부산 비엔날레 2016을 주제로 한 디자인 컨셉; 다수를 논의하는 하이브리드 지구는 나무 줄기 또는 뿌리에서 발견되는 ‘연간 고리’에서 파생됩니다. 연간 고리는 성장률에 따라 모양이 다르지만 결국 문화 발전과 같은 공통점이 있습니다. 다양한 문화가 지리적, 역사적, 정치적 상황에 따라 개발되었지만 동시에 E.I.를 통해 ‘인류’를 바라 보면서 성장했습니다.
지구를 혼성화하고, 다수를 논의하다
시간과 공간을 초월하고 네트워킹을 가능하게하는 디지털 기술은 지구를 단일 커뮤니티로 묶어 세계를 단일 시장으로 통합했습니다. 스마트 폰에 설치된 앱 내에서 전 세계 100 억 명의 사람들이 종교적, 민족적, 국가적 경계를 초월하여 서로 네트워크로 연결됩니다. 인류는 현재 다른 세대가 경험하지 못한 ‘다수의 세대’에 살고 있습니다.
인류의 과거, 현재 및 미래의 문제를 논의하기 위해 다양한 종교, 민족 및 국적의 비엔날레 수집 예술가 및 학자들이이 세대의 세대에 가장 적합한 전시 형식이 될 것입니다. 문학, 영화 및 기타 문화 영역과 달리, 이것은 예술 장르와 비엔날레 플랫폼을 통해서만 제공 될 수있는 독특한 단계입니다. 부산 비엔날레의 주제 인 ‘다중 토론을 다루는 하이브리드 지구’는이 개념과 잘 맞습니다. 전통과 현대의 혼성화로 인한 ‘풍부하지만 빈곤 한 세상’ 인간과 자연; 동쪽과 서쪽; 아날로그 및 디지털; 자본과 기술; 혼성 지구가 무엇인가입니다. 이곳은 자본과 기술로 절대 축소되어서는 안되는 곳이며 현실에 직면 한 인류가 저항과 탈출을 시작하는 곳입니다.
‘다중 토론을하는 지구 혼성화’는 가능성을 논의하는 장소입니다. 시장의 비효율 성과 인간의 비합리성과 시장과 시스템에 대한 예술의 취약성을 반영하는 불편하고 고통스러운 장소입니다. 월터 벤자민의 우울과 마찬가지로 아마도 문명 문서는 동시에야만 문서입니다. 부산 비엔날레도 마찬가지입니다.
하이라이트
리다 어블
운송 중
Lida Abdul은 그녀의 출신 국인 아프가니스탄과 관련된 작품으로 유명합니다. 35 년 동안 전쟁을당한 땅에서 그녀를 매료시킨 풍경은 폐허의 흔적이었습니다. 그녀의 작품 (2008)은 20 년의 전쟁으로 인해 풍경이 완전히 폐허가 된 카불 외곽에 세워졌습니다. 5 세에서 9 세 사이의 70 명 이상의 어린이들이이 작품에 등장합니다. 아이들은 추락 한 폭격기 항공기 동체의 총알 구멍을 채우고 그것을 끌어 당겨 전쟁의 잔학 행위를 희망과 새로운 미래로 바꾸려는 노력으로 연처럼 날아갑니다. 아이들은 비극적이고 폭력적인 상황에도 불구하고 무죄를 통해 그러한 비극을 무력화하려고 노력하고 있습니다.
리나 바 너지
민족과 인종은 긴 머리카락을 땋 았고 꼬이고 묶였습니다. 오, 그것이 어떻게 만들어지고, 먹었고, 그늘에서 먹었고,이 가짜 나라들이 나를 작은 달콤한 케이크로 만드는 것을 보려고 그녀의 반성을 파고 들었습니다.
Rina Banerjee의 작품은 흩어져있는 사람들, 땅, 바다 및 공기를 채우고 수분을 공급하는 시체를 특징으로합니다. 작가는 주로 바인딩, 배선, 스티칭 및 부착과 같은 수공예를 담당합니다. 그녀는 서로 대화하지 않았기 때문에 조각 나고 호환되지 않는 부품이나 재료를 연결하는 데 몰두합니다. 그녀는 이전에 수집 한 충동 적으로 선택된 것들을 연결하여 새롭고 다양한 아름다움을 재발견하기 위해 미적 탐구에 계속 투자하고 있습니다.
아야 벤론
구출
아야 벤 론 (Aya Ben Ron)은 병력에 대한 무의식적 기억, 죽음과 도덕에 대한 인식, 그리고 사회-역사적 맥락에서 가능한 한 고통을 확장합니다. 그녀의 모든 작품은 의학 매뉴얼과 스케치, 질병 및 치료를 철저히 연구하여 Ben Ron이 수년간 축적 한 경험을 바탕으로합니다. Ben Ron은 두 분야의 범주 경계를 초월합니다. 그녀의 작품에 죽음과 고통이 분명히 있음에도 불구하고 감상적 개입이나 죽음과 질병의 매력을 찾을 수 없습니다. Aya Ben Ron은 감정적 인 거리를 유지하고 유머 감각을 사용하여 가능한 한 사회-역사적 맥락에서 의료 절차를 탐색합니다.
조형섭
현대 상점
르네상스, 모든 창조, 근대화는 한국에서 70 년대와 80 년대에 공개적으로나 정치적 슬로건으로 사용 된 단어였습니다. 한때 온 국민이 사랑했던이 말은 이제 시골의 간판에서만 볼 수있는 희귀 한 광경이되었습니다. 부활 할 수없는 ‘르네상스 스토어’에서 모든 종류의 창작물을 제공 할만큼 크지 않은 ‘모든 창조 스토어’, 전혀 현대적이지 않은 ‘현대 스토어’까지 , 시간의 욕망의 키워드가 인식 될 수있다. 빈곤, 쇠퇴 및 부재와 함께 시대의 풍요 로움에 대한 강렬한 욕구는 아이러니와 비합리성의 그림자처럼 현재와 관련이 있습니다. 조형섭은 우리가 기억이나 그 경계에서 잃어버린 가치와 이상에 대해 자세히 설명합니다.
최기 창
오랫동안 달릴 수있다
<장기 달리기> (2016)는 KISWIRE Suyeong 공장에 남아있는 오래된 벽 표면에 304 개의 구멍을 뚫어 시작합니다. 이 구멍들은 과거의 무딘 기능과 새로운 기대로 가득 찬 미래 사이의 교환을 가능하게하는 빛의 다리 역할을 수행하기 위해 사용되지 않은 오래된 공간과 새로 형성된 공간을 연결합니다. 이 구멍들은‘일부 사라진 물건 들이나 그 일부가 회복되어있다’또는‘폐기되고 보존되지 않았지만 이제는 보존의 의미가 희미 해졌습니다.’
최 순록
두더지 게임
최순 곡 작가는 디지털 기술과 새로운 미디어를 사용하여 현대 사회, 문화, 역사적 풍경과 사건을 서사시로 변모시키는 일을하고 있습니다. 그의 작품 (2016)은 고화질 2D 애니메이션입니다. 70 년대 남한을 침공하기 위해 북한이 만든 지하 터널을 모티브로 한 애니메이션은 현대적이고 다양한 사건으로 연결되는 하나의 개인적이지만 사회적 파노라마를 형성합니다. 이 작업은 문명 안에서 일어나는야만과 부패에 대한 장면과 추억을 한 프레임에 모으고 결합합니다. 연결하고, 생성하고, 파괴하고 다시 시작하기 위해 시간과 공간을 초월하는 장면은 시간 축을 통해 게임 형태로 재치있게 결합되고 재구성됩니다.
케렌 사이 터
장미 정원
(2014)은 Texan 바에서 일어나는 비극적 인 이야기입니다. 이 작품은 Luis Buñuel의 초현실주의 영화 <황금 시대> (1930)의 페이스트리라고 할 수 있습니다. 바의 이름은 해병대 신병 모집 포스터에 쓰여진 ‘우리는 장미 정원을 약속하지 않습니다’라는 슬로건에서 비롯된 것이어야합니다. 그러나 해병대에 의해 그 사용이 무지하게 바뀐 슬로건은 원래 ‘정원적인 환상 속에서 자신의 세계를 창조 한 정신 분열증 여성에 관한 책’나는 장미 정원을 약속하지 않았습니다 ‘에서 발췌 한 것입니다. 이 작품은 드라마틱 한 스토리와 가벼운 구성의 주제를 주요 주제로하는 영화라고 생각할 수 있습니다. 많은 이야기가 독립적으로 존재하지만 모든 독립 장면이 겹칩니다. Buñuel의 영화 장면과 마찬가지로 음모는 충분한 설명없이 재생됩니다. 그 대화는 어린이가 쓴 것처럼 비논리적이며 때로는 음성 트랙이 배우의 입 움직임과 일치하지 않습니다. 사운드 트랙은 분위기를 바꾸지 만 그중 어느 것도 장면과 일치하지 않습니다. 영화는 대체 현실처럼 보인다.
