아르 누보 (Art Nouveau)는 1890 년부터 1910 년 사이에 가장 인기있는 예술, 건축 및 응용 예술, 특히 장식 예술의 국제 스타일입니다. 19 세기의 학술적 예술에 대한 반응으로 자연의 형태와 구조, 특히 식물과 꽃의 곡선 라인입니다.

주로 유럽과 미국에서 번성했던 19 세기 후반과 20 세기 초반의 장식 양식. 회화와 조각에 영향을 주었지만, 그 주요한 징후는이 조사가 집중되어있는 건축과 장식 예술에있었습니다. 유기적 형태에 기초한 유연하고 비대칭 인 선; 넓은 의미에서 19 세기 역사주의에 대한 일반적인 반응의 일부로 진화 된 기하학적이고보다 추상적 인 패턴과 리듬을 포함한다. 등장한 곳과 사용 된 재료에 따라 스타일이 크게 다양하다

Art Nouveau는 건축, 그래픽 아트, 인테리어 디자인 및 보석, 가구, 섬유, 가정용은 및 기타 도구, 조명 및 미술과 같은 대부분의 장식 예술을 포함하는 “총체적인”예술 스타일로 간주됩니다. 스타일의 철학, 예술은 삶의 방식이어야한다 많은 유복 한 유럽인들에게 아르누보 풍의 가구에 아르누보 가구, 식기류, 직물, 식기류, 보석류, 담배 케이스, 미술가와 응용 예술을 결합하고자하는 예술가, 심지어 실용적인 대상도.

형태와 성격
아르 누보 (Art Nouveau)가 지리적 확산이 증가함에 따라 지역화 된 경향을 명확하게 획득 했음에도 불구하고 일부 일반적인 특성은 그 형태를 나타냅니다. 헤르만 오브리스트 (Hermann Obrist)의 벽 매달린 시클라멘 (Cyclamen, 1894)의 Pan 매거진에 게재 된 설명은 그것을 “채찍의 균열에 의해 생성 된 갑작스런 폭력적인 곡선”으로 묘사했는데, 이는 아르누보의 초기 확산 과정에서 잘 알려졌다. 그 결과 작품 자체가 The Whiplash로 더 잘 알려졌을뿐만 아니라 Art Nouveau 아티스트가 사용하는 특성 곡선에 종종 “채찍질”이라는 용어가 적용됩니다. 동조 된 리듬과 비대칭 모양의 역동적 인 물결 모양의 흐르는 선들로 이루어진 장식적인 “채찍 끈”모티프는 건축, 회화, 조각 및 다른 형태의 아르누보 디자인에서 볼 수 있습니다.

아르누보의 기원은 예술가 및 공예가 운동을 시작하는 데 도움이되었던 19 세기의 부흥과 복잡한 이론에 대한 작가 윌리엄 모리스의 저항에서 발견됩니다. 그러나 Arthur Mackmurdo의 책 표지 인 Wren ‘s City Churches (1883)는 리듬감 넘치는 플로랄 패턴으로 종종 아르 누보 (Art Nouveau)의 첫 번째 실현으로 간주됩니다. 같은시기에, 일본 목재 블록 인쇄의 평면적 인 견고 함과 강한 색채, 특히 카츠 시카 호쿠사이 (Katsushika Hokusai)의 판화는 아르누보의 형성에 큰 영향을주었습니다. 1880 년대와 1890 년대에 유럽에서 인기를 얻은 Japonisme은 유기적 인 형태와 자연계에 대한 언급을 통해 많은 예술가에게 특히 큰 영향을 미쳤습니다. Emile Gallé와 James Abbott McNeill Whistler와 같은 예술가들에 의해 채택 된 것 외에도, 일본에서 영감을 얻은 예술과 디자인은 파리와 런던의 상점에서 각각 지프 프리드 빙 (Siegfried Bing)과 아서 라 센비 리버티 (Arthur Lasenby Liberty)가 옹호했습니다.

건축에서는 창문, 아치 및 문에있는 쌍곡선과 포물선이 일반적이며 장식용 몰딩은 식물에서 파생 된 형태로 ‘자랍니다’. Art Nouveau는 대부분의 디자인 스타일과 마찬가지로 양식을 조화시키고 자했습니다. 파리 지하철 입구 위의 텍스트는 구조에서 철 작업의 나머지 부분의 특성을 사용합니다.

