데코라고도하는 아르 데코는 1 차 대전 직전에 프랑스에서 최초로 등장한 시각 예술, 건축 및 디자인 스타일입니다. 아트 데코는 건물, 가구, 보석, 패션, 자동차, 영화관, 기차 디자인에 영향을 미쳤습니다. , 해양 라이너 및 라디오 및 진공 청소기와 같은 일상 물체가 포함됩니다. 1925 년 파리에서 개최 된 Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (국제 장식 현대 예술 전시회)에서 예술 데코 라티프 (Art Décoratifs)의 약자로 불리는이 이름은 모더니스트 스타일을 훌륭한 장인 정신과 풍부한 재료로 결합했습니다. 전성기 동안, 아르 데코는 사치, 매력, 열정, 사회 및 기술 진보에 대한 신념을 나타 냈습니다.

아르 데코는 여러 가지 스타일의 조각 술이었고 때로는 모순이었고 현대적인 욕망으로 단합되었습니다. 처음부터 아르 데코는 대담한 기하학적 형태의 큐비즘에 영향을 받았다. Fauvism과 Ballets Russes의 밝은 색; 루이 필립 (Louis Philippe)과 루이 16 세 (Louis XVI) 시대의 가구에 대한 업데이트 된 장인 정신. 중국, 일본, 인도, 페르시아, 고대 이집트 및 마야 예술의 이국적인 스타일. 그것은 흑단과 상아와 같은 희귀하고 값 비싼 재료와 절묘한 장인 정신을 특징으로했습니다. 크라이슬러 빌딩과 1920 년대와 1930 년대에 지어진 뉴욕의 다른 고층 빌딩들은 아르 데코 양식의 기념물입니다.

그림:
1925 박람회에서 회화를 위해 별도의 섹션이 마련되어 있지 않았습니다. 아트 데코 페인팅은 정의에 따라 장식이나 방이나 건축 작품을 꾸미기 위해 설계되었으므로이 스타일에서는 독창적으로 작업 한 화가는 거의 없었지만 두 명의 화가는 아트 데코와 밀접하게 관련되어 있습니다. Jean Dupas는 파리의 1925 년 장식 예술 박람회에서 보르도 전시관의 아르 데코 벽화를 페인트하고 1925 년 박람회의 Maison de la Collectioneur 전시의 벽난로 위에 그림을 그렸다. Ruhlmann 및 다른 유명한 아르 데코 디자이너 . 그의 벽화는 또한 프랑스 바다 라이너 SS Normandie의 장식에서 두드러졌습니다. 그의 작품은 완전히 다른 장식 요소들에 대한 배경이나 반주로 디자인 된 순수한 장식품이었습니다. 스타일과 밀접하게 연관된 다른 화가는 Tamara de Lempicka입니다. 폴란드 귀족 가정에서 태어난 그녀는 러시아 혁명 이후 파리로 이주했습니다. 거기에서 그녀는 Les Nabis와 Cubist André Lhote라는 운동가의 Maurice Denis 학생이되었고 그들의 스타일에서 많은 요소를 빌렸다. 그녀는 거의 독점적으로 현실적이고 역동적이며 다채로운 아르 데코 스타일의 인물 사진을 그렸습니다.

1930 년대에는 극적으로 새로운 형태의 아트 데코 페인팅이 미국에서 나타났습니다. 대공황이 진행되는 동안 연방 예술 프로젝트 진행 관리국 (Federal Art Project of the Progress Administration)은 실업자 예술가들에게 일자리를 제공하기 위해 창안되었습니다. 많은 사람들이 정부 건물, 병원 및 학교를 꾸미는 임무를 부여 받았다. 벽화에는 특정 아르 데코 양식이 사용되지 않았습니다. 정부 청사에서 벽화를 그리는 데 종사하는 예술가는 미국 지역주의에서 사회 현실주의에 이르기까지 다양한 학교에서 왔습니다. 그들은 Reginald 습지, Rockwell 켄트 및 멕시코 화가 Diego Rivera를 포함했다. 벽화는 아르 데코 장식품 이었기 때문에 페인트 칠 된 건물이나 도시의 활동과 관련이있었습니다. Reginald Marsh와 Rockwell Kent는 모두 미국 우편 건물을 장식했으며 직장에서는 우편 직원을 보여 주었고 Diego Rivera는 자동차 공장 노동자를 묘사했습니다. 디트로이트 예술 학교. 디에고 리베라 (Diego Rivera)의 록펠러 센터 (Rockefeller Center)를위한 벽화 “American Progress”는 레닌 (Lenin)의 무단 초상을 선보였다. 리베라가 레닌을 제거하기를 거부하자, 그 그림은 파괴되었고, 스페인 예술가 인 조셉 마리아 서트 (Josep Maria Sert)는 새로운 벽화를 그렸다.

조각:
아트 데코 시대의 대부분의 조각품은 이름에서 알 수 있듯이 순전히 장식적인 장식품이었습니다. 그것은 박물관을 위해서가 아니라 사무실 건물, 정부 청사, 공공 광장, 사립 미용실을 장식하기 위해 디자인되었습니다. 거의 항상 대표적이었으며 대개 건물의 목적과 관련된 영웅적 또는 우화적인 인물이었습니다. 테마는 일반적으로 후원자에 의해 선택되었고 장식을위한 추상적 인 조각은 극히 드문 경우였습니다. 그것은 건물의 정면, 특히 현관 너머에 자주 부착되었습니다.

