브라질의 바로크 양식은 대부분의 식민지 시대 동안 지배적 인 예술 양식이었으며 풍성한 개화의 수용지를 발견했습니다. 18 세기 초 선교사 인 카톨릭 신자들, 특히 예수회 교인들에 의해 소개 된이 나라는 토착 원주민을 교리 문답하고 조율하고 포르투갈 인들을 식민지화시키는 과정에서 도움을 주었다. 식민 기간 내내 교회와 국가 사이 친밀한 협회가 있었다, 그러나 식민지에서 것과 같이 후견인으로 봉사 한 법원이 없었다, 엘리트는 궁전을 건설하거나 성서 시대 예술의 후원을 성가 시게하지 않았다 기간의 끝까지 종교가 모든 사람들의 일상 생활에 엄청난 영향을 주었기 때문에이 일련의 요인들로부터 브라질 바로크 유산의 대다수가 신성한 예술에 있다고한다 : 조각상, 회화 및 교회와 수녀원 장식을위한 조각 작업 개인 숭배.

바로크의 가장 전형적인 특징은 대개 역동적 인 스타일, 내러티브, 장식 적, 극적으로 묘사 된 대조와 매혹적인 소성을 묘사하며 수사학과 위대한 실용주의의 세련미로 표현 된 프로그래밍 방식의 내용을 전달합니다. 바로크 예술은 본질적으로 기능적인 예술이었으며, 순수하게 장식적인 기능 외에도 신학자들에 의한 카톨릭교 교리와 전통 풍습의 흡수를 촉진 시켰고, 효율적인 교육학 및 교리 문법 악기였습니다. 곧 가장 숙련 된 인디언들과 노예로 수입 된 흑인들은 그들의 예술적 표현의 단순한 구경꾼들로부터 생산자들에게 전해지는 포르투갈 문화에 엄청난 노출을 입히고, 주로 흑인들의 책임하에 있으며, 생산 된 바로크 양식의 큰 부분을 차지했다. 이 나라. 그들과 대중적인 장인들은 통합과 안정화 과정에있는 사회에서 유럽의 바로크 양식을 새롭고 독창적 인 특징을 갖기 시작했으며, 이러한 이유로 순응이 진정으로 형성되는 최초의 증언의 하나로 간주된다 브라질 문화.

시각 예술
생산 시스템
브라질 식민지 시대의 예술가들의 사회적 조건과 공연의 상황은 여전히 ​​논란의 대상이다. 그의 활동이 기계 및 공예 예술 법령에 종속되어 있었는지 아니면 이미 교양 과목의 일부로 간주되었는지는 정확히 알 수 없습니다. 그것은 길드와 유사한 기업 형태가 제국의 출현 때까지 다음과 같이 조직 된 것으로 보인다 : 주인이 계층 구조의 최상위에 있었고 궁극적으로 새로운 견습생의 훈련과 훈련에 책임이 있었다. 아래는 장교 였고, 주요 작품을 꺼내기 위해서는 훈련을 받았으나 등급이 매겨진 전문가가 아니었다. 다음으로 도우미들과 어린 수습생들이 왔고, 노예들이 그 밑에있었습니다. 바로크 시대 말기에 예술가들의 사회적 지위가 어느 정도 진전되었지만 많은 노예들이 포함 된 수동 노동자들도 여전히 엘리트 계층에 대한 멸종 위기에 놓인 경멸에 직면 해 있었다는 것을 보여주는 좋은 증거가있다.

주제 그룹
회화와 조각 바로크는 신성한 건축술의 가득 차있는 경치가 좋은 효력을 얻기 위하여 coadjutoras 예술로 개발했다, 교회는 충격적인 운동 감을 찾기를위한 모든 특기 조련사 노력. 바로크 예술은 본질적으로 내러티브이기 때문에 브라질에서 재배되는 주요 주제 그룹을 언급 할 가치가있다. 첫째는 구약에서 유래되었으며, 우주론, 인간 창조, 히브리 족장이 제시 한 신앙의 기초에 대한 교훈적인 시각을 제공합니다. 두 번째 그룹은 예수 그리스도와 그의 구원에 관한 교리를 중심으로 한 신약에서 비롯된 것입니다.이 주제는 그의 기적, 비유, 열정과 부활, 기독교를 통합하고 정당화하고 유대교와 구별하는 요소들을 보여주는 많은 장면들을 통해 정교 해졌습니다. 세 번째 그룹은 교회 공무원, 고대 족장, 순교자, 성도, 성도, 주목할만한 성직자의 초상화를 중심으로 전개되었으며 마침내 마리아 숭배의 주제 그룹이되어 여러 차례의 부름에서 예수의 어머니를 묘사합니다.