키리 달 레나
메 부얀 이후
필리핀의 사회 정치 문제를 다루는 키리 달라 나 (Kiri Dalena)는 예술가이자 사회 운동가입니다. 그녀의 작품 제목 (2016)은 쌀을 사용하여 삶과 죽음을 통제하는 필리핀 신화의 지하 세계의 여신입니다. 가슴이 여러 개있는 Mebuyan은 생명의 상징 인 쌀알로 가득 찬 손으로 밥을 두드리고 갈기위한 테이블 위에 앉아 있습니다. 그녀의 손에서 떨어진 후 흩어진 곡물은“군중과 대중의 죽음을 선포하는 것 ”입니다. 또 다른 민다 나온 부족 인 마노 보 (Manobos)에서는 모든 사람이 매장 한 매장 후에 밥에서 인간의 모습을 조각하는 의례와 의식을 수행합니다.
2016 년, 필리핀 북부에 위치한 코타 바토주의 농부들은 엘니뇨 때문에 극한의 초안에 직면했습니다. 6,000 명 이상의 농부들이 고속도로를 가로 질러 인간의 바리케이드를 형성하여 쌀 보조를 요청했습니다. 필리핀 정부는 무장 경찰을 파견하여 대포와 총검을 사용하여 강제로 철수시켰다. 강력한 분산에서 농부가 사망하고 점수가 부상을 입었습니다.
(2016)의 숫자 635는 지난 15 년간 필리핀 정부 당국에 의해 살해 된 임차인 농부와 인간 활동가의 수입니다. 예술가는 필리핀 신화에서 의식을 빌려 14K 금으로 635 알의 쌀을 만들어 잘못 죽인 사람들에게 경의를 표했습니다.
Folkert De JONG
평소와 같이 사업 : “타워”
Folkert de Jong은 심리적, 신체적 인간 상태에 대한 강한 매혹으로 인해 표현적인 조각과 설치로 가장 잘 알려져 있습니다. De Jong은 문화적 상징과 역사적 인물을 재검토하고 조각품이 기존 이야기를 변형시키는 잠재력에 관심이 있습니다. 특히, De Jong의 시그니처 스타일은 캔디 색상의 폴리 우레탄 및 스티로폼과 같은 단열재를 사용하여 독특하게 사용되었습니다. 이는 단순히 반 계층 적 제스처가 아닌 선택입니다. 이러한 물질은 오염 물질이며 환경에 미치는 영향은 근본적으로 해 롭습니다. 부산 비엔날레 2016에 실린 작품들은 Charles Darwin의 The Descent of Man (1870 년 출판)과 Albert Camus의 시시 푸스 신화에 대한 아이디어를 기반으로합니다. 주목할만한 (2008)는 살아있는 시체와 같이 공간에 걸쳐 앉거나 서서 무릎을 꿇고 거꾸로 세우고 수평으로 뻗은 탄과 불완전 신체의 그래픽 묘사에서 갈등을 일으킨다. (2008)는 설치에서 원숭이에서 사람으로의 진화가 아니라 단순히 운동을 묘사한다. (2008)의 분홍색 틀은 역사적 사건의 연속에서 가져온 조각 일 수 있으며, 유인원은 ‘악의를 말하지 말고 악의를 듣지 말고 악을 보지 말라’는 도덕에 대한 터무니없는 시도입니다. 인류가 자신의 독창성과 독창성을 잃어 버렸다는 생각에서 눈에 다. <더블 행복> (2008) 조디악 점성술의 상징적 의미에서 차용되는 두 개의 흰 원숭이는 남성에 의한 자연의 과소 평가를 나타냅니다. 원숭이들은 우리가 지구의 자연주기를 탈출하고 통제 할 수 있다고 믿으며, 그 일부가되는 법을 배워야하며, 우리가 연약하고 필멸의 존재라는 사실을 받아들이도록 믿도록 프로그램 된 방식에있어 우리 자신의 부조리를 반영합니다.
팡 리준
2014-2015
팡 리준은 현대 중국 예술에서 가장 영향력있는 예술가 중 한 사람입니다. 그의 그림에서 ‘대머리’인물은 현대 중국 예술의 가장 고전적인 상징이되었으며, 그의 작업 스타일은 냉소적 현실주의 범주에 해당하는 것으로 정의되었습니다. 냉소주의는 그 시대의 문화에 대한 저항이었습니다. 따라서 가혹한 화면뿐만 아니라 무겁고 진지한 주제에서 벗어나려는 표현이 지배적이었습니다. <2014-2015> (2015)는 8 미터 폭의 그림으로 팡 리준의 최근 주요 작품 중 하나입니다. 그림 속의 수많은 큰 아기들은 청중에게 등을 돌리고 거대한 태양을 향하고 있습니다. 태양이주는 강한 빛은 원자핵에 의해 방출되는 거대한 에너지처럼 보입니다. 그림 속의 아기들은 그 장면을 조용히 쳐다 본다. Fang Lijun의 최근 작품에서 가장 강렬하면서도 조용한 아이러니는 가장 많은 부분을 차지합니다. 최근 몇 년 동안 그의 작품은 점점 더 커지는 화면의 추세를 보여줍니다. 또한 그의 과거 작품은 대머리 인물에 관한 것이지만 최근 작품에는 점점 더 많은 아기 인물이 등장합니다. 그의 딸의 탄생은 그의 인생이 아버지의 삶으로 바뀌었고 무의식적으로 자신의 개인적인 삶에 녹아서 무의식적으로 그의 인생에 영향을 미쳤던 Fang Lijun의 중요한 변화 였을 것입니다. 작업 스타일.
조로 FEIGL
조수 풀기
Zoro Feigl의 작품은 움직임과 그러한 움직임에 의해 남겨진 다양한 흔적으로 구성됩니다. 그의 작품은 로프에 전달되는 운동 에너지와 반복되는 패턴의 조합으로 만들어진 강력하면서도 우아한 설치물입니다. 바다의 흥망에 의한 창작 <조류 풀림> (2014)에서 바다는 해안을 형성하고 해안은 차례로 바다의 형성에 기여합니다. 공간에 펼쳐진 두 개의 두꺼운 밧줄은 바다가 물을 해안으로 밀어 넣는 것처럼 멈추지 않습니다. 조수가 들어오고 나가는 것처럼, 밧줄이 닿아 넘어 가서 다시 느슨해집니다. <후프> (2015)에서는 블랙 후프가 강관을 따라 앞뒤로 움직이며 일종의 어린이 놀이 게임처럼 한쪽 끝에서 다른 쪽 끝으로 회전하고 빙빙 돌린다. 때때로, 후프는 뒤틀리고 돌리면서 격렬하게 튀어 나온 다음 갑자기 완벽한 조화로 우아하게 춤을 추습니다. 작은 후프는 큰 후프를 쉽게 통과하여 끊임없이 서로의 움직임을 방해하고 서로 충돌하며 리듬 안무를 만듭니다. <포피> (2012)는 거대한 타포린이 우아하고 파도의 춤을 추며 퍼져 나가는 방식으로 연약하고 섬세한 양귀비 꽃과 비슷합니다. 그러나이 최면 춤에는 직장에서 매혹적인 힘이 있습니다. 중력, 마찰 및 원심력 사이의 공격적인 전투가 나타납니다.
이 벨리스 구아 디아 페라 구티
식서
‘움직이지 않고 소리가없고 소리가없는 이미지가 없습니다. 이 세 가지 요소는 절망적으로 얽힌 필요한 공생 자입니다. ‘Ibelisse의 공연 (2016)는 3 개월 동안 중국의 도교 (Wudang Mountains)와 불교 (Shaolin temple) 승려로부터 Wushu, Kungfu 및 채찍을 배우는 과정에서 얻은 영감에 의해 개발되었습니다. 흰 벽에 흔들리는 채찍의 성능은 Ibelisse에게주기적인 명상의 작품입니다. 채찍의 움직임으로 소리가 나고 흰 벽에 검은 흔적이 남습니다. 성능은 3 시간 이상 지속되며 시간이 지남에 따라 점차 벽에 새겨 져있는 것은 흔적, 즉 움직임, 소리 및 이미지에 대한 찬사입니다.
프로 부르
레퀴엠
(2016)은 아동, 소녀, 여성을 성 노예로 대우하고 기계처럼 일하도록 강요하는 비인간적 인 학대를 나타냅니다. Probir Gupta는이 작업을 통해 오늘날 성 노예에게 경의를 표합니다. 작업 뒤의 철판에는 납치 된 여성을 기억하는 꽃의 이름이 새겨 져 있습니다. 이 시각적으로 비정상적인 작업은 인간의 잔학 행위를 은유 적으로 번역합니다. <우리는 같은 배 형제에있다> (2012)는 인도의 유대인 디아스포라를 반영한다. 그것은 이슬람 극단 주의자들 사이에서 평화롭게 공존하고 디스토피아에서 행복한 삶을 사는 힌두교도, 무슬림 및 기독교인을 표시합니다. 유태인 회당을 관리하는 보호자는 3 세대 무슬림입니다. 이 영화에서 이스라엘의 골격, 사물, 피드백 구조가 통합 된 장면을 목격 할 수 있습니다. 어니스트 헤밍웨이 (Ernest Hemingway)가 <노인과 바다>를 참고 도서로 썼으며,이 작품은 콜카타의 번잡 한 도로에서 평화롭게 공존하고 위협받지 않는 유대인과 무슬림의 실제 상황에서 영감을 얻은 것입니다.
