제 56 회 국제 미술 전시회의 라트비아 관은 Katrīna Neiburga와 Andris Eglītis의 멀티미디어 예술 작품 인 ARMPIT을 선보입니다. 이 취미를 위해 마련된 작업장에서 다양한 메커니즘을 사용하여 여가 시간을 보내는 경향이있는 독특한 지역 현상 인 “차고 엘프”에 대한 비디오 스토리가 짜여진 조각 된 건축 시스템입니다.

Andris Eglītis는 차고 커뮤니티의 독특한 소우주를 즉흥적으로 만들었습니다. 그것은 vernacular shantytown 건축술의 조립식으로 만들어진 건축 재료로 만들어진 조각 된 건축 구조의 만화경 체계입니다. 건물 구조는 Katrīna Neiburga의 비디오 이야기와 짜여져 있습니다. 그녀의 차고 커뮤니티 구성원의 초상화는 새로 설치된 주거지의 상상의 주민으로 상주하며 수녀원과 땀이 나는 가게의 혼합을 상기시킵니다.

이것은 예술가 부부의 첫 공동 작업으로, 각자의 평범한 예술적 실천을 통해 기여합니다. Katrīna Neiburga는 일반적으로 시간 기반 미디어와 함께 사회-인류 학적 조사 예술, 멀티미디어 설치 및 scenography에 사용합니다. Andris Eglītis는 자신의 미디어 선택에서 전통을 향한 경향이 있습니다. 회화와 소설 조각 형식을 실험하려는 그의 욕구는 컨셉에 기반한 예술에 비해 신체적으로 경험이 많은 연습으로 건축 연습을하도록 이끌었습니다.

라트비아어 파빌리온은 베니스 비엔날레의 전반적인 예술 개념과 조화를 이루며, 라트비아어 전시회는 비엔날레의 예술가들이 만들어 낸 특정 언어와 사고의 위치에 완벽하게 조화를 이루고 있습니다. 다른 작품에서 거의 눈에 띄지 않는 자아에 대한 더 넓은 비전과 비판의 존재는 우리를 차별화시킵니다.

전시회의 제목은 시청자가 주관적으로 주관적으로 해석 할 수있는 보편적 인 공식으로서 질문, 놀라움, 역사 또는 예측으로 생각되었다. Miķelis Fišers는 감히 감춰진 인간의 감정을 감추고 내일의 전망에 대해 정당한 불안을 낳으며 동시에 죄책감과 두려움의 느낌의 균형을 위험을 감수하려는 욕구와 균형을 이룹니다.

전시회의 세 부분이 모두 라트비아 관 내에 어떻게 공존할지는 불분명했습니다. 그림, 조명 설치 및 나무 조각 등 모든 것이 잘 작동하며 재료와 스토리가 조화롭게 조화를 이룹니다. 방문자는 올바른 장소에서 일시 중지하고 무엇이 잘못 될 수 있는지 반영합니다. 그 대답은“모든 것”입니다. 그들이이 질문을 기대하고있는 것 같습니다.”

전시회는 Miķelis Fišers의 작품 스케치와 올해 전시회를 위해 만들어진 모든 예술 작품, 큐레이터 Inga Šteimane 및 에스토니아 예술가 Margus Tamm의 에세이, 라트비아어 및 에스토니아 현대 미술의 밀교 이야기에 대한 에세이를 포함하는 전시회 카탈로그로 보완됩니다. Ilmārs Šlāpins가 시청자의 마음에 올바른 의식 상태를 만들고자하는 Miķelis Fišers의 열망에 대한 에세이도 제공합니다.

예술가
카트리나 네이 부르가 & 안드리에 글리 티스

Katrīna Neiburga (1978)는 라트비아 미술 아카데미에서 시각 커뮤니케이션 석사를 취득했습니다. 그녀는 2000 년부터 전시되어 왔으며 시드니와 모스크바 비엔날레에 참가했습니다. 2008 년에 그녀는 Ars Fennica Award의 후보로 선정되었으며 미술 분야에서 가장 높은 라트비아어 상을 받았습니다. 버려진 고층 건물에 관한 대규모 조사 비디오 스토리 “The Printing House”(2012)는 리가, 헬싱키 (케이블 팩토리 갤러리), 부다페스트 (트라 포 갤러리), 탈린 (KUMU), 빌니우스 (국립 미술관)에서 주목을 받았습니다. Katrīna Neiburga는 종종 사운드 아티스트 Andris Indāns와 긴밀히 협력 해 왔으며 라트비아 국립 오페라, 페름 오페라 및 발레 극장 등을위한 다양한 디자인 작업을했으며 다양한 연극의 준비를 위해 협력했습니다. 그녀는 파리의 오페라 바스티유 (Opera Bastille)에서 오페라 “La Damnation de Faust”의 무대 준비를 위해 공동 작업을 제안 받았다.