그림
모든 예술에서와 마찬가지로, 카톨릭 교회는 식민지 회화의 가장 후원자였습니다. 교회에게는 그림이 교리 교육을 돕고 신자들의 신앙을 확인하는 기본적인 기능을했습니다. 교육을받지 않은 사람들이 쉽게 이해할 수있는 필요성 때문에 그림이 색채 이상으로 우세했다. 시간의 개념화에서 드로잉은 이성의 영역에 속하며 전송 될 아이디어를 정의하고, 색은 드로잉의 최상의 기능적 효율성에 필요한 감정적 인 강조를 제공했습니다. 이런 방식으로, 모든 바로크 식 그림은 비유적이고, 수사학적이고 도덕적입니다. 각 장면은 시각적 언어를 구성하는 일련의 상징적 인 요소를 가져 왔으며 문구 제작시 단어처럼 사용되었습니다. 그러한 요소의 의미는 당시에는 공개 도메인이었습니다. 성도들의 이미지는 고통의 도구와 같은 전형적인 속성을 보여주었습니다. 예를 들어 성 프란치스코는 보행과 일시적인 삶과 관련된 대상 인 두개골, 모래 시계, 묵주, 책, 채찍 및 담갈색으로 둘러싸인 것처럼 보일 수 있습니다.

대부분의 브라질 바로크 양식의 그림은 나무 나 캔버스에 온도 나 기름을 바르고 조각 장식에 삽입되었습니다. 리오의 상 벤토 수도원 및 카초에이라 교회의 테레시 오스 교회에서 벽화 기법의 희귀 한 사례는 생존하지만,이 기술의 보급에 대한 기록은 없습니다. 처음부터 전직 투표가 공통적이었고 18 세기에는 훨씬 더 널리 퍼졌습니다. 그들은 원칙적으로 소박한 청구서였으며 대중적 공예가에 헌신 한 사람들이나 사람들 자신이 수행 한 것으로,받은 은총이나 약속을 약속 받았습니다. 전직 votos는 빈번한 연습 이었기 때문에 식민지 회화의 첫 번째 개발에서 중요한 역할을했다. 이것은 정착지가 조직 된 곳, 다양한 주문의 위험이없는 여전히 야생의 경치로 설명된다. 도움과 보호를위한 천상의 힘은 변하지 않았습니다.

초기 기간부터 뭔가를 아는 최초의 브라질 화가 중 일부는 언급 할만한 가치가 있습니다. Maranhão에서 활발한 Baltazar de Campos는 St. Francis Xavier 교회의 성찬을 위해 Christ of Life에서 캔버스를 제작했습니다. 마라 냐웅 (Maranhão)의 João Felipe Bettendorff는 Gurupatuba와 Inhaúba의 교회를 꾸몄으며 Flemish 학교에 접근하는 기술을 가진 Rio의 활동가 인 Frei Ricardo do Pilar는 순교자의 저명한 저자가되었습니다. Lourenço Veloso, Domingos Rodrigues, Jaco da Silva Bernardes와 Antioio Gualter de Macedo는 Pernambuco와 Rio de Janeiro 사이에서 여러 곳에서 일했습니다. Bahian 학교의 설립자 인 Frei Eusebio da Soledade는 네덜란드 북동부의 지배하에있는 Nassau의 John Maurice의 Pransambuco 법원 예술가 인 Frans Post와 Albert Eckhout와 함께 공부했을 것입니다.

18 세기에는 나라의 거의 모든 지역에서 꽃 그림이 보였으며, 지역 학교의 세균을 형성하고 더 많은 수의 개인 신원이 살아남 았습니다. 지금까지 방대한 양의 판화가 유럽의 작품을 순환시키고 있었으며, 유명한 마스터의 작품을 재현하거나 다른 아이콘 모델을 제공했습니다. 이 판화는 브라질 식민지 화가에게 영감을주는 주요 원천이었습니다. 여러 연구에서 이미 그러한 모델을 엄청나게 사용하여 각 장소의 필요와 가능성에 적응 시켰습니다. 그들은 정식 예술 아카데미가 없었고 준비된 예술가가 거의 없었기 때문에 그들을 학교로 보냈다. 이 중, 거의 유럽의 교육을받은 선교사들, 브라질의 첫 회화 교사들. 그러나,이 가져온 iconographic 모음은 서로 다른 시대와 스타일의 이미지로 구성된 매우 이질적인 프로필을 가지고 있기 때문에, 브라질 바로크 식 그림은 똑같이 역동적이고다면적인 성격을 가지고 있으며, 단결과 형식적 일관성의 프리즘에서 그것을 연구하는 것은 불가능합니다 .