아르누보 건축과 인테리어 디자인은 19 세기의 절충주의 리바이벌 스타일을 피했습니다. 아르누보 (Art Nouveau)에도 불구하고 디자이너들은 화염과 껍질과 같은 로코코 스타일의보다 추상적 인 요소를 선택하고 ‘현대화’했는데, 매우 자연 양식의 레퍼토리를 확대하여 영감의 원천으로 매우 양식화 된 유기적 형태의 사용을 옹호했습니다. 해초, 풀, 곤충을 사용하십시오. 네덜란드 식기류에서 가장 잘 드러난 17 세기의 부드러운 스타일의 부드럽고 융합 된 형태가 또 다른 영향력이었습니다.

현대 스타일과 움직임과의 관계
Art Nouveau는 Pre-Raphaelites 및 Symbolist 스타일과 친숙하며 Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt 및 Jan Toorop과 같은 아티스트는이 스타일 중 하나 이상으로 분류 될 수 있습니다. 그러나 Symbolist 그림과 달리 Art Nouveau는 독특한 외관을 가지고 있습니다. Artisouan 지향 예술 및 공예 운동과 달리 Art Nouveau 예술가들은 순수한 디자인을 위해 새로운 재료, 가공 된 표면 및 추상화를 쉽게 사용했습니다.

Art Nouveau는 예술과 공예 운동처럼 기계 사용을 피하지 않았습니다. 조각을 위해 사용 된 주된 재료는 유리와 연철이었으며, 그 결과 건축에서조차도 조각의 특징을 갖게되었습니다. 도자기는 오귀스트 로댕 (Auguste Rodin)과 같은 예술가들에 의한 조각 판 제작에도 사용되었습니다.

아르누보 건축은 19 세기 후반에 많은 기술 혁신, 특히 건축물에 노출 된 철과 크고 불규칙한 모양의 유리 조각을 사용했습니다. 그러나 제 1 차 세계 대전이 시작됨에 따라 아르누보 디자인의 스타일이 자연스럽고 직선적 인 모더니즘에 유리하게 사용되기 시작하여 아트 데코가 된보다 명쾌한 산업 미학에 충실한 것으로 생각되었습니다.

아르누보 풍향도 현지 스타일에 흡수되었습니다. 예를 들어, 덴마크에서는 Skønvirke ( “미적 작업”)의 한 측면이었으며, 예술과 공예 스타일과 밀접하게 관련되어 있습니다. 마찬가지로, 예술가들은 폴란드의 Młoda Polska ( “젊은 폴란드”) 스타일에 아르누보의 꽃과 유기적 모티프를 많이 채택했습니다. 그러나 Młoda Polska는 다른 예술적 스타일을 포함하고 예술, 문학 및 라이프 스타일에 대한보다 폭 넓은 접근법을 포함했습니다.

그래픽 아트는 인쇄의 새로운 기술, 특히 컬러 포스터의 대량 생산이 가능한 컬러 리소그래피 덕분에 아르누보 시대에 번창했습니다. 예술은 더 이상 갤러리, 박물관 및 미용실에 국한되지 않았습니다. 그것은 파리 벽과 유럽 전역과 미국 전역에 삽화가 들어있는 예술 잡지에서 찾을 수 있습니다. 아르누보 포스터 중 가장 인기있는 테마는 여성이었습니다. 매력적인, 현대성과 아름다움, 종종 꽃으로 둘러싸인 상징하는 여성.

영국에서는 아르누보 스타일의 그래픽 아티스트 인 오브리 비어 즐리 (Aubrey Beardsley, 1872-1898)가있다. 그는 Le Morte d’ Arthur에 대한 삽화의 삽화로 시작했으며, Oscar Wilde (1893)의 Salome에 대한 흑백 삽화로 명성을 얻었습니다. 같은 해에 영국의 Fernand Khnopff와 같은 유럽의 예술가를 알리는 데 도움을 준 예술 잡지 The Studio의 삽화와 포스터를 조각하기 시작했습니다. 커브 선과 복잡한 꽃 무늬가 텍스트만큼 많은 관심을 끌었습니다.