홍원석
홍원석 운전 기사 서비스 프로젝트-조소 우스 익스피리언스, SOCAR
홍원석의 <홍원석 운전 기사 서비스 프로젝트-JOYOUS EXPERIENCE, SOCAR> (2016)는 여러 프로젝트로 구성된 공연입니다. 70 년대와 80 년대 한중일 토착 자율 아방가르드를 다루는 프로젝트 1과 90 년대 이후 부산 시립 미술관 및 글로벌 비엔날레를 다루는 프로젝트 2로 구성되어있다. 참여 작가, 큐레이터, 시민들은 택시를 통해 KISWIRE Suyeong 공장을 포함한 두 전시장 사이를 이동하며 한국과 세계, 생활과 문화, 상업 잠재력 및 국가와 관련된 문제에 대한 질문과 답변을 교환합니다. 작가는 그의 작품이 시장의 비 효율성, 인간의 불합리성, 시장과 기관에 종속 된 예술의 근본적인 취약점 등을 반영 할 수있는 불편하고 고통스러운 장소가되기를 희망한다. 홍원석의 <대리 운전 프로젝트> (2016)는이 비엔날레의 주제 인 ‘다중 토론을 논의하는 혼성 지구’의 소우주입니다.
후지 밍
동기
Hu Jieming의 <동기화> (2016)는 대규모 사진 촬영 방법을 차용 한 비디오 작품입니다. 공간과 시간을 넘어 여행하는 많은 사람들을 촬영 한 작품입니다. 대규모 사진에서 사람들의 정체성은 혼합 된 공간과 시간에서 펼쳐집니다. 변화하는 다양한 장면은 모든 종류의 이야기를 포함합니다. 영화의 주제는 먼 과거의 사진에서 찍은 것입니다. 작가의 친구부터 다른 시대의 역사적 인물에 이르기까지 사진 속의 사람들의 범위는 매우 광범위합니다. Hu Jieming은 특수 효과를 사용하여 사진의 각 인물 얼굴에 움직임을 주어 새로운 이야기를 씁니다. 다른 공간과 시간에서 온 사진 속 인물들은 물리적 특성이 다릅니다. 작가는 단일 공간과 시간을 통해 이들을 함께 컴파일함으로써 혼혈의 정체성과 삶의 각기 다른 여정을 표현하려고합니다.
살레 후세인
그리고 우리 주변의 모든 것이 아름답습니다
살레 후세인의 <그리고 우리 주변의 모든 것이 아름답습니다> (2016)는 인도네시아 이슬람 사회주의의 희망과 꿈에 찬송가 인 ‘Thahaja PASI'(PASI의 빛)를 기반으로 한 허구의 작품입니다. 1966 년 폭동 동안 인도네시아 정부는 사회 보호라는 이름으로 공산주의 나 사회주의와 관련된 모든 것을 금지했다. 노래, 작곡 및 찬송조차 금지 된 것들에 포함되었습니다. 작가의 작품은 정당이 노래를 정치적 진술, 통일 된 메커니즘 또는 사람들을 통제하거나 조장하기위한 도구로 활용하는 방법을 조사합니다. 그렇게하기 위해 작가는 서양 문화 (오케스트라와 합창단의 놋쇠 부분)를 사용하여 세계화에 대한 아랍인의 관점을 반추한다. 이 작품은 오래 전 인도네시아 정치에서 선전 도구로 자주 사용되었던 일종의 상영작 인“layartancep ”(야외 영화 상영)을 재현합니다.
에르 달 INCI
탁심 스파이럴
멀티미디어 아티스트 ErdalInci는 자신의 비디오 작업을 통해 복제 된 움직임을 실험합니다. 작가는 때때로 조명이나 기타 물체를 운반하는 공공 장소를 통해 움직이는 최면 비디오 또는 GIF 파일을 만듭니다. Inci는 그림자에 지나지 않거나 빛에 대한 노출에 따라 완전히 사라져 더욱 신비 롭고 꿈결 같은 비디오를 만듭니다. Inci는 녹화 된 퍼포먼스를 계속 복제하면 비디오가 계속 움직일 것이라는 사실에 중점을 두었습니다. 동일한 움직임의 모든 시간 단계는 1 초 또는 2 초와 같은 짧은 순간으로 볼 수 있습니다. Inci는 이것이 시청자들에게 많은 사람들을 지휘하는 안무가 나 형태 나 색상이 아니라 움직임으로 프레임을 채울 수있는 화가처럼 생각할 수있는 기회를 줄 수 있다고 생각했습니다. ErdalInci는 전통 예술과 공예, 춤과 반복에 사용 된 패턴에서 영감을 얻었습니다. 그의 작업은 움직임, 성능 및 실제 환경에 대한 요약으로 설명 할 수 있습니다.
장 재록
또 다른 풍경
장 재록은 거대한 인공 구조물과 섬세한 기계 장치에 매료되었습니다. 따라서 그의 동양화는 마치 거리를 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 기계적으로 측정 한 것처럼 마킹하여 표시 한 것처럼 그려집니다. 그들은 붓으로 튀어 나오는 밝고 생생한 그림과는 거리가 멀다. 우리가 사는 세상은 기계와 인공 구조물로 가득합니다. 아티스트는 기계의 외관을 부드럽게 완성하지 않습니다. 그의 작품에서 기계 나 구조는 기괴하고 무서운 해부도처럼 보인다.
지아 알리
지구에서 온 은자 Ⅱ
중국의 동북 지역은 중국의 중공업의 중심지이자 중국의 현대사에서 수많은 역사적 사건이 일어난 곳입니다. 북동부와 북부 지역은 초기에 중국의 빠른 경제 성장을 가져 왔지만 80 년대부터 90 년대까지 경제 침체에 시달렸습니다. 결과적으로 대다수의 중공업 공장은 파산하거나 폐쇄되어 수십만 명의 공장 노동자들이 일자리를 바꾸거나 그만 두었습니다. 과거의 계획 경제 하에서 절대 평등주의는 성과 기반 시장 경제로 전환된다. 사회가 경험 한 공장 노동자들을 포함한 불행과 황폐는 시대의 흉터와 고통이되었습니다. 특정 기간을 철저히 관찰 한 Jia Aili의 작품에서 가장 두드러진 부분은 ‘파멸의 현장’입니다. Jia Aili는 ‘폐허 물’에있는 느낌을주기 위해 기계와 사람을 희미하고 흐릿하게 작업합니다. 이를 통해 시청자는 혼란스러운 환경과 개인의 고독을 상상하고 느낄 수 있습니다. 그의 그림에서 나타난 사람들의 삶은 모두 시대의 무력감을 느끼고 인간은 거대한 스크린에 맞서 약하고 지친 존재로 남아 있습니다. 그의 작품은 우리가 과거를 돌아보고 현실을 파악해야하는 슬픈 미래에 대해 이야기하게합니다. 지아 에일 리 (Jia Aili)의 새로운 작품 <지구에서 온 허미 (Ⅱ)> (2016)의 무대가 끝없이 넓고 아늑한 스크린의 배경에 설정되어 있음에도 불구하고, 그의 작품 전체에 ‘파멸’이 있다는 느낌은 여전히 유적.
진양 핑
풍선 히트 1 호
진양 핑 작가는 모더니즘과 사회주의의 환멸과 혐오감을 즐기고 공개적으로 ‘B 급 회화’를 만듭니다. ‘B 급 회화’는 인류의 정신이 지닌 보편적 인 약점과 현대 인간 존재의 근본적인 취약성을 공격하기 위해 주류 가치와 형태를 공개적으로 왜곡하고 전복하는 경향을 설명합니다. 마치 파괴주의가 스탈린주의의 압제 적 본성을 비판하고 신자유주의의 메타 디스 토크를 파괴하는 것처럼, 작가는 당시 중국 예술의 형식과 내용을 공격한다. 진양 핑은 창의성과 독창성을 조롱하며 작품 완성을 추구하지 않습니다. 그의 작품은 불연속적이고 무작위 적이며 단편적인 방식으로 표현됩니다. 진양 핑의 작품은‘반주기적인 철학’이며‘B 급 작가’의 그림입니다.
레이나 칼라
하이픈으로 채워진 삶
(2015-2016)는 자연에서 발생하는 환상적인 돌연변이의 재구성입니다. 여러 나라를 상징하는 다양한 조류, 동물, 나무, 꽃이 상징적으로 하이픈으로 국가 간 충돌을 연결하기 위해 하이브리드 화됩니다. Reena Kallat은 인간 이외의 종을 사용하여 다른 종에 대한 존재 또는 멸종이 다른 종에 미칠 수있는 영향을 표현할 필요성을 느꼈습니다. 이러한 일련의 작품의 주제는 전기 케이블에서 나왔습니다. 생각과 정보를 전달하는 전기 케이블은 사람들을 하나로 모으고 장벽과 같은 철조망을 변형시키는 힘들게 짜인 얽힘을 형성합니다. 그러한 독립과 상호 의존에 대한 탐구는 갈등을 겪은 자아, 이웃, 그리고 아마도 국가 간의 관계를 조명합니다. 또한 우리의 복잡한 존재를 구성하는 다양한 관계와 경계에 대해 숙고합니다. 작가는 수년간 같은 맥락에서 작품을 계속해 왔으며 시드니의 Campbeltown Arts Center에서 발표 된 <2도>는 이러한 일련의 작품의 시작이었습니다. 이 작업의 초점은 정치적으로 분열되었지만 역사적으로 가까운 국가에 대한 오랜 관심에서 인도-파키스탄, 아일랜드-잉글랜드, 이스라엘-팔레스타인, 한국과 같은 분열 된 국가 간의 갈등과 분쟁의 근원 인 천연 자원 에까지 확대되었습니다. -북한과 미국-쿠바.
