바로크 양식은 17 세기 초부터 1740 년대까지 유럽에서 번성했던 건축, 음악, 춤, 그림, 조각 및 기타 예술 스타일입니다. 이베리아 반도를 포함한 스페인과 포르투갈 제국의 영토에서는 1800 년대의 첫 10 년까지 새로운 스타일과 함께 계속되었습니다. 그것은 르네상스 예술과 매너리즘에 뒤이어 로코코 (과거에는 “라트 바로크 (late baroque)”라고 불림)와 신고전주의 스타일을 선행했다. 루터교 바로크 예술은 유럽의 일부 지역에서도 발전했지만, 가톨릭 교회는 개신교 건축, 예술 및 음악의 단순성과 긴축을 막기위한 수단으로 권장했다.
바로크 스타일은 대비, 움직임, 풍부한 디테일, 짙은 색, 웅장 함 및 놀라움을 사용하여 경외감을줍니다. 이 스타일은 17 세기 초 로마에서 시작된 후 프랑스, 이탈리아 북부, 스페인 및 포르투갈, 오스트리아, 독일 남부 및 러시아로 빠르게 퍼졌습니다. 1730 년대에는 로카 일 (Rocaille) 또는 로코코 (Rococo)라고하는 훨씬 더 화려한 스타일로 진화했으며, 18 세기 중반에서 후반까지 프랑스와 중부 유럽에 나타났습니다.
개요
바로크 : 다항식 개념
“바로크 (baroque)”라는 용어는 포르투갈어에서 유래 한 단어 (barrôco)에서 유래 한 것으로, 여성은 불규칙한 모양을 가진 진주라고 불렀습니다 (스페인어로 “barruecas”라는 단어). 원래는 변덕스럽고 폭격적인 예술의 유형을 과도하게 과장하여 묘사 한 멸시적인 말이었습니다. 이것은 Dictionnaire de Trévoux (1771)에서 처음으로 등장한 방법으로, “그림, 그림 또는 바로크 풍의 그림으로 정의되며 규칙과 비율이 존중되지 않고 모든 것이 변덕 스럽습니다. 예술가”.
또 다른 이론은 중세 학파 철학에서 유래 한 아리스토텔레스 출신의 문어 인 바로크 명사에서 그것을 도출하는데, 이는 약한 논리적 인 내용에 근거하여 진실을 거짓과 혼동하는 모호성을 지적한다. 따라서,이 수치는 논란의 여지가없는 비꼬는 말투로 표현되는 일종의 pedantic과 인공적인 추론을 나타냅니다. 이런 의미에서, Francesco Milizia는 그의 Dizionario delle belle arti del disegno (1797)에서 그것을 적용했다. 그는 “바로크는 기괴한 것의 최상이며 조롱 한 것의 최상”이라고 표현했다.
“바로크 (baroque)”라는 용어는 깨달음의 가장 분명하고 냉정한 합리성과는 달리 18 세기부터 거만한 의미로 과장된 강조와 풍부한 장식을 강조하기 위해 사용되었습니다. 그 당시 바로크는 “처음”또는 “그로테스크”와 같은 다른 형용사와 동의어였습니다. 깨달은 사상가들은 이전 세기의 예술적 성과에서 고전주의 계율의 조작을 현실의 합리주의 개념에 가깝게 보았으므로 16 세기 예술에 대한 그들의 비판은 “바로크”라는 용어를 중대한 개념으로 바꾸었다. Dictionnaire d’ Architecture (1792), Antoine Chrysostome Quatremère de Quincyhe는 바로크를«사치스러운 뉘앙스로 정의합니다. 당신이 좋아한다면, 그것은 세련되거나 남용이라고 말할 수 있습니다. 맛의 지혜에 어떤 심각성이 있으며, 바로크는 이상합니다. 즉, 최상입니다. 바로크의 아이디어는 조롱이라는 아이디어와 관련이있다.
그러나 예술의 역사학은 바로크 양식의 개념을 재평가하고, 서양 문화의 역사에서 바로크 양식을 특정시기로 취급하기 시작하면서 동시에 바로크 양식의 개념을 본질적인 특성으로 평가하는 경향이있었습니다. 바로크의 부정적인 의미를 거부 한 첫 번째 인물은 “바로크 건축은 르네상스와 같은 언어를 사용하지만, 변질 된 방언으로”야곱 버크 하르트 (Cicerone, 1855)였다.
칭찬은 아니지만, 코넬리우스 굴리트 (Cornelius Gurlitt, 1887 년 이탈리아의 게 슈치 데 데 바록 스틸 (Geschichte des Barockstils, 1887), 아우 구아 슈 마르소 우 (Barock und Rokoko, 1897)), 알 로이스 리에 글 (Rome의 Dien Entstehung der Barockkunst)과 같은보다 객관적인 연구를위한 길을 닦았다. 1908)와 Wilhelm Pinder (Deutscher Barock, 1912)는 Heinrich Wölfflin (1888 르네상스 und Barock (1888), Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915)의 작품에서 절정에 이르렀으며, 첫 번째로 Baroque에게 독창적이고 차별화 된 스타일의 자율성을주었습니다. 재평가 된 방식으로 그 속성과 스타일 특징. 후에 베네 데토 크로체 (1911)는 바로크에 대한 역사 주의적 연구를 수행하여 사회-역사적, 문화적 맥락에서 그것을 짜 맞추고 어떠한 종류의 가치 판단도하지 않기 위해 노력했다. 그러나 이탈리아의 Storia dell’età barocca (1929)에서 그는 다시 한 번 바로크에 부정적인 특성을 부여했다. 그는 바로 그 시대의 예술적 가치를 주장하는 수많은 논문이 일어 났을 때“데카 덴트”라고 불렀다. Der Barock als Kunst der Gegenreformation (1921), Werner Weisbach, Österreichische Barockarchitektur (1930), Hans Sedlmayr 또는 Art religieux après le Concile de Trente (1932), Émile Mâle.
후속 연구는 바로크의 현재 개념을 결정적으로 확립했다. “바로크 (baroque)”와 “바로크 (baroque)”사이의 일부 역사가들의 구별과 같은 사소한 경고가있다. 전자는 17 세기 예술의 고전적이고 순수하며 원시적 인 단계이다. 둘째, 재충전되고 과장된 매너리즘 단계는 매너리즘이 르네상스의 매너 리 단계와 같은 방식으로 로코코와 수렴 할 것이다. 이런 의미에서 Wilhelm Pinder (1926, Kunstgeschichte의 Das Problem der Generation)는 이러한 “세대 적”스타일이 특정 문화적 이상의 공식화와 후속 변형에 기초하여 서로 성공한다고 주장한다. 바로크는 인본주의 자와 고전주의 스타일의 르네상스 양식으로, 절대주의와 반개혁에 기반한 바로크 양식의이기 저 기질의 형식주의 열쇠에서 개혁을 대표했다.
다른 한편으로, 문화사에서 특정시기의 바로크에 대항하여 20 세기 초에 두 번째 의미, 즉 모든 바로크 스타일의 진화에 존재하는 단계 인 바로크의 의미가 나타났다. 니체는 이미 “바로크 스타일은 위대한 예술이 죽을 때마다 발생한다”고 주장했다. 바로크에 최초의 역사적 미학적 감각을 부여한 것은 하인리히 볼 프린 (Hinrich Wölfflin, 1915), 고전주의와 바로크 사이의 교대에 대한 일반적인 원칙을 확립 한 예술적 스타일의 진화를 지배했다.
증인은 Eugenio d’ Ors (1936 년 바로크 양식)에 의해 수집되었으며,이를 “역사적 형태의 예술”인 “이온”( “바로크 양식”과 “바로크 양식”과 “바로크 양식”)으로 정의했습니다. 고전과 반대되는 예술의 역사. 고전주의가 합리적이고 남성적이고 아폴로니아 예술이라면 바로크는 비이성적이고 여성적이며 Dionysian입니다. 도르에게“포부 [고전주의와 바로크 스타일]는 서로를 보완합니다. 경제와 이성의 스타일이 일어나고, 또 다른 음악적이고 풍부합니다. 하나는 안정적이고 무거운 모양에, 다른 하나는 둥글고 상승하는 모양에 끌립니다. 서로 간에는 쇠퇴 나 변성이 없습니다. 이들은 두 가지 영원한 형태의 민감성»입니다.
역사적, 문화적 맥락
17 세기는 일반적으로 경제 불황의시기였으며, 이는 주로 미국의 발견에 기인 한 이전 세기의 연장 된 확장의 결과입니다. 수확이 적 으면 밀과 기타 기본 제품의 가격이 상승하고 기근이 계속 발생합니다. 무역은 특히 지중해 지역에서 정체되었으며, 동서와의 무역과 대기업의 창업을 통해 영국과 네덜란드에서만 번성하여 자본주의의 토대와 부르주아지의 부상을 초래했다. 열악한 경제 상황은 17 세기 중반 유럽을 황폐화시킨 전염병으로 인해 더욱 악화되었으며, 특히 지중해 지역에 영향을 미쳤습니다. 불행과 빈곤을 초래 한 또 다른 요인은 주로 30 년 전쟁 (1618-1648)의 경우와 같이 가톨릭과 개신교 사이의 대립에 의한 전쟁이었다. 이 모든 요인들이 인구의 심각한 빈곤을 초래했다. 많은 국가에서 빈곤층과 거지의 수가 인구의 4 분의 1에 도달했습니다.
반면 유럽의 패권은 제국 스페인에서 절대주의 프랑스로 바뀌었다. 서 팔리 아의 평화 (1648)와 피레네의 평화 (1659) 이후 대륙에서 가장 강력한 국가로 통합되어 사실상 논쟁의 여지가 없었다. 18 세기 영국의 부상. 따라서 루이스의 프랑스와 교황 로마는 바로 정치 문화의 중심이자 정치적, 종교적 권력의 중심이었고 절대주의와 반개혁의 확산의 중심이었습니다. 그럼에도 불구하고 스페인은 정치적, 경제적 쇠퇴에도 불구하고 논쟁의 여지가없는 반혁명 주의자라는 종교적 측면이 두드러졌지만 강력한 대중적 요소를 지니고 문학과 플라스틱을 모두 가져 왔던 화려한 문화 시대 (소위 황금 시대)를 가졌다 높은 수준의 예술. 바로크 문화가 도착한 나머지 국가들 (잉글랜드, 독일, 네덜란드)에서는 이식이 불규칙하고 독특한 국가적 특성에 따라 다른 스탬프가 사용되었습니다.