스위스 – 프랑스 예술가 Eugène Grasset (1845-1917)은 프랑스 아르누보 포스터의 첫 번째 제작자 중 한 명입니다. 그는 1885 년에 유명한 캬바레 Le Chat noir를 장식하는 것을 도왔으며 Fêtes de Paris에서 첫 번째 포스터를 만들었습니다. 그는 1890 년 Sarah Bernhardt의 유명한 포스터를 만들었고 다양한 삽화를 삽니다. 예술가 디자이너 쥘 샤레 (Jules Chéret), 조르주 드 페레 (Georges de Feure), 화가 헨리 드 툴루즈 로트 렉 (Henri de Toulouse-Lautrec)은 모두 파리 극장, 카페, 댄스홀 카바레에서 포스터를 만들었습니다. 체코의 예술가 인 Alphonse Mucha (1860-1939)는 1888 년 파리에 도착했으며 1895 년에는 Victorien Sardou의 Gismonda 여배우 Sarah Bernhardt의 포스터를 만들었습니다.이 포스터의 성공으로 6 개의 연극 포스터 제작 계약이 체결되었습니다 Bernhardt. 다음 4 년 동안 그는 여배우를위한 세트, 의상, 보석까지도 디자인했습니다. 그의 극장 포스터의 성공을 바탕으로 Mucha는 담배와 비누에서부터 맥주 비스킷에 이르기까지 다양한 제품에 대한 포스터를 만들었는데, 모두 모래 시계 그림이있는 이상적인 여성 인물을 특징으로합니다. 그는 보석에서부터 비스킷 상자에 이르기까지 독특한 스타일로 제품을 디자인했습니다.

비엔나에서 가장 많은 그래픽과 포스터 디자이너는 Gustav Klimt와 Josef Hoffmann과 함께 탈퇴 운동에 적극적으로 참여한 Koloman Moser (1868-1918) 였고, 운동 잡지 Ver Sacrum의 삽화와 표지를 만들었습니다. 회화, 가구 및 장식으로 잘.

그림
대부분의 아르누보 화가들이 다른 예술 운동, 특히 프랑스의 나비 (Nabis)와 프랑스와 오스트리아의 상징주의 자들과 관련되어 있었지만, 회화는 아르누보의 또 다른 중요한 영역이었다. 1892 년 Siegfried Bing은 Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton 및 Maurice Denis 등 7 명의 화가가 등장하는 파리 전시회를 개최했습니다. 그의 Maison de l’ Art Nouveau는 Georges Seurat, Paul Signac 및 Henri de Toulouse-Lautrec의 그림을 전시했습니다. Eugène Grasset, Koloman Moser, Gustav Klimt은 아방가르드와 아르 누보에서 편안하게 움직였습니다. 벨기에의 Fernand Khnopff는 그림과 그래픽 디자인 분야에서 모두 일했습니다. 구스타브 클림트 (Gustav Klimt)의 그림은 Palais Stoclet의 조세프 호프만 (Josef Hoffmann)의 장식 구성의 필수적인 부분이었습니다. 이시기의 상징 주의자와 아르누보 화가의 공통된 주제는 여성의 양식화 된 묘사였습니다. 인기있는 주제는 프랑스와 오스트리아의 화가와 포스터 예술가가 그린 미국의 댄서 인 Loie Fuller입니다.

유리 예술
유리 예술은 아르누보가 새롭고 다양한 표현 방식을 찾은 매개체였습니다. 특히 프랑스에서는 투명하고 불투명 한 새로운 효과를 찾기 위해 엄청난 양의 실험이 계속 진행되었습니다. 조각 작업에서는 카메오, 이중 레이어 및 산 조각 작업을 연속으로 수행 할 수있는 기법을 사용했습니다. 낸시 (Nancy)시는 프랑스 유리 산업의 중요한 중심지가되었으며, 오귀스트 (Auguste)와 안토닌 다음 (Antonin Daum)이 이끄는 Emile Gallé와 다음 스튜디오의 워크샵이 이곳에있었습니다. 그들은 Ernest Bussière, Henri Bergé 및 Amalric Walter 등 많은 유명 디자이너와 함께 작업했습니다. 그들은 다른 색 유리 조각을 미완성 조각에 눌러서 유리를 묻히는 새로운 방법을 개발했습니다. 그들은 종종 가구 디자이너 인 Louis Majorelle과 공동 작업을했는데, 그의 집과 워크샵은 낸시에있었습니다. 아르누보의 또 다른 특징은 낸시의 아르 누보 (Art Nouveau) 주택과 같은 주거용 살롱에서 그 스타일의 꽃 테마로 스테인드 글라스 창문을 사용하는 것입니다. 많은 것은 Jacques Gruber의 일로 Villa Majorelle 및 다른 주택을위한 창문을 만들었습니다.