김학제
욕망과 우주 사이
김학지는 ‘세계의 무리 지능이 진정으로 동정과 올바른 방향으로 움직 였는가?’라는 의문을 제기한다. 인류는 역사의 각시기에 그 취약점의 흔적을 남김으로써 인류의 역사를 ‘ 욕망의 역사 ‘. 오늘날 채택되는 떼 지능으로 대표되는 최고의 가치는 빠르게 발전하고 있으며 우주에서 존재하는 기술로 정의 될 수 있습니다. 작가는 그러한 가치를 얻는 데 필요한 세계 정보의 통합과 갈등 뒤에 숨겨진 욕망의 어두운 그림자를 표현하려고합니다. 가짜 위성은 무덤과 같이 바닥과 벽에 설치되고 위성 날개에 부착 된 사진은 ‘자본주의 통화 자본의 자유로운 흐름을 전제로하는’정신 분열 현상 ‘과’욕망 ‘에 대한 상징적 코드를 제시합니다. Gilles Deleuze와 Felix Guattari가 제안한 해독 된 흐름을 전제로하는 유일한 사회 인 machine ‘. 광대 한 공간에서 사람을 쫓아가는 로봇의 이미지와 인간은 벽면에 투영되어 전체에“암시적인 ”분위기를 만듭니다. 팝 음악의 선구자 인 David Bowie의‘공간 기이함’은 외계인과 의사 소통하는 것과 관련이 있으며 10 CC의‘사랑하지 않습니다’는 크로스 컷과 연주입니다.
권순관
어둠의 계곡
권순관은 <암흑의 계곡>과 함께 현대사와 관련된 장면을 보여줍니다. 수십 년 전에 발생한 ‘No Gun Ri Massacre’라는 현대사에 대한 비극이 현장에서 캔버스에 착륙했습니다. 한국 전쟁 당시 북한 인민군의 침략을당한 미국 군인들이 300 명의 피난민을 살해 한 유적지가 검은 커튼처럼 매달려있다.
많은 가능성 중에서 선택된 장면, 모호한 사진은 아무런 조치를 취하지 않고 흐릿한 안개로 뒤덮인 중요한 역사적 사건에 대해 이야기합니다. 분명히, 사실은 장면에서 포착되지만, 그것을 열지 않고 볼 수없는 것을 보여줌으로써 작가는 어두운 검은 커튼을 청중에게 맡겨 스스로 들어 올립니다.
이씨 현
레드 -187 사이
이씨 현의 주홍색 풍경은 마치 환각을 유발하는 것처럼 시각적으로 매우 강한 영향을 미칩니다. 작품은 부자연스럽고 비현실적입니다. 그러나 꿈꾸는 판타지를 통해 자세히 살펴보고 친숙하고 매우 실제적인 풍경을 만날 수 있습니다. 우리를 둘러싼 자연, 건물, 도시 및 이벤트는 그림을 완전히 차지했습니다. 그의 작품은 현실적이고 아름답지만 다소 슬프다. 하나의 그림에는 삶의 네 단계와 인간과 자연이 가진 모든 감정이 포함되어 있기 때문입니다. 그는 어떤 조절도없이 인간에게 내재 된 폭력적인 관점을 밝히고, 자연에 새겨진 역사의 상처를 무뚝뚝하게 보여 주며, 동서양, 인간과 자연에 대한 새로운 추론 방법을 보여줍니다. 그의 작품은 인간과 자연의 상처를 포용합니다.
이 리남
지구 하이브리드
현대 과학 기술의 발달로 인해 문화와 인식의 변화가 교환되었습니다. 특히, 인간이 미디어를 사용함으로써 정치, 문화, 기술이 결합 된 새로운 형태의 예술을 실현할 수있게되었습니다. 더욱이 포스트 모더니즘의 관점에서 미디어는 아방가르드보다 훨씬 더 연속적이고 혁명적이다. 비디오에서 시작된이 세기의 기술 혁명은 가상 현실과 첨단 디지털 기술의 재현뿐만 아니라 오늘날 가상 조각으로 이어졌습니다. 새로운 디지털 미디어를 통해 전 세계 사람들이 과거, 현재 및 미래의 시간과 공간을 자유롭게 이동할 수있었습니다. 시각적 인식과 패러다임의 변화를 가져 왔습니다.
자본주의의 발달과 세계화로 인한 다양한 문화적 요소의 유입으로 하이브리드 화를 재현하는 미디어는 문화, 역사, 사회 현상, 미디어의 특성 및 메시지와 같은 다양한 요소 간의 상호 작용을 통해 만들어졌습니다. 미디어를 혼성화하면 인종, 언어, 수화, 이미지 및 문화와 같은 미디어 매체를 통해 새로운 이데올로기가 만들어졌습니다. 이 리 남은 미디어가 어떻게 하이브리드 지구를 다루는 지, 또는 하이브리드 지구로 대표되는 오늘날의 현실을 조사하려고한다. VR을 착용하면 3D로 한자로 채워진 가상 공간에 자신을 찾을 수 있습니다. 이것은 문자와 영화와 같은 다양한 매체의 혼합에 의해 영향을받는 인간의인지 시스템의 시각화입니다. ‘글자’로서 오랜 역사를 가진 한자 이미지가 데이터로 사라지는 방식, 디지털 공간의 픽셀은 주제의 본질과 가치에 의문을 제기합니다.
리밍
운동
리밍은 성과와 비디오 작업을 통해 개인과 사회의 관계의 핵심을 뚫고있는 연구를 계속하고있다. 작가 자신은 이번 전시회에서 제시된 3 가지 작품에 실 렸으며 그의 몸은 작가의 생각을 나타내는 좋은 실용적인 매개 변수가되었다. 제한된 시간의 비디오 작업에서 아티스트는 자신의 몸을 사용하여 반복적으로 움직임을 계속하며, 신체적으로나 심리적으로 완전히 타 버릴 때까지 계속됩니다. 그의 작품에 내재 된 그의 ‘집착’은 매우 매력적이다. <361> (2014-2016)은 361 개의 일회용 라이터를 깨뜨리는 것에 관한 영화입니다. 이 성능을 위해 Li Ming은 일회용 라이터 및 다큐멘터리 영화 제작에 관한 문헌을 철저히 연구했습니다. 예술가는 특정한 개인적 목표와 사회적 정체성으로 인한 혼란이없는 경우에도 전체 공동체가 어떻게 작동하는지에 대한 자기 반성에 대한 연구를 수행해 왔습니다. <이동> (2014)은 총 8 개의 텔레비전과 2 개의 동기화기로 구성되어 있습니다. 4 개의 텔레비전이 하나의 동기화 장치에 연결되어 있으며 8 개의 비디오가 동시에 재생됩니다. (2011)는 4 개의 텔레비전 화면을 십자형으로 배열합니다. 왼쪽과 오른쪽의 화면은 자연의 힘과 인공적인 힘에 대한 작가의 생각을 보여줍니다. 작품을 통해 시청자는 작가의 철학과 이념을 이해할 수 있습니다.
로라 리마
승천
로라 리마는 자신이 ‘이미지’라고 부르는 작업을 시작했습니다. 리마의 ‘이미지’는 영화가 아니라 설치가 아니라 성능이 아닙니다. 예술가가 사용하는 ‘이미지’는 시각적 선명도와 사실적인 견고 함이 축적 된 개념화 된 작품입니다. 이러한 엄밀한 개념적 프로젝트를 상징하는 작품 중 이 가장 잘 알려져 있습니다. Laura Lima의 작품 중 일부는 장식 철학의 개념과 관련이 있습니다. 리마는“장식이 중요하지 않다 ”고 생각하는 기존의 관점에 직접 반대합니다. 그녀는 일반적이고 일반적인 것으로 간주되는 정의와 개념을 왜곡하고 뒤집습니다.
부산 비엔날레 2016에서 <아센 세르> (2013, 2016) 작품을 아시아에서 처음 선보인 것은 이번이 처음이다. 이 작품 앞에 서서, 우리는 벽 아래에서 손을 뻗어 열쇠 세트를 움켜 쥐는 팔에 직면했다. 예술가는 우리가이 팔을 우리에게 무관심하다고 생각하지만 그것이 다른 사람에게 속해야한다고 생각했지만 그 팔은 실제로 우리의 것이 될 수 있다고 생각했습니다. 이런 의미에서 작품은 가장 기본적인 형태의 존재와 상호 작용에 초점을 맞 춥니 다.
