 예술 및 VJ 문화”와 같은 역사, 기술적 측면 및 이론적 문제를 반영하는 책이 등장하기 시작했습니다. (Michael Faulkner and D-Fuse, 2006), “vE-jA : 예술 + 라이브 오디오-비디오 기술”(Xárene Eskandar, 2006) 및 “VJ : Live Cinema Unraveled”(Tim Jaeger, 2006). VJ-DJ 협력의 주제는 또한 학문적 인 인간-컴퓨터 상호 작용 (HCI) 분야에서 공부하는 사람들에게 관심의 대상이되기 시작했습니다.