앙 뜨완 부르 델 (Antoine Bourdelle)의 무용과 음악의 우화적인 조각품은 1912 년 파리의 샹젤리제 (Champé-Elysées)라는 파리의 초기 아르 데코 랜드 마크의 필수적인 장식 요소였습니다. 조각가 인 아리스티드 마이 올 (Aristide Maillol)은 그의 동상에 대한 고전적 이상을 재발 명했습니다 (1939), 뉴욕 현대 미술관 (Museum of Modern Art). 1930 년대에는 한 조각의 팀이 1937 년 Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne Chaillot에서 조각품을 만들었습니다. 박람회의 건물은 낮은 구호 조각, 동상으로 덮여있었습니다. Alfred Janniot는 Palais de Tokyo의 외관에서 구호 조각품을 만들었습니다. 파리 현대 미술관 (Paris City Museum of Modern Art)과 에펠 탑 (Eiffel Tower)을 마주보고있는 샤이 요르 궁전 (Palais de Chaillot) 앞의 에스 플라나 데 (Esplanade)는 Charles Malfray, Henry Arnold 및 기타 많은 사람들이 모여 들었습니다.

미국에서는 파리의 에콜 데 보졸레에서 훈련받은 많은 유럽 조각가들이 일하기 시작했습니다. 그들은 Gutzon Borglum, 산 Rushmore 링컨 기념탑의 조각가를 포함했다. Harriet Whitney Frishmuth를 포함한 다른 미국 조각가들은 파리 오귀스트 로댕 (Auguste Rodin)과 함께 공부했습니다. 1929 년 주식 시장의 충돌로 기념비적 인 조각품 시장이 크게 파괴되었지만 하나의 거대한 프로젝트가 남아있었습니다. 새로운 록펠러 센터. 미국 조각가 인 Lee Lawrie와 Paul Manship은 외관과 광장을위한 영웅적인 비 유적 인물을 디자인했습니다. 샌프란시스코에서 Ralph Stackpole은 새로운 샌프란시스코 증권 거래소 건물의 외관을위한 조각품을 제공했습니다.

가장 잘 알려져 있고 가장 큰 아트 데코 조각품 중 하나는 1922 년과 1931 년 사이에 완성 된 프랑스 조각가 인 폴 랜도 스키 (Paul Landowski)의 그리스도 구속자입니다. 브라질의 리오 데 자네이루가 내려다 보이는 산 정상에 있습니다. François Pompon은 현대 양식화 된 조각품의 선구자였습니다. 그는 1922 년 Salon d’ Automne에서 67 세의 나이에 파리에서 Musée d’ Orsay에서 현재 White Bear로 알려진 Ours blanc으로 일하면서 그의 예술적 업적으로 완전히 인정받지 못했습니다.

많은 초기 아르 데코 조형물은 살롱을 장식하기 위해 작았습니다. 이 조각의 한 장르는 금과 상아로 만들어진 고대 그리스 사원 동상의 이름을 따서 명명 된 크라이시판틴 조상이라고 불 렸습니다. 가장 잘 알려진 아르 데코 살롱 조각가 중 한 명은 루마니아 태생의 데메 레르 치 파루 스 (Demétre Chiparus)였습니다. 그는 데카르트의 색채가 다양한 작은 조각품을 제작했습니다. 다른 주목할만한 살롱 조각가로는 Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol 및 Gustav Schmidtcassel이 있습니다.

이보다 많은 신고전주의 풍 조각가들과 나란히, 파리와 뉴욕에서는 더 전위적이고 추상적 인 조각가들이 일하고있었습니다. 가장 두드러진 것은 Constantin Brâncuşi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joel Martel, Chana Orloff 및 Pablo Gargallo였습니다.

그래픽 아트:
아트 데코 양식은 1 차 세계 대전 직전 그래픽 아트의 초기에 등장했습니다. 파리에서 포스터와 발레 쥐스 (Lelets Bakst)의 의상 디자인, 패션 디자이너 Paul Poiret의 카탈로그에 등장했습니다. Georges Barbier와 Georges Lepape의 삽화와 패션 잡지 La Gazette du bon 톤의 이미지는 스타일의 우아함과 관능미를 완벽하게 표현했습니다. 1920 년대에는 모양이 바뀌 었습니다. 스트레스를받는 패션은 캐주얼하고, 낚시를 좋아하며 대담하며, 여성 모델은 보통 담배를 피웠다. Vogue, Vanity Fair 및 Harper ‘s Bazaar와 같은 미국의 패션 잡지는 새로운 스타일을 신속하게 채택하여 미국에서 널리 보급되었습니다. 또한 Rockwell Kent와 같은 미국의 도서 삽화가들의 작품에 영향을주었습니다. 독일에서 가장 유명한 포스터 작가 중 한 명인 루드비히 호일 웨인 (Ludwig Hohlwein)이 나치당을 위해 음악 축제와 맥주, 그리고 그의 경력 후반에 화려하고 극적인 포스터를 만들었습니다.