Andris Eglītis (1981)는 라트비아 미술 아카데미, 러시아의 상트 페테르부르크 예술 연구소, 벨기에 겐트의 HISK에서 미술을 전공했습니다. 오일 페인팅이 다른 형태의 미디어보다 예술적 실천에 우세하지만 그의 컨트리 하우스 아티스트 스튜디오에서 비버 커뮤니티와 협력하여 만든 조각품과 일반적으로 비 유적 페인팅을 위해 서술 적 프로토 타입으로 건축 된 새로운 건축 설치물이 있습니다. 2013 년 그는 라트비아에서 최고 예술상 인 Purvītis 상을 수상했습니다.

전시회
제 56 회 국제 미술 전시회에서 라트비아의 파빌리온은 아티스트 Katrīna Neiburga와 Andris Eglītis의 멀티미디어 예술 작품 인 Armpit을 선보였습니다. 겨드랑이는이 취미를 위해 마련된 작업장에서 다양한 메커니즘을 사용하여 여가에 시간을 보내는 경향이있는 독특한 지역 현상 인 “차고 엘프”에 대한 비디오 스토리가 짜여진 건축 건축물의 조각 된 시스템입니다.

자발적 격리에 여가를 보내고, 자체 발명 한 도구로 작업장에서 땜질을하는 사람들에 대한이 “목회적인”관심의 기초는 무엇입니까? 현대 생활의 실재와 기술적으로 위태로운 중요성 사이의 상호 연결을 찾는 것이 가능하다는 환상적 신념의 수호자로 그들을 유혹하려는 유혹이 있습니다. 제조 된 사물의 영역에 대한 우리의 태도는 점점 수동적으로 소비되는 경향이 있습니다. 그 이유는 게으름뿐만 아니라 두려움이기도합니다. 삶의 리듬이 점점 더 다양한 장치에 의해 결정되는 경우가 많지만 은유 적으로 말하면 보증 수리에 대한 권리를 잃을 위험이 있기 때문에 밀폐 된 메커니즘으로 침입하는 것이 방지됩니다.

아티스트 Katrīna Neiburga와 Andris Eglītis는 일상의 창의성을 거의 발휘하지 않는 공간 기념물을지었습니다. 이 곳은 주인이 워크숍-컴-다 차로 하이브리드 용도로 개조 한 개인 차고의 소비에트 시대의 협동 조합 인 지역 특성을 지닌 풍요로운 건축 양식에서 영감을 얻은 것입니다. 사회 경제적 환경이 개인 공간과 조화를 이루는 차고 협동 조합의 폐쇄 된 소우주가 시간을 거슬러 올라간다. 남자들은 여전히 ​​소년이지만, 여가 활동으로서의 자기 탐색은 신자유주의가 산업주의 프롤레타리아를 둘러싸고있는 시간 캡슐이기 때문에 그들의 땜장이 개인 기업가의 무역이자 취미이다.

설치 예술
Katrīna Neiburga와 Andris Eglītis는 지역의 성격을 지니고있는 일상의 창의력을 소홀히하기 위해 공간 기념물을지었습니다. 그것은 민간인 차고의 소비에트 시대 협동 조합-소유자가 워크샵-겸-다 차로 하이브리드 사용을 위해 적응시킨 원시 시대 건축의 다소 원시적 인 샘플에서 영감을 얻었습니다. 러시아와 폴란드 사이에있는 발트해 국가에서는 창조적 산업에 대해 많은 이야기가 있으며 일반적으로 스칸디나비아 디자인을 언급합니다. 그러나 대부분의 수출은 생 목재로 구성되어 대량 산림 벌채를 초래합니다. 등심으로 일하는 것은 시골에서 실업자에 합류하지 않은 몇 가지 기회 중 하나입니다.