벨기에의 선도적 인 회사는 발 세인트 램버트 (Val Saint Lambert)의 유리 공장으로, 유기 및 꽃 모양의 화병을 만들었으며, 그 중 대부분은 Philippe Wolfers가 디자인했습니다. Wolfers는 특히 금속 장식이 부착 된 상징주의 유리 작품을 제작할 때 특히 유명했습니다. 보헤미아에서는 오스트리아 – 헝가리 제국의 지역에서 크리스탈 제조를 언급했으며 Lobmeyr과 Loetz-Witwe도 새로운 색칠 기법을 실험하여 더욱 생생하고 풍부한 색상을 만들었습니다. 독일에서는 칼 pping핑 (Karl Köpping)이 실험을 주도했습니다. 칼 pping핑 (Karl Köpping)은 날아가는 유리로 꽃의 형태로 매우 섬세한 안경을 만들었습니다. 너무 섬세하고 오늘날 살아남은 사람은 거의 없습니다.

비엔나에서 탈퇴 운동의 유리 디자인은 프랑스 나 벨기에보다 유리하다. Otto Prutscher는 운동의 가장 엄격한 유리 디자이너였습니다.

영국에서는 마가렛 맥도널드 매킨토시 (Margaret Macdonald Mackintosh)가 “예술 애호가의 집 (House of an Art Lover)”이라는 건축물 전시를 위해 많은 꽃 무늬 스테인드 글라스 디자인을 만들었습니다.

미국에서는 루이 컴포트 티파니와 그의 디자이너가 특히 램프로 유명해졌습니다.이 램프의 유리 음영은 일반적인 꽃 테마를 복잡하게 결합하여 사용했습니다. 티파니 램프는 1893 년 시카고에서 열린 콜럼버스 세계 박람회 (World Columbian Exposition)에서 인기를 얻었습니다. 티파니 (Tiffany)는 비잔틴 양식의 교회에서 램프를 전시했습니다. 티파니는 유리를 착색하는 과정을 광범위하게 실험했으며, 1894 년에 금속 산화물을 사용하여 용융 유리의 내부를 채색하여 무지개 빛 효과를주는 공정 Favrile 유리를 특허했습니다. 그의 워크샵은 스테인드 글라스 창문, 스크린, 화병 및 다양한 장식 개체와 함께 다양한 꽃 무늬 디자인의 티파니 램프 시리즈를 제작했습니다. 그의 작품은 Siegfried Bing에 의해 독일, 프랑스, ​​그리고 1900 년 박람회의 장식 감각 중 하나가되었습니다. Tiffany의 미국 라이벌 인 Steuben Glass는 1903 년 뉴욕의 Corning에서 Frederick Carder에 의해 설립되었습니다. Frederick Carder는 Tiffany처럼 Fevrile 프로세스를 사용하여 무지개 빛깔의 색상으로 표면을 만듭니다. 또 다른 유명한 미국 유리 예술가는 존 라 파지 (John La Farge)였습니다. 존 라 파지 (John La Farge)는 종교적이고 순수한 장식 테마로 복잡하고 화려한 스테인드 글라스 창문을 만들었습니다.

금속 예술
19 세기 건축 이론가 인 Viollet-le-Duc은 현대 건축물의 철골 틀을 은폐하기보다는 전시를지지했지만 Art Nouveau 건축가 인 Victor Horta와 Hector Guimard는 한발 더 나아갔습니다. 그들은 꽃과 식물에 영감을 받아 곡선에 철 장식을 더했습니다 건물의 내부와 외부 모두에서 형성됩니다. 그들은 내부의 계단 난간 형태, 조명기구 및 기타 내부 세부 사항, 외부의 발코니 및 기타 장식품의 형태를 취했습니다. 이것들은 아르누보 건축의 가장 독특한 특징 중 일부가되었습니다. 식물 모양에 금속 장식을 사용하면 곧은 제품, 램프 및 기타 장식 용품에도 나타납니다.

미국에서는 디자이너 George Grant Elmslie가 시카고 건축가 루이 설리반 (Louis Sullivan) 건물의 난간 및 기타 실내 장식을 위해 극도로 복잡한 주철 디자인을 만들었습니다.

프랑스와 미국의 디자이너가 꽃과 식물성 양식을 사용하는 동안, Joseph Maria Olbrich와 다른 Secession 예술가들은 찻 주전자와 다른 금속 물체를보다 기하학적이고 차분한 스타일로 디자인했습니다.