아르 누보 (Art Nouveau) 기간 동안 포스터는 대개 연극 제품 또는 카바레를 광고했습니다. 1920 년대에 증기선과 항공사 용으로 제작 된 여행 포스터가 인기를 얻었습니다. 스타일은 광고되는 제품에 집중하기 위해 1920 년대에 두드러지게 변경되었습니다. 이미지는 더 단순 해지고 정확하며 선형적이고 역동적이었고 종종 단일 컬러 배경에 배치되었습니다. 프랑스의 인기있는 아트 데코 디자이너 Charles Loupot과 Paul Colin이 미국 가수 겸 댄서 Josephine Baker의 포스터로 유명해졌습니다. Jean Carlu는 Charlie Chaplin 영화, 비누 및 극장 용 포스터를 디자인했습니다. 1930 년대 후반 그는 미국으로 이주하여 제 1 차 세계 대전 중에 전쟁 생산을 장려하는 포스터를 디자인했습니다. 디자이너 Charles Gesmar는 가수 Mistinguett와 Air France의 유명한 포스터를 만들었습니다. 가장 잘 알려진 프랑스의 아트 데코 포스터 디자이너 중 한 명인 카산드르 (Cassandre)는 1935 년에 바다 표범 SS Normandie의 유명한 포스터를 만들었습니다.

1930 년대 대공황 당시 미국에는 새로운 장르의 포스터가 등장했습니다. Federal Art Project는 미국 예술가를 고용하여 관광 및 문화 행사를 홍보하기위한 포스터를 만들었습니다.

건축물:
아르 데코의 건축 양식은 파리에서 1903 년에서 2004 년까지 파리에서 두 개의 아파트 건물을 건설했으며, 하나는 오거 페레 (Trétaigne) 거리에, 다른 하나는 앙리 소비 바게 (Benjamin Franklin)에 배치되었습니다. 두 젊은 건축가는 파리 주거용 건물에서 철근 콘크리트를 처음으로 사용했습니다. 새로운 건물에는 정면에 깨끗한 선, 직사각형 형태 및 장식물이 없었습니다. 그들은 아르누보 스타일로 깨끗한 휴식을 선사했다. 1910 년부터 1913 년까지 Perret은 구체적인 아파트 건물에서 자신의 경험을 활용하여 몽테뉴 (Montaigne) 15 번가 샹젤리제 거리 (Théâtre des Champs-Élysées)를 건축했습니다. 1925 년에서 1928 년 사이 파리의 라 사마 리타 인 (La Samaritaine) 백화점의 아트 데코 파사드를 새로지었습니다.

제 1 차 세계 대전 후 강철 및 철근 콘크리트 데코 건물이 유럽과 미국 전역의 대도시에 출현하기 시작했습니다. 미국에서 스타일은 사무실 건물, 정부 건물, 영화관 및 철도역에서 가장 일반적으로 사용되었습니다. 때때로 다른 스타일과 결합되었습니다. 로스 앤젤레스 시청 (Los Angeles City Hall)은 아트 데코 (Art Deco)와 핼리 카르 나 소스 (Halicarnassus)의 고대 그리스 묘소를 기반으로 한 지붕을 결합했으며 로스 앤젤레스 (Los Angeles) 철도역은 데코 (Deco)와 스페인 선교 건축물을 결합했습니다. 아트 데코 요소는 또한 골든 게이트 브릿지의 타워와 후버 댐의 섭취 타워를 포함한 엔지니어링 프로젝트에 나타났습니다. 1920 년대와 1930 년대에는 Federalo Mariscal (멕시코)의 Mexico City에있는 Palacio de Bellas Artes (미술 궁전), 모스크바의 Mayakovskaya 지하철역, 도쿄의 National Diet Building 등을 포함한 진정한 국제 스타일이되었습니다. 와타나베 후쿠 조.

아트 데코 스타일은 육지에있는 건물에만 국한되지 않았습니다. 1935 년 최초의 항해였던 노르망디 해상 정기선 (Normandie)에는 아트 데코 (Art Deco) 디자인이 포함되어 있습니다. 식당에는 천장과 장식이 랄리 크 (Lalique)가 유리로 만든 식당이 있습니다.

