만화가 (또한 연재 만화 제작자)는 만화 그리기 전문 비주얼 아티스트입니다. 이 작품은 종종 연예, 정치 논평 또는 광고를 위해 제작되었습니다. 만화가는 애니메이션, 소책자, 코믹 스트립, 만화, 편집 만화, 그래픽 소설, 매뉴얼, 개그 만화, 그래픽 디자인, 삽화, 스토리 보드, 포스터, 셔츠, 서적, 광고, 인사말 카드, 잡지, 신문 및 비디오 게임 포장.

만화가 또는 그래픽 유머러스스트는 신문이나 잡지와 같은 인쇄물에 만화, 유머러스 한 그림 또는 연재 만화를 그리는 것이 주된 직업입니다. 유머 작가는 재미 있고 재미있는 독자의 의도로 만화를 그리고 / 또는 유머 방법으로 특정 출판물에 나타나는 현재 사건을 설명합니다. 그의 작품은 일반적으로 짧은 프레젠테이션과 호환되며 때로는 정기 간행물에 삽입하기에 적합한 단일 프레임으로 축소됩니다 (단일 비 네트로).

그래픽 유머 작가의 직종 중에는 현재의 소식을 알고 그 그림을 만들도록 고무시키고 있습니다. 정기적으로 그리고 마감 기한 내에 귀하의 작업을 뉴스 룸에 보내 승인을 받으십시오. 그의 창조물이 따라야하는 이데올로기적이고 미학적 인면을 편집자와 함께 토론하고 그에 기초하여 그림을 수정하거나 수정하십시오.

유머 주의자들은 훌륭한 풍자 만화 주의자이며, 정치인, 사회 또는 문화인의 만화 속에서 호기심 많거나 호기심 많은 상황에서 독자의 웃음을 자극하려고합니다. 일반적으로 예술가는 독자가 쉽게 인식 할 수있는 특정 성격의 캐릭터를 개발합니다.

그래픽 익살꾼은 몇 개의 그림에서 짧은 단편을 나타내는 개별 비네팅 또는 코믹 스트립을 만드는 것을 전문으로 할 수 있습니다. 일부 유머 작가는 출판을 위해 독점적으로 자신의 작품을 출판하는 반면, 다른 유머는 다른 매체 나 다른 국가에 속할 수 있도록 기관을 통해 배포합니다.

그래픽 유머 작가는 많은 경우 단순한 엔터테인먼트와 유머를 뛰어 넘습니다. 실제로, 예를 들어, 적절한 성격의 부적절한 행동을 강조하는 뉴스 항목은 적절한 그래픽 그림이 첨부되어 있으면 해당 기사를 강화하고 많은 경우에 전송 된 내용의 본질이 메모리에서 더 오래 스며 들게합니다 독자의.

18 세기에 등장한 영국의 풍자 만화가이자 편집인 인 윌리엄 호 가스 (William Hogarth)는 서구의 선구적인 예술을 개척해왔다. 그의 작품은 현실적인 초상화에서부터 만화와 같은 일련의 그림들, 즉 “현대 도덕 과목”에 이르기까지 다양했다. 그의 작업 중 많은 부분이 현대 정치와 관습에 재미를 불어 넣었습니다. 그런 작풍에있는 삽화는 수시로 “Hogarthian”로 불린다. 호 가스 (Hogarth)의 연구 결과에 따라 런던의 위대한 지수 인 제임스 길리 (James Gillray)와 토마스 로랜드 먼슨 (Thomas Rowlandson)의 지시에 따라 18 세기 후반에 영국에서 정치 만화가 발전하기 시작했다. Gillray는 각성과 캐리커쳐를위한 매체의 사용을 탐구하면서 왕 (조지 3 세) 총리와 장군들을 설명하고 정치 만화의 아버지라고 불렀다.

전문 만화가는 아니지만 벤자민 프랭클린은 미국 신문에 최초의 만화를 게재 한 것으로 알려져 있습니다. 19 세기 토마스 네스트 (Thomas Nast)와 같은 전문 만화가들은 공화당 코끼리와 같은 친숙한 미국 정치 기호를 도입했습니다.

20 세기에는 수많은 잡지에서 Charles Adams, Irwin Caplan, Chon Day, Clyde Lamb, John Norment와 같은 프리랜서 만화가가 단일 패널 개그 만화를 선보였습니다. Collier는 종종 컬러로 만화를 실었지만 거의 항상 흑백으로 출판되었습니다. 바람둥이의 데뷔는 Jack Cole, Eldon Dedini, Roy Raymonde 및 기타의 전체 페이지 컬러 만화를 소개했습니다. Dave Breger, Hank Ketcham, George Lichty, Fred Neher, Irving Phillips 및 J. R. Williams와 같은 신문에 기고 된 단일 패널 만화가.