바로크 양식은 이탈리아에서, 주로 교황청 인 로마에서 위조되었으며, 예술은 반 개혁주의 교리의 전파를위한 선전 매체로 사용되었다. 개신교 개혁은 16 세기 상반기에 가톨릭 교회를 심각한 위기에 빠뜨 렸는데, 이로 인해 수많은 교회 지층의 부패와 가톨릭 메시지와 사역의 갱신 필요성과 신자들에 대한 더 큰 접근이 필요함을 보여 주었다 . 트렌트 공의회 (1545-1563)는 개신교의 발전에 대항하고 가톨릭 숭배가 여전히 우세한 나라에서 가톨릭 숭배를 강화하고 가톨릭 교리 (성사 신권, 독신, 처녀와 성도 숭배, 라틴어의 전례 적 사용)과 가톨릭 신앙의 의사 소통과 확장을위한 새로운 도구를 만들어 교육에 중점을두고 가톨릭 메시지를 전파하고 전파하며 강한 선전 우표를 습득했습니다. . 이 개념은 새로 설립 된 예수회에 구현되었으며, 전파와 가르침을 통해 전 세계에 놀랍고 빠른 확산이 있었으며 개신교의 발전 속도가 느려지고 가톨릭 신앙에 대한 수많은 영토가 회복되었습니다 (오스트리아, 바이에른, 스위스, 플랑드르, 폴란드).
반대 개혁의 또 다른 효과는 교황의 모습을 강화하는 것이었고, 그의 교황은 권력이 강화되었으며, 성 베드로 대성당에 특별히 중점을 둔 로마, 특히 교회의 도시 확장 및 개조에 대한 야심 찬 프로그램을 만들었습니다. 그리고 그 주변. 교회는 당시 가장 큰 예술 감독관이었으며 예술을 종교적 선전의 주역으로 사용했으며, 쉽게 접근하고 이해할 수있는 대중 매체였습니다. 예술은 표현의 수단으로 사용되었다 Dei et Ecclesiae gloriam, Sixtus V, Clement VIII, Paul V, Gregory XV, Urban VIII, Innocent X, Alexander VII와 같은 교황은 훌륭한 후원자가되어 큰 개선과 건축으로 이끌었습니다. . 영원한 도시에서 이미 로마의 승리자, 캡틴 뮤디 (Caput mundi)로 분류되었다 ( “Triumphant Rome, the head of the world”).
문화적으로 바로크는 과학적으로 발전한시기였습니다. 윌리엄 하비는 혈액 순환을 확인했습니다. 갈릴레오 갈릴레이 (Galileo Galilei)는 망원경을 완성하고 코페르니쿠스 (Copernicus)와 케플러 (Kepler)에 의해 이전 세기에 설립 된 헬리오 센 트릭 이론을 통합했다. 아이작 뉴턴은 보편적 인 중력 이론을 공식화했다. Evangelista Torricelli는 기압계를 발명했습니다. 프랜시스 베이컨 (Francis Bacon)은 실험적 방법을 경험적 기초를 놓은 과학 연구의 기초로 Novum Organumas와 함께 확립했다. 르네 데카르트는 자신의 유명한 “나는 그렇게 생각한다”며 이성주의를 향한 철학을 이끌었다.
새로운 헬리오 센 트릭 이론과 르네상스 남성의 전형적인 인간 중심적 감정의 상실로 인해 바로크 사람은 조화와 비례로 질서와 이성에 대한 믿음을 잃었다. 규제받지 않고 질서 정연하지만 자유롭고 풍요롭고 신비 롭고 이해할 수없는 자연은 바로크 양식의 편리한 바로크 정신의 직접적인 원천이되었습니다. 진리에 대한 믿음을 잃으면 모든 것이 명백하고 환상이됩니다 (칼데론 : 인생은 꿈입니다). 더 이상 공개 된 것이 없으므로 모든 것을 조사하고 경험해야합니다. 데카르트는 그의 철학적 체계의 출발점에서 의심을 돌렸다 : “깨어있는 동안 우리에게 오는 모든 생각이 잠들지 않는 동안 우리에게 일어날 수 있다는 것을 고려하면, 그때까지는 사실이 아니었다. 정신은 저의 꿈의 환상보다 더 진실하지 않았습니다.”(Discourse on Method, 1637). 따라서 과학은 진리를 찾는 데 국한되어 있지만 예술은 상상의 표현에 관한 것이었다. 그러므로 광학 효과와 환상 게임의 맛, 일시적인 건축과 일시적인 가치, 또는시의 암시적이고 유혹적인 맛, 훌륭하고 감각적이며 연상적인 표현, 언어 및 구문 효과에 대한 맛 이미지의 힘과 수사의 힘, 아리스토텔레스 또는 시세로와 같은 저자의 주장에 의해 재생됩니다.
호세 안토니오 마라 발 (José Antonio Maravall)의 정의에서 바로크 문화는 확립 된 질서를 유지하기 위해 “커뮤니케이션에 중점을 둔”, “대규모”, “인기적인”, “보수적 인”등이었다. 예술적 표현의 모든 수단은 주로 교훈적이고 유혹적이어야하며, 대중에게 쉽게 다가 가야하며 그것을 자극하고, 전달 된 메시지, 정치적, 종교적-권력의 인스턴스를위한 메시지에 동의해야합니다. 그것을 지불 한 사람이었습니다. 교회와 귀족 (초기 부르주아지)이 예술가와 작가의 주요 고객 이었기 때문에 예술 작품의 생산 비용. 교회가 반 개혁주의 메시지를 전하고 싶었다면 절대 군주국은 예술적으로 이미지를 확대하고 힘을 보여주는 방법을 보았습니다.
이러한 이유로 경제 위기에도 불구하고 예술은 무엇보다도 교회적이고 귀족적인 후원에 감사를 표했다. 군주국의 법원들, 특히 절대 주의자들은 왕국의 웅장 함을 담아내는 방법으로 예술을 선호했으며, 군주의 위대함을 입증 한 선전 도구였다 (패러다임의 예는 루이 14 세의 베르사유 건축). 유럽 대륙에 예술가와 예술 작품이 유통되는 수집의 증가는 미술 시장의 상승으로 이어졌습니다. 당시 주요 예술 수집가 중 일부는 루돌프 2 세 황제, 영국의 칼로스 1 세, 스페인의 펠리페 4 세 또는 스웨덴의 크리스티나 여왕과 같은 군주였다. 예술 시장은 특히 네덜란드 (Antwerp와 Amsterdam)와 독일 (Nuremberg와 Augsburg)에 중점을 두어 주목을 끌었습니다. 예술 아카데미는 또한 16 세기 이탈리아에서 등장한 사람들을 비롯해 문화 현상으로 예술을 보존하고 연구와 보존을 규제하며 전시회와 경쟁을 통해 예술을 장려하는 기관으로 확산되었습니다. 17 세기에 등장한 주요 아카데미는 1648 년 파리에서 설립 된 아카데미 로얄 아트 (Académie Royale d’ Art)와 베를린의 아카데미 데르 쿤 스테 (Akademie der Künste)입니다 (1696).
바로크 스타일
바로크는 당시의 작가들 사이에서 사망과 드라마 느낌에 반영된 계승 주의적 회의론의 계승 된 스타일이었다. 예술은 더 인공적이고 더 화려하며 장식적이고 화려 해졌습니다. 그는 착시 주의자들이 광학 효과를 사용하는 것을 강조했다. 아름다움은 새로운 표현 방법을 모색했고 놀랍고 놀라운 효과가 관련되었습니다. “위트”, “통찰력”또는 “선명도”와 같은 새로운 미학 개념이 등장했습니다. 개인적인 행동에서 외부 측면이 특히 강조되어 프레시 오시 테라는 이름을 가진 거만하고 우아하고 세련되고 과장된 태도를 반영했습니다.
볼 프린에 따르면 바로크는 르네상스에 대한 반대에 의해 정의된다. 선형 르네상스 비전과 비교하면 바로크 비전은 그림이다. 평면에서의 조성과 비교하여, 깊이에 기초한 것; 닫힌 형태 앞에서 열린 형태; 조화, 주된 동기에 대한 종속에 기초한 구성 단위 앞; 물체의 절대 선명도, 효과의 상대 선명도에 비해. 따라서 바로크는 원근감과 깊이를 가진 그림의 관점의 스타일로, 여러 요소를 중심 아이디어로, 무한한 시야와 상대적인 어두움으로 선명한 디테일과 프로파일을 동시에 피할 수 있습니다. »예술을 드러내지 않고 숨기는 스타일입니다.
바로크 예술은 두 가지 방식으로 문체 적으로 표현되었습니다. 한편으로는 현실, 삶의 일상적 측면, 일상 생활 및 삶의 일시적 성격에 중점을 두었습니다. 개신교에서 주변 세계의 현명한 특성에 대한 맛뿐만 아니라 국가; 다른 한편으로, 국가적, 종교적 개념에 대한 웅장하고 확고한 비전은 권력의 표현으로 나타납니다. 이것은 왕족과 교회에 주어진 기념비적, 화려하고 화려한, 장엄한 성격에 대한 맛으로 종종 표현됩니다. 강력한 선전 우표.
바로크 양식은 이미지의 문화로, 모든 예술 작품이 모여 연극, 음모론 적 미학, 지배적 인 권력 (교회 또는 국가)의 화려 함을 드러내는 미센 센과 함께 총 예술 작품을 창작했습니다. 자연 주의적 접촉이지만 역동 성과 활력을 표현하는 세트. 모든 예술의 상호 작용은 시각적 언어를 대중 커뮤니케이션의 수단으로 사용하며 자연과 주변 공간의 역동적 개념으로 구체화됩니다.