영화 궁전 :
1920 년대와 1930 년대에 지어진 영화관이 아르 데코에서 가장 잘 생존 해 있습니다. 아르 데코 기간은 무성 영화의 사운드로의 전환과 일치했으며, 영화 회사는 영화를보기 위해 온 막대한 청중을 확보하기 위해 대도시의 거대한 극장을 만들었습니다. 1920 년대의 영화 궁궐은 종종 이국적인 테마를 아르 데코 스타일과 결합 시켰습니다. Grauman의 할리우드 이집트 극장 (Egyptian Theatre in Hollywood, 1922)은 이집트의 고대 무덤과 피라미드에서 영감을 얻었으며, 캘리포니아 베이커 스 필드의 Fox Theatre는 캘리포니아 선교 스타일의 탑을 아트 데코 홀에 붙여 놓았습니다. 그 중 가장 큰 것은 1932 년에 개장 한 뉴욕시의 라디오 시티 뮤직홀 (Radio City Music Hall)입니다. 원래 무대 극장으로 디자인되어 6,015 명을 수용 할 수있는 영화관으로 빠르게 변모했습니다. Donald Deskey의 실내 디자인은 유리, 알루미늄, 크롬 및 가죽으로 현실을 피할 수있는 다채로운 공간을 제공합니다. Timothy Pflueger가 제작 한 캘리포니아 오클랜드의 Paramount Theatre에는 4 층 높이의 화려한 세라믹 외관과 신사 숙녀 여러분을위한 아트 데코 흡연실이 있습니다. 비슷한 그랜드 궁전이 유럽에 나타났습니다. 1932 년 파리의 그랜드 렉스 (Grand Rex in Paris)는 유럽에서 가장 큰 영화관이었습니다. 런던의 Gaumont State Cinema (1937)에는 엠파이어 스테이트 빌딩을 모델로 한 타워가 있었으며 크림색 세라믹 타일과 아르 데코 – 이탈리아 르네상스 스타일의 인테리어로 덮여있었습니다. 중국 상하이 (1933)의 파라마운트 극장 (Paramount Theatre)은 원래 100 개의 쾌락의 문이라고 불리는 댄스홀로 지어졌습니다. 그것은 1949 년 공산주의 혁명 이후 영화관으로 개조되었으며 지금은 볼룸과 디스코입니다. 1930 년대 이탈리아 건축가들은 에마 리아 (Asmara)에있는 작은 영화 궁전 인 시네마 임페로 (Cinema Impero)를 현재 에리트레아에 건설했습니다. 오늘날 많은 영화관이 멀티 플렉스로 세분화되었지만 나머지는 복원되어 커뮤니티의 문화 센터로 사용됩니다.

현대 모범 사례 :
1930 년대 후반에 새로운 다양한 아트 데코 건축물이 보편화되었습니다. Streamline Moderne 또는 간단히 Streamline이라고 불렀습니다. 프랑스에서는 Style Paqueboat 또는 Ocean Liner 스타일이었습니다. 작풍에있는 건물에는 둥근 모서리, 긴 수평선이 있었다; 그들은 철근 콘크리트로 지어졌으며 거의 ​​항상 흰색이었다. 배에있는 것과 유사한 난간과 같은 항해 기능을 가끔 갖췄습니다. 둥근 모서리는 완전히 새로운 것은 아니었다. 1923 년 베를린에서 에리히 멘델 손 (Erich Mendelsohn)의 모세 하우스 (Mossehaus)에, 나중에는 페리 발 (Perivale)의 런던 교외에있는 산업 단지 인 후버 빌딩 (Hoover Building)에 나타났습니다. 미국에서는 교통과 밀접하게 관련되어 있습니다. 합리화의 현대화는 사무실 건물에서는 거의 발생하지 않았지만 PanAm 클리퍼를 타고 보트를 타고 첫 번째 대서양 횡단 비행을 처리 한 뉴욕시의 La Guardia 공항 터미널과 같은 버스 정류장과 공항 터미널에는 종종 사용되었습니다. 그리고 주유소와 다이너와 같은 길가 건축물에서. 1930 년대 후반에 간소화 된 철도 차량을 모델로 한 일련의 식당이 뉴 잉글랜드의 여러 마을에서 생산되고 설치되었습니다. 적어도 두 가지 예가 여전히 남아 있으며 현재 등록 된 역사적인 건물입니다.

장식 및 모티프 :
아트 데코 시대의 장식은 몇 가지 별개의 단계를 거쳤습니다. 1910 년과 1920 년 사이 아르누보가 고갈되면서 디자인 스타일은 특히 폴 이리에의 작품에서 전통으로의 회귀를 보았습니다. 1912 년 André Vera는 잡지 L’ Art Décoratif에 에세이를 발행하여 초기 세기의 장인 정신과 재료로 돌아가고 자연에서 가져온 형태의 새로운 레퍼토리, 특히 과일과 꽃 바구니와 화환을 사용했습니다. 1910 년부터 1920 년까지의 두 번째 경향 인 아르 데코 (Art Deco)는 포브스 (Fauves)라고 불리는 예술 운동의 밝은 색상과 발레 슈즈 (Ballets Russes)의 화려한 의상과 세트에 영감을 받았습니다. 이 스타일은 종종 상어 가죽, 진주 모, 상아, 착색 된 가죽, 옻칠을하고 칠한 목재 및 그 기하학을 강조한 가구의 장식용 상감과 같은 이국적인 소재로 표현되었습니다. 스타일의이 기간은 장식 예술의 1925 파리 박람회에서 그것의 높은 지점에 도달했습니다. 1920 년대 후반과 1930 년대에 새로운 스타일과 기술로 인해 장식적인 스타일이 바뀌 었습니다. 더 매끄럽고 장식이 덜되었습니다. 건축과 같은 가구는 모서리가 둥글고 모던 한 스타일로 세련되고 유선형으로 변하기 시작했습니다. 크롬 도금 강철, 알루미늄 및 베이크 라이트 (초기 형태의 플라스틱)와 같은 새로운 재료가 가구 및 장식품에 등장하기 시작했습니다.