리우 신이
세계의 중심
Liu Xinyi는 그의 작품을 통해 국제 문화 충돌과 해결책에 대한 그의 깊은 관심을 보여줍니다. 전시회에 제출 된 그의 <세계의 중심> (2011)은 동서양의 많은 국가들이 왜 세계지도를 국가에 게시하는지에 대한 질문에서 시작하여 ‘어디로 Liu Xinyi는 회전하는 세계를 인체의 엉덩이로 투영함으로써 인간 배설의 출구가 세계의 절대 중심이 존재하지 않는 것을 유머러스하게 표현하는 세계의 중심으로 만들었습니다. 밤에 금융 센터의 이미지가 하나의 섬을 형성하기 위해 수집되고 편집 된 <보물섬> (2012)의 또 다른 작품에서, 눈이 번쩍이는 해상 도시의 섬광이 눈앞에 나타납니다. 이러한 꿈 같은 풍경은 기포 경제의 재난 지역이 된 중국 사회를 나타내며, 변형되고 불필요한 개발로 활발하게 발전했습니다.
다나 릭센 버그
제국 법원
Dana Lixenberg의 (1993-2015) 프로젝트는 비디오 작업과 일련의 흑백 사진을 결합하여 로스 앤젤레스 남중부의 소규모 지역 사회가 어떻게 변화하는지 추적합니다. 사진과 비디오는 1992 년 4 월 로드니 킹 (Rodney King) 폭동으로 로스 앤젤레스를 여행하는 동안 친숙한 곳인 제국 법원의 주민들과 광범위하고 협력적인 관계를 맺은 작품입니다. 1993 년부터 2015 년 봄까지 22 년 동안 Lixenberg는 지역 사회의 광범위한 초상화를 만들고 재난이 발생한 경우에만 관심의 중심이되는 사람들의 전형적인 삶으로 그녀의 시선을 멀리했습니다. Imperial Courts에서 제작 된 작품에는 393 개의 흑백 사진, 2015 년 Roma Publications에서 출판 한 책 및 루프로 진행되는 63 분 길이의 3 채널 비디오 프로젝션이 포함됩니다. Lixenberg의 영화에서 포착 된 임페리얼 코트에서의 생활은 드라마와 연극에서 무의미한 일상에 이르기까지 광범위한 스펙트럼을 형성합니다. 그것은 종종 비정상적이고 극단적으로 조롱 된 미국 도시 도시의 일상 생활 장면을 포함합니다. 변하지 않는 도시 경관의 배경을 배경으로 한 제국 법원은 공동체의 연속성을 만들고 감각주의와 안경을 반대하며 무엇보다 감도를 선택합니다. 이러한 접근으로 <제국 법원> (1993-2015)은 22 년간 아프리카 계 미국인과 라틴 아메리카 인의 삶을 다양한 방식으로 기록했다.
자비에르 루케시
이자벨
아티스트 Xavier Lucchesi는 카메라를 사용하지 않고 이미지를 표현하려고 시도했습니다. 이를 위해 Lucchesi는 완전히 다른 이미지를 생성 할 수있는 카메라 이외의 장비를 사용했습니다. 그는 엑스레이 장비와 스캐너를 사용하여 이미지를 만들었습니다. 그의 이미지는 가장 일반적인 이미지 생성 방식을 따르지 않지만 광선이 물체를 통과하게함으로써 형성됩니다. 물체 뒤 영역의 표면을 향한 X 선 빔은 실제 물체의 그림자를 제거합니다. 이것이 우리가 볼 수있는 그림자 인 ‘환상’입니다. 물체를 통과하는 광선은 단지 한쪽 끝에서 다른 쪽 끝으로의 움직임을 의미하는 것이 아닙니다. 광선이 물체를 통과한다는 사실은 물체의 존재가 명백히 알려져 있음을 의미하며, 이것은 사람의 눈을 똑바로 쳐다보고 그의 영혼을 통해 보는 관찰자와 같습니다. Lucchesi가 자신의 작품에 피카소의 그림과 같은 걸작을 사용할 때 작품의 숨겨진면을 밝히지 않고 시각적으로 극적인 장면만을 표현합니다. 또한 그는 뇌의 힘이 아직 드러나지 않았거나 보지 않은 것을 시뮬레이션하고 그리는 뇌의 능력과 만나는 수렴 점이 있다는 사실에 중점을 둡니다.
Zanele MUHOLI
아반 다 & 흘란 흘라 모레 미의 결혼식
아프리카의 많은 국가들이 동성애 입법을 제정하고 서양 동성애자들에 대한 편견을 표명했지만, 남아프리카 공화국은 동성 결혼을 인정하는 법을 제정함으로써 그들과 차별화되었습니다. 그럼에도 불구하고 LGBT 아프리카 계 미국인 (레즈비언, 게이, 양성애자, 트랜스젠더, 이성애자를 포함한 성 소수자)은 증오 범죄로 고통 받고 있습니다. 그중에서도 특히 취약한 흑인 레즈비언은 냉혈 살인의 피해자가되거나 주변 사람들 또는 소위 ‘친구’에 의해 ‘치료의 구실 아래에서 랩’을 당합니다. 2013 년, Muholi는 남아프리카 공화국의 흑인 LGBT 커뮤니티에서 행복과 슬픔, 결혼식 및 장례식을 연결하는 것으로 보이는 행사를 기록했습니다. ZaneleMuholi의 사진 설치는 슬픈 사건과 행복한 사건이 어떻게 유사점을 공유 할 수 있는지 보여줍니다. 이 작업은 개인의 정체성 표현을위한 공간의 필요성을 강조합니다.
OH 윤석
숨겨진 추억-허브 1, 2
(2016) 시리즈의 주요 주제는“인간의 숨겨진 기억 속에 드러난 다각적 인 갈등, 두려움 및 공포 ”를 치유하는 것입니다. 저의 작품은 숨겨진 추억과 동기 부여, 마음의 질병, 원한과 원한을 치료하는 ‘바이오 코드’에 의해 동기를 부여하려는 의지를 보여줍니다. 이 작품에는 꽃, 허브 및 텍스트를 제시함으로써 현대인에게 꽃을 바치는 의미가 담겨 있습니다. 이 시리즈는 주제 나 기억의 재현을 통해 고정 된 이미지와 의미를 전달하는 것이 아니라, 기억이나 주제에서 추론 된 종교적 글이나 고백의 텍스트를 해체 한 다음 이미지와 결합하여 추상적 텍스트가 아닌 시각화 된 텍스트를 만듭니다. . ‘읽기’와 ‘매혹’사이의 어느 시점에서 청중과의 만남을 기다리는 존재가됩니다.
올타
캐스케이드
OLTA는 2009 년 Tama Art University에서 회화를 전공 한 6 명의 일본 예술가로 구성된 그룹입니다. 우리의 일상은 미디어가 전송하는 비디오와 같은 방대한 양의 정보로 가득 차 있습니다. OLTA는 (2016)의 디지털 미디어 경험과 폭포를 비교합니다. 폭포에 이르는 여정, 눈 앞의 탁 트인 전망, 폭포 소리, 온도, 습도, 주변 환경에 이르기까지 모든 감각을 이용하여 폭포를 포용합니다. 이러한 맥락에서‘촬영 된’비디오는 부차적 일 수 있습니다. 새로운 작업을 통해 OLTA는 아티스트의 본문을 비디오 제작자로 사용하고, 정보 수신자의 본문을 사용하고, 기록하고 기록하는 미디어를 사용하여 세 가지 방식으로 정보의 축적 및 변환을 시각화하려고합니다. 이번 전시회에서 OLTA는 불교기도를 부르면서 서일본의 일본 전통 민속 무용 농민 인 Rokusai Nenbusu Odori에서 영감을 얻은 공연을 진행합니다. 그들의 형태와 전통은 다양하지만 대부분의 사람들이 마을의 문을 방문하고 밤새 드럼, 종소리 및 파이프 소리에 맞춰 춤을 춥니 다. OLTA의 공연에서 멤버들은 일반적인 가정에서 쉽게 찾을 수있는 물건으로 만든 자신의 목소리와 악기 소리에 맞춰 춤을 춥니 다. 공연 촬영, 반복 재생 및 관객의 움직임을 결합하여 설치가 완료됩니다.
올란
Bejing Opera자가 하이브리드 화 n ° 6
올란은 자신의 몸을 자신의 작품에 대한 자료와 시각적 지원으로 사용합니다. 그녀는 토론과 전시를 위해 자신의 몸을 사용합니다. 그녀는 바디 아트의 선구자이며 1989 년 성명서에 정의 된 ‘육신 예술’의 주요 인물입니다. 올란의 끈기와 자유는 그녀의 작품에서 필수적인 부분입니다. 그녀는 모든 작품에서 혁신, 질문 및 파괴적인 태도를 고수합니다. ORLAN은 데이터에 대한 근본적인 변화를 끊임없이 구현하여 ‘준비된’사고 과정과 관습을 파괴합니다. 그녀는 사회적, 정치적, 자연적 결정론, 남성 쇼비니즘, 종교, 문화 구분, 인종 차별과 같은 지배적 인 종류에 반대한다. 올란은 바로크 시대의 여성의 몸과 종교적 도해 법을 설명 할뿐만 아니라 콜럼버스가 아메리카를 발견하기 전에 인도와 중국의 문화를 탐구합니다. 동시에 그녀는 가장 현대적인 과학, 생물학 및 컴퓨터 기술을 사용하여 신체적, 정서적, 가상 현실을 조사합니다. ORLAN은 최근 시리즈 작업 <디자인과 증강 현실을 향한 마스크 베이징 오페라> (2014)에서 베이징 오페라 마스크를 대화식 기술에 접목시켰다. 증강 현실을위한 응용 프로그램 인 ‘증강 (Augment)’의 사용을 통해 그녀는 자기 하이브리드 화와 모든 소스를 QR 코드로 바꿉니다. ORLAN은 베이징 오페라에서 여성에게 금지 된 청중의 태블릿과 스마트 폰에 아바타를 표시하여 곡예를 보여줍니다. 청중은 3D 아바타로 사진을 찍을 수도 있습니다.