보석류
아르누보는 부드럽고 곡선이있는 모양과 선들로 특징 지어지며 일반적으로 꽃, 새 및 다른 동물과 같은 자연스러운 디자인을 특징으로합니다. 여성의 몸은 인기있는 테마이며 다양한 보석류, 특히 카메오에 등장합니다. 종종 긴 목걸이는 진주로 만들어졌으며 유리 구슬로 장식되거나 실버 또는 골드 펜던트로 끝나는 스털링 실버 체인으로 자주 자수정, 페리도트 또는 황수정으로 장식 된 보석으로 장식되었습니다.

아르누보 시대는 보석 산업에 주목할만한 문체 혁명을 일으켰는데, 주로 파리의 주요 기업들이 주도했습니다. 지난 2 세기 동안 고급 보석에 대한 강조는 다이아몬드에 대한 극적인 환경을 조성해 왔습니다. 아르 누보 (Art Nouveau) 통치 기간 동안 다이아몬드는 일반적으로 지원 역할을 수행했습니다. 주얼리는 마노, 가닛 오팔, 월장석, 아쿠아 마린 및 기타 반 귀석을 비롯한 다양한 다른 돌과 에나멜 링 및 신제품, 호른, 몰딩 된 유리 및 다양한 신기술을 실험했습니다. 상아.

Art Nouveau 스타일의 초기 파리 보석상에는 Louis Yucoc의 가족 보석 회사 인 1821 년이 포함되어 있습니다. Art Nouveau 기간의 가장 유명한 디자이너 인 René Lalique는 1874 년부터 1876 년까지 Aucoc 스튜디오에서 견습을했습니다. Lalique는 그의 모델로 잠자리에서 잔디에 자연을 사용하는 아르누보 보석 및 유리의 그림. 가구 디자이너로 잘 알려진 Paul Follot과 같은 보석의 전통 세계를 벗어난 예술가는 보석 디자인을 실험했습니다. 기타 주목할만한 프랑스의 아르누보 주얼리 디자이너로는 줄스 브라 토 (Jules Brateau)와 조르쥬 헨리 (Georges Henry)가 있습니다. 미국에서 가장 유명한 디자이너는 Siegfried Bing 매장과 1900 파리 박람회에 출품 된 Louis Comfort Tiffany입니다.

영국에서 가장 유명한 인물은 Liberty & Co.의 Archibald Knox 디자이너 였는데 그는은 벨트 버클을 비롯하여 다양한 아르누보 작품을 만들었습니다. C. R. Ashbee는 펜던트를 공작 형태로 디자인했습니다. 다목적 글래스고 디자이너 찰스 레니 맥킨토시 (Charles Rennie Mackintosh)도 전통적인 켈트 심볼을 사용하여 보석을 만들었습니다. 독일에서는 유진 스틸 주얼리 센터가 테오도르 파르너 (Teodor Fahrner)를 포함한 대부분의 독일 회사가 소재한 포르 츠 하임 (Pforzheim) 시가되었습니다. 그들은 새로운 스타일에 대한 요구를 충족시키기 위해 신속하게 작품을 제작했습니다.

건축물
아르누보 건축은 19 세기 후반에 유럽 건축을 지배했던 절충주의 스타일에 대한 반발이었다. 장식을 통해 표현되었습니다. 건물은 꽃, 식물 또는 동물을 기반으로하는 커브 형태의 장식품, 즉 나비, 공작새, 백조, 홍채, 시클라멘, 난초 및 수련으로 덮여있었습니다. Façade는 비대칭이며, 종종 다색 세라믹 타일로 장식되었습니다. 장식은 보통 움직임을 제안했다. 구조와 장식 사이에는 구별이 없었다.

스타일은 브뤼셀의 Hôtel Tassel (1894)과 Victor Horta의 Hôtel Solvay (1900)에서 처음 나타났습니다. Hôtel Tassel은 그의 첫 번째 주요 작품 인 Castel Béranger (1897 ~ 98)에서 동일한 스타일을 사용하는 Hector Guimard가 방문했습니다. 이 모든 주택에서 건축가는 문 손잡이와 카펫에 이르기까지 가구와 실내 장식을 디자인했습니다. 1899 년 Castel Béranger의 명성에 입각하여 Guimard는 1900 년에 개장 한 파리 메트로 (Paris Métro)의 역 입구를 설계하는 위임장을 받았다. 원래의 생필품은 거의 없었지만 이것들은 아르누보 운동의 상징이되었다. 파리에서.