아트 데코 기간, 특히 1930 년대에 장식의 모티프가 건물의 기능을 표현했습니다. 극장은 음악, 춤, 흥분을 묘사 한 조각품으로 장식되었습니다. 전력 회사들이 해돋이를 보였으 나, 크라이슬러 빌딩은 양식화 된 장식품을 보여주었습니다. 1931 년 파리 식민지 박람회의 Palais de la Porte Dorée의 프리즈 (friezes)는 프랑스 식민지의 다양한 국적의 얼굴을 보여주었습니다. 합리화 스타일은 건물 자체가 움직이는 것처럼 보였습니다. 1930 년대의 WPA 벽화는 일반인들을 대상으로했습니다. 공장 노동자, 우편 노동자, 가족 및 농부 등이 포함된다.

가구:
1910 년부터 1920 년대 초까지의 프랑스 가구는 주로 프랑스 전통 가구 스타일의 업데이트였으며 Louis Majorelle, Charles Plumet 및 다른 제조업체의 아르누보 디자인이었습니다. 프랑스 가구 제조업체들은 독일 제조사와 스타일, 특히 Biedermeier 스타일의 인기가 높아짐에 따라 단순하고 깨끗한 라인업으로 위협 받고 있습니다. 프랑스의 디자이너 Frantz Jourdain, Paris Salon d’ Automne의 회장은 뮌헨의 디자이너를 초대하여 1910 년 Salon에 참여했습니다. 프랑스 디자이너들은 새로운 독일 스타일을보고 독일의 도전에 응하기로 결정했습니다. 프랑스 디자이너들은 1912 년 살롱에서 새로운 프랑스 스타일을 발표하기로 결정했습니다. 살롱의 규칙에 따르면 현대 스타일 만 허용됩니다. Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare, Louis Süe 등 프랑스의 주요 가구 디자이너가 Salon에 참여하여 루이 16 세와 루이 필립의 전통적인 프랑스 스타일을 더욱 새롭게 변화시킨 새로운 작품을 발표했습니다. 큐비즘에 영감을받은 모서리와 파비 샴 (Fauvism)과 나비 (Nabis)에서 영감을 얻은 더 밝은 색상.

화가 안드레 마레 (André Mare)와 가구 디자이너 루이 수 (Lou Suë)는 모두 1912 살롱에 참여했습니다. 전쟁 후에 두 사람은 공식적으로 Compagnie des Arts Française라고 불리는 자신의 회사를 구성하기 위해 합류했으나 보통 Suë와 Mare로만 알려졌습니다. 개인적으로 모든 조각을 디자인 한 Louis Majorelle과 같은 저명한 아르누보 디자이너와는 달리, 그들은 숙련 된 장인의 팀을 조직하고 가구, 유리 제품, 카펫, 도자기, 벽지 및 조명을 포함한 완벽한 인테리어 디자인을 생산했습니다. 그들의 작품은 밝은 색과 가구, 고급 우드를 특징으로했으며, 진주, 전복 및 은색 금속의 모조로 장식 된 흑단은 꽃다발을 만듭니다. 그들은 바다 라이너의 인테리어에서부터 Jean Patou의 라벨을위한 향수 병에 이르기까지 모든 것을 디자인했습니다.이 회사는 1920 년대 초에 번영했지만 두 사람은 사업가보다 더 훌륭한 장인이었습니다. 이 회사는 1928 년에 팔렸고 두 사람은 모두 떠났습니다.

1925 년 장식 예술 박람회에서 가장 유명한 가구 디자이너는 알자스 (Alsace)의 Émile-Jacques Ruhlmann이었다. 그는 1913 년 가을 살롱에서 자신의 작품을 전시 한 후 1925 년 박람회에서 자신 만의 파빌리온 인 “풍부한 수집가의 집”을 전시했습니다. 그는 흑단, 마호가니, 자단, 로즈 우드, 암본 및 기타 이국적인 목재를 포함하여 상아의 상감 세공, 거북이 껍질, 진주 모란으로 장식 된 가장 희귀하고 값 비싼 재료만을 사용했으며, 실크의 리틀 폼은 캐비닛의 서랍 핸들을 장식했습니다. 그의 가구는 18 세기 모델을 기반으로했지만 단순화되고 재구성되었습니다. 모든 작업에서 가구의 내부 구조는 완전히 은폐되어있었습니다. 일반적으로 참나무의 골격은 얇은 나무 껍질로 덮여 있었고 희귀하고 값 비싼 나무 조각으로 이루어진 두 번째 층으로 덮여있었습니다. 이것은 한 장의 나무 블록에서 잘라내 진 것처럼 조각을 겉치레로 덮고 닦은 것입니다. 짙은 색의 나무와 대조적으로 상아 빛의 상감과 아이보리 건판과 손잡이가 제공했습니다. Ruhlmann에 따르면, 팔걸이 의자는 그들이 등장한 방의 기능에 따라 다르게 설계되어야했습니다. 거실의 안락 의자는 편안하고, 사무실 의자는 편안하고, 살롱 의자는 관능적 인 의자로 설계되었습니다. 각 가구 디자인의 소수 부분 만 만들어졌으며 그의 침대 또는 캐비닛 중 하나의 평균 가격은 일반 주택 가격보다 컸습니다.