바로크 예술의 주요 특징 중 하나는 환상적이고 인공적인 성격입니다. “고유성과 디자인은 눈을 놀라게 할 수있는 마법의 예술입니다”(Gian Lorenzo Bernini). 연극과 공연 예술의 다양한 장르와 쇼가 댄스, 판토마임, 뮤지컬 드라마 (화려하고 멜로 드라마), 꼭두각시 쇼, 곡예사, 서커스 등 인기를 얻었던 시각과 임시 작품이 특히 중요했습니다. 세계는 극장 (극장 mundi)이며 삶은 연극 기능입니다. “모든 사람은 무대이고 모든 남녀는 배우 일뿐입니다”(William Shakespeare, 1599).
마찬가지로 다른 예술, 특히 건축을 연극 화하는 경향이 있었다. 현실의 반전을 기반으로하는 예술입니다 :«시뮬레이션», 거짓을 참으로 바꾸고«변장», 거짓을 참으로 전달 함. 유럽의 절반이 개신교로 돌아섰 기 때문에, 상황은 현재대로 표시되지 않지만, 특히 가톨릭 세계에서 반대 개혁이 거의 성공하지 못한 것으로 보여지기를 바랍니다. 문학에서 그는 은유 적, 역설, 과장, 대립, 과대 론과 같은 수사적 표현에 의지하여 언어의 화려한가 현실을 단련 된 방식으로 반영하려고하는 선전 표현의 수단으로 수사적 인공물을 자유롭게 고수함으로써 자신을 나타냈다. 왜곡되고 확대되고, 비율이 변경되고 주관적인 허구의 기준에 따라이 현실의 전이는 회화 분야로 넘어 갔으며, 여기서 단축과 환상 주의적 관점이 더 큰 이유로 남용되고, 눈에 띄는 효과. 그리고 놀라운.
바로크 예술은 소설과 환상을 통해 대안적인 현실을 만들어 내고자했다. 이 경향은 파티와 장난 축하에서 최대한 표현되었습니다. 교회 나 궁전, 이웃 또는 도시 전체와 같은 건물은 삶의 극장, 현실과 환상이 혼합 된 시나리오, 감각이 속임수와 인공물이 된 시나리오가되었습니다. 이러한 측면에서 반혁명 교회는 특별한 역할을했으며, 엄숙한 대중, 정경, 희년, 행렬 또는 교황 엔 다우먼트와 같은 행위로 개신교보다 우월함을 보여주기 위해 화려 함과 대회를 통해 추구했다. 그러나 대관식, 결혼식 및 왕실 출생, 장례식, 대사 방문, 또는 군주가 사람들에게 감탄할 수있는 그의 힘을 보여줄 수있는 사건과 같은 사건으로 군주제와 귀족의 축하가 호화로운 것처럼 말입니다. 바로크 축제는 건축과 플라스틱 예술에서시, 음악, 무용, 연극, 불꽃 놀이, 꽃꽂이, 수상 게임 등에 이르기까지 모든 예술을 접목 한 것입니다. Bernini 또는 Pietro da Cortona 또는 Alonso Cano와 Sebastián Herrera와 같은 건축가 스페인의 Barnuevo는 미래의 더 심각한 업적을위한 시험장으로 사용되는 구조, 안무, 조명 및 기타 요소를 설계하는 등의 행사에 재능을 기여했습니다. 따라서 포르투갈의 세인트 엘리자베스 캐노피 캐노피는 베르니니에게 봉사했습니다. 성 베드로 캐노피의 미래 디자인과 카를로 레인 디디 (Calo Rainaldi)의 검역소 (Jesuit Sacred Theatre)는 캄피 텔리 (Campitelli)에있는 산타 마리아 교회의 모델이었다.
바로크 동안,이 시대의 예술의 화려하고 인공적이며 화려한 성격은 메멘토 모리와 관련된 일시적인 중요한 의미, 죽음의 불가피성에 직면 한 부의 일시적인 가치, 바니 타스. 이 감정은 그 순간의 덧없는에 대한 생생한 감사를 불러 일으켰고, 생명이주는 약간의 레크리에이션의 순간을 즐기거나, 엄숙한 축하와 행동을하게했습니다. 따라서 출생, 결혼식, 사망, 종교적 행위 또는 왕실 대관식 및 기타 장난기 나 예식 행위는 황홀한 성격의 화려하고 인공물로 덮여 있었으며, 훌륭한 집회를 만들어 건축과 장식을 결합한 큰 집회가 만들어졌습니다. 현실과 환상의 경계를 약화시키는 환상적 요소가 특별한 관련성을 갖게 된 거의 축 음적 광경이 된 모든 축하에.
바로크는 지리적으로나 연대순으로 문체 적 통일성을 나타내지 않고 이질적인 개념으로, 주로 회화 분야에서 다양한 문체 적 경향이 있음을 주목해야한다. 주요한 것은 자연주의, 자연 관찰에 기초한 스타일이지만 도덕적 및 미적 기준에 기초하여 예술가가 정한 특정 지침에 따르거나 단순히 그의 작품을 생각할 때 예술가의 자유로운 해석에서 파생 된 것입니다. 현실주의, 자연의 엄격한 모방으로 인해 발생하는 경향은 해석되거나 달콤하지는 않지만 아주 세세한 부분까지 세밀하게 표현됩니다. 고전주의는 현재 자연의 이상화와 완벽성에 중점을 두어 높은 감정과 깊은 반향을 불러 일으켜 아름다움을 온전히 반영하려는 열망을 가지고 있습니다.
마지막으로 바로크에서 새로운 화보 장르가 생겼다. 그때까지 역사적, 신화 적 또는 종교적 주제의 표현이 예술 분야에서 우세한 경우, 17 세기에 겪었던 심오한 사회적 변화는 새로운 주제, 특히 개신교 국가에 대한 관심을 불러 일으켰습니다. .
한편, 부르주아지의 등장은 예술에 결정적으로 투자 한 지위를 강조하기 위해 귀족이 선호하는 웅장한 장면과는 거리가 멀다. 바로크 양식에서 풍부하게 개발 된 장르 중에서 다음과 같은 특징이 있습니다. 장르 그림 : 주변 현실, 일상 생활, 시골 또는 도시 테마, 빈곤층과 거지, 상인 및 장인, 축제 및 민속에서 모델을 가져옵니다. 설정; 자연의 표현을 독립적 인 범주로 높이는 풍경은 그때까지 역사적 또는 종교적 인물이있는 장면의 배경으로 만 사용되었습니다. 때로는 이상화가 면제되지는 않지만 사실적인 구성 요소를 사용하여 인간의 인물을 중심으로 한 인물 사진. 무생물의 표현으로 구성되는 정물 또는 정물, 그것들은 가정용 흙손, 꽃, 과일 또는 다른 음식, 가구, 악기 등; 그리고 바니 타는 인간 존재의 일시적인 성격을 암시하는 정물 유형으로 일반적으로 두개골이나 해골, 또는 양초 또는 모래 시계의 존재를 상징합니다.
건축 : 기원과 특성
바로크 양식의 건축 양식은 개신교 개혁에 대한 응답으로 1545 ~ 63 년 트렌트 공의회에서 가톨릭 교회가 채택한 교리의 결과였습니다. 반대 개혁의 첫 번째 단계는 종교 건축에 대한 학문적 스타일을 가혹하게 강요했는데, 이는 종교 지식인에게는 호소력이 있었지만 많은 교회 사람들에게는 호소력이 없었습니다. 트렌트 공의회는 대신 더 대중적인 청중에게 호소하기로 결정했고, 예술은 종교적 주제를 직접적이고 정서적으로 관여시켜야한다고 선언했다. 루터 란 바로크 예술은 칼빈주의의 위대한 상징주의에 반응하여 정체성의 고백적인 표식으로 발전했습니다.
바로크 양식의 교회는 넓은 중앙 공간으로 설계되어 예배자가 제단에 가깝고 돔 또는 큐폴라가 높은 오버 헤드로 빛이 교회를 밝게 비출 수 있습니다. 돔은 하늘과 땅의 연합을 보여주는 바로크 건축의 중심 상징적 특징 중 하나였습니다. 큐폴라 내부는 천사와 성도의 그림과 천사의 치장 용 벽토 조상으로 화려하게 장식되어 아래의 사람들에게 인상을줍니다. 하늘을 바라 보는 바로크 양식 교회의 또 다른 특징은 사각형입니다. 실제 또는 채색 된 치장 용 벽토 틀 천장의 트롬 프 엘 그림은 성자와 천사의 그림으로 붐비고 난간과 콘솔로 건축 세부 사항으로 연결됩니다. 처마 밑 아래의 아틀란티스 그림은 교회의 천장을지지하고있는 것으로 보인다. 시스틴 예배당에있는 미켈란젤로의 천정의 천장과는 달리, 각자의 관점을 가진 여러 장면을 한 번에 하나씩 볼 수 있도록, 바로크 양식의 천정 그림은 교회 바닥에있는 시청자가 마치 실제 수치 인 것처럼 천장 전체를 정확한 시각으로 볼 수 있습니다.
바로크 양식의 교회 내부는 고 바로크 양식에서 점점 더 화려 해졌으며 일반적으로 돔 아래에 놓인 제단 주위에 집중했습니다. High Baroque의 가장 유명한 바로크 장식 작품은 로마의 성 베드로 대성당에서 지안 로렌조 베르니니 (Gian Lorenzo Bernini)가 세인트 피터 (1647-53)의 의자와 성 베드로 발다 치노 (1623-34)입니다. 성 베드로의 발 데퀸은 바로크 예술에서 반대의 균형의 예입니다. 캐노피의 겉보기 가벼움과 함께 작품의 거대한 비율; 캐노피에 흐르는 천사의 휘장과 조각의 단단한 꼬인 기둥, 청동, 금 및 대리석의 대조. 드레스덴 프라우엔 교회는 루터교 바로크 예술의 대표적인 사례로 1743 년 루터교시의 드레스덴 시의회 의뢰를 받아 완성되었으며, “18 세기 로마의 성 베드로와 관찰자에 의해 비교되었습니다”.
