아고스티노 페라리. “1962 년 말에 나는 그 표시를 중요하지 않은 글쓰기로 사용하기 시작했다. 오늘날에도 여전히 현실과 관련한 인식이있다. 나는 항상했던 것처럼, 표식과 형태로 주제를 개발하고있다. 동시에 “나는 인간과 그의 삶, 출생 전과 죽음, 공허와 어둠, 무한한 큰 마음과 비교 한 우리의 사고의 한계를 넘어서는 검은 표면에 대해 알지 못하는 모든 것입니다.”

반세기가 넘는 기간 동안 아고스티노 페라리는 개인의 감정과 외부 현실에 대한 반응을 말할 수있는 표현 도구로도 사용되었으며, 비공식적이고 프로그래밍 된 예술 사이에서 현대의 주류에 참여하는 언어의 인물로도 사용되었습니다. 최소한의 팝과 다양한 그림으로 돌아갑니다. 1962 년 “Cenobio”(Angelo Verga, Ettore Sordini, Arturo Vermi 및 Ugo La Pietra) 그룹을 창립 한 동료들과 같이 아고스티노 페라리가 포기하고 싶지 않은 그림은 그래픽 표현의 최소 용어로 줄였습니다. 컬러로 그려진 의미있는 모듈, 모호한 시각적 모델은 신문 페이지입니다. 불안하고 급진적 인 시대의 연대기를 강렬한 감성, 개인과 대중을 결합시키는 전술.

그룹의 해산과 미국에 2 번의 체류 후, 60 년대 후반 페라리의 작품은 친구 Agostino Bonalumi, Enrico Castellani 그리고 무엇보다도 Dadamaino의 현대적 경험과 병행하여 객체 일관성을 얻습니다. 표시는 표면에 실용적으로 판화, 흔적이 표시되거나 금속 와이어가 구호됩니다 ( “표지의 극장”이라는 제목으로 표시됨). 또한 루시오 폰타나의 관심과 감사를 불러 일으키는 절차 적 성격 ( “전체 형태”)에 대한 엄격한 방법을 통해 얻은 형태에 대한 연구도 수행됩니다. 마지막으로, 기호, 모양 및 공간 뒤에 작가는 다른 기하학적 인물과 관련하여 조사한 색상을 고려합니다.

70 년대 말, “재창조”라 불리는 재검토와 균형의 단계는 페라리가 그 순간부터 결코 떠나지 않을 것이라는 더 많은 제스처 신호를 되찾게했다 : 읽을 수없는 형태와 필적, 다른 일관성, 때로는 검은 모래 화산의 두께와 화려한, 그들은 “이벤트”에서 “Palimpsests”에서 “출산”에 이르기까지 수십 년 동안 예술가를 참여시키는 새로운 사이클을 통해 가장 중앙에 중앙 패턴 (행렬)이 반복됩니다 그림의 일부로, 톤 값이 반전되어 회복됩니다. 최근의 “임계 값을 넘어서”와 “내부 외부”까지, 불 침투성 흑색으로 가득 찬 가스가 존재하여 표시가 잠기거나 발생하는 것을 특징으로합니다.

전시회. Museo del Novecento에 설치된 선집은 밀라노 예술가의 전체 여정을 재구성합니다. 첫 번째 방에는 아홉 스티 노 페라리 (Agostino Ferrari)가 “재창립”이후 여정의 마지막 부분을 나타내는 9 개의 크고 작은 형식의 작품이 전시 될 예정입니다. Palimpsests에서 가장 최근의 Prosegni (Interior / Exterior)에 이르기까지, 이 행사를 위해 특별히 수행 된 미공개 작업을 포함합니다. 다른 한편으로,이 보관소는 1963 년의 이야기부터 표식의 극장, 자화상 연구 (총 양식)에 이르기까지 여정의 첫 부분에 대한 일련의 작은 조각들을 주최 할 예정이다. 알파벳) 및 색상 분석. 많은 연구와 논문이 처음으로 창조적 인 방법과 과정에 대한 귀중한 통찰과 밀라노 예술가의 작품. 총 100 개의 오리지널 작품이 전시됩니다. 전시회에는 Nomos Edizioni가 출판하고 Martina Corgnati가 편집 한 카탈로그가 동봉됩니다.