Jules Leleu는 1920 년대에 Art Deco로 원활하게 이전 한 전통 가구 디자이너였습니다. 그는 엘리제 궁전의 식당과 노르망디 증기선의 일류 오두막을위한 가구를 설계했습니다. 그의 스타일은 흑단, 마카 사르 나무, 호두를 사용하여 상아 및 상아의 상패 장식을 특징으로했습니다. 그는 1920 년대 후반에 옻칠 아트 데코 가구의 스타일을 소개했으며, 1930 년대 후반에는 훈제 유리 패널로 된 금속 가구를 소개했습니다. 이탈리아의 디자이너 Gio Ponti는 유선형 디자인으로 유명했습니다. 미국에서,

값 비싼 이국적인 가구 Ruhlmann과 다른 전통 주의자들은 건축가 인 Le Corbusier를 비롯한 근대 주의자들을 격노 케 해 예술 데코 라티프 양식을 비난하는 유명한 일련의 기사를 쓰게했습니다. 그는 부유 한 사람들을 위해 만든 가구를 공격했고 디자이너들에게 일반 사람들이 감당할 수있는 값싼 재료와 현대적인 스타일로 만든 가구를 만들어야한다고 촉구했습니다. 그는 값이 싸고 대량 생산되는 의자를 디자인했습니다.

1930 년대에는 더 매끄러운 표면과 곡선 형태의 가구 디자인이 적용되었습니다. 늦은 작풍의 주인은 포함했다 Donald Deskey는 가장 유력한 디자이너의 한개이었다; 그는 라디오 시티 뮤직홀 (Radio City Music Hall)의 내부를 만들었습니다. 그는 초기 양식의 플라스틱 인 알루미늄, 크롬 및 베이클라이트를 포함하여 전통과 현대의 혼합물을 사용했습니다.

디자인:
유선형은 1930 년대 중반에 등장한 다양한 아트 데코 (Art Deco)였습니다. 높은 속도에서 공기 마찰을 줄이기 위해 항공 및 탄도에 대해 개발 된 현대 공력 원리의 영향을 받았습니다. 총알 모양은 디자이너가 자동차, 기차, 선박, 심지어 냉장고, 가스 펌프 및 건물과 같이 움직이지 않는 물체에도 적용되었습니다. 이 스타일의 첫 번째 생산 차량 중 하나는 1933 년 크라이슬러 기류입니다. 상업적으로 성공하지 못했지만 그 디자인의 아름다움과 기능성은 선례를 나타냅니다. 근대성을 의미했다. 그것은 제 2 차 세계 대전 후에 차 디자인에서 잘 사용되는 것을 계속했다.

새로운 산업 자재가 자동차 및 가재 도구의 디자인에 영향을 미치기 시작했습니다. 여기에는 알루미늄, 크롬 및 베이크 라이트 (초기 형태의 플라스틱)가 포함됩니다. 베이클라이트는 여러 형태로 쉽게 성형 될 수 있었고 곧 전화, 라디오 및 기타 가전 제품에 사용되었습니다.

바다 라이너는 또한 프랑스어로 Style Paquebot 또는 “Ocean Liner Style”로 알려진 아르 데코 스타일을 채택했습니다. 가장 유명한 예는 1935 년에 최초의 대서양 횡단 여행을 한 SS Normandie였습니다. 특히 부유 한 미국인을 파리로 불러 들여 쇼핑을하도록 설계되었습니다. 캐빈과 살롱은 최신 아르 데코 가구와 장식이 특징입니다. 일급급 승객 용 식당이었던 배의 그랜드 살롱은 베르사이유 궁전의 거울 홀보다 컸습니다. 그것은 랄리 크 (Lalique) 결정의 열두 기둥 안에 전등으로 밝혀졌다. 36 개의 매칭 기둥이 벽에 늘어서 있습니다. 이것은 아키텍처에 직접 통합 된 조명의 초기 사례 중 하나였습니다. 곧 배의 스타일이 건물에 적용되었습니다. 1937 년에 공중 목욕탕으로 지어진 해양 박물관 건물은 선박 난간과 둥근 모서리가있는 유람선과 흡사 한 샌프란시스코 해안가에 주목할만한 사례가 있습니다. 홍콩의 스타 페리 터미널 (Star Ferry Terminal)도 다양한 스타일을 사용했습니다.

보석류:
1920 년대와 1930 년대에 René Lalique와 Cartier를 비롯한 디자이너는 작은 에메랄드, 루비, 사파이어와 같은 더 다채로운 보석을 도입하여 다이아몬드의 전통적인 지배력을 감소 시켰습니다. 그들은 또한 에나멜, 유리, 뿔, 아이보리와 같이 값이 싼 재료를 사용하여 매우 정교하고 우아한 분위기를 강조했습니다. 다이아몬드 자체는 덜 전통적인 형태로 잘렸다. 1925 년 박람회는 많은 수의 다이아몬드가 작은 막대 나 성냥개비 모양으로 자르는 것을 보았습니다. 다이아몬드 설정도 변경되었습니다. 보석상은 강하고 유연하며 금괴 대신 플래티넘을 사용하는 경우가 많았으며 돌덩어리를 만들 수있었습니다. 주얼리는 또한 에나멜이나 블랙 오닉스 같은 더 어두운 재료를 사용하기 시작했으며, 다이아몬드와의 높은 대비를 제공했습니다.