파리에서 건축 스타일은 또한 나폴레옹 3 세의지도 아래 조르쥬 – 유진 오스만 (Jorges-Eugène Haussmann)에 의해 건물 외벽을 짓는 엄격한 규정에 대한 반발을 불러 일으켰습니다. 1903 년에 뱃머리 창문이 마침내 허용되었으며, 아르누보 건축가는 정반대의 극단으로갔습니다. 쥘 라비롯테 (Jules Lavirotte)의 집에서 가장 두드러졌습니다. Art Nouveau의 중요 인근 주택은 프랑스의 낸시 (Nancy)시에서 가구 디자이너 Louis Majorelle의 거주지 인 Villa Majorelle (1901-02) 주변에 나타났습니다. Henri Sauvage가 Majorelle의 가구 디자인 쇼케이스로 디자인했습니다.

건축 양식은 벨기에와 프랑스에서 독일, 스위스, 이탈리아, 스페인 및 유럽의 나머지 지역으로 퍼져 나갔고 각 나라마다 다른 이름과 성격을 지니고있었습니다. 그것은 1910 년에 절정에 이르렀고 제 1 차 세계 대전의 시작에 의해 사실상 완성되었습니다. 새로운 스타일의 아트 데코가 자리를 잡았습니다.

가구
Art Nouveau 시대의 가구 디자인은 건축가가 종종 가구, 카페트, 전등, 문 손잡이 및 기타 장식 세부 사항을 디자인 한 건물의 건축과 밀접하게 관련되어있었습니다. 가구는 종종 복잡하고 값 비쌌습니다. 일반적으로 연마 또는 광택 처리가 된 훌륭한 마감재는 필수적인 것으로 간주되었으며, 대륙 디자인은 일반적으로 매우 복잡하고 비용이 많이 드는 모양을 휘었습니다. 또한 집 소유자가 가구를 변경하거나 방의 전체 효과를 방해하지 않으면 서 다른 스타일로 조각을 추가 할 수 없다는 단점이있었습니다. 이런 이유로 아르누보 건축 양식이 바뀌었을 때 가구 스타일 또한 크게 사라졌습니다.

프랑스에서는 가구 디자인 및 제조 센터가 낸시 (Nancy)에 있었는데 두 명의 주요 디자이너 인 Éile Gallé와 Louis Majorelle은 스튜디오와 워크샵을 운영했으며 얼라이언스 산업 예술 학교 (나중에는 낸시 스쿨)가 설립되었습니다 두 디자이너는 Art Nouveau 디자인에서 인기있는 주제 인 잠자리와 같은 꽃과 곤충을 포함하여 자연에서 가져온 형태의 구조와 장식을 기반으로합니다. 갈레 (Gallé)는 특히 경치 나 시적인 주제의 형태로 상례를 상상 한 것으로 유명합니다. Majorelle은 이국적이고 값 비싼 숲을 사용하고 식물상에 조각 된 청동을 가구 조각에 부착 한 것으로 유명합니다. 두 디자이너 모두 제조 첫 단계에서 기계를 사용했지만 모든 조각은 손으로 완성되었습니다. 낸시 학교의 다른 유명한 가구 디자이너에는 유진 발린 (Eugène Vallin)과 Émile André (Émile André)가 포함되어 있습니다. 둘 다 교육을받은 건축가 였고 호르타 (Horta)와 반 데 벨벳 (Van de Velde)과 같은 벨기에 디자이너의 가구를 닮은 가구를 디자인했습니다.이 가구는 장식이 적고 곡선을 그리는 식물과 꽃을 더 가깝게 따라갔습니다. 다른 주목할만한 프랑스 디자이너로는 Henri Bellery-Desfontaines가 있으며, 이들은 Viollet-le-Duc의 네오 고딕 스타일에서 영감을 얻었습니다. Georges de Feure, Eugène Gaillard, 그리고 예술가 Siegfried Bing과 함께 새로운 테마로 프랑스 가구 산업을 활성화하기 위해 함께 일한 Édouard Colonna. 그들의 작업은 “추상적 인 자연주의”, 직선과 곡선의 결합, 그리고 로코코 영향으로 잘 알려져 있습니다. 빙 파빌리온에서 de Feure의 가구는 1900 Paris Exposition에서 금메달을.습니다. 가장 독특하고 그림 같은 프랑스 디자이너는 훈련으로 조각가 François-Rupert Carabin이 조각 한 누드 여성 형태와 상징적 인 동물, 특히 아르누보의 요소와 상징주의를 결합한 상징적 인 동물을 특징으로했습니다. 다른 영향력있는 파리 가구 디자이너들은 Charles Plumet과 Alexandre Charpentier였다. 많은면에서 고전 프랑스어 18 세기 로코코 가구의 오래된 어휘와 기법이 새로운 스타일로 재 해석되었습니다.