조상
바로크 양식은 신성한 조각상의 광대 한 생산을 기원했다. 신앙 예식의 필수 불가결 한 일부인 경건한 조각상은 성전과 사유지에서 공간을 발견했습니다. 카브 랄은 이미 네비게이터 성모 동상을 가져 왔고 그 나라에 남아있는 첫 번째 조각은 선교사들과 함께 포르투갈의 수입품이었습니다. 바로크 양식을 통해 작품의 수입이 계속되었고, 교회와 박물관 소장품에 여전히 존재하는 많은 작품들이 유럽 출신이다. 그러나 16 세기의 조각상 학교가 형성되기 시작한 이래 주로 프란체스코 회와 베네딕토 회 종교로 구성되었지만 점토를 주로 다루는 세속적 인 장인들과 함께 이루어졌다. 브라질에서 창안 된 구운 점토의 첫 번째 이미지는 안전한 소식인데, 1560 년대에 지어진 조앙 곤살로 페르난데스 (João Gonçalo Fernandes)가 저술했으며, 다행스럽게도 그 시대를 살아났습니다. 이것은 원주민이 더 적극적으로 기여할 수있는 기법으로 세라믹 페인팅의 백색 기술을 가르치고 천년기 동안 지배적이었던 타바 틴아 (tileatinga)와 타우아 (tauá)와 같은 천연 색소에 대한 지식을 가르쳤습니다. 인디언들은 또한 남부와 일부 북동부 지방의 감소에서 특히 santeiros로 협력했으며,이 경우에는 많은 인종적 인디언 흔적들이 종종 이미지의 얼굴에서 발견됩니다. 이는 일부 조각상에서 볼 수 있습니다. 선교의 일곱 민족. 예수회는 이미 나무에 우선권을 부여했다. 나무는 17 세기 말부터 우위를 점하면서 또한 조각 모양의 변화를 결정한다. 시간의 기술은 점토 조각이 요리 중에 쉽게 부러 질 수있는, 돌출 부분이없고 구호가 적고 콤팩트하게 모델링되어야했습니다. 한편, 우드는 3 차원 공간에서 더 자유롭고 개방적이고, 나부끼고 동적 인 형태로 조각을 가능하게했습니다. 대부분의 브라질 바로크 양식의 조각상은 결국 다색성 나무로 만들어졌습니다. 점토는 처음에는 주로 사용되었지만 버려진 것은 아니었고 돌은 드물게 발생하여 외관 및 공공 기념물의 장식으로 더 많이 사용되었습니다.

브라질에서 창조되었거나 수입 된 조각상은 적어도 새겨진 헌신의 성자가 거의없는 집이 거의 없었을 것입니다. 조각상은 회화보다 훨씬 편재하는 필수품이되었습니다. 실용적인 여행용 소형 부품. 특히 살바도르는 20 세기까지 지속성에 대한 해결책을 모르는 그러한 강점을 지닌 지역 학교를 창안하여 가장 먼 곳의 조각상의 수출 센터가되었습니다. 또 하나의 중요한 북동부 학교는 페르 남부 쿠 (Pernambuco) 학교 였지만 고품질의 제작물을 가지고 있었지만 여전히 연구 된 적은 거의 없었습니다. 생존하는 대부분의 작품은 익명으로 유지됩니다. 일반적으로 서명을하지 않았으며, 스타일 분석은 흔히 도안이 어디서나 가치있는 표준 관습을 따르고 전국을 통해 작품을 교환하는 것이 좋았 기 때문에 원산지를 정확하게 결정하기에 충분하지 않았지만 일부 이름은 구전 전통이나 영수증으로 보존되었습니다. 일의 지불. 그 중에 우리는 리오와 상 파울로에서 활동하는 예수의 아우구스티누스를 언급 할 수 있습니다. Frei Agostinho da Piedade, 호세 에두아르도 가르시아, Francisco das Chagas, Cabra, Félix Pereira Guimarães, Manuel Inácio da Costa, 살바도르에서 활동 중. Pirenópolis에있는 Veiga Valle; 리오 데 자네이로에서 리오와 미나스, 마노 엘 다 실바 아모 리움, 베르나르도 다 실바, 마난 하오 학교의 Simão da Cunha와 Mestre Valentim에서 활동하는 Francisco Xavier de Brito. 미나스 학교에서는 Francisco Vieira Servas, José Coelho Noronha, Felipe Vieira, Valentim Correa Paes, Bento Sabino da Boa Morte 등이 있습니다.

18 세기 중엽에 국가 문화가 퇴보하고 더 유능한 장인들이 늘어남에 따라 작품의 형태와 완성도가 점차 정교 해지고 큰 표현의 이미지가 나타납니다. 그러나 포르투갈에서 직접 조각상을 수입하는 것은 상류 계급이 더 미세한 표본과 더 많은 주검 주인을 선호했기 때문에 식민지가 풍부 해짐에 따라 계속 증가했다. 동시에, 지역 학교는 흑인과 혼혈아의 참여가 필수적이었던 전형적인 리오, 상파울루, 마라 냐웅, 파라와 미나스에 중점을 두어 고풍적인 요소를 통합 할 수있는 전형적인 지역 특성이 개발되었다. 절충주의 합성에서 여러 학교에서. 아일 톤 드 알칸타라 (Ailton de Alcântara)에 의해 기술 된 바와 같이 “겸손하지만 숙련 된 남성들은 구강 전통과 반복 운동만으로 인도 된 임신을 통해 파악한 공식적인 관점을 바탕으로, 그들은 성도들과 다른 여러 헌신적 인 목표를 만드는 사람들로 살았습니다. ” Aleijadinhore는 Ouro Preto 지역, 특히 Bom Jesus de Matosinhos의 Incongonhas 비아 크루 시스 (Via Crucis) 역에있는 많은 조각 그룹이있는 성지에서 펼쳐지는 조밀하고 정교한 작업으로 브라질 바로크 양식의 크라우 닝 및 최종 위대한 표현을 선보입니다 , polychrome 나무에서, 그리고 유명한 십이 예언자, 동화로 만든, 교회 마당에.