보석은 스타일이 훨씬 다채롭고 다양 해졌습니다. 까르띠에와 부 쉐론 (Boucheron)의 회사는 다이아몬드를 여러 가지 다른 원석과 결합하여 나뭇잎, 과일 또는 꽃 형태로 잘라 냈습니다. 브로치, 반지, 귀걸이, 클립 및 펜던트 만들기 극동 지역의 주제도 인기를 얻었습니다. 제이드와 산호의 플라크는 플래티넘과 다이아몬드와 결합되었으며, 화장대, 담배 케이스 및 파우더 박스는 진주, 에나멜 및 래커의 어머니로 만든 일본과 중국의 풍경으로 장식되었습니다.

의류의 급변하는 패션은 새로운 스타일의 보석을 가져 왔습니다. 1920 년대의 민소매 드레스는 팔에 장식이 필요하다는 것을 의미했으며, 디자이너는 금,은 및 백금 팔찌에 청금석, 오닉스, 산호 및 기타 다채로운 돌이 박힌 팔찌를 신속하게 만들었습니다. 다른 팔찌는 팔뚝 용이었고 여러 팔찌는 종종 동시에 착용되었습니다. 20 대 여성의 짧은 머리 장식은 정교한 데코 귀걸이 디자인을 요구했습니다. 여성들이 공중에서 담배를 피우기 시작하자 디자이너들은 매우 화려한 담배 케이스와 상아색 담배 홀더를 만들었습니다. 제 1 차 세계 대전 전에 손목 시계를 발명 한 보석 세공인은 다이아몬드로 장식 된 에나멜, 금,은으로 특별 장식 된 시계를 만들도록 고무 시켰습니다. 리본으로 매달린 펜던트 시계도 멋지게되었습니다.

이 기간 동안 파리의 보석상 인 Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, Van Cleef & Arpels는 모두 새로운 방식으로 쥬얼리와 물건을 만들었습니다. 쇼메 (Chaumet)의 회사는 옥, 청금석, 다이아몬드 및 사파이어로 장식 된 단단한 돌로 만들어져 매우 기하학적 인 담배 상자, 담배 라이터, 필 박스 및 노트북을 만들었습니다. 그들은 많은 젊은 디자이너들과 함께 각각 데코에 대한 아이디어를 갖고있었습니다. Raymond Templier는 고층 건물처럼 보이는은 귀걸이를 비롯하여 매우 복잡한 기하학 패턴으로 조각을 디자인했습니다. 제라드 샌 도즈 (Gerard Sandoz)는 1921 년에 보석을 디자인하기 시작한 18 세에 불과했습니다. 그는 현대 기계의 부드럽고 세련된 모습을 토대로 많은 기념 조각을 디자인했습니다. 유리 디자이너 René Lalique도 과일, 꽃, 개구리, 밝은 색상의 조각 유리로 만든 인어의 요정을 장식하고 술과 함께 실크로 매달려 펜 던 트를 만들었습니다. 보석상 인 폴 브란트 (Paul Brandt)는 직사각형과 삼각형의 패턴을 대조했으며, 오닉스 플라크의 줄에 임베디드 진주를 넣었습니다. Jean Despres는 은색과 검정색 래커 또는 청금석과 금색을 결합하여 대비되는 색상의 목걸이를 만들었습니다. 그의 디자인 중 많은 부분은 고도로 세련된 기계 조각처럼 보였습니다. Jean Dunand는 세련된 금속과 대비되는 밝은 빨강과 검정색을 결합한 현대 기계에서 영감을 얻었습니다.

유리 예술 :
아르누보 시대와 마찬가지로 아트 데코 (Art Deco)는 유리와 기타 장식용 물체가 건축 환경에 맞게 설계된 특별한 시대였습니다. 유리 물체의 가장 유명한 제작자는 René Lalique였습니다. René Lalique는 꽃병에서부터 자동차 장식품에 이르기까지 작품이 그 시대의 상징이되었습니다. 그는 제 1 차 세계 대전 전에 프랑수아 코티의 향수 병을 디자인하기 전에 유리 잔을 만들었지 만 제 1 차 세계 대전이 끝날 때까지 예술 유리 생산을 시작하지 않았습니다. 1918 년 58 세의 나이에 큰 유리 잔 콤스 – 라 – 빌 (Combs-la-Ville)에서 일하고 예술적이고 실용적인 유리 물체를 생산하기 시작했습니다. 그는 유리를 조각의 형태로 취급하고 조각상, 꽃병, 그릇, 램프 및 장식품을 만들었습니다. 그는 단조 로움보다는 오히려 더 부드럽고 형태가 쉬운 납 결정을 사용했습니다. 그는 때로는 유색 유리를 사용했으나 외부 표면의 일부 또는 전체가 물로 씻겨져있는 유광 유리를 더 자주 사용했습니다. Lalique는 1927 년 해상 라이너 인 SS Ile de France와 1935 년 SS Normandie의 장식용 유리 패널, 조명 및 조명 된 유리 천장과 프랑스 철도의 일류 수면 용 자동차의 일부를 제공했습니다. 1925 년의 장식 예술 박람회에서 그는 자신의 파빌리온을 지니고 세브 르 파빌리온 (Sèvres Pavilion)을위한 유리 천장과 정착 테이블을 갖춘 식당을 설계했으며 Cours des Métier의 안뜰을위한 유리 분수를 디자인했습니다. 양쪽에서 물을 분출하고 밤에는 조명을 받았다.