물론 도시 생활은 더욱 사치스럽고 여기서 중요한 것은«조정 된»차고의 주민입니다. 그림자 경제의 측면에서 그들의 취미에 맞춰,이 사람들은 실수로 잔인한 테크노 로맨티즘을 특징으로하는 메이커 운동의 지부를 형성했습니다. 유럽 ​​주변에 거주하는 차고 남자에 대한 이야기는 디지털 시대의 목회입니다. Henry David Thoreau가«도끼를 빌려 숲으로 가서 다소 젊고 키가 크고 날씬한 소나무를 쓰러 뜨리기 시작한 것은 1845 년과 거의 비슷합니다. 은둔자의 판잣집을 만들기 위해

그의 일지 때문에 우리는 Alek Therien이라는 이름의 등심을 알아야합니다. “부상과 질병이 거의 존재하지 않은”이 단순하고 자연스러운 사람은 그의 손에서 총칭을 먹이고 예술가의 일란으로 도끼를 휘둘 렀습니다. 그들의 아이디어를 수행하기 위해, 두 예술가는 동유럽 주변에 여전히 살아있는 젠더 관련 고정 관념에 중점을 두었습니다. 예술 설치는«정상»에 중점을 둔 정상적인 남성 세계의 구현입니다. 따라서 여기의 건축 조각은 개인적인 육체적 노력을 방해하지 않고 원형 톱과 쇠 지렛대로 만들어지며 공간적 분위기는 나무 위의 집이나 뒷마당 숲의 미로에서 재생되는 소년 전쟁 게임을 연상시킵니다.

사회 경제적 환경이 개인 공간과 조화를 이루는 차고 협동 조합의 폐쇄 된 소우주가 시간을 거슬러 올라간다. 남자들은 여전히 ​​소년이지만, 여가 활동으로서의 자기 탐색은 신자유주의가 산업주의 프롤레타리아를 둘러싸고있는 시간 캡슐이기 때문에 그들의 땜장이 개인 기업가의 무역이자 취미이다.

추출물
설치시 일부 시청각 자료 발췌 :

“Armpit. 초기 영상은 털이 많고 땀이 나고 겨드랑이가 있습니다. 라트비아어 파빌리온은 진정한 소비에트 공간과 시간의 일상적인 창의성을 탐구하는 남성 세계입니다.”
/ Ieva Astahovska /

“일부 차고는 생활에 맞게 조정되었습니다. 다른 사람들은 취미 작업장 역할을합니다. 일부 자동차는 여전히 유지됩니다. 폐쇄 된 남성 코뮌입니다. 소비에트 경제에서 은퇴 한 블루 칼라와 공장에서 폐쇄 된 엔지니어를위한 수녀원 신자유주의 개혁 연금술사들의 열의에 힘 입어 그들은 새로운 기계 장치를 개발하거나 중고 장치에서 뽑아 낸 미세 회로를 재판매하는 데 계속 노력하고 있습니다. ”
/ 카스 파스 바나 그스 /

“유럽 주변 지역에 거주하는 차고 남성에 대한 이야기는 디지털 시대의 목가적입니다. 자동차 엔진을 분해하고 조립하는 능력은 1845 년 Henry David Thoreau가”도끼를 빌려가는 것과 거의 같습니다. 숲 속으로 젊고 키가 크고 날씬한 소나무를 쓰러 뜨리기 시작했습니다.”
/ 카스 파스 바나 그스 /

“[…] 나는 묶음이나 나무 막대기 더미 끝에 손가락을 대는 느낌을 기억한다. 그 느낌은 매우 강하고 아주 낡았으며 확실히 전 언어 적이며 극도로 친밀하고 충전되어있다.”
/ David Levi Strauss, 머리에서 손으로 : 예술과 매뉴얼 /

“소련 차고의 출현은이 나라에서 사생활을 민영화하는 과정의 한 부분이었다. […] 차고는 일반적으로 소유자의 집과는 거리가 멀기 때문에 차고는 처음부터” 두 번째 집 “”
키릴 코 브린