황금 조각 및 기타 조각 양식
본질적으로 장식적인 형태의 조각품 인 황금색 조각은 브라질의 막대한 부를 감안할 때 개별적으로 접근해야하며, 바로크 양식의 개발 과정에서 놀라운 중요성을 지니고 있으며 종종 기념비적 인 비율을 획득하고 내부 건축 공간에 대한 인식을 수정합니다. 교회의 구조적인 물체는 항상 아주 단순하고 정적 인 채로 유지되어 찬의 전통에 대한 장수하고 활력을 보여주었습니다. 내부 장식, 제단 및 제단에서 조각이 지배적이었으며, 브라질 바로크는 그 힘의 합계를 표현할 수 있었고 호화스럽고 화려하고 역동적이며 극적인 “전형적인 바로크 식”이었습니다. 살바도르와 레시 페에서 북동쪽에 처음으로 중요한 열매를 맺었습니다. 살바도르 성당과 상 루이스 마라 냐웅 대성당은 모두 매너리즘에서 직접적으로 유래되었으며, 바로크 조각은 포르투갈어 지역 전체에 걸쳐 풍부한 로마네스크 양식의 교회의 포털에서 흔히 볼 수있는 동심 원형의 아치가 있으며 고딕 양식 시대에 이미 존재하고있는 꼬인 색 영장류입니다. altarpieces의 이러한 구조 요소 사이의 공간뿐만 아니라 그들의 표면은 천사, 팔의 코트, 휘장, 조류의 풍부한 사례에 interspersed 꽃의 가지와 화환의 형태로 풍화 polychrome과 금도금 장식으로 새겨 져 있었다 , Atlanteans 및 Caryatids, 위대한 문체 동질성.

이 프레임은 시나리오 적 성격을 지니고 있으며, 고대의 승리의 아치와 개념 및 기능면에서 동등한 특성을 지니고있어 성자상을위한 받침대로 가득한 틈새를 만들었습니다. altarpieces의 기초는 지원의 기둥으로 대체 될 수있는 장식 된 상자 또는 테이블이었습니다. 교회 회장의 주요 altarpieces 위대한 웅장한 수 있습니다. 이 특별한 형태는 17 세기 중반부터 18 세기 초반까지 내부 장식을위한 지배적 인 모델이 된 “포르투갈 국유 양식”이라는 이름을 부여 받았습니다. 당연히 모델에 대한 여러 해석이 있었고, 다른 종교 질서가 전형적으로 된 자신의 변형을 채택했습니다. 예수회는 더 냉정한 경향이 있었고, 프란치스칸은 호화로운 사치를 선호했습니다. 내셔널 스타일 (National Style) 전반에 걸쳐 건축물의 구조가 밀접하게 뒤따른 채 공간에서 거의 조각되지 않은 규칙이 새겨 져 있습니다. 천장, 국가 스타일은 “깡통”또는 “둥근 천장”의 공식에서 부품 그림이 된 주조 다각형 영역으로 조각 된 작품을 결정화합니다. 이 무대의 예로는이 스타일의 첫 번째 인 레시 페 (Recife)에있는 황금 예배당과 브라질에서 가장 풍 부한 살바도르 (Salvador)의 교회 (São Franciscoof Salvador)가 있습니다. 그 화려한 금빛 조각은 완전히 내부 표면을 덮어서 공동 효과를 발휘합니다.