교회 내부의 꼬인 기둥은 바로크 양식의 특징 중 하나입니다. 그것은 운동 감각과 극적인 빛의 반사 방식을 제공합니다. Cartouche는 바로크 장식의 또 다른 특징이었습니다. 대리석이나 돌로 조각 된 커다란 플라크는 보통 타원형이며 둥근 표면으로되어있어 이미지 나 텍스트를 금색 문자로 표시하고 실내 장식이나 건물 출입구 위에 배치하여 아래 메시지를 전달했습니다. 그들은 다양한 발명을 보여 주었으며 대성당과 궁전에서 작은 예배당에 이르기까지 모든 유형의 건물에서 발견되었습니다.
바로크 건축가는 때로는 강제적 인 관점을 사용하여 환상을 만들었습니다. 로마의 Palazzo Spada의 경우 Borromini는 크기가 줄어드는 기둥, 좁은 바닥 및 정원의 미니어처 상을 사용하여 실제로 길이가 7 미터에 불과한 통로의 길이가 30 미터라는 환상을 만들었습니다. 통로 끝의 조각상은 실물 크기 인 것처럼 보이지만 높이는 60 센티미터에 불과합니다. Borromini는 수학자의 도움으로 환상을 디자인했습니다.
이탈리아 바로크 건축
로마에서 바로크 양식의 정면을 가진 최초의 건물은 1584 년에 게수 교회였습니다. 그것은 바로크 양식의 표준에 의해 명백했지만 이전의 전통적인 르네상스 외관으로 휴식을 취했습니다. 이 교회의 내부는 화려하게 장식 된 바로크 양식의 높은 바로크까지 매우 엄숙했습니다.
1605 년 로마에서 Paul V는 형태의 확산과 풍부한 색감과 극적인 효과를 통해 감정과 경외감을 불러 일으키기 위해 바실리카와 교회 건물을 의뢰 한 최초의 교황이되었습니다. 초기 바로크 양식의 가장 영향력있는 기념비 중 하나는 성 베드로 대성당 (1606-1619)의 외관과 외관을 초기 교회의 미켈란젤로의 돔과 연결 한 새로운 본당과 로지아였습니다. 새로운 디자인은 급상승하는 돔과 불균형 적으로 넓은 정면 사이의 극적인 대비와 도리스 기둥과 큰 현관 사이의 정면 자체의 대비를 만들었습니다.
17 세기 중반에서 후반에이 스타일은 절정에 이르렀으며, 나중에 바로크 (High Baroque)라고 불렀습니다. 교황 어반 VIII과 알렉산더 VII가 많은 기념비적 인 작품을 의뢰했습니다. 조각가이자 건축가 지안 로렌조 베르니니 (Gian Lorenzo Bernini)는 성 베드로 광장 (1656 ~ 1667) 주위에 새로운 4 중 콜로 네이드를 디자인했습니다. 거대한 타원에있는 세 개의 기둥 갤러리는 대형 돔의 균형을 잡고 교회와 광장에 단결과 거대한 극장 느낌을줍니다.
이탈리아 고 바로크의 또 다른 주요 혁신가는 Francesco Borromini였습니다. 그의 주요 작품은 San Carlo alle Quattro Fontane 교회 또는 4 개의 분수의 세인트 찰스 (1634–46)였습니다. 운동 감각은 장식이 아니라 벽 자체에 의해 주어지며, 벽 자체는 오목한 트래버스에 삽입 된 타원형 타워와 발코니를 포함하여 요철과 볼록한 요소로 나타납니다. 내부는 똑같이 혁명적이었습니다. 교회의 주요 공간은 타원형 돔 아래의 타원형이었습니다.
천사와 성자와 혼잡 한 건축 효과로 가득 찬 채색 된 천장은 이탈리아 하이 바로크의 중요한 특징이었습니다. 주요 작품으로는 로마의 성 이그나티우스 교회에서 안드레아 포초 (1685 ~ 1695)가 성자 이그나 체를 낙원에 입성 시켰으며, 로마의 게수 교회에서 조반니 바티스타 골리 (Govanni Battista Gaulli)가 예수의 이름을 승리 (1669 ~ 1683)은 액자에서 흘리는 수치와 극적인 경사 조명 및 명암 대비를 특징으로합니다. 이 스타일은 로마에서 이탈리아의 다른 지역으로 빠르게 퍼져 나갔습니다. 베네치아에는 산타 마리아 델라 살루트 (1631-1687) 교회에서 발다 사레 롱 헤나 (Baldassare Longhena) 교회에 등장했습니다. 그것은 토리노에서, 특히 Guarino Guarini의 거룩한 수 의사당 (1668-1694)에도 나타났다. 이 스타일은 또한 궁전에서 사용되기 시작했습니다. Guarini는 토리노의 Palazzo Carignano를, Longhena는 Grand Canal에서 Ca ‘Rezzonico (1657)를 디자인했으며 Giorgio Massari가 Giovanni Battista Tiepolo의 그림으로 장식했습니다. 시칠리아에서 발생한 일련의 대규모 지진으로 대부분의 재건이 필요했고, 일부는 풍성한 바로크 양식이나 로코코 스타일로지었습니다.
스페인 바로크 건축
스페인의 가톨릭 교회, 특히 예수회는 스페인 바로크 건축의 원동력이었습니다. 이 스타일의 첫 번째 주요 작품은 1643 년 Pedro de la Torre가 시작한 마드리드의 San Isidro Chapel입니다. 그것은 내부의 단순성과 외부의 장식의 극한 풍부함을 여러 공간으로 나누고 빛의 효과를 사용하여 미스터리를 만듭니다. 산티아고 데 콤포 스텔라 대성당은 17 세기 말부터 화려한 종탑 (1680)부터 시작하여 바로크 양식의 일련의 바로크 양식으로 현대화되었으며, 두 개의 더 크고 화려한 탑인 오브라도 리오 (Obradorio)가 옆에 있습니다. Fernando de Casas Novoa에 의해 1738 년에서 1750 년 사이. 스페인 바로크의 또 다른 랜드 마크는 레오나르도 데 피게로아 (Leonardo de Figueroa)가 세비야에있는 산 텔모 궁전 예배당입니다.
그라나다는 15 세기 무어 인들로부터 해방되었으며, 독특한 바로크 양식을 가지고있었습니다. 화가, 조각가, 건축가 Alonso Cano는 1652 년과 1657 년 그의 죽음 사이에 그라나다 대성당의 바로크 양식의 인테리어를 디자인했습니다. 거대한 흰색 기둥과 금 장식의 극적인 대조를 특징으로합니다.
스페인 바로크 양식의 가장 장식적이고 화려하게 장식 된 건축 양식은 주로 살라망카와 마드리드에서 일했던 Churriguera 형제의 이름을 딴 Churrigueresque 스타일입니다. 그들의 작품으로는 도시의 주요 광장 인 살라망카 광장 시장 (1729)에있는 건물들이 있습니다. 이 장식적인 바로크 양식은 아메리카 대륙에서 스페인 인이 지은 많은 교회와 성당에서 매우 영향력이있었습니다.
스페인의 바로크 양식의 유명한 바로크 건축가로는 마드리드의 San Fernando 왕립 호스피스를 디자인 한 Churriguera의 학생 인 Pedro de Ribera와 Toledo Cathedral (1729–32)에서 유명한 El Transparente 제단을 디자인 한 Narciso Tomé가 있습니다. 어떤 빛에서는 환상이 위쪽으로 떠 다니는 환상을줍니다.
스페인 바로크의 건축가들은 스페인을 훨씬 넘어서는 영향을 미쳤다. 그들의 작업은 라틴 아메리카와 필리핀의 스페인 식민지에 세워진 교회에 큰 영향을 미쳤습니다. 화려한 바로크 양식의 정면과 탑으로 테 포조 틀란에있는 대학을 위해 예수회가 지은 교회가 좋은 예입니다.
중부 유럽과 로코코 (1740 ~ 1770)
1680 년부터 1750 년까지, 중앙 유럽, 바바리아, 오스트리아, 보헤미아 및 폴란드 남서부에 많은 화려한 성당, 수도원 및 순례 교회가 세워졌습니다. 일부는 바로크에서 나온 독특하고 더 화려하고 비대칭적인 로코코 스타일이었고, 18 세기 전반에 중앙 유럽 스타일로 교체되어 고전주의로 대체되었습니다.
그 지역에있는 다수의 국가의 왕자들은 궁전과 거주지로 바로크 또는 로코코를 선택했으며 종종 이탈리아 훈련 건축가를 사용하여 건축했습니다. 유명한 건축가로는 Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt 및 Dominikus Zimmermann (바이에른), Balthasar Neumann (Bruhl), Matthäus Daniel Pöppelmann (드레스덴)이 있습니다. 프로이센에서 프로이센의 프레데릭 2 세는 베르사유 궁전의 그랜드 트리아 논 (Grand Trianon)에서 영감을 얻어 포츠담 (Portsdam)에있는 그의 여름 거주지 인 산수시 (Sanssouci)의 모델로 사용했습니다. Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). 바로크 양식의 궁전 건축의 또 다른 작품은 드레스덴의 츠 빙거 (Zwinger)인데, 18 세기 작센 공작의 궁전의 전 오렌지색이었다.
로코코 교회의 가장 좋은 예 중 하나는 Basilika Vierzehnheiligen, 또는 독일 남부 바이에른의 Bamberg 근처에있는 Bad Staffelstein 마을 근처에 위치한 순례 교회, 14 명의 거룩한 헬퍼 대성당입니다. 대성당은 발타 사르 노이만 (Balthasar Neumann)에 의해 설계되었으며 1743 년에서 1772 년 사이에 지어졌다.이 계획은 교회의 정확한 중심에 제단이 놓인 중앙 타원형 주위에 일련의 연동 원이다. 이 교회의 내부는 로코코 장식의 정상을 보여줍니다.
이 스타일의 또 다른 주목할만한 예는 Wiil Pilgrimage Church of Wies (독일어 : Wieskirche)입니다. J.B.와 Dominikus Zimmermann 형제가 설계했습니다. 독일 바이에른의 Weilheim-Schongau 지역에있는 Steingaden의 지방 자치 단체 인 Alps의 산기슭에 위치하고 있습니다. 건축은 1745 년에서 1754 년 사이에 이루어졌으며, 내부는 웨스 브루너 학교의 전통에서 벽화와 치장 벽토로 장식되었습니다. 이제 유네스코 세계 문화 유산으로 지정되었습니다.