다른 주목할만한 아트 데코 유리 제조사에는 인형, 화병, 그릇, 생선, 누드 및 동물의 유리 조각을 전문으로 한 Marius-Ernest Sabino가 포함되어 있습니다. 이들에게 그는 종종 빛에 따라 흰색에서 파란색에서 호박색으로 바뀔 수있는 유 백광 유리를 사용했습니다. 그의 화병과 그릇에는 동물, 누드, 과일이나 꽃을 가진 여성의 흉상 등이 있습니다. 그의 작품은 덜 미묘했지만 Lalique보다 화려했다.

다른 주목할만한 데코 글래스 디자이너에는 에드먼드에 팅 (Edmond Etling)이 포함되어 있는데, 그는 또한 밝은 유백색을 사용했으며, 종종 기하학 패턴과 조각 된 누드를 사용했습니다. Albert Simonet, Aristide Colotte, Maurice Marinot 등이 있습니다. 그는 깊이 새긴 조각 병과 화병으로 유명했습니다. 아르누보 유리로 유명했던 낸시 (Nancy)시의 다음 (Daum) 사무소는 데코 (Deco) 화병과 유리 조각품을 생산했습니다. 단단하고 기하학적이며 덩어리 모양이었습니다. 좀 더 섬세한 다색 작품은 가브리엘 아르기 – 루소 (Gabriel Argy-Rousseau)가 조각 한 나비와 애벌레로 장식 한 섬세한 색깔의 꽃병과 화병에 줄무늬가 있고 대리석으로 된 프랑수아 데코 데 몬트 (Francois Decorchemont)가 제작했습니다.

대공황은 부유 한 고객에 의존 한 장식용 유리 산업의 상당 부분을 망 쳤습니다. 일부 예술가들은 교회를위한 스테인드 글라스 창 디자인에 관심을 보였습니다. 1937 년 Steuben 유리 회사는 유명한 예술가에게 유리 제품 생산을 의뢰하기 시작했습니다. 그의 아르누보 가구로 유명한 루이 마요렐레 (Louis Majorelle)는 프랑스 롱 위 (Longwy)에있는 제철소 인 Aciéries de Longwy의 사무실에서 철강 노동자를 묘사 한 주목할만한 아르 데코 스테인드 글라스 창을 설계했습니다.

금속 예술 :
아르 데코 예술가들은 전통적인 단철에서 크롬 도금 강으로 된 산업 자재로 만든 아르 데코 양식의 다양한 실용적인 물건을 제작했습니다. 미국의 예술가 노먼 벨 게 데스 (Norman Bel Geddes)는 크롬 도금 강철로 만든 마천루와 비슷한 칵테일 세트를 디자인했습니다. Raymond Subes는 1931 년 파리 식민지 박람회 (Paris Colonial Exposition)의 중심 인 Palais de la Porte Dorée 입구에 우아한 금속 그릴을 디자인했습니다. 프랑스의 조각가 장 던 랜드 (Jean Dunand)는 “사냥”이라는 주제로 장엄한 문을 열었으며 금박과 석고로 칠한 페인트 (1935)로 덮었습니다.

영향 :
아르 데코는 하나의 스타일이 아니었지만 때로는 모순 된 스타일이 모여있었습니다. In architecture, Art Deco was the successor to and reaction against Art Nouveau, a style which flourished in Europe between 1895 and 1900, and also gradually replaced the Beaux-Arts and neoclassical that were predominant in European and American architecture. In 1905 Eugène Grasset wrote and published Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, in which he systematically explored the decorative (ornamental) aspects of geometric elements, forms, motifs and their variations, in contrast with (and as a departure from) the undulating Art Nouveau style of Hector Guimard, so popular in Paris a few years earlier. Grasset stressed the principle that various simple geometric shapes like triangles and squares are the basis of all compositional arrangements. The reinforced concrete buildings of Auguste Perret and Henri Sauvage, and particularly the Theatre des Champs-Elysees, offered a new form of construction and decoration which was copied worldwide.

In decoration, many different styles were borrowed and used by Art Deco. They included pre-modern art from around the world and observable at the Musée du Louvre, Musée de l’Homme and the Musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie. There was also popular interest in archeology due to excavations at Pompeii, Troy, and the tomb of the 18th dynasty Pharaoh Tutankhamun. Artists and designers integrated motifs from ancient Egypt, Mesopotamia, Greece, Rome, Asia, Mesoamerica and Oceania with Machine Age elements.

Other styles borrowed included Russian Constructivism and Italian Futurism, as well as Orphism, Functionalism, and Modernism in general. Art Deco also used the clashing colors and designs of Fauvism, notably in the work of Henri Matisse and André Derain, inspired the designs of art deco textiles, wallpaper, and painted ceramics. It took ideas from the high fashion vocabulary of the period, which featured geometric designs, chevrons, zigzags, and stylized bouquets of flowers. It was influenced by discoveries in Egyptology, and growing interest in the Orient and in African art. From 1925 onwards, it was often inspired by a passion for new machines, such as airships, automobiles and ocean liners, and by 1930 this influence resulted in the style called streamline moderne.