일반 카탈로그. 이 전시회가 열릴 때, 예술가 80 주년을 맞아 Electa가 출판 한 Martina Corgnati가 편집 한 Agostino Ferrari 작품의 일반 카탈로그는 9 월 27 일 목요일 Museo del Novecento의 회의실에서 발표됩니다. . 중요 텍스트 및 생체 서지 장치뿐만 아니라 배수 및 프로젝트를 제외한 약 2500 개의 문서화 된 작품.

전기
아고스티노 페라리 (Agostino Ferrari, 1938 년 11 월 9 일 밀라노)는 이탈리아 화가입니다. 어린 시절부터 예술에 매료 된 1959 년 화가 레모 브린 디시 (Remo Brindisi)를 만났으며 그는 스튜디오에서 일하도록 초대했습니다. 1961 년 밀라노의 Pater 갤러리에서 비평가 Giorgio Kaisserlian의 발표와 함께 첫 전시회를 열었습니다. 이 시대의 작품은 50 년대 후반의 밀라노 산업 주변에서 영감을 받았으며, 비록 비현실적이며 비공식 예술의 교훈에 영향을 받았음에도 불구하고, 그들은 명백한 자연 주의적 영향을 보여줍니다. 그해의 테이블과 그림을 그룹화하십시오 : 자연 주변 풍경. 페라리와의 긴 관계는 공간주의의 원칙을 철저히 준수하지 않는 페라리 회화의 진화 적 도약을 제공합니다.

Cenobio와 중요하지 않은 글
이후 아고스티노 페라리의 예술적 연구를 결정하는 것은 1962 년 세노 바이오 그룹의 탄생을 나타내는 우고 라 피에트라, 안젤로 베르가,에 토레 소르 디니, 알베르토 루시아 (시인) 및 아르투로 베르 미와의 만남입니다. 파트너십은 수명이 짧았지만 (수년에 걸쳐 다양한 구성 요소 사이의 우정과 협력에도 불구하고) 그 기간의 발포성 밀라노 장면에서 지속되는 흔적을 남기고 무엇보다도 페라리에게 사인에 대한 연구의 시작을 나타냅니다 그의 모든 예술 활동의 안내 스레드.

Cenobio는이 표지판을 최소한으로 사용함으로써 실제로 그림을 다시 생각하여 Piero Manzoni의 근본적으로 중요한 위치와 주로 이벤트 및 설치로 여겨지는 예술에 대한 대중의 호의를 모두 방어하려고 노력했습니다. 이 그룹의시는 그림을 상징이 아니라 글로 쓰지 않은 초기의 그림을“제로도”로 되돌리려는 시도로 표현됩니다. 1962 년에서 1964 년 사이에 이러한 직관이 일어 났을 때 페라리의 표식은 일종의 무의미한 글로 바뀌게되었습니다.

1966 년 뉴욕 ​​이브 갤러리에서 전시되었습니다. 그 후 이탈리아로 돌아와서 1967 년 루치 오 폰타나 (Lucio Fontana)가 쓴 것처럼“기본적으로 플라스틱”캐릭터를 사용하여 그림, 기호, 모양 및 색상, 실제 “스테이징”의 재료에 전념하는 객체와 절차 적 사이클을 정교하게한다.

표시는 플라스틱 크기를 얻습니다
1964 년에서 1965 년 사이에 페라리는 뉴욕으로 두 번의 긴 여행을 가면서 팝 아트의 환경을 탐험했으며 Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Billy Apple, Jasper Johns와 같은 예술가를 만났습니다. 플라스틱 개념에 대한 설명에 중점을 둔 일련의 미로는 그의 경험과는 거리가 멀지 만 이러한 경험의 영향을받습니다. 표지판의 객관화에 대한 탐색은 1966 년에 일련의 오염 물질로 끝나는 1976 년에 끝이 났던 표지판 인 Theatre of the Sign이라는 작품을 통해 시작됩니다. 그것들은 캔버스의 2 차원을 극복하고보다 물리적이고 객관적이며 물질적 인 기호의 이미지를 제공하려는 회화 객체입니다. Forma Total이라는 제목으로 그룹화 된 작품은 거의 현대적입니다.

색상과 감정 : 자화상
70 년대 초반 Agostino Ferrari는 색상에 집중하여 특정 기하학적 표시 및 모양과 밀접한 관계를 맺고 정서적 측면과 광학적 지각 특성을 조사하려고 시도했습니다. 이 단계는 Sign-Shape-Color라는 제목의 작품과 관련이 있습니다. 그의 정점은 1975 년 나선형 모양의 큰 크기의 자화상, 설치 (페라리가 만든 것 중 하나)의 창조로 대표됩니다. 그 이후로 여러 장소와 행사에 전시되었습니다 (가장 최근, 2010 년 만 토아의 Casa del Mantegna에서 미술 평론가와 역사가 Martina Corgnati가 큐레이터 한 작가의 철저한 회고전).