타냐 OSTOJIĆ
성공 전략 / 큐레이터 시리즈
Tanja Ostojic은 공연, 비디오 및 사진과 같은 다양한 미디어를 사용하여 다각적 인 연구를 수행하고 유럽 사회와 예술계가 직면 한 문제에 대한 질문을 제기하는 실용 예술가입니다. 그녀의 주요 프로젝트 중 하나 인 는 집시들과의 강한 유대감을 형성하고 지역 사회와 활동가들이 토론에 참여할 수있는 플랫폼에 식민지 상처를 노출시켜 깊은 슬픔을 공유하고 치유 할 수있는 장소를 준비합니다. 특히 전시회에 제출되는 은 집시의 빈곤 생활, 사회적, 정치적 배제, 추방, 인종 차별, 외국인 혐오증 등과 같은 문제를 다루기 위해 발표 형식의 공연이다. 이 작업을 통해 그녀는“오늘날 현대 유럽 사회에서 특정 민족 집단이 정치적, 사회적으로 끊임없이 노출되고 인권을 박탈 할 수있는 방법은 무엇인가?“라는 윤리적 질문을 제기합니다.
박성추 엔
시각적 경험이없는 여행 (# 3)
<시각적 경험이없는 여행 (# 3)> (2008)은 박 Chu 추엔의 5 박 4 일부터 말레이시아로 출발합니다. 그는 전체 여행을 위해 눈을 감거나 가리었다. 여행하는 동안 그는 여전히 모든 관광을하고 많은 사진을 찍었지만 보지 않고 몸을 사용하여 주변 환경을 감지하고 경험했습니다. 투어 그룹의 다른 멤버의 사진 및 비디오와 함께 모든 이미지는 말레이시아의 간접 기억과 시각적 경험에 대한 유일한 참조가되었습니다. 사진은 완전히 어두운 방에서 보여 져야합니다. 시청자들은 실내에서 이미지를 캡처하기 위해 자체 플래시 카메라를 가져와야합니다.
박지혜
애정
개인의 가치가 정의되는 척도는 사회적 기준에 따라 분류 될 수 있습니다. 다시 말해서, 그러한 가치가 외부 영향에 의해 받아 들여 지거나 좌절 될 때 갈등이 발생합니다. 그러나 개인의 욕구는 사회적 기준에 의해 규제되기 때문에 어느 정도는 제한됩니다. 따라서, 각각의 개인 욕구의 형태는 다를 수 있지만, 그러한 사회적 압력에 의해 야기되는 심리적 불안은 모든 관계에 내재되어 있으며, 이러한 불안은 한 개인을 다른 사람과 복잡한 방식으로 연결시킨다. 이것은 현대 사회에서 지속적인 폭력의 형태로 표현됩니다. 나는 그러한 폭력이 관계 및 상호 작용과 관련된 문제로 인식하고이를 예술 작품의 형태로 제시하려고합니다. 관계에 대한 묵상은 거대한 존재가 아니라 사랑, 낭만적 인 관계, 질투, 동정심, 그리고 개인의 일상에 가장 가까운 사람들과 밀접한 관련이 있습니다. 가장 가까운 관계는 다른 관계보다 훨씬 더 많은 관습, 신화 및 형식이 지배하는 공간입니다. 그 공간은 두 개인의 만남에 의해 만들어진 장소처럼 보이지만 실제로는 수많은 개념과 욕구가 충돌, 교환 및 타협하는 복잡한 장소와 기본적인 갈등이 휴면되는 장소입니다. 작가는 일방적 인 강박 관념, 밀접한 관계 뒤에 숨어있는 욕망, 그리고 개인적인 경험과 실제 사건을 상징적 대상, 이야기 또는 동화와 결합하여 관계에 존재하는 표면 아래에 놓여있는 폭력을 포착합니다. 그녀는 관계의 애정과 갈등뿐만 아니라 사회와의 관계 형성의 숨겨진 아이러니, 갈등 및 불안이 수평 시간과 수직 시간이 교차하는 교차점에서 교차하는 공격적인 상황을 만들어 엄청나게 현실적이지만 비현실적인 비디오를 제작합니다. .
헝 치펑
신 파운드 부산
1980 년대 대만에서 도박 열풍 중에 작은 신상이 특히 유명해졌습니다. 승리 한 숫자를 성공적으로 거두지 못한 후, 이들 중 상당수는 주인의 불확실하고 비현실적인 기대를 충족시킬 수 없을 때 개를 파운드로 보내는 방식과 같이 재활용 센터에서 학대와 버림을 받았습니다. 따라서, 인류는 다소 비범 한 반전의 예에서, 보복에 대한 두려움이없는 것처럼 보이며 신들을 처벌 할 자유를 취했습니다. 또한,이 신들은 조작하기 쉬운 크기로 편리하게 구현되었습니다. <신 파운드 부산> (2016) 설치를 위해 501 명의 신이 전체 공간을 채우고 대만 인형 무대 세트로 둘러싸인 화면을 봅니다. 비디오에서, 개는 신들이 우상화 한 선박에서 버려진 유적으로 이동하는 이야기를 이야기하며 신 파운드와 송곳니와의 관계를 상기시킵니다. 시장 가치를 알지 못하는 유비쿼터스 상품 페티쉬와 신성한 토템 사이의 어딘가에,이 작은 존재들의 축적은 그들이 처음에 가지고 있었던 엄청난 힘과 가치없는 캐스트 오프로서의 현재 상태를 모두 전달했습니다.
푸쉬 파 말라 N
좋은 유전자-위생
아티스트는 의료 모델을 사용하여 친구의 도움으로 다양한 움직임을 수행합니다. 종교 의식과 비슷한 움직임은 매혹적인 마술 쇼와 같은 무대에서 공연됩니다. 이 비디오는 Pushpamala N.이 제기 한 국가 국가의 개념에 대한 질문에 답변하기 위해 만들어진 장기 프로젝트의 일부입니다. 비디오에서 그녀는 인류학, 민족학 및 유전학의 역사를 통해 이상적인 공동체를 만드는 것을 목표로하는 정부의 프로젝트를 조사합니다. 그녀는 자신의 움직임을 스스로 수행하고 탐험의 중심에 자신을 위치시키는 역사의 ‘에이전트’뿐만 아니라 ‘결과’의 역할을 수행합니다.
조안나 RAJKOWSKA
내 아버지는 그런 식으로 나를 만지지 않았다
Joanna Rajkowska의 비디오 작품 <아버지가 나를 만지지 않았다>는 아버지와 딸의 끊어진 관계에 초점을 맞춘 설명입니다. 작가는 그녀의 아버지에게 그녀의 얼굴을 애무하라고 요청했지만 그것은 아마도 그녀가 처음으로 한 마지막 요청 일 것입니다. 그녀의 아버지는 2 차 세계 대전 동안 가족과 아내를 떠난 순간까지 아우슈비츠 강제 수용소로 첫 탈출을 한 이후로 평생을 살았습니다. 그는 작은 아기의 기저귀를 바꾸거나 초등학교 입학식에 참석하거나 심지어 혈액 중독으로 입원했을 때조차도 거기에 없었습니다. 그는 아내가 그녀의 죽음의 길로 불렀던 자신의 이름을 무시하기 위해 갔다. 작가는 자신의 작품에서 일상의 표면 아래에있는 기억의 층을 제거함으로써 우리 모두가 가진 과거의 상처를 부드럽게 애무합니다.
로빈로드
달은 잠 들어있다
Robin Rhode는 일반적으로 비누, 숯, 초크 및 수채화와 같은 일반적인 재료를 사용하여 공연, 그림 및 비디오에서 아름다운 삶의 서사시를 표현합니다. 자신의 방식으로 사회 및 정치 문제에 광범위한 관심을 표명하는 작가는 주로 자신의 작품을 거리를 기반으로하고 복잡한 미학을 향상시켜 아름다운 벽 그림을 만듭니다. 전시회에 제출 된 그의 <블랙 니스 블룸>은 남아프리카 시인 돈 마 테라의시에서 빌려 왔으며, 화면에 약하고 취약한 음성 반향을 일으켜 심문 실에서 수감 된 경험을 설명했다. 아파 르트 헤이트가 절정에 도달 한 시간. 작가는 눈 앞에 펼쳐진 상징적 인 이미지를보고있는 소년의 스톱 모션 애니메이션을 통해 힘, 정체성, 자유와 은혜를 표현합니다. 그의 다른 작품 <달이 잠들다>에서 그는 아픈 연인들을 잃어버린 슬픈 날들을 달이없는 밤으로 묘사하고 노인의 나레이션과 나레이션의 마지막 단어 인 ‘격리’를 통해 애도와 슬픔을 전한다.