또 다른 주목할만한 예는 Christoph Dientzenhofer와 그의 아들 Kilian Ignaz Dientzenhofer가 지은 프라하 (1704 ~ 55)의 St. Nicholas Church (Malá Strana)입니다. 장식은 교회 내부의 모든 벽을 덮습니다. 제단은 중앙 돔 아래의 본당에 위치하고 예배당으로 둘러싸여 있으며, 빛은 돔과 주변 예배당에서 내려옵니다. 제단은 아치, 기둥, 구부러진 난간 및 채색 된 석재 기둥으로 완전히 둘러싸여 있습니다. 석회암은 조각상으로 풍부하게 장식되어있어 실제 건축과 장식 사이에 고의적 인 혼동을 일으 킵니다. 건축은 빛, 색상 및 움직임의 극장으로 변형되었습니다.
폴란드에서 이탈리아에서 영감을 얻은 폴란드 바로크는 17 세기 초부터 18 세기 중반까지 지속되어 세부 묘사와 색상이 풍부하게 강조되었습니다. 현재 폴란드의 첫 번째 바로크 양식 건물이며 아마도 가장 눈에 띄는 건물 중 하나는 Giovanni Battista Trevano가 디자인 한 크라쿠프의 성 베드로 교회와 폴입니다. 1644 년에 세워진 바르샤바의 Sigismund ‘s Column은 기둥 형태로 지어진 세계 최초의 세속 바로크 기념비였습니다. 구식 거주지 스타일은 1677 년에서 1696 년 사이에 건축 된 Wilanów Palace로 예시되었습니다. 폴란드에서 가장 유명한 바로크 양식의 건축가는 Dutchman Tylman van Gameren이었으며 그의 주요 작품으로는 Warsaw의 St. Kazimierz Church와 Krasiński Palace, St. Anne ‘s of Kraków and 비 알리스 토크의 브라 니키 궁전. 그러나 폴란드 바로크의 가장 유명한 작품은 Pozeo의 Fara Church이며 Pompeo Ferrari의 세부 사항입니다.
프랑스 바로크 또는 고전주의
프랑스는 이탈리아, 스페인, 비엔나 및 기타 유럽의 화려한 바로크 스타일에 크게 저항했습니다. 프랑스 바로크 양식 (Grand Classicism 또는 단순히 프랑스의 Classicism이라고도 함)은 Louis XIV 및 Louis XV를 위해 제작 된 작품과 밀접한 관련이 있습니다. 바로크보다 기하학적 순서와 측정이 더 뛰어나고 외관과 인테리어의 정교하지 않은 장식이 특징입니다. 루이 14 세는 베르니니 바로크의 주인을 초대하여 루브르 박물관의 새 날개를위한 디자인을 제출했지만 클로드 페로와 루이 르 보의 더 고전적인 디자인을 선호했다.
이 스타일의 주요 건축가로는 François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626-1636), Pierre Le Muet (Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661)가 있습니다. 특히 Jules Hardouin Mansart와 Robert de Cotte의 작품으로는 Galerie des Glaces와 Grand Trianon at Versailles (1687-1688)가 있습니다. Mansart는 또한 방돔 광장의 바로크 고전주의를 담당했습니다 (1686-1699).
이시기의 주요 왕실 프로젝트는 1661 년 Le Vau가 화가 Charles Le Brun의 장식으로 시작한 베르사유 궁전의 확장이었습니다. 정원은 André Le Nôtre가 특별히 건축을 보완하고 증폭시키기 위해 설계되었습니다. 르 브랑의 그림이 그려진 샤토의 중심 인 갤러리 데 글레이즈 (Hall of Mirrors)는 1678 년에서 1686 년 사이에 지어졌습니다. 만사 르트는 1687 년 그랜드 트리아농을 완성했습니다. 드 코트가 디자인 한 예배당은 1710 년에 완성되었습니다. 루이 14 세가 사망 한 후, 루이 14 세는보다 친밀한 Petit Trianon과 매우 화려한 극장을 추가했습니다. 정원의 분수대는 내부에서 볼 수 있도록 설계되었으며 극적인 효과를 더합니다. 이 궁전은 유럽의 다른 군주들, 특히 루이 15 세의 통치 초기에 베르사유를 방문한 1705 년에서 1725 년 사이의 피터 호프 궁전 (Peterhof Palace)에 자신의 버전을 지은 러시아의 피터 대왕에 의해 존경되고 복사되었습니다.
포르투갈 바로크
포르투갈의 바로크 건축물은 약 2 세기 (17 세기 후반과 18 세기)에 지속되었습니다. 요한 5 세와 요셉 1 세의 통치 기간에는 왕 절대주의 (Royal Absolutism)라는시기에 금과 다이아몬드 수입이 증가하여 포르투갈 바로크가 번성하게되었습니다.
포르투갈의 바로크 건축물은 특별한 상황과 다른 유럽 지역과 다른 타임 라인을 즐깁니다.
그것은 여러 정치적, 예술적, 경제적 요인에 의해 좌우되며 여러 단계와 다른 종류의 외부 영향으로 인해 이탈리아 예술을 찾는 사람들이 종종 오해하는 독특한 조화를 가져옵니다. 대신에 독특한 형태와 성격을 찾으십시오. 포르투갈어 종류. 또 다른 핵심 요소는 이름이 알 수 있듯이 “평범한 스타일”(Estilo Chão 또는 Estilo Plano)이라고도하는 예수회 건축의 존재입니다.
건물은 내부 및 외부 장식이없는 매우 간단한 포털 및 창문이없는 싱글 룸 대성당, 깊은 주 예배당, 측면 예배당 (통신을위한 작은 문 포함)입니다. 매우 실용적인 건물로 제국 전역에서 약간의 조정만으로 지어 질 수 있으며 나중에 또는 경제적 자원을 사용할 수있을 때 장식 할 수 있습니다.
사실, 최초의 포르투갈 바로크 양식은 장식 (페인팅, 타일링 등)을 통해 “평면 스타일”을 쉽게 변환 할 수 있고, 빈 공간을 화려하고 정교한 바로크 시나리오로 전환하기 때문에 건축에 부족함이 없습니다. 외부에도 동일하게 적용될 수 있습니다. 결과적으로, 시간과 장소의 취향에 맞게 건물을 쉽게 조정하고 새로운 기능과 세부 사항을 추가 할 수 있습니다. 실용적이고 경제적 인.
더 많은 주민과 더 나은 경제 자원으로 북쪽, 특히 포르토와 브라가 지역은 귀족이 지은 많은 교회, 수도원 및 궁전 목록에서 볼 수있는 건축 적 재건을 목격했습니다.
포르토는 포르투갈의 바로크 도시입니다. 역사적인 중심지는 유네스코 세계 문화 유산 목록의 일부입니다.
바로크의 많은 작품들은 도시의 역사적 지역과 그 너머에 있으며 포르투갈에 거주하는 이탈리아 건축가 Nicolau Nasoni에 속하며 교회와 Clérigos 타워, 포르토 대성당의 로지아, 교회와 같은 축음기가있는 독창적 인 건물을 그립니다. Misericórdia, São João Novo 궁전, Freixo 궁전, Episcopal Palace (포르투갈어 : Paço Episcopal do Porto)와 함께
러시아 바로크
러시아 바로크, 또는 페트 린 바로크의 데뷔는 1697 ~ 98 년에 피터 대왕을 서유럽으로 오랫동안 방문한 후 퐁텐 블로의 샤토와 베르사유와 다른 건축 기념물을 방문했습니다. 그는 1712 년 러시아의 새로운 수도가 된 상트 페테르부르크에 유사한 기념물을 건설하기로 결정했습니다. 페트 린 바로크의 초기 주요 기념물로는 피터와 폴 대성당과 멘시 코프 궁전이 있습니다.
안나 황제와 엘리자베타 페트 로브 나의 통치 기간 동안, 러시아 건축은 엘리자베스 바로크 양식으로 발전한 이탈리아 태생의 바르톨로메 오 라스트 렐리 (Bartolomeo Rastrelli)의 호화로운 바로크 양식에 의해 지배되었습니다. Rastrelli의 대표적인 건물로는 겨울 궁전, 캐서린 궁전 및 스몰리 대성당이 있습니다. 엘리자베스 바로크의 다른 독특한 기념물은 Troitse-Sergiyeva Lavra의 종탑과 붉은 문입니다.
모스크바에서 Naryshkin Baroque는 특히 17 세기 후반 동방 정교회의 건축물에서 널리 퍼졌습니다. 서유럽 바로크 양식과 전통적인 러시아 민속 스타일의 조합이었습니다.
스페인과 포르투갈 식민지 시대의 바로크
유럽 국가들에 의한 아메리카의 식민지화로 인해 바로크는 자연스럽게 신세계로 이주하여 스페인과 포르투갈이 지배하는 지역에서 특히 유리한 위치를 찾았습니다. 바로크 양식의 반 개혁 주의자. 유럽의 예술가들은 미국으로 이주하여 학교를 갔고, 많은 숙련 된 예술가 인 가톨릭 선교사들의 보급과 함께 대중적인 취향에 영향을받는 여러 가지 형태의 바로크를 만들었습니다. 크리올로 (Criollo)와 인디 덴 (Indidenous) 장인들은이 바로크 양식에 독특한 특징을 부여했습니다. 아직도 서있는 미국 바로크 양식의 주요 중심지는 멕시코, 브라질, 페루, 에콰도르, 쿠바, 콜롬비아, 볼리비아, 과테말라 및 푸에르토 리코입니다.