이시기의 예술 작품은 짧은 이론적 글을 씁니다. 작가는 자신의 경험과 아이디어를 더욱 엄격하게 체계화하려고 시도합니다. 이 공식적인 엄격함뿐만 아니라 과학, 즉 1974 년에 국립 과학 박물관 (National Museum of Science)에서 예술 실천의 대변자로 일반적으로 여겨지는 세계와 언어로 “대화 (dialogue)”하려는 최초의 시도도 중요하다. 밀라노 페라리의 “Leonardo da Vinci”기술은 아르투로 베르 미 (Arturo Vermi)가 만든 20,000,000 광년 전시회 이벤트 내에서 사인 모양의 색주기의 작품과 반사를 전시합니다.

이 연구는 1975 년에 모든 독창적 인 여정에서 제작 된 유일한 설치물 인 자화상 (self-portrait)으로 이어졌으며 볼로냐 아트 페어에서 처음으로 토리노의 LP220 갤러리와 함께 다음 해 개인전에서 전시되었습니다. 페라라의 Palazzo dei Diamanti 전시회. 그 후 1976 년에서 1978 년 사이에 페라리는 알파벳, 포마 포마 칼라에 대한 그의 연구의 결과이며 자화상에 포함 된 것의 종합을 나타내는 6 개의 작품 중 두 시리즈를 수행합니다. 1978 년 달라스에서 현대 미술 갤러리에서 알파벳을 전시 한 후 순수한 사인으로 자신을 표현해야 할 필요성이 다시 등장하여 “재창립”시대로 들어갑니다. 화산 모래의 사용은 거의 동시에 시작됩니다.

부호와 선형 쓰기로 돌아 가기
1978 년부터 간판에 초점을 둔 표현은 페라리의 작품에서 다시 등장하며, 1983 년 이후이 사건은 사건의 절대 주인공으로 다시 돌아온다. 그의 그림의 특징을 구성합니다. 그것들은 강력한 서정적 인 각인을 가지고 있으며 투기 및 개념적 특성이 뛰어나지 만 존재합니다. 1995 년, “Cenobio”그룹이 수행 한 활동을 연상시키는 4 개의 전시회가 열렸습니다 (브레시아의 Palazzo Martinengo, 리보르노의 Galleria Peccolo, 밀라노의 Artestudio 및 Portogruaro의 Studio Delise에서). 1996 년, 밀라노의 Lorenzelli Gallery에서 Ferrari는 Frammenti를 선보였습니다.

Agostino Ferrari는 이탈리아 및 해외에서 수백 건의 개인 및 그룹 전시회에 참가했습니다. 가장 중요한 것은 페라라 (Perrara)의 Palazzo dei Diamanti (1976), 로마의 Palazzo Braschi (1992), Mantua의 Casa del Mantegna (2010), Alfas del Pi의 Fondacion Frax (Alicante)에서 열린 개인전입니다. , 스페인) (2011), Palazzo Lombardia (2013).

새로운 구성 균형
Maternità (1999-2007)를 사용하여 작가는 다른 수집 된 구성 균형을 찾습니다. 중앙 핵은 부호 내용의 매트릭스로 의도 된 것으로서 전체 그림이 흐르고 그로부터 태어난 키아로 스코로에 대한 명확한 주장입니다. 검은 색과 금색의 대비. 개념적으로 그리고 부분적으로 (2003 년부터 2009 년까지) 연대순으로 Beyond의 제목에 임계 값을 부여한 작업을 따릅니다.

이 캔버스는 두 부분으로 구성되어 있습니다. 하나는 글쓰기에 의해 지배되고 다른 하나는 “삼키기”, “이야기”를 흡수하여 거의 없애는 검은 모래 표면으로 표현됩니다. 선형적인 글쓰기가 멈추고 과거 (글로 표현됨)와 미래에 대한 미지의 사이에 정지 된 것처럼 보이며, 제목 자체가 명시 적으로 언급하는보다 친밀하고 실존적인 탐색에 종속됩니다. 2005 년, 현대 미술 섹션 내에서 로마 사분면에 초대 된 페라리는이 시리즈에 속하는 큰 작품 (1.60 mx 3.60 m)을 제작했습니다. 개념적으로이 큰주기에는 페라리가 2007 년 피아자 보르고 베르데 디 비모 데론 (MI)에서 거대한 사각형의 물 세면에 그린 큰 벽화도 포함됩니다.