벨기에의 Art Nouveau 운동의 선구자 인 Victor Horta와 Henry van de Velde는 활발한 커브 선과 최소한의 장식을 사용하여 집을위한 가구를 디자인했습니다. 벨기에의 디자이너 인 Gustave Serrurier-Bovy는 커브 형식의 황동 스트립을 적용하여 더 많은 장식을 추가했습니다. 네덜란드에서는 Nieuwe Kunst 또는 New Art라고 불리는 스타일이 H.P. Berlag, Lion Cachet, Theodor Nieuwenhuis는 영국 예술과 공예 운동의 기하학적 인 합리적인 형태의 과정을 따랐습니다.

영국에서는 Charles Rennie Mackintosh의 가구가 긴 직선과 직각, 장식이 최소한 인 까다로운 기하학적 모양을 가진 순수 예술 및 공예품이었습니다. 콘티넨탈 디자인은 조각의 기본 모양과 적용된 장식 모티프에서 곡선 모양을 사용하여 훨씬 더 정교했습니다. 독일에서는 Peter Behrens와 Jugendstil의 가구가 기하학적 인 직선과 약간의 장식이 표면에 붙어있어 크게 합리주의 자였다. 그들의 목표는 정확히 프랑스 아르누보와 반대였다. 저렴하고 쉽게 대량 생산 될 수있는 가구의 구조 단순성 및 재료의 단순성. Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich, Koloman Moser가 주도한 비엔나 Winerstätte의 디자이너 가구에도 마찬가지였습니다. 가구는 기하학적이었고 최소한의 장식을 가졌지 만 스타일에서는 종종 국가 역사적 전례, 특히 Biedemeier 스타일을 따랐습니다.

이탈리아와 스페인의 가구 디자인은 그들 만의 방향으로 나아갔습니다. 이탈리아의 카를로 부가 티 (Carlo Bugatti)는 1902 년 토리노 국제 박람회에서 페인트 양피지와 구리로 덮인 특별한 달팽이 의자를 디자인했습니다. 스페인에서는 Antoni Gaudi와 Modernismo 운동의 주도로 가구 디자이너 Gaspar Homar가 영감을 얻어 디자인했습니다 카탈루냐의 역사적인 스타일의 감동과 자연스러운 형태.

미국의 가구 디자인은 Art and Crafts 운동이나 역사적인 미국 모델에 의해 아르누보보다 더 자주 영감을 받았습니다. 아르누보 테마를 선보인 한 디자이너는 미국 화이트 오크 가구 디자인이 켈트 아트와 고딕 아트의 모티프에 영향을 받았으며 뉴욕의 버팔로 (Buffalo)에있는 찰스 로힐 스 (Charles Rohlfs)가 금속 타일로 장식 된 아르누보를 만져 보았습니다.

도예
19 세기의 마지막 부분은 도자기 제조에서 많은 기술 혁신, 특히 결정화 된 무광택 유약을 사용한 고온 도자기 (웅장한 feu) 도자기의 개발을 보았습니다. 동시에, 옥스포드 유약과 같은 몇 가지 잃어버린 기술이 재발견되었습니다. 아르누보 도자기는 또한 전통과 현대의 일본과 중국 도자기의 영향을 받았으며 식물과 꽃 모티브가 아르누보 스타일에 잘 어울립니다. 프랑스에서는 예술가들도 전통적인 그레 방법을 재발견하여 새로운 주제로 재발 명했습니다. 도자기는 또한 건축에서 중요한 새로운 용도를 발견했습니다. Art Nouveau 건축가, Jules Lavirotte 및 Hector Guimard가 건물 중 벽면을 장식하기 시작했습니다. 그 중 대부분은 Alexandre Bigot의 회사에서 제작 한 것으로서 Art Nouveau 조각 모양. 아르누보 도자기에서는 조각과 건축의 영역으로 빠르게 이동했습니다.

개척자 인 프랑스의 아르누보 도예가 중 한 명은 어니스트 채플 (Ernest Chaplet)이었습니다. 도넬프에서 30 년의 경력을 쌓았습니다. 그는 일본과 중국의 프로토 타입에 영향을받은 석기 생산을 시작했습니다. 1886 년부터 화가 인 Paul Gauguin과 함께 석기 디자인에 적용된 인물, 다중 핸들, 페인팅 및 부분 유약 처리, 조각가 Félix Bracquemond, Jules Dalou 및 Auguste Rodin과 공동 작업을 수행했습니다. 그의 작품은 1900 년 박람회에서 찬사를 받았다.