특히 주목할만한 것은 소위 “선교사 바로크 (Missionary Baroque)”인데, 이는 멕시코와 미국의 현재 남서부 지역에서 아르헨티나와 칠레까지 남쪽에서 스페인 카톨릭에 의해 조직 된 원주민 정착지까지 축소 된 지역에서 스페인 축소의 틀에서 개발되었다. 선교사들은 기독교 신앙으로 개종하고 서구 생활에서 그들을 사로 잡기 위해 원주민 문화의 영향을받는 하이브리드 바로크를 형성하기 위해 크리올 로스와 많은 인도의 장인과 음악가들이 번성하고 심지어는 그들 자신의 능력과 재능을 번창하게 만들었습니다. 서구의 예술, 특히 음악은 임업에 최면의 영향을 미쳤으며 성도들의 이미지는 큰 힘을 가진 것으로 여겨졌다는 선교사들의 설명이 종종 반복된다. 많은 인도인들이 개종했으며, 신비주의, 미신, 연극으로 가득 찬 열정적 인 강도의 새로운 형태의 헌신이 만들어졌으며 축제 대중, 성스러운 콘서트 및 신비에 기뻐했습니다.
스페인 아메리카의 식민지 바로크 건축물은 풍부한 장식으로 장식되어 있습니다 (멕시코 시티 라 프로 페사 교회의 포털; San Andrés Cholula의 샌프란시스코 Acatepec 교회와 샌프란시스코 수녀원 교회에서와 같이 푸에블라 스타일의 아 줄레 호로 덮인 외관 소위 Churrigueresque 스타일 (Lorenzo Rodríguez에 의해 멕시코 시티 대성당 성막의 외관; Tepotzotlán의 San Francisco Javier 교회; Taxco의 산타 Prisca 교회)에 의해 악화 될 것입니다. 페루에서는 1650 년 이래로 리마, 쿠스코, 아레 키파 및 트루 히요 도시에서 주로 개발 된 건축물은 쿠션 벽과 솔로 닉 기둥을 사용하는 것처럼 유럽 바로크까지 발전한 독창적 인 특성을 보여줍니다 (라 Compañía de Jesús 교회, 쿠스코; 리마 샌프란시스코 대성당 및 수녀원). 다른 국가로는 다음이 포함됩니다 : 볼리비아의 수크레 메트로폴리탄 대성당; 과테말라에서 Esquipulas의 대성당 대성당; 온두라스의 테 구시 갈파 성당; 니카라과의 레온 성당; 에콰도르 키토의 라 Compañía de Jesús 교회; 콜롬비아 보고타의 산 이그나시오 교회; 베네수엘라의 카라카스 성당; 아르헨티나 부에노스 아이레스의 Cabildo; 칠레 산티아고에있는 산토 도밍고 교회; 쿠바의 하바나 성당. 볼리비아의 스페인 예수회 선교부, 파라과이의 스페인 예수회 선교부, 멕시코의 스페인 선교부, 캘리포니아의 스페인 프란체스코 회 선교부의 교회의 질을 기억하는 것도 가치가 있습니다.
브라질에서는 포르투갈의 대도시에서와 같이 건축 양식은 일반적으로 보르 로마네스크 유형의 특정 이탈리아 영향을 미쳤으며, 레시 페의 공동 대성당 (1784 년)과 리우데에있는 Nossa Senhora da Glória do Outeiro 교회에서 볼 수 있듯이 자네이루 (1739). 미나스 제 라이스 (Minas Gerais) 지역에서는 곡면 형 평면 측정법, 오목한 볼록한 동적 효과가있는 외관 및 모든 건축 요소의 소성 처리 (São Francisco de Assis의 교회)에 뛰어난 교회 그룹의 저자 인 Aleijadinho의 작품을 강조했습니다. Ouro Preto, 1765–1788).
스페인과 포르투갈 식민지 아시아의 바로크
인도의 포르투갈 식민지 (고아, 다만, 디우)에서는 고아 대성당과 성 프란시스 자비에르의 무덤이있는 고아의 Bom Jesus 성당 등 힌두교 요소가 혼합 된 건축 양식의 바로크 양식이 있습니다. 고아 교회와 수녀원은 1986 년에 세계 문화 유산으로 지정되었습니다.
오랫동안 스페인 제국의 일부였던 필리핀에서는 필리핀의 바로크 양식의 교회를 포함하여 수많은 바로크 양식의 건축물이 보존되어 있으며 바로크 양식과 신고전주의 도시 비간은 유네스코 세계입니다. 문화 유산. 벽으로 둘러싸인 도시 마닐라 (인트라 무 로스)도 매우 주목할 만했습니다. 유명한 스페인 시대 바로크 양식의 다른 도시는 Tayabas입니다.
페인트 등
바로크 화가들은 르네상스 화가와 그 이후의 매너리즘 시대의 화가들과 분리되도록 의도적으로 노력했습니다. 팔레트에서 강렬하고 따뜻한 색상을 사용했으며 특히 빨강, 파랑 및 노랑의 기본 색상을 사용하여 세 가지를 모두 가깝게 배치했습니다. 그들은 르네상스 회화의 고른 조명을 피하고 그림의 특정 부분에서 강한 명암 대비를 사용하여 중심 행동이나 인물에주의를 기울였습니다.
그들의 구성에서 그들은 르네상스 회화의 고요한 장면을 피하고 가장 큰 움직임과 드라마의 순간을 선택했습니다. 르네상스 회화의 고요한 얼굴과 달리 바로크 회화의 얼굴은 감정을 분명히 표현했습니다. 그들은 종종 그림의 중심에서 멀어지면서 비대칭을 사용했으며, 수직이나 수평이 아니라 왼쪽이나 오른쪽으로 기울어 진 축을 만들어 불안정성과 움직임을 감지했습니다. 그들은 바람에 날리는 인물들의 의상을 입히거나 자신의 몸짓으로 움직여 운동의 인상을 강화했습니다. 전반적인 인상은 운동, 감정 및 드라마였습니다. 바로크 페인팅의 또 다른 필수 요소는 우화입니다. 모든 그림은 이야기를하고 메시지를 받았으며, 종종 상징과 우화 문자로 암호화되어 있으며 교육받은 시청자가 알고 읽을 것으로 예상되었습니다.
Annibale Carracci, Agostino Carracci 및 Ludovico Carracci는 시각 예술을 주문 된 르네상스 고전주의로 되돌리려 고 노력했던 볼로냐에서 이탈리아의 바로크 양식의 그림에 대한 초기 증거가 발생했습니다. 그러나 그들의 예술은 반대 개혁의 중심에 아이디어를 포함시켰다. 여기에는 지성보다 마음에 더 호소하는 강렬한 감정과 종교적 이미지가 포함되었습니다.
바로크 시대의 또 다른 영향력있는 화가는 Michelangelo Merisi da Caravaggio입니다. 인생에서 직접 그려지고 어두운 배경에 극적으로 드러난 인간의 모습에 대한 그의 현실적인 접근은 그의 동시대 사람들에게 충격을 주었고 그림의 역사에서 새로운 장을 열었습니다. 바로크 양식과 밀접하게 관련된 다른 주요 화가로는 Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo 및 Paolo de Matteis가 있습니다. Francisco de Zurbarán 및 스페인의 Diego Velázquez; 독일의 Adam Elsheimer; 프랑스의 Nicolas Poussin과 Georges de La Tour (Poussin은 이탈리아에서 일하는 대부분의 시간을 보냈습니다). Poussin과 La Tour는 “클래식”바로크 스타일을 채택하여 감정보다는 집중력이 떨어지고 그림보다 인물의 선에 더 많은 관심을 기울였습니다.
Peter Paul Rubens는 Flemish Baroque 스타일의 가장 중요한 화가였습니다. Rubens의 고가의 작품은 고전과 기독교 역사의에 루다이 트 측면을 참조합니다. 그의 독특하고 엄청나게 인기있는 바로크 스타일은 움직임, 색상 및 관능 성을 강조했으며, 이는 카운터 개혁에서 촉진 된 즉각적이고 극적인 예술적 스타일을 따랐습니다. 루벤스는 신화 및 우화 적 주제의 제단, 인물 사진, 풍경 및 역사 그림 제작에 특화되어 있습니다.
바로크 페인팅의 한 가지 중요한 영역은 Quadratura 또는 문자 그대로 “눈을 속인”트롬 프 로일의 그림이었습니다. 이것들은 보통 천장이나 상부 벽과 난간 치장 용 벽토에 칠해졌으며 지상에있는 사람들에게 천사, 성도 및 기타 하늘의 군중으로 채워진 하늘을보고 하늘에 그려진 하늘과 상상의 건축.
이탈리아에서는 예술가들이 종종 실내 장식 관련 건축가들과 협력했습니다. 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)는이 환상 주의적 회화 방식을 사용했던 17 세기 화가 중 한 사람입니다. 그의 가장 중요한 임무 중 하나는 교황 어반 VIII의 통치를 영화 롭게하기 위해 바 베르니니 왕궁 (1633 ~ 39)을 위해 그린 벽화입니다. 피에트로 다 코르토 나의 작곡은 시스 티나 성당에서 미켈란젤로의 작품 이후 로마에서 가장 큰 장식적인 프레스코 화였다.
François Boucher는 바로크 시대 말기에 등장한보다 섬세한 프랑스 로코코 스타일의 중요한 인물이었습니다. 그는 태피스트리, 카펫 및 극장 장식뿐만 아니라 그림을 디자인했습니다. 그의 작품은 루이 15 세의 여주인 마담 퐁파두르에게 매우 인기가있었습니다. 그의 그림에는 신화적인 낭만적이고 온화한 에로틱 한 주제가 있습니다.
식민지 아메리카
스페인 아메리카에서 첫 번째 영향은 세비야 테 네브 리즘, 주로 주르 바란 (일부는 멕시코와 페루에서 여전히 보존되고 있음)의 영향으로 멕시코 인 호세 후아레스와 세바스티안 로페즈 데 아르테 아가, 볼리비아 인의 작품에서 볼 수 있듯이 Melchor Pérez de Holguín. Cusco School of painting은 1583 년 이탈리아 화가 Bernardo Bitti가 미국에 매너리즘을 소개 한 후 도착했습니다. 그것은 안다 우아 일 릴라 산 페드로 교회 벽화의 저자 인 이탈리아 안젤리 노 메 도로의 제자 인 Luis de Riaño의 작품을 강조했다. 또한 인도 (퀘 추아) 화가 Diego Quispe Tito와 Basilio Santa Cruz Pumacallao는 물론 쿠스코 대성당의 높은 아치를 덮고있는 50 개의 대형 캔버스의 작가 인 Marcos Zapata를 강조했습니다. 에콰도르에서 키토 학교는 주로 메스티조 미구엘 데 산티아고와 크리올로 니콜라스 하비에르 드 고리 바르로 대표되었습니다.