문학
교육 및 언어 적 맥락
식민지와 같은 형성의 특성 때문에, 브라질에서는 문학 문화의 발전이 필요합니다. 포르투갈은 식민지화 된 영토를 교육하기 위해 어떠한 노력도 기울이지 않았다. 사실 많은 수단을 동원하여 그들을 교육하지 않겠다고 결심했다. 자원의 개발에 큰 관심이 있었기 때문에 교육 된 식민지가 중앙 권력에 반발하여 독립. 도서관과 공립학교는 존재하지 않았으며, 배웠을 때 배웠던 것은 교회의 보호하에있는 초등 교육이었고, 특히 교리 교육을 강력히 주도한 예수회의 교육이었으며 교육은 거기에서 끝났으며 심화의 전망도없고 학생들이 교회의 계급에 합류하지 않는 이상 문학적 취향을 개선해야한다. 또한 인구의 상당 부분이 문맹이고 문명의 전승은 거의 전제에 기반을 두었고 신문은 비싸고 달과 연감, 라틴어 개요, 논리와 입법 등으로 인해 언론은 거의 사용되지 않았다. 독자가 거의 없을뿐만 아니라 읽을 것도 거의 없습니다. 따라서 바로크 시대에 생산 된 희소 문학은 주로 제사장들 사이에서 태어 났으며 그 중 일부는 매우 계몽 적이거나 일부 고귀한 풍족한 가정에서 태어나 대도시에서 공부할 여력이있는 공무원들 사이에서 태어났다. 원. 이 가식적 인 맥락에서 번성 할 수 있었던 것은 유럽의 문학적 바로크 양식을 광범위하게 따랐다. 풍부한 문학, 정서적 호소, 다원성 담론, 비대칭, 언어 피규어와 대조에 대한 취향, 다른 개념과 이미지의 집중적 인 사용 예술과 다양한 육체적 감각을 지니 며, 감각적 인 효과를 추구합니다.

18 세기 중엽, Pombal의 후작이 교육의 주요 개혁을 도입하고 국가 언어학의 전경을 균질화하려고 시도 할 때까지 브라질에서 가장 적게 말한 내용은 포르투갈어였습니다. 원래의 주민들이 다른 언어로 표현한 정복 된 지역의 맥락에서 유럽 최초의 정착민들은 그들을 알아야만했으며, 공중에서 그리고 심지어는 노예 인 인디언이 항상 거주하는 국내 환경에서도 대규모로 사용하게되었습니다 순환 식 및 메스티조로 종종 남쪽에서 지배적 인 상파울루 (São Paulo) 언어와 오랫동안 아마존의 프랑수아 인 프랑크푸르트 (nheengatu)와 같은 하이브리드 라인을 만들어 냈습니다. 이러한 사기는 목회 분야에서도 발생했으며, 설교,시 및 신성한 서적뿐만 아니라 교리 문답, 사전 및 문법과 같은 기술 작업을 포함하여 인디언과 함께 일하기 위해 선교사가 번역 한 독창적 인 작품이나 번역에서 문학적 열매를 맺게되었습니다. 참고 사항 : 이베리아 유니온 동안 스페인 인들은 브라질 남부와 상파울루에서 상당한 순환을 보였지만 원주민 언어와 달리 뿌리를 내리지는 못했지만 이베리아 연합에서는 이웃 한 히스패닉 식민지의 영향으로 많은 기회가있었습니다. 빠르게 소멸된다. 해안의 어떤 지점에서 잠깐 동안 네덜란드와 프랑스도 들었습니다. 반면에 아프리카 노예들의 연설은 기록되어야하고 심하게 억압되었지만 혼자서 사용되는 작은 규모로, 그리고 백인 운동화에서 행해진 아프리카 축제와 의식에서 생존 할 수있었습니다 . 마지막으로, 당시의 장학금 언어는 라틴어로, 교회와 법과 과학의 공용어이며 전체 고등 교육 시스템을 독점했다고합니다. 포르투갈 인이 좀 더 집중적으로 경작 할 수있는 공간이 거의 없었고 공식 범위에 거의 독점적으로 한정되어 있었고 희귀 개척자 작가들도 있었지만 그 중 일부는 조만간 언급 될 예정이며 18 세기 중반에만 브라질 문학은 포르투갈 인은 해안 도시의 성장, 최초의 문학 아카데미 출현, 미나스 제 라이스 (Minas Gerais)의 금주기의 출현과 함께 더 풍부하고 더 명확하게 고유 한 특징을 갖기 시작할 것이지만 동시에 아카디아로 전환하여 스타일을 연출합니다. 경제와 단순의 고전주의 가치.

시
시의 분야에서 선구자 Bento Teixeira는 그의 서사시 인 Prosopopeia와 Camões의 클래식 – 매너리즘 전통에서 영감을 얻었으며,이어서 Manuel Botelho de Oliveira, 브라질 출생 작가의 첫 번째 저서 인 Parnassos Music의 저자, 포르투갈어 및 스페인어 엄격한 문화 및 개념 오리 엔테이션, Góngora의시, 그리고 나중에 마누엘 드 산타 마리아, 또한 Camonian 학교의시. 그러나 브라질 바로크의 가장 위대한 시인은 위대한 풍자적 인 정맥 인 마토스의 그레고리 (Gregory of Matos)이며 종교, 철학 및 사랑에 똑같이 관통하며 종종 원시 에로틱 한 혐의로 가득합니다. 그는 또한 고전 주의자와 매너 니스트 영향을 표시하면서 언어의 숫자로 가득 찬 교양있는 언어를 사용했습니다. 시간의 풍습에 대한 매서운 비판으로 그것은 지옥의 입이라고 불렸다. 그의 종교 가사에서 죄와 죄의 문제는 중요하며 사랑의 영적 차원과의 갈등도 중요합니다.