코믹 스트립은 유니버설 프레스 신디케이트 (Universal Press Syndicate), 유나이티드 미디어 (United Media) 또는 킹 피처 (King Features)와 같은 신디케이트에 의해 주류 신문에 널리 배포되었습니다. 일요일 스트립은 출판되기 전에 아메리칸 컬러 (American Color)와 같은 채색 회사에갑니다.

일부 만화 제작자는 대체 언론이나 인터넷에 게시합니다. 코믹 스트립 아티스트는 때때로 책 길이의 형태로 작업하여 그래픽 소설을 제작할 수도 있습니다. 빈티지 및 현재 스트립 모두 장부 컬렉션의 재 인쇄본을받습니다.

주요 만화책 출판사 (예 : Marvel이나 DC)는 만화가 팀을 활용하여 예술 작품을 만듭니다 (일반적으로 연필 작업, 잉크 및 글자 색 구분은 색상이 디지털로 추가됨). 일관된 예술적 스타일이 다른 만화가 (예 : Archie Comics) 사이에서 필요하면 문자 모델 시트를 참조로 사용할 수 있습니다.

칼럼 맥켄지 (Carlum MacKenzie)는 전시 카탈로그의 서문에서 스코틀랜드 만화가 (Glasgow Print Studio Gallery, 1979)가 선정 기준을 정의했다 :

만화가와 일러스트 레이터의 차이점은 코미디언과 코미디 배우의 차이와 동일했습니다. 코미디언과 코미디 배우의 차이점은 이전의 두 가지가 모두 자신의 라인을 제공하고 그에 대한 완전한 책임을지는 것입니다. 후자는 항상 자신의 라인이 아닌 창조.

애니메이션 만화는 단편 영화, 광고, 장편 영화 및 TV 용으로 제작되었습니다. 꿈 시퀀스 또는 오프닝 타이틀을 위해 실사 영화에 사용되기도합니다. 애니메이션 아티스트는 일반적으로 만화가가 아닌 애니메이터라고합니다. 그들은 모션 픽쳐도 제작합니다. DreamWorks Animation, Pixar, Walt Disney Animation Studios 및 Blue Sky Studios와 같은 애니메이션 스튜디오는보다 입체적인 CGI 또는 컴퓨터 애니메이션 영화를 제작합니다.

The New Yorker의 만화 컬렉션과 같은 단행본과 양장본에는 많은 만화책이 있습니다. 1960 년대 이전에는 박물관과 미술관에서 만화를 거의 무시했습니다. 1968 년 만화가이자 코미디언 로저 프라이스 (Roger Price)가 독점적으로 만화에 전념 한 최초의 뉴욕시 갤러리를 오픈했으며, 주로 잡지의 개그 만화가들이 작업합니다. 오늘날에는 오하이오 주립 대학의 큐레이터 Jenny E. Robb가 운영하는 만화, 특히 빌리 아일랜드 만화 도서관 및 박물관에 대한 박물관이 많이 있습니다.

만화가들은 일반적으로 딥펜이나 브러시를 사용하여 인도 잉크로 그림을 그리기 전에 연필로 그림을 그립니다. 아티스트는 라이트 박스를 사용하여 최종 이미지를 잉크로 만들 수도 있습니다. 예를 들어 Brian Bolland의 일부 아티스트는 컴퓨터 그래픽을 사용하여 게시 된 작품을 아트 워크의 첫 번째 실제 모습으로 사용합니다. 위의 McCloud를 포함한 많은 정의에 따르면 만화의 정의는 웹 코믹스 및 모바일 만화와 같은 디지털 미디어로 확장됩니다.

창조되고있는 만화 작품의 본질은 창작을 돕기 위해 조력자 팀을 구성하는 스튜디오 시스템을 통해 성공적인 코믹 스트립과 만화책을 제작하여 작품 제작자 수를 결정합니다. 그러나 독립적 인 회사, 자체 출판사 또는보다 개인적인 성격의 작품은 한 명의 제작자가 제작할 수 있습니다.

북미의 만화 업계에서 스튜디오 시스템이 주요 제작 방법이되었습니다. 업계에서의 사용을 통해 역할은 크게 체계화되고 스튜디오의 관리는 편집인이 관리 업무를 수행함과 동시에 회사의 책임이되었습니다. 편집자는 여러 제작자를 모아 출판물을 감독합니다.

많은 사람들이 같은 방법으로 만화책을 만들 수 있습니다. 플로터, 고장 작가, 연필러, 잉크 커, 스크립터, 글자, 컬러리스트 등이 있습니다. 같은 사람이 수행하는 역할도 있습니다. .