“협동 차고에 마련된 워크숍은 사회 경제적 환경과 개인 공간이 혼합 된 폐쇄 형 소우주를 대표한다. 특정 공동체의 창조적 활동은 개별 기업가의 무역과 취미이다. 여가 시간으로서의 자기 탐험 활동은 신자유주의가 산업체 프롤레타리아를 둘러싸고있는 타임 캡슐이다. ”
/ 카스 파스 바나 그스 /

“생산 철학은 무신론적이고 고아하며 비인간적이된다. 기술 우주에서는 아무것도 주어지지 않으면 모든 것이 생산된다.”
/ Nick Land, Fanged Noumena /

“기술은 사람의 취급 방식을 공개합니다
“생명을 유지하는 생산 과정 인 자연.”
/ 사회 주의자 칼 마르크스 /

“사람은 어떻게 창조 하는가? 다른 규칙을 가진 또 다른 현실, 또 다른 세계를 창조한다. 남자는 다른 현실에 대한 지시를 만들고 그것을 창조하는 동안 그것을지도한다. 마천루, 타자기, 컨버터블, 트럼펫, 축구, 체스 등 ”
/ 시인 마츠 푸자 츠 /

“사람은 단순히 몽상가입니다. 그는 상상하고 환상을 만들고 발명해야합니다.”
/ 시인 마츠 푸자 츠 /

“이 사람들이 자신의 일을 바쁘게하고 얼굴을 볼 때, 그들이 jer거나 무언가를 신고하는지는 확실하지 않습니다. 그들의 얼굴이 긴장하고, 호흡이 불규칙하고, 땀 방울이 이마를 덮고 있습니다. 리듬적이고 단조롭습니다. ”
/ 고 교사 옥사나 /

“[소비에트 차고]는 향수, 두려움, 기쁨, 증오, 혐오로 가득 찬 빈 공간 일뿐입니다.
키릴 코 브린

베니스 비엔날레 2015
2015 년 아트 비엔날레 (Art Biennale)는 2011 년 Bice Curiger (조명)에서 기획 한 전시회와 Massimiliano Gioni 백과 사전 (2013)으로 시작된 일종의 3 부작을 마무리합니다. La Biennale은 All The World ‘s Futures를 통해 현대 예술에 대한 미학적 판단, 아방가르드 예술과 “비 예술”예술의 종말 이후의 “중요한”문제에 대한 유용한 판단에 대한 연구를 계속하고 있습니다.

오쿠이 엔 위저 (Okwui Enwezor)가 기획 한 전시회를 통해 라 비엔날레 (La Biennale)는 외세와 현상의 압박에서 예술과 인간, 사회, 정치 현실 사이의 관계를 관찰하기 위해 돌아왔다. 세계는 감성, 예술가들의 활력과 표현력, 그들의 욕구, 영혼의 움직임 (내부 노래)을 요구한다.

La Biennale di Venezia는 1895 년에 설립되었습니다. Paolo Baratta는 2008 년부터 1998 년부터 2001 년까지 사장으로 재직했습니다. La Biennale은 새로운 현대 미술 트렌드의 연구 및 홍보의 선두에 서서 전시회, 축제 및 연구를 조직합니다. 모든 특정 분야 : Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930), Theatre (1934). 그 활동은 최근 완전히 개조 된 ASAC (History Archives of Contemporary Arts)에 기록되어 있습니다.

지역 사회와의 관계는 교육 활동과 가이드 방문을 통해 강화되었으며, 베네토 지역과 그 밖의 지역에서 점점 더 많은 학교가 참여하고 있습니다. 이를 통해 새로운 세대 (2014 년 교사 3,000 명, 학생 30,000 명)에 창의성을 전파합니다. 이러한 활동은 베니스 상공 회의소에서 지원되었습니다. 전시회에 특별 투어 및 숙박을하는 대학 및 연구소와의 협력도 확립되었습니다. 2012 년부터 2014 년까지 3 년 동안 227 개 대학 (79 개 이탈리아 및 148 개 국제 대학)이 비엔날레 세션 프로젝트에 참여했습니다.

모든 분야에서 저명한 교사들과 직접 접촉하여 젊은 세대의 예술가들에게 더 많은 연구 및 제작 기회가 주어졌습니다. 이것은 현재 비엔날레 컬리지 국제 프로젝트를 통해보다 체계적이고 지속적으로 진행되고 있으며, 현재 댄스, 극장, 음악 및 시네마 섹션에서 운영되고 있습니다.