산문
산문에서 위대한 지휘자는 그의 설교와 함께 안토니오 비에이 신부입니다. 사순절의 설교 일은 놀라운 일로, 노예 제도 원주민을 이집트에서 노예로 삼은 히브리인들과 비교하면서 놀랍습니다. 같은 음색에서 아프리카 사람들의 노예 생활을 비난하고 그리스도의 갈보리와 비교하면서 묵주 설교 14 호가 있습니다. 그의 웅변술의 다른 중요한 부분은 성 안토니오 물고기의 설교, 위임장의 설교이지만, 아마도 가장 유명한 것은 1655 년 설교입니다. 그 안에서 그는 인디언뿐만 아니라 무엇보다도 , 그의 사형 집행 인 Dominicans를 똑똑한 연상 이미지의 사슬로 공격합니다. 그의 편지는 시민의 열정과 정의로 통치되는 포르투갈과 카톨릭의 제국을 세우려는 욕구에 따라 생동력을 발휘했지만, 그의 목소리는 정치 질서를 가져오고 이단에 대한 의혹을 불러 일으킨 확고한 질서에 대한 위협으로 해석되었다. 그는 또한 포르투갈어로 쓰인 최초의 유토피아 이야기, 미래를 향한 역사, 세계를 지배하는 기독교와 포르투갈 제국 인 제 5 제국의 신화를 되찾기 위해 노력했습니다.

공연 예술

음악
음악은 브라질의 바로크 시대의 궤적이 가장 잘 알려지지 않은 미술이며, 거의 모든 것이 사라졌습니다. 네이티브 뮤지컬 작품에서 18 세기 말부터 주목할만한 작품들, 즉 바로크가 이미 신고전주의 풍의 학교에 가고있는 시점에서 살아 남았습니다. 지난 몇 세기 동안 식민지에서 음악적 삶은 없었습니다. 그러나 레기 스 듀프 라트 (Régis Duprat)의 평가에서 대부분 2,500 곡 이상의 알려진 작품에서 살아남 았지만 점수의 대부분은 그 기간이 끝날 때까지 사라졌지 만 문학적인 증언은 바로크 시대 초기부터의 강렬한 브라질 음악 활동에 대해서는 의문의 여지가 없다. 특히 북동부 지역에서. 18 세기 말에는 식민지에서 포르투갈보다 활동적인 음악가들이 많았는데, 이는 브라질에서 개발 된 연습의 강도를 말해줍니다.

인도에서 처음으로 녹음 된 음악 활동은 인도인들의 적극적인 참여를 계기로 교리 교육과 연결되었습니다. 남부의 일부 감 소에서는 풍부한 음악적 삶이 성행했지만 일반적으로 원주민들 사이에서 선교사들이 연습 한 음악은 독창적 인 연극 표현의 일부인 기본적으로 동음 이의어 성가를 사용하여 매우 간단했습니다. 잠시 후 플루트와 와이어 바이올라가 기본으로 구성한 초보적인 악기가 소개되었습니다. 식민지의 성장으로 더 나은 물질 조건은 일반화 된 농축 물, 합창단, 오케스트라 및 학교를 제공했습니다. 식민지 음악가들을 지배하기 위해 온 흑인들과 물라트 (mulattos)는 음악적으로 훨씬 더 중요하게되었습니다. 흑인과 무랏토 (mulatto) 오케스트라의 여행자에 대한 여러 가지 존경받는 보고서가 유럽의 박식 한 조각을 연주하고 있습니다. 이들 중 많은 사람들은 공연을하고, 창조했으며, 그 중에서도 그 시대의 가장 위대한 작곡가 중 한 명을 보냈지 만, 민족성의 원래 문화의 흔적은 결코 생산 과정에서 발견되지 않았습니다. 모두 유럽 모델을 지향합니다.

교회는 여전히 예술의 위대한 후원자 였기 때문에 식민지의 음악적 삶에 엄청난 중요성을 부여하는 음악 형제애의 확산을위한 자연스러운 것이 었습니다. 일부는 매우 풍부 해져서 전체 오케스트라를 관리하고 사치로 장식 된 사원을 소유하고 있습니다. 형제애들은 스스로 자발적으로 조직되었지만, 그들이 개발 한 음악 연습은 커미션에서 태어 났으며, 각자에게 특정 의식과 절기의 음악화에 대한 책임을 돌린 교회의 보호하에 있었다. 1 년 내내 음악을 실행합니다. 이 고용 형태는 방수 (watertight)라고 불리며 독점에 달했다. 18 세기 말에 계약에 대한 경매가 도입되었습니다. 브라질에서 경작 된 성스러운 음악의 형태는 대중, litanies, motets,시 편, responsories, 찬송가, 다른 사람의 사이에서 유럽의 그들과 동등하고, 다른 바로크 예술 같이, 기능적인 성격이 있었다 : 그들은의 헌신을 자극하는 겨냥했다. 신자들. 교회의 호화로운 분위기 속에서나 다채롭고 바쁜 야외 축제에서 열리는 예식과 예식에서 중요한 촉진제이자 연상되는 요소입니다.