대조적으로, 연재 만화는 일반적으로 만화가라고 불리는 유일한 창작자의 작품이되는 경향이 있습니다. 그러나 만화가가 특히 스트립이 성공할 때 스튜디오 방법을 사용하는 것은 드문 일이 아닙니다. Mort Walker는 스튜디오를 고용했지만 Bill Watterson과 Charles Schulz는 그렇지 않았습니다. 개그 (Gag), 정치 및 편집인 만화가도 혼자 일하는 경향이 있지만 만화가가 보조자를 사용할 수도 있습니다.

아트 스타일 :
거의 모든 만화 예술이 어떤 의미에서 축약 된 반면, 만화 작품을 제작 한 모든 예술가는 자신 만의 개성을 가지고 접근하고 있지만, 더 넓은 예술 스타일이 확인되었습니다. 코믹 스트립 예술가 인 클리프 스터 렛 (Cliff Sterrett), 프랭크 킹 (Frank King), 거스 아리아 올라 (Gus Arriola)는 흔히 비정상적이고 화려한 배경을 사용하여 때로 추상 미술을 사용했습니다.

기본 스타일은 R. Fiore가 자유주의라는 문구를 만들었던 거대한 중저분과 함께 현실적이고 만화 같은 것으로 확인되었습니다. Fiore는 또한 리얼리즘과 자유형이라는 용어를 선호하면서 현실적이고 만화 같은 용어로 혐오감을 나타 냈습니다.

Scott McCloud는 “The Big Triangle”을 만화 예술에 대한 사고 도구로 만들었습니다. 그는 삼각형의 꼭대기에서 오른쪽 아래에 상징적 인 표현 또는 만화 같은 예술 작품, 그리고 삼각형의 이미지의 추상화 인 세 번째 식별자를 가지고 왼쪽 아래 모서리에 사실적인 표현을 배치합니다. 이것은 삼각 측량에 의한 아티스트 배치 및 그룹화를 허용합니다.

cartoony 스타일은 희극 효과와 표현을위한 선 너비의 변형을 사용합니다. 캐릭터는 둥글고 단순 해부학 적 경향이 있습니다. 주목할만한이 스타일의 지수는 Carl Barks과 Jeff Smith입니다.
모험 스타일이라고도하는 현실적인 스타일은 1930 년대의 모험 스트립에서 사용하기 위해 개발 된 스타일입니다. 그들은 현실적인 해부학과 모양에 더 초점을 맞추는 덜 만화 같은 표정을 필요로했으며, 펄프 잡지에서 발견 된 그림을 기초로 사용했습니다. 이 스타일은 Joe Shuster와 Jerry Siegel이 원래 Superman을 모험 스트립으로 발행하기 위해 작업 한 이래 슈퍼 히어로 만화 스타일의 기초가되었습니다.
McCloud는 또한 여러 전통에서 배경과 환경이 현실적으로 묘사되는 동안 주인공이 다소 단순하고 만화처럼 그려지는 경향이 있음을 지적합니다. 따라서 그는 독자가 캐릭터에 대해 쉽게 식별 할 수 있다고 주장한다. (자기의 생각과 비슷하기 때문에) 세계에 잠기면서 입체적이고 질감이있다. 이 현상의 좋은 예는 Hergé의 Tintin의 모험 (그의 “개인 상표”Ligne claire 작풍에서), Will Eisner의 정신 및 Osamu Tezuka의 Buddha를 포함합니다.

도구 :
아티스트는 다양한 연필, 페인트 브러시 또는 종이, 일반적으로 Bristol 보드 및 방수 잉크를 사용합니다. 잉크를 칠할 때, 많은 예술가는 Winsor & Newton Series 7, # 3 브러시를 기본 도구로 사용하여 다른 브러쉬, 딥 펜, 만년필 및 / 또는 다양한 기술 펜 또는 마커와 함께 사용할 수있었습니다 . 기계 색조를 사용하여 이미지에 회색 톤을 추가 할 수 있습니다. 예술가는 아크릴, 구 아슈, 포스터 페인트 또는 수채화로 페인트 할 수 있습니다. 색깔은 또한 크레용, 파스텔 또는 색연필을 통해 얻을 수 있습니다.

지우개, 눈금자, 템플릿, 정사각형 및 T- 스퀘어는 선과 모양을 만듭니다. 그림 테이블은 테이블에 부착 된 램프가있는 각이 진 작업 표면을 제공합니다. 라이트 박스는 작가가 잉킹 작업을 할 때 연필로 작업 한 것을 추적 할 수있게하여 더 느슨한 마무리 작업을 허용합니다. 나이프와 메스는 커팅 보드 또는 실수를 근근이 살아가는 것을 포함하여 다양한 요구를 충족시킵니다. 커팅 매트는 용지 자르기를 도와줍니다. 프로세스 화이트는 실수를 덮기 위해 두꺼운 불투명 한 흰색 소재입니다. 접착제와 테이프는 여러 소스의 이미지를 합성하는 데 도움이됩니다.