SHEN Shaomin
미술사
Shen Shaomin은 개념적 예술과 설치 예술에서 일하는 중국의 예술가입니다. 그의 작품은 주로 미술사에 존재하는 몇 가지 문제에 대한 연구와 성찰과 관련이있다. 동시에 그는 ‘오피니언 리더’와 같은 현대 사회의 문제를 끊임없이 밝히고 비판합니다. 그의 최근 작품 (2015)는 여전히 진행중인 연구 프로젝트 인 대규모 대화식 설치입니다. <미술사> (2015)는 50 개의 헤드폰과 50 개의 마이크로 구성되어 있습니다. 예술의 정의에 대한 예술가의 연구 결과에 대한 내레이션은 헤드폰에서들을 수 있으며, 목소리를 듣는 청중은 마이크에서 예술의 정의에 대한 그들의 생각에 대해 말할 수 있습니다. 그런 다음 이야기는 컴퓨터를 통해 전달되어 문자로 변환되고 인쇄되어 한 권의 책으로 결합됩니다. 그 ‘공유 진술’은 그와 같이 완성되어 궁극적으로 예술가의 보관소가됩니다. 이 작업을 통해 Shen Shaomin은 일반 대중의 참여를 장려함으로써 예술가의 정의를 풍요롭게함으로써 학자 및 비평가 만 들어갈 수있는 불가피한 영역으로 간주되는 예술의 역사를 열고 편집하고 확장합니다.
카타리나 체 더링
중간에 태양을 바라보다 (빨간색)
KATHARINA SIEVERDING의 작품은 지구의 밤 어둠 속에서 태양이 밝게 빛나고 있음을 보여줍니다. 일몰에서 일출까지 태양은 실제로 다른 색상으로 가득합니다. KATHARINA SIEVERDING은 생물과 우주의 상호 연결에 중점을 둡니다. 작가는 2010 년 NASA가 시작한 Solar Dynamics Observatory로부터 시각 정보를 받아 예술 작품으로 탈바꿈 시켰습니다. 이 작업을 통해 그녀는 과학 및 생물 정치의 다양한 측면을 신성한 인간 존재와 연결합니다.
로마 서명자
모래, 의자, 버킷 및 물로 설치
로마 서명자가 우리를 위해 만들어내는 예술적 사건은 과정, 놀이, 실험 및 경이를 기반으로합니다. 그의 자료는이 예술가의 소장을 알리는 유머에 비추어 볼 때 원소 적 물리적 현상입니다. 이 요소들은 놀라운 유머 세계를 보여줍니다. 그것은 예술 세계에서 아직 발견되지 않은 매우 미묘한 유머 브랜드입니다. 서명자의 행동의 평온, 명확성 및 가벼움은 우리에게 깊은 인상을줍니다. 70 년대에는 물이 흐르고 의자가 의자라는 것을 증명하기 위해 의롭게 고통을 겪은 특정 예술의 독단적 지도력이 없다. 서명자의 제스처는 서스펜스의 극작가처럼 보이지만 폭발적인 릴리스, 심지어 정신적 감각의 폭발까지 유발합니다. 그는 독창적이고 개인 주의적 예술가의 예상되는 역할을 채우지 않지만 놀랍지 않은 의심 할 여지가없는 잠재력을 발견하고 풀어줌으로써 대상에 주목합니다. 우리는 일반 스프레이 캔과 고무 장화, 자전거와 주방 의자의 가능성에 대해 알고 있지만 지식의 지평과이 세상의 것들과의 관계가 얼마나 제한되어 있는지도 배웁니다.
시니 크 스미스
먼지, 얼룩 없음
Shinique Smith의 세 가지 공연 작품은 주로 제스처, 사물 및 개념적 영감에 관한 것입니다. 그녀의 작품은 점성술, 연금술, 신화적인 가사시 및 도시 교차로의 움직임에 영향을 받았습니다. (2015)은 아티스트 Gary Pennock과 공동으로 Smith의 벽화 앞에서 공중 및 지상 비디오를 사용하여 촬영했습니다. 작가의 개인적인 역사와 자신의 삶에 영향을 미치는 사건을 기반으로 공연은 스미스의 그림, 대규모 설치 및 기타 공연 작품을 다룹니다. 작품 제작 및 전시 프레젠테이션에 어떻게 접근하는지 보여줍니다. 그녀는 어린 시절“어린 소녀 였을 때 수피 소용돌이 치는 걸 알게되었고 무죄로 춤추려고 노력했습니다. 볼티모어의 뒷마당에서 뒷마당에서 마음이 풀리기 전까지는 회전 할 것입니다.”스미스의 이러한 경험은 벽화에서 최면술을받은 무용가들의 움직임을 표현하고 확장하는 프로젝트의 시작점으로 사용되었습니다. 작품 속 무용수들은 파라솔과 큰 비단 옷을 그려 스미스가 만든 의상을 입는다. Smith와 비슷한 아이디어를 가진 KAIROS Dance Company는 통찰력의 자발성을 따랐으며 기존 작품 ‘Her’에서 추출한 움직임 중 일부를 추가하여이 흥미롭고 역동적 인 협업 작업을 만드는 데 기여했습니다. Gary Pennock의 전문적인 편집 기술과 구성은이 작품에서 Smith의 아이디어를 표현하는 데 완벽을 더했습니다.
손정희
울로 둘러싼 땅
손정희는 점토를 사용하여 자신 안에 깊이 숨겨져있는 꿈을 실현하는 데 중점을두고 있습니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)는 한 번 ‘당신이 상상할 수있는 모든 것이 현실입니다’라고 말했듯이, 그녀가 표현하는 상상의 세계는 그녀가 손으로 점토를 만들고 굽는 순간 현실이됩니다. 손정희의 작품 주제는 일상에서 비롯된 것입니다. 백설 공주 같은 동화를 어린 아이들에게 읽고, 행복한 결말을 왜곡하고 풍자하는 그녀의 작품의 개념이되었으며, 시간이 지남에 따라 그녀는 모든 연령과 국가에서 그녀의 작품에 대한 다양한 소스를 찾았습니다. 이러한 이야기는 작가의 상상력의 중단을 통해 변화되었으며, 사회 현상에서 왜곡이나 풍자, 비평의 우화로 작용한다. 손정희의 모든 작품에있는 공통된 감정은 동정, 유머, 갈망 (분개), 급등입니다. 인간에 대한 깊은 사랑과 애정은 그녀의 작품에서 전달됩니다.
송기철
항상 평화롭게 존재합니다.
아이들의 시체를 해안으로 씻은 것을 보면서, 나는 우리가 자유롭지 만 완전히 자유롭지 않은 세상에 살고 있다는 것을 뼈에서 느낍니다. 영토 장벽을 자유롭게 가로 질러 이동할 수있는 것은 살아 있지 않은 것입니다. 그러한 장벽은 영토, 영토 및 생명과 삶 사이의 보이지 않는 유령처럼 존재합니다. 그들은 우리를 끝없이 분리시키고 실제 적대 행위에 직면 할 때 우리를 무능하게합니다. 이 분리는 과거 남아프리카 공화국의 악명 높은 인종 차별 인 아파 르트 헤이트와 동일하지 않습니다. <항상 평화롭게 존재한다> (2016)는 알 수없는 이웃과의 분리와 사유 재산의 보호를 가능하게하는 철제 막대의 기본 원리를 벽에 설치했다. 그렇게함으로써 유령 아파 르트 헤이트와 대결 할 수 있습니다. 창문을 통해 재난에서 탈출 한 남자의 비디오와 뿌리가 타 버린 나무가 공중에 매달려 있습니다. 균형의 저울의 숨겨진 무게를 보여주는 사진은 적대감의 공존을 가능하게하고 새로운 조직 작업을 만듭니다. 이러한 공존의 잔류 물이 유지되는 현재 상황에서의 수명.
스튜디오 컨텍스트
누에 고치 2
Studio CONTEXT는 덴마크 오르후스 건축 학교에서 시작했으며 전 세계 여러 나라의 학생, 건축가 및 시민들이 쏟은 헌신과 기술의 결합 결과를 보여줍니다. Studio CONTEXT는 지리적, 역사적, 인류 학적, 사회적 현상을 반영하는 지속 가능한 건축과 주택을 연구합니다. 또한 다양한 문화 요소가 혼합 된 디자인을 탐구합니다. 부산 비엔날레 2016 스튜디오에서 CONTEXT는 프로젝트 (2015)를 보여줍니다.이 프로젝트는 아주 독특한 재료 인 대나무 나무로 만든 작품입니다. 대나무는 아시아 국가에서 수 세기 동안 실내 자재와 가정 용품을 만드는 데 사용되었을뿐만 아니라 건축 및 디자인 분야에서 친환경 건축 자재로도 사용되었습니다. 대나무 나무와 돌로 만든 첫 번째 실험 프로젝트 에 이어 (2015)는 기능, 재료 및 건축에 대한 교육 접근법과 실험을 통해 범 문화 협력의 개념을 도출했습니다. 모든 작품은 관련 지역의 재료와 기후에 맞게 신중하게 고려되었으며, 지역 주민과의 긴밀한 협력을 통해 실험적 성격을 유지했습니다. 코쿤 프로젝트는 여전히 공간, 건축, 재료 및 대나무 세계를 탐구하는 진행중인 프로젝트입니다.