18 세기에 조각 용 제단은 그림으로 대체되기 시작했으며, 특히 미주 지역의 바로크 양식의 그림을 개발했습니다. 마찬가지로, 귀족 계급의 초상화와 교회 계층 구조와 같은 토목 작업에 대한 요구가 커졌습니다. 주요 영향은 Murillesque였으며, 어떤 경우에는 criollo Cristóbal de Villalpando에서와 같이 Valdés Leal의 영향도있었습니다. 이 시대의 그림은 달콤하고 부드러운 모양으로 더 감상적인 색조를 가지고 있습니다. 콜롬비아의 Gregorio Vásquez de Arce, 멕시코의 Juan Rodríguez Juárez 및 Miguel Cabrera를 강조합니다.
조각
바로크 조각의 지배적 인 인물은 지안 로렌조 베르니니 (Gian Lorenzo Bernini)였습니다. 교황 어반 VIII의 후원하에, 그는 얼굴과 몸짓이 감정을 생생하게 표현한 놀라운 일련의 기념비적 인 동상과 인물, 놀라운 사실주의의 초상화 흉상, 인상적인 의장을 포함한 바티칸의 장식적인 작품을 만들었습니다. 성 베드로 대성당의 돔 아래 성 베드로. 또한 로마의 주요 광장을 장식하기 위해 기념비적 인 조각 그룹으로 분수를 설계했습니다.
바로크 양식의 조각품은 고대 로마의 조각상, 특히 바티칸 갤러리에 전시 된 1 세기 A.D.의 유명한 Laocoön 동상에서 영감을 얻었습니다. 1665 년 파리를 방문했을 때 베르니니는 회화와 조각 아카데미의 학생들에게 연설을했습니다. 그는 학생들에게 자연이 아닌 고전적인 모델에서 일하도록 조언했습니다. 그는 학생들에게 “처음으로 동상에 문제가 생겼을 때 안티 노 우스를 오라클처럼 상담했습니다.”라고 말했습니다.
유명한 프랑스 바로크 조각가에는 에티엔 모리스 팔코 네와 장 밥 티스트 피 갈레가 포함되었습니다. Pigalle은 Frederick the Great에 의해 독일 포츠담의 Sanssouci에서 Frederick의 자신의 Versailles 동상을 만들도록 의뢰되었습니다. Falconet은 또한 중요한 외교위원회를 받았으며 상트 페테르부르크에서 발견 된 말을 타고 유명한 피터 대왕 동상을 만들었습니다.
스페인의 조각가 인 프란시스코 살 질로는 다색의 목재를 사용하여 종교적 주제에 독점적으로 일했습니다. 가장 훌륭한 바로크 조각 장인 중 일부는 현지 장인이 만든 새로운 세계의 스페인 식민지 교회의 화려한 치장 용 벽토 제단에서 발견되었습니다. 멕시코 오악 사카 (1724 ~ 31)에있는 산토 도밍고 교회의 묵주 예배당이 그 예입니다.
음악과 발레
바로크라는 용어는 바로크 예술과 겹쳐지는 기간 동안 작곡 된 음악 스타일을 나타내는 데에도 사용됩니다. 음악에 대한 바로크 (baroque)라는 용어의 첫 번째 사용은 비판이었습니다. 1734 년 5 월 프랑스 메르 쿠르 드에서 인쇄 된 Rameau ‘s Hippolyte et Aricie의 1733 년 10 월 프리미어에 대한 익명의 풍자 검토에서 비평가는이 오페라의 참신함이 “듀오 바로크 (du barocque)”임을 암시하면서 음악에 일관된 멜로디가 없었다고 불평했다. , 끊임없는 불협화음으로 채워졌고, 키와 미터가 끊임없이 바뀌었고, 모든 구성 장치를 빠르게 통과했습니다. 음악가이자 작곡가이자 작곡가이자 철학자 인 장 자크 루소 (Jean-Jacques Rousseau)는 1768 년 Denis Diderot의 유명한 Encylopedié에서 매우 유사한 관찰을했습니다. 노래는 거칠고 부자연스럽고 억양이 어려우며 움직임이 제한적이다. 용어는 논리 학자들이 사용하는 ‘바로코 (baroco)’라는 단어에서 나온 것으로 보인다. ”
이 시대의 음악에 대한이 용어의 사용은 1919 년 Curt Sachs에 의해서만 시작되었으며 1940 년이되어 Manfred Bukofzer가 출판 한 기사에서 영어로 처음 사용 된 것은 아닙니다.
바로크는 음악 실험과 혁신의시기였습니다. 협주곡과 sinfonia를 포함한 새로운 형태가 발명되었습니다. 오페라는 16 세기 말 이탈리아에서 태어 났으며 (1598 년 피렌체에서 생산 된 Jacopo Peri의 대부분은 Dafne을 잃어 버렸습니다) 루이 14 세는 1669 년 시인 최초의 왕립 음악 아카데미를 만들었습니다. Pierre Perrin은 파리에서 오페라 극장을 개설했으며 프랑스 최초의 오페라 극장으로 일반인에게 공개되었으며, 로버트 캠 버트 (Robert Cambert)의 음악과 함께 5 개의 공연, 정교한 무대 기계 및 발레로 프랑스 최초의 오페라 인 Pomone을 초연했습니다. 독일의 하인리히 슈츠, 프랑스의 장 밥 티스트 룰리, 영국의 헨리 퍼셀은 모두 17 세기 국가 전통을 확립하는 데 도움을 주었다.
고전 발레도 바로크 시대에서 시작되었습니다. 법원 춤의 스타일은 Marie de Medici에 의해 프랑스로 가져 왔으며, 처음에는 법원의 구성원들도 무용수였습니다. 루이 14 세는 여러 발레에서 공개 공연을했다. 1662 년 3 월, 왕에 의해 아카데미 로얄 데 단세 (Académie Royale de Danse)가 설립되었습니다. 그것은 최초의 전문 무용 학교이자 회사였으며, 그 기간 동안 유럽 전역에서 발레의 표준과 어휘를 설정했습니다.
이 기간 동안 피아노를 포함한 여러 가지 새로운 악기가 소개되었습니다. 피아노의 발명은 악기의 수호자로 토스카나 왕자 페르디난도 데 메디치 (Ferdinando de ‘Medici)에 의해 고용 된 이탈리아 파도바의 바르톨로메 오 크리스토 포리 (1655-1731)에 의해 인정되었다. di piano e forte ( “부드럽고 큰 소리를 가진 사이프러스 키보드”)는 시간이 지남에 따라 피아노 포르테, 포르테 피아노, 그리고 나중에는 간단히 피아노로 축약됩니다.
극장
바로크 시대는 프랑스와 스페인에서 연극의 황금기였다. 극작가에는 프랑스의 Corneille, Racine 및 Moliere가 포함되었습니다. Lope de Vega 및 Pedro Calderón de la Barca Spain.
바로크 시대에는 극장의 예술과 스타일이 오페라와 발레의 발달과 함께 빠르게 진화했습니다. 새롭고 더 큰 극장의 디자인, 발명품은 더 정교한 기계의 사용, 무대를 구성하고 관중들로부터 기계를 숨겨 놓은 프로 시니 엄 아치의 더 넓은 사용은 더 아름다운 효과와 스펙터클을 장려했습니다.
바로크 양식은 르네상스 시대의 이탈리아 문학 모델에 따라 스페인에서 가톨릭적이고 보수적 인 성격을 가졌습니다. 히스패닉 바로크 극장은 카톨릭 종교, 군주제, 국가적 자부심, 기사도, 기사 세계에서 비롯된 명예의 세 가지 기본 감정을 나타내는 이상적인 현실을 가진 공개 컨텐츠를 목표로했습니다.
바로크 식 스페인어 극장에는 1630 년에 두 개의시기가 알려져있다. 첫 번째시기는 주로 Lope de Vega가 아니라 Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de 게바라, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente 또는 Juan Pérez de Montalbán 두 번째 기간은 Pedro Calderón de la Barca와 동료 극작가 Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto 및 Francisco Bances Candamo . 이러한 분류는 각 저자가 자신의 방식을 가지고 있으며 때때로 Lope가 정한 공식을 따를 수 있기 때문에 느슨합니다. Lope의 “매너”가 칼데론보다 더 자유롭고 구조적 일 수도 있습니다.
Lope de Vega는 자신의 Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609)를 통해 새로운 코미디를 소개했습니다. 그는 이탈리아시 학교 (활동, 시간 및 장소)의 3 개의 아리스토텔레스 단합과 스타일에 관한 아리스토텔레스의 네 번째 단결, 스타일, 비극적 요소와 만화 적 요소의 다양한 유형의 구절과 스탠자를 혼합 한 새로운 극적인 공식을 확립했습니다. 표현되는 것. Lope는 플라스틱 예술에 대해 잘 알고 있지만 경력의 주요 부분이나 극장이나 시나리오에서 사용하지 않았습니다. Lope의 코미디는 연극 표현의 시각적 측면에서 두 번째 역할을 부여했습니다.
Tirso de Molina, Lope de Vega 및 Calderón은 Golden Era Spain에서 가장 중요한 극작가였습니다. 그들의 미묘한 지능과 사람의 인류에 대한 심오한 이해로 알려진 그들의 작품은 Lope의 원시 코미디와 더 정교한 Calderón의 코미디 사이의 다리로 간주 될 수 있습니다. 티르 소 데 몰리나 (Tirso de Molina)는 유죄 판결을받은 의심과 돈 후안 신화의 첫 번째 버전 중 하나 인 세비야의 사기꾼으로 가장 잘 알려져 있습니다.
마드리드에 도착하자마자 코시 모 로티 (Cosimo Lotti)는 유럽의 최첨단 연극 기법을 스페인 법원에 가져 왔습니다. 그의 기술과 기술 지식은 “Fiestas”라는 궁전 전시회와 “Naumaquias”라는 인공 분수대 또는 화려한 전시회에 적용되었습니다. 그는 Buen Retiro, Zarzuela 및 Aranjuez의 정원 스타일링과 Coliseo del Buen Retiro의 연극 건물 건설을 담당했습니다.