그는 Joan Mirò 조각상 (1971)과 Bugatti-Segantini 경력 상 (2017)을 수상했습니다. 2007 년 그는 밀라노의 Land (Landscape Architecture) 그룹을 대신하여 Porgzza Borgoverde di Vimodrone에서 영구적 인 공공 저작물을 만들었습니다. Franz Paludetto (Turin), Thomas Levy (Hamburg), Lorenzelli (Milan), Centro Steccata (Parma)와 같은 유럽의 주요 갤러리에서 근무했습니다. 오늘은 Ca ‘di Fra’로 대표됩니다. 그의 작품은 Manuli, Moratti 및 Rabolini 컬렉션에 있습니다.

최근 조사
2010 년 Agostino Ferrari는 새로운 시리즈 인 Internal / External을 제시합니다.이 시리즈는 이전 시리즈의 헤아릴 수없고 때로는 혼란스러워하는 검은 영역에서 새로운 글이 나오고, 두께는 인간의 진화 능력에 대한 신뢰의 몸짓으로 두께와 가시성을 회복합니다. 호기심과 재발견 능력. 지난 수십 년 동안 이탈리아뿐만 아니라 주로 중부 유럽 (특히 독일 지역)에서 전시 했음에도 불구하고 작가는 지중해와 국경을 접한 국가들에게 새로운 관심을 기울인 것도이시기였습니다. 실제로, 2011 년에 그것은 Fundación Cultural Frax (L’ Alfàs del Pi, Alicante)의 이베리아 토양에서 최초의 선집이었다; 2012 년에 그는 전시회를 조직 한 최초의 이탈리아 예술가였습니다. 아랍의 봄에서 튀니지에있는 이탈리아 문화 연구소의 지역 섹션과 협력. L’ Signes de rencontre는 중앙 국립 d’ Art Vivant de Tunis에서 열렸으며 관객과 관련된 유명한 튀니지 예술가이자 서예가 Nja Mahdaoui의 회사에서 특이한 (Agostino Ferrari) 공연으로 시작되었습니다.

밀라노에서 20 세기의 박물관
밀라노의 Museo del Novecento는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario)와 밀라노의 인접한 왕궁 (Royal Palace)에 상주하는 20 세기 예술 작품을 상설 전시합니다. 박물관은 왕궁 2 층에 위치하고 1998 년에 문을 닫았 던 이전 시민 예술 박물관 (CIMAC)의 컬렉션을 흡수했습니다.

피아자 델 두오모 (Piazza del Duomo)에있는 팔라 초 델아 렝가 리오 (Palazzo dell’Arengario) 안에 위치한 Museo del Novecento는 20 세기 이탈리아 예술의 발전을 촉진하는 4 천 개가 넘는 작품을 소장하고 있습니다.

Museo del Novecento는 20 세기 예술 지식을 널리 알리고 밀라노 시가 오랜 세월 동안 물려받은 소장품에 대한보다 포괄적 인 통찰력을 제공하기 위해 2010 년 12 월 6 일에 설립되었습니다. 주요 전시 활동 외에도 박물관은 20 세기 이탈리아 문화 예술 유산의 보존, 조사 및 홍보에 적극적으로 참여하여 더 많은 사람들에게 도달하려는 최종 목표를 가지고 있습니다.

Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian 및 Picasso를 포함한 외국 예술가의 싱글 룸 하우징 작품 외에도 박물관에 전시 된 작품의 대부분은 이탈리아 예술가입니다. Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi 및 Ardengo Soffici의 작품으로 주요 섹션이 이탈리아 미래 학자에게 바쳐졌습니다. 주세페 펠리 짜 다 볼 페도의 대형 캔버스 Il Quarto Stato (1902)도 방 안에 전시되어 있습니다.

박물관의 다른 섹션은 Giorgio de Chirico, Lucio Fontana 및 Morandi와 같은 개별 아티스트에게 바쳐졌습니다. 추상주의, 아르테 포 베라 (Arte Povera), 노베 켄토 이탈리아 노 (Noveecento Italiano), 포스트 인상파와 현실주의, 풍경과 기념비 예술과 같은 장르를 포함하여 20 세기의 예술 운동에 관한 섹션도 있습니다.