그러나, 모독적인 음악은 풍부하고 정교한 꽃을 피웠다. 많은 국내 상황에서, 대중 음악과 섞인 공식 축제에서, 시민 축제에서 또한 존재하는 외에,보고는 리오 (1767 년에 따르는 세기에서뿐만 아니라 17 세기 후반에 바이아와 Pernambuco에있는 완전한 오페라의 발판을 비난한다 )와 상파울루 (1770)의 극장으로, 기본적으로 이탈리아의 레퍼토리가있다. 유태인 인 안토니오 호세 다 실바 (Antônio José da Silva)의 풍자극 인 포르투갈의 안토니오 테셰이라 (Antioio Teixeira)는 포르투갈에 썼지 만 크게 확산되고 성공했다. 브라질에서 가장 오래된 성스러운 성악 보컬로 쓴 포르투갈어로는 Cantata Acadêmica Heroe가있다. 그는 1792 년 포르투갈의 고위 인사를 우아하고 표정이 풍부한 음악에 경의를 표하고있는 익명의 작곡가의 암송 + 아리아 쌍이다. 호세 마스카레나 (Jose Mascarenhas)는이 지구상에서 그가 겪었던 어려움을 비웃었다. 그의 저작은 때로는 살바도르 대성당의 채플 마스터 인 카에 타노 데 멜로 데 예수 (Caetano de Melo de Jesus)에 기인합니다.

다른 중요한 이름에 대한 인용문을 포함해야합니다. 상 루이스 (São Luís)에서는 1629 년부터 마누엘 다 모타 보 텔료 (Manuel da Motta Botelho)가 예배당 주인으로 출석했습니다. Frei Mauro das Chagas는 살바도르에서 좀 더 일찍 일했으며, Jose de Jesus Maria São Paio, Frei Felix, Manuel de Jesus Maria, Eusébio de Matos 등 여러 사람들, 특히 동북부 최초의 음악 이론가 인 João de Lima가 등장했습니다. 1680 년과 1690 년 사이에 살바도르 대성당의 다성 음악가, 다단계 주의자 및 예배당 주인, 그리고 올린다의 가정. 살바도르의 음악 최고봉의 주인공 중 한 명은 Fr. Agostinho de Santa Monica는 살았을 때 큰 명성을 얻었으며 40 개가 넘는 대중을 만들었고 일부는 폴리 콜러 스타일을 사용했으며 다른 작품도 작곡했습니다. 앞서 언급 한 카에 타노 데 멜로 드 예수 (Caetano de Melo de Jesus)는 바이에른 수도 음악의 또 다른 위대한 인물로, 오르간 송의 학자 ( “오르간 노래”는 대위법의 노래로 이해됨)의 저자이며, 오늘은 유명한 유럽 음악 학자들의 음악적 이론과 경쟁하면서 그 시대의 포르투갈어로 쓰여진 음악 이론의 가장 주목할만한 논문 중 하나 인 것으로 간주되었다.이 음악 이론의 확장, 백과 사전 적 이해 및 박학은 “지식의 다양한 영역에서 시작되었다. 사당과 사중주의 교육학적인 기초는 대성당 예배당의 숙련 된 석사를 위해 당시 사용 가능한 철학적 및 인본주의적인 지식을 사실상 포괄합니다. “라고 연구원 인 Mariana de Freitas는 말했습니다.

레시 페, 벨렘 및 상 파울로의 다른 주요 중심지들은 18 세기부터 일관된 활동을 유지할 수있었습니다. 상대적 지연에도 불구하고 음악적 삶의 질은 메트로폴리스 전문가들에게도 관심이있는 수준에 이르렀습니다. 그의 선수 중 몇 명은 Joseph Mazza의 포르투갈 음악가 사전 (José Costinha, Luis de Jesus, Jose da Cruz, Manoel da Cunha, Inácio Ribeiro Noia 및 Luis Alvares Pinto)에 선정되었습니다. 많은 역사가들은 1780 년에 루이스 알바레스 핀토 (Luís Álvares Pinto)가 레시 페에서 제작 한 작품 인 잘못 인식 된 사랑을 원어민에 의해 브라질에 공개적으로 설치된 드라마로 분류합니다. 비록 그 곡이 노래하기를 의도하지 않았지만 (노래에 의해 설명 된 합창이있다), 그것은 시간의 가장 진지한 오페라와 유사한 음모를 가지고있다.