Lope의 공식은 궁전 극장 기초에 적합하지 않은 구절과 Calderón de la Barca와 같은 일부 극작가의 경력을 시작한 새로운 개념의 탄생으로 시작됩니다. 칼데론의 스타일은 뉴로 페 시안 코미디의 주요 혁신을 보여 주면서 많은 구조적 관심과 그의 내부 구조에 대한 관심으로 많은 차이를 나타 냈습니다. 칼데론의 작품은 공식적인 완벽 함과 매우 서정적이고 상징적 인 언어입니다. Lope의 자유, 활력 및 개방성은 Calderón의 지적 반영과 공식적인 정확성을위한 발판을 마련했습니다. 그의 코미디에서는 열정과 행동을 넘어서서 그의 이념적, 교리 적 의도를 반영했으며, Autos sacramentales의 일은 높은 순위를 달성했습니다. Comedia의 장르는 정치적, 예술적이며 어떤 의미에서는 하이브리드입니다. 시적 텍스트는 Lopesian 코미디의 속임수를 없애는 건축, 음악 및 그림에서 시작된 미디어 및 리소스와 섞여서 풍경의 결여와 행동의 대화에 참여했습니다.
가장 잘 알려진 독일 극작가는 Andreas Gryphius로 네덜란드 Joost van den Vondel과 Pierre Corneille의 예수회 모델을 사용했습니다. 영국의 코미디언 전통과 코메디 아 델 아르테의 전통을 코네 유와 몰리에르의 고전 극장과 결합한 요하네스 벨 텐도 있었다. 그의 투어링 회사는 아마도 17 세기에 가장 중요하고 중요했을 것입니다.
스페인 식민지 아메리카
16 세기 말 스페인에서 돋보이는 진화에 뒤이어 코미디언 회사는 본질적으로 트랜스 휴먼 트 (transhumant)였으며 전문화되기 시작했다. 전문화와 함께 규제와 검열이 이루어졌습니다. 유럽에서와 같이 극장은 관용과 심지어 정부의 보호와 거부 (예외 포함) 또는 교회의 박해 사이에서 진동했습니다. 이 극장은 원하는 행동과 모델을 전파하고 사회 질서와 군주제, 종교 교리 학교를 존중하는 도구로 당국에 유용했습니다.
코렐은 대표의 혜택을 공유하는 병원의 이익을 위해 관리되었습니다. 현지인이없는 지역에서 즉흥적으로 야외 무대에서 극장을 운영 한 순회 회사 (또는 “리그의”)는 가격이나 핀치 온이 자선으로 향하고 경건하게 일할 수있는 부수적 인 라이센스를 요구했습니다. . 수도와 주요 도시에서 안정적으로 일한 회사의 주요 수입원 중 하나는 코퍼스 크리스티의 축제에 참여하여 경제적 이익뿐만 아니라 인정과 사회적 명성을 얻었습니다. 총독의 코미디와 훌륭한 조명 효과, 풍경 및 무대를 갖춘 특수 제작물을 모두 대표하는 Viceregal Palace와 귀족 저택의 표현은 잘 지불되고 권위있는 작업의 중요한 원천이었습니다.
Juan Spain의 Viceroyalty에서 태어 났지만 나중에 스페인에 정착 한 Juan Ruiz de Alarcón은 New Spain 바로크 극장에서 가장 유명한 인물입니다. Lope de Vega의 새로운 코미디에 대한 그의 수용에도 불구하고, 그의 “세속적 세속주의”, 그의 재량 및 구속, 그리고 그의 스페인 동시대 인에 대한 Alarcón의 독특한 특징으로서의 “심리적 침투”에 대한 예리한 능력이 주목되었다. 그의 작품 중 주목할만한 것은 La verdad sospechosa, 그의 지속적인 도덕적 목적을 반영한 인물의 코미디입니다. Sor Juana Inés de la Cruz의 극적인 제작으로 그녀는 스페인계 미국인 바로크 극장의 두 번째 인물로 자리 잡았습니다. 그녀의 작품 중에는 자동 성사 엘 디비 노 나르시 소와 코미디 로스 엠페 뇨스 데 카나가 언급되어 있습니다.
가든
jardinà la française 또는 프랑스 형식 정원으로도 알려진 바로크 정원은 16 세기 로마에서 처음으로 나타 났으며, 17 세기에는 프랑스에서 가장 유명한 Vaux le Vicomte 정원과 베르사유 궁전에서 가장 유명합니다. 바로크 양식의 정원은 18 세기 중반까지 독일, 네덜란드, 오스트리아, 스페인, 폴란드, 이탈리아 및 러시아의 왕과 왕자에 의해 지어졌습니다.
바로크 식 정원의 목적은 자연에 대한 인간의 힘을 설명하는 것이 었으며 건축업자의 영광 인 바로크 식 정원은 집의 방과 같은 기하학적 패턴으로 배치되었습니다. 그들은 일반적으로 샤토 또는 테라스에서 외부와 내려다 보는 것이 가장 좋습니다. 바로크 양식 정원의 요소에는 화려한 바로크 양식의 디자인으로 장식 된 화단이나 낮은 산 울타리와 정원을 나누고 가로 지르는 직선의 골목길과 자갈 골목이 있습니다. 테라스, 경사로, 계단 및 계단식 계단은 높이의 차이가있는 곳에 배치되었으며 관측 지점을 제공했습니다. 원형 또는 직사각형 연못 또는 물의 유역은 분수와 조각상의 설정이었습니다. Bosquets 또는 조심스럽게 손질 한 숲 또는 동일한 나무의 선은 녹지의 벽처럼 보이고 동상의 배경이되었습니다. 가장자리에 정원에는 일반적으로 파빌리온, 오렌지 및 기타 방문객들이 햇빛이나 비로부터 피난처를 취할 수있는 구조물이있었습니다.
바로크 정원에는 막대한 수의 정원사, 지속적인 트리밍 및 풍부한 물이 필요했습니다. 바로크 시대의 후반에 공식적인 요소는 구불 구불 한 길, 다양한 나무의 숲이 자르지 않은 채 남겨지는 등 자연적인 특징으로 대체되기 시작했습니다. 로마 사원이나 중국 탑과 같은 소박한 건축물과 그림 같은 건축물, 주요 정원 가장자리의 “비밀 정원”, 녹지로 가득한 방문객들은 조용한 대화를 읽거나 대화 할 수 있습니다. 18 세기 중반에 대부분의 바로크 정원은 부분적으로 또는 전체적으로 영어 조경 정원의 변형으로 변형되었습니다.
Versailles와 Vaux-le-Vicomte 외에도, 유명한 원래 바로크 양식의 정원은 나폴리 근처의 카 세르 타 왕궁; Nymphenburg 궁전과 Augustusburg와 Falkenlust 궁전, 독일의 Brühl; 네덜란드의 Lo 루 팰리스; 비엔나의 벨베데레 궁전; 스페인의 La Granja de San Ildefonso 왕궁; 그리고 상트 페테르부르크, 러시아의 Peterhof 궁전.
로코코와 바로크의 차이점
다음은 로코코가 보유하고 바로크가 보유하지 않은 특성입니다. [설명 필요]
아르누보와 유사한 우아한 선과 곡선으로 구성된 대칭의 부분 포기
엄청난 양의 비대칭 커브와 C 모양의 볼 류트
장식에서 꽃을 매우 널리 사용하는 예는 꽃으로 만든 꽃줄입니다.
중국과 일본 주제
따뜻한 파스텔 색상 (회 황색, 크림색, 진주 회색, 매우 밝은 파란색)
스타일의 끝, 비난 및 학업 재발견
Louis XV의 여주인 인 Madame de Pompadour는 바로크 스타일과 로코코 스타일의 감소에 기여했습니다. 1750 년 그녀는 이탈리아에서 예술과 고고학 개발을 연구하는 2 년의 임무를 수행하면서 조카 인 Abel-François Poisson de Vandières를 보냈습니다. 그는 조각가 Nicolas Cochin과 건축가 Soufflot을 포함한 여러 예술가와 동행했습니다. 그들은 고전 예술에 대한 열정으로 파리로 돌아 왔습니다. Vandiéres는 Marigny의 후작이되었으며 1754 년에 건물의 왕 국장으로 지명되었습니다. 그는 프랑스 고전 건축물을 신고전주의 양식으로 바꿨습니다. 코친은 중요한 예술 비평가가되었다. 그는 부처의 쁘띠 스타일을 비난하고 건축술 회화 아카데미에서 고대와 귀족을 강조한 그랜드 스타일을 요구했다.
선구자 독일 미술가이자 고고학자 요한 요아킴 윙켈 만 (Johann Joachim Winckelmann)도 바로크 양식을 비난하고 고전 예술과 건축의 뛰어난 가치를 높이 평가했습니다. 19 세기에는 바로크가 조롱과 비평의 대상이었습니다. 신고전주의 비평가 인 Francesco Milizia는 다음과 같이 썼다. “건축 분야의 보로미니 니, 조각상의 베르니니, 그림의 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona) … 19 세기에 비판은 더욱 발전했다. 영국의 비평가 존 러스킨 (John Ruskin)은 바로크 조각이 나쁘고 도덕적으로 부패했다고 선언했다.
스위스 태생의 예술가 인 하인리히 볼 프린 (1864 ~ 1945)은 그의 르네상스와 바락 (1888)에서 바로크라는 단어의 재활을 시작했다. Wolllin은 바로크 양식을 르네상스 예술의 예술품 인 “대량으로 수입 된 운동”으로 식별했습니다. 그는 현대 작가들이하는 매너리즘과 바로크를 구별하지 않았으며, 18 세기까지 지속 된 학문 바로크 인 후기 단계를 무시했다. 바로크 양식의 예술과 건축은 2 차 세계 대전 사이에 유행이되었으며, 여전히 큰 호응을 얻었습니다. “바로크 (Baroque)”라는 용어는 일반적으로 지나치게 장식 적이거나 복잡한 라인을 가진 것으로 여겨지는 예술품, 공예품 또는 디자인을 묘사하는 데 주로 사용됩니다.