다무라 사토루
접점 # 2
“Point of Contact # 2″는 간단하지만 과장된 개방형 스위치입니다. 전기에서 전력을 공급하여 램프를 비추도록 설계된 장치입니다. 접점은 창백한 스파크를 생성하고 백열등과 함께 깜박이며 전기적인 “접촉”이 있다는 물리적 증거가됩니다. 백열 램프는 스파크가 발생하는 접점에서만 작동하며, 스파크가 발생하는 접점은 백열 램프를 켜는 것입니다. 이 작업의 요점은 바로이 육체적 존재이며 바로 주위를 돌아 다니는 것입니다. 타무라 사토루는 의식적으로 또는 무의식적으로 현실에 직면하는 방법을 보여줍니다.
우리가 살고있는 사회의 모든 것이 무언가가되는 것은 아닙니다. 모든 사람에게 이성을 찾기 위해 열심히 노력하는 사람은 오직 우리뿐입니다. 자본주의 사회에 사는 인간은 무차별하게 발전과 성장이라는 이름으로 자연을 파괴하고 서로를 폐쇄하며 인종, 종교 및 사회의 차이를 인식하지 못하는 맹목적인 믿음에 근거하여 갈등을 만듭니다. 이것들은 모두 인간의 욕망의 변형입니다. 예술가는 예술 작품을 만들 때 목표를 세우거나 무언가를 주장하려고하지 않습니다. 그럼에도 불구하고 그의 작업을 통해 현실과 사회를 바라 보는 렌즈를 재설정하고 세상의 고통을 넘어 존재하는 삶의 방식을 반영 할 수 있습니다.
노부코 쓰 치야
시간의 시작
Nobuko Tsuchiya는 사람들의 감정을 자극하고 개인의 세계에 대한 인식을 불러 일으킬 수있는 무언가를 만들기 위해 노력하며 기억과 상상력의 관계를 명확하게 인식하려고합니다. 그녀의 작품은 다양한 사고와 언어 적, 음악적, 논리적, 기능적, 관능적이고 경험적인 것들 또는 심지어 정의 할 수없는 것을 사용하여 내려진 결정들의 축적입니다. 이 작품을 통해 작가는 작품의 구성 요소를 최대한 평형과 불균형 사이의 특정 지점에 도달하도록 압축하려고 시도합니다.
양아치
올드 스파이스, 랭 버전
한강.
나는 넓고 거대한 집을 올라갑니다. 바로 그곳에서 사람의 얼굴을 가진 회색 늑대가 앞으로 나아와 사람들을 차례로 먹습니다. 그것은 그들의 피를 빨다.
거대한 집을 올라가면 지붕이 보이고, 나무로 만든 거대한 배가 보입니다. 내가 본 것처럼, 배는 유원지에서 해적선처럼 앞뒤로 흔들 리기 시작합니다. Shuuuk, shuuuk.
내가 알기 전에 배의 오른쪽 끝에 앉아 내려다보고 있습니다. 나는 거대한 집에서 내려 길을 따라 걷기 시작합니다.
그런 다음 일어납니다.
유성훈
우주 전시회
유성훈은 부산 비엔날레 2016의 주요 전시장을 위해 부산에 창고로 지어진 공간을 부산의 지질 사에서 매우 의미있는 것으로 간주한다. 오늘날의 특별한 역사적 backgroud로 인해 도시 공간으로 변형되었다. <공간 전시> (2016)에서 5 개월 동안 특정 장소에서의 변화 과정이 기록되었으며,이 지역과 인간 문제에 대한 관심이 높아질 것으로 믿고있다. 그는 또 다른 작품 <빈 사이트> (2016)를 통해 고향의 기억과 전시 공간을 연결하고자한다.
윤필남
수제 판타지
작은 지문이 스마트 폰과 만나면 모든 것이 눈앞에 펼쳐집니다. 그들은 눈을 통해 보이고 마음에 보이는 세계입니다. 작은 틀에 갇힌 모든 종류의 떠 다니는 단어와 텍스트는 보편적 인 힘을 가지고 있지만 쉽게 스며 들고, 더러워지고, 희미 해집니다. 노란 먼지가 세상을 먼지로 덮는 것처럼 세상에는 텍스트와 이미지가 가득합니다. 우리는 외부의 빛, 소리, 맛 및 접촉에주의를 기울이지 만 일상 생활은 산산조각 났으며 깨진 램프처럼 깜박입니다. 어떤 시점에서, 시간과 노력뿐만 아니라 신체의 움직임을 요구하는 육체 노동은 그 소중한 가치를 잃고 있습니다. 오늘날의 노동은 매우 지쳐 버리고 터미널의 간섭으로 지연되어 결국 미완성 상태로 남아 있습니다. 마음이 깨어날 때 몸은 무겁게되고, 영은 몸의 관성에 소음이됩니다. 그럼에도 불구하고 작가는 실제로 세상을 움직이고 회복시키는 힘은 육체 노동에서 비롯된다고 주장합니다. 윤필 남은 이동을 멈추지 않는 육체 노동에서 풀이되지 않는 일상의 흐름을 추구해야한다고 주장합니다.
카타리나 ZDJELAR
모든 것이 될거야
Katarina Zdjelar의 비디오 (2008)는 비틀즈의 노래 ‘Revolution’을 언급하며, 작가는 노르웨이의 Lofoten Islands로 아마추어 합창단이 부른 노래를 옮깁니다. 그들의 자장가 같은 코러스를 부르는 방법은 노래가 방해가되지 않는 비판적인 음색을 갖도록 강요합니다. 이 작품은 John Lennon이 1968 년에 쓴 가사에서 격변까지의 중요한 거리와 노래의 의미와 작품에 등장하는 중년의 사람들 사이의 이념적 거리를 보여줍니다. 이 작업에 대한 Zdjelar의 관심은 물리적으로 불확실성을 나타내는 과정, 퍼포먼스를 완벽하게하려는 시도, 그리고 단 하나의 목소리로 집단적으로 제작하는 데 있습니다. 개인의 친밀한 존재에 주로 중점을 둔이 작품은 모호한 망설임, 즉 자신을 표현하고 표현할 수 없거나 모든 불완전한 개인이되기를 꺼려 할 수 있음을 암시하는 비축의 대상이됩니다. 공동 목소리와 느낌. 가수-스피커는 노래를 부르는 거리를 향한 거리감과 차가움을 느끼며, 공연을하더라도 그들이 가져 오는 것은 희망보다 불길한 것처럼 보입니다.
Ha 하오
2002 년 6 월 20 일
Zeng Hao는 개인의 마음 상태, 개인적인 인상 및 주변 변화를 캔버스에서 포착합니다. 침대, 옷장, 냄비, 부끄러워하는 인물의 이미지와 같은 일반적인 항목은 그의 그림에서 찾을 수 있습니다. 특히, <04:06 am of May. 1998 년 9 월> (1998)은 그의 주요 작품 중 하나이며, 시청자들은 등장 인물, 가족, 전기와 같은 다양한 소품을 관련이없는 것처럼 조합하여 작품 뒤에 숨겨진 이야기를 상상할 수 있습니다. Zeng Hao가 그린 가족이나 공간의 그림은 추측하기 어려운 모호한 고립감을 의미하며, 완벽 해 보이지만 원근감으로 그려지는 황량함을 불러 일으 킵니다. 작가는 자신의 작품을 오늘날의 현대 사회의 관계와 뚜렷한 현실의 취약한 성격에 대한 은유로 사용하고있는 것 같습니다.
ZHOU 웬 도우
ADHD
Zhou Wendou는 개념적 창조 방식과 유머러스 한 예술 언어를 사용하여 다른 현대 중국 작품과는 다른 관점을 표현합니다. (2015)는 직경이 2 미터보다 큰 원형 설치 공사입니다. 상단에서 잉크가 계속 튀어 나오고 표면에 설치된 20 개가 넘는 ‘윈드 스크린 와이퍼’가 반복적으로 움직여 분출되는 잉크를 제거합니다. 이러한 기계적 움직임을 통해 작가는 일상 생활에서 쉽게 찾을 수있는 현대인의 비 자동 제어 특성, 지나치게 반복적 인 움직임 및 습관을 암시합니다. 더욱이이 연구는 데이터가 끝없이 기계적으로 생성되는 인터넷 시대의 비유적인 표현이며 주의력 결핍 장애로 인해 점차 둔해지는 상태입니다.
부산 비엔날레 2016
부산 비엔날레는 부산 청소년 비엔날레, 부산 해양 축제, 부산 야외 조각 심포지엄 등 도시에서 개최 된 3 가지 축제를 통합 한 종합 예술 축제입니다.
아시아에서 예술의 거점으로 오랜 역사를 가진 부산은이 지역과 그 이상의 예술 축제를 개최하기에 완벽한 장소입니다. 비엔날레 예술 행사는 이해하기 어려운 현대 미술을 쉽게 해석하고 일반 대중이 더 쉽게 이용할 수 있도록하기 위해 마련되었습니다.
이 축제는 현지인들이 다른 나라 사람들과 어울리고 서로 소통 할 수있는 경기장 역할을합니다.
부산 비엔날레는 대한민국 대표 문화 행사로 자리 매김하여 세계적으로 인정받을 것입니다.