극장 및 축제
브라질의 첫 번째 중요한 연극 적 발현은 매너리즘에서 바로크 시대로의 전환에서 발생하며, 이방인의 자격을 부여하는 작업에서 도구로 등장했습니다. 브라질에서 16 세기의 최초이자 가장 위대한 극작가 인 호세 데 안찌에 타 (José de Anchieta)의 연극이 있습니다. 그의 작품은 예수회의 경건한 교리 교육 개념의 일부이며, 프란시스코 랭 신부 (Father Francisco Lang)가 자신의 행동 학자 (Dissertatio de actione scenica)에서 체계화했다. 그 교훈을 공식화하기 위해 랭은 중세 신비의 고대 기록에있는 이탈리아 연극 전통과 영적 명상의 효율성을 높이기 위해 “장소 구성”을 제공 한 Loyola의 성 이그나 티우스 (St. Ignatius of Loyola)의 요구에 기초를 두었다. Anchieta의 경우, Gil Vicente의 극장은 또 다른 중요한 참고 문헌이었습니다.

그 그림은 대개 성경과 카톨릭교의 성서에서 가져온 것이고, 십자가의 길에서 그리스도의 수난에 관한 이야기가 가장 중요했습니다. Anchieta의 조각들은 몇 세기 동안 은퇴 한 사람들과 전설적인 인물들과 혼합 된, 다음 세기 동안 지속될 바로크 식 종교 극장의 특성들 중 하나를 이미 보여준다. In the Auto de São Lourenço, for example, appear the Roman emperors Décio and Valeriano, angels, the saints Sebastião and Lourenço, an old woman, Indian boys and demons, and in this mixture it becomes clear, as Karnal pointed out, the purpose of “relativizing time and space in function of the divine frame of reference, which is eternal and absolute. concomitant and, despite the existence of a history of salvation, true values are not historical or linear. ” In the seventeenth century the form of the sacred theater developed, enriched scenery and stage accessories, and the target audience is no longer primarily the Indian, but the entire population.

In the beginning there were no theater houses, and the place for such representations was usually the open air, in the plazas before the churches, or along the processions, with the help of mobile scenarios installed on floats accompanying the route. The processions in particular relied on lively popular participation in an integrated movement between actors and the public. Often used puppets or sacred images of a special type, the rock statues, dressed as people and articulated so that they could adapt to the action that unfolded, where they played a fundamental evocative role.

In addition to the sacred representations organized by the Church and the brotherhoods, theater was present in the official scene in the form of praises to civil and military authorities and other ceremonial plays, usually with rhetorical texts blended with classical allegories and biblical references. But profane theater also happened as spontaneous entertainment, whether in the public space or privately, where puppetswere of frequent use and improvisation, a practice. Salvador was the first stage of this popular theater; soon other centers also indicate its occurrence, being frequent the use of Portuguese mixed with Spanish and native vernacular. Although this theater of the people was prized for spontaneity and had an eminently folkloric character, it often used ready-made texts from Lisbon, since the press was forbidden in Brazil. These texts, translated and edited in an obscure and amateurish way in the Metropolis, were usually poorly made adaptations of famous scholarly works, and sold at low cost in the likeness of cordel literature, with a good market. Just as they were already adulterated and “popularized”, they lent themselves to many other adaptations and improvisations according to the possibilities on each occasion.

The profane erudite theater would only begin to flourish with the stabilization and enrichment of the colony, the standardization of the linguistic norm and the advance of the colonization towards the interior. In this phase, from the middle of the XVIIIth century, the construction of several houses of spectacle by the coast begins and in some interior centers, like Ouro Preto and Mariana. They mainly served to represent pieces of music, operas, melodramas and comedies. At the same time, the desire for professionalization of the Brazilian theater, until then with an amateur and popular basis, appeared, with the result that the itinerant tablados give place to the fixed auditorium. The repertoire was still largely imported from Europe, with works by Molière, Goldoni, Corneille,Voltaire, but some national ones appeared and the music satires of António José da Silva, the Jew, gained enormous popularity. Despite the great popularity of theater in Baroque Brazil, the actors, who included many mulattoes, were placed among the lower classes of society.

Of the baroque theater houses of Brazil, the oldest still existing is the Municipal Theater of Ouro Preto, from 1770, which is also the oldest in the Americas still in use. Another important example survived in Sabará, the second oldest in Brazil still active. In Rio there are records of older theaters, such as Padre Bonaventura’s Opera House, erected possibly in 1747, which did not survive. However, the stories describe the richness of their scenery and costumes, the use of puppets, and their complex stage machinery, an essential equipment for the creation of the special effects so much appreciated in Baroque staging. Father Bonaventura himself ruled the spectacles. Another theater was erected in Rio around 1755, the Teatro de Manoel Luiz; in it the activity of one of the first professional set designers of Brazil, Francisco Muzzi, and a repertoire with pieces by Molière, Goldoni, Metastasio, Maffei, Alvarenga Peixotoand especially the pieces of the Jew. It worked until the arrival of the Portuguese royal family to Brazil.

It is considered that the scenic inheritance of the baroque remains to this day in syncretic popular expressions of long and rich tradition that survive in various parts of the country, such as the litanies, the conga, the suits of Kings, and even is visible in the modern carnival, a party associated with the religious calendar and one of the contemporary popular expressions that update the lush scenography of the height of the theater and the baroque parties.