주요 국가 도자기 회사는 1900 년 파리 박람회 (Paris Exposition)에서 중요한 자리를 차지했습니다. 독일의 Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch 및 영국의 Doulton. 다른 주요 프랑스 도예가에는 Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Edmond Lachenal, Albert Dammouse (fr) 및 Auguste Delaherche가 포함되었습니다.

프랑스에서는 Art Nouveau 도자기가 때때로 조각품으로 넘어갔습니다. Sagvres Manufacture nationale de Sèvres를 위해 제작 된 Agathon Léonard의 스카프가 달린 도자기 입상가 인 Dancer는 1900 Paris Exposition에서 두 부문 모두에서 수상의 영예를 안았습니다.

헝가리의 페 체스 (Pécs)에있는 졸 솔레 (Zsoln) 공장은 1853 년 Miklós Zsolnay (1800-1880)와 그의 아들 Vilmos Zsolnay (1828-1900)가 Tadec Sikorski (1852-1940)의 수석 디자이너와 함께 석기 및 기타 도자기를 생산하기 위해 지휘했습니다. 1893 년에, Zsolnay는 eosin으로 만든 도자기 조각을 도입했습니다. 그는 1873 년 세계 박람회 (Vienna), 1878 년 세계 박람회 (Zsolnay)에서 그랑프리 (Grand Prix)를 수상한 세계 박람회 및 국제 전시회에서 혁신적인 제품을 선보임으로써 공장을 세계적으로 인정 받았습니다. 프로스트 저항 Zsolnay 건물 장식은 특히 아르 누보 (Art Nouveau) 운동 중에 수많은 건물에서 사용되었습니다.

섬유 및 벽지
섬유 및 월페이퍼는 스타일 시작부터 아르누보의 중요한 매개체였으며 아르누보 인테리어 디자인의 필수 요소였습니다. 영국에서는 텍스타일 디자인 oWilliam Morris가 Art and Crafts Movement를 시작한 다음 Art Nouveau를 시작하는 데 도움을주었습니다. 유럽 ​​전역의 스타일을 대중화 한 런던의 리버티 백화점을 위해 많은 디자인이 만들어졌습니다. 그러한 디자이너 중 한 명은 화려한 스타일의 플로랄 패턴을 제공 한 Silver Studio를 사용했습니다. 다른 독특한 디자인은 Glasgow School과 Margaret Macdonald Mackintosh에서 나왔습니다. 글래스고 학교에서는 양식에 의한 달걀, 기하학 형태, “로즈 오브 글래스고”와 같은 몇 가지 독특한 모티프를 소개했습니다.

프랑스에서는 디자이너 Eugène Grasset이 큰 공헌을했으며, 1896 년에 La Plante et al은 장식용 장식품을 사용하여 다른 꽃과 식물을 기반으로 한 아르누보 디자인을 제안했습니다. 많은 패턴이 독일 및 벨기에 워크샵을 통해 뮐 루즈, 릴 및 리용의 주요 프랑스 섬유 제조업체를 위해 설계 및 제작되었습니다. 독일인 헤르만 오브리스트 (Hermann Obrist)는 플로랄 패턴, 특히 시클라멘 (cyclamen)과 꽃 줄기를 기반으로 한 “채찍 끈”스타일을 전문으로하며 스타일의 주요 모티브가되었습니다. 벨기에 Henry van de Velde는 Paul Gauguin과 Nabis의 상징주의에서 영감을 얻은 Brussels의 Salon La Libre Esthéique에서 섬유 작업 La Veillée d’ Anges를 발표했습니다. 네덜란드에서는 섬유가 종종 동인도의 네덜란드 식민지에서 바틱 패턴에 영감을 받았습니다. 민속 예술은 또한 노르웨이의 Gerhard Munthe와 Frida Hansen의 작업에서 중부 유럽과 스칸디나비아의 태피스트리, 카펫, 자수 및 직물 제작에 영감을주었습니다. Otto Eckmann의 Five Swans 디자인은 100 가지가 넘는 다른 버전으로 나왔습니다. 헝가리 디자이너 야노 스 바 자리 (Janos Vaszary)는 아르누보 (Art Nouveau) 요소와 민속적 주제를 결합했습니다.