아카데믹 아트 또는 아카데미즘 또는 아카데미즘은 영향을 받아 제작 된 그림, 조각 및 건축 스타일입니다. 특히 학문 예술은 신고전주의와 낭만주의의 운동과 프랑스의 두 가지 운동을 뒤 따르는 두 가지 스타일을 모두 따르고 자하는 예술인 프랑스 아카데미 데 보자르의 표준에 영향을받는 예술과 예술가입니다. 그리고 William-Adolphe Bouguereau, Thomas Couture 및 Hans Makart의 그림에 가장 잘 반영됩니다. 이러한 맥락에서 그것은 종종 “아카데미즘 (acdemism)”, “학술 (academicism)”, “예술 pompier (예술 pompier)”(선택적으로), “선택주의 (electicism)”로 불리며, 때로는 “역사주의 (historicism)”와 “비교주의 (syncretism)”와 관련이있다.
아카데믹 아트에는 유럽 아카데미의 영향을 받아 만들어진 회화와 조각품이 포함되어 있으며,이시기에 많은 예술가들이 정식 교육을 받았습니다. 아카데믹 아트는 허용되는 주제 나 원하는 주제에 대해 주로 문학적, 신화 적, 역사적 동기가있는 정경에 헌신했습니다. 그녀의 예술가들은 일상이나 불경을 묘사하는 데 관심이 없었습니다. 따라서 아카데믹 아트는 현실적이지 않고 이상적입니다.
스타일 측면에서, 학문 예술은 아리스토텔레스의 완벽하고 선택적인 현실 모방 (모방)의 이상을 배양했습니다. 색상, 빛 및 그림자의 완벽한 숙달을 통해 모양은 거의 사실적인 방식으로 해결되었습니다. 일부 그림에는 완성 된 작업에서 더 이상 브러시 스트로크를 볼 수없는 “광택 마감”이 표시됩니다. 이 예술의 이상은 19 세기 중반 사진의 발명에 의해 기초에 흔들 렸습니다.
신고전주의와 낭만주의의 영향을받은 프랑스 École des Beaux-Arts는 특히 스타일에 영향을 미쳤다. 이후의 학술 예술은 윌리엄 아돌프 부게로 (William Adolphe Bouguereau), 토마스 쿠튀르 (Thomas Couture), 한스 마 카트 (Hans Makart)의 그림에서 잘 볼 수있는이 두 가지 스타일을 종합했습니다.
후기 예술 스타일, 특히 인상주의의 출현으로 학문 예술은 멸시되고 “절충주의”로 기각되었다. 20 세기 초부터 말까지, 그것은 대부분의 예술 전문가들에 의해 그다지 중요하지 않은 것으로 간주 되었기 때문에 박물관의 창고에 거의 언급되어 사라지지 않았다. 때때로 그들은 비열하게 “예술 pompier”라고 불렸다. 학문적 스타일의 그림은 또한 국가 사회주의 예술 정치에 의해 절대 표준으로 제정되었다는 사실에 의해 불신했다. 1960 년대까지 대부분의 나이 든 예술가들만이 그녀에게 충성을 유지했습니다.
핀 드 siècle의 학술 예술이 조금씩 “재발견”된 이후 1990 년대에야 그에 대한 인식이 높아졌습니다. 그림은 자체 전제 조건을 반영하고 질문함으로써 자신의 길을 갔지만, 특히 영화, 특히 샌들 영화는 과거의 재구성을위한 학계의 정욕을 계속했다.
프랑스 학계
이탈리아에서 소방관 인 프랑스 이름 pompier의 기원은 불확실합니다. 전투 중 헬멧과 비슷한 고전 신과 영웅 인물의 헬멧에서 유래하거나 안전 작업과 함께 동일한 소방관을 나타낼 수 있습니다 공식 살롱에서 문을 열거 나 Charles Gleyre 서클의 화가, 폼페이의 그림 모방의 지지자 또는 마지막으로 많은 화려하고 수사적 인 그림 표현을 언급합니다.
18 세기에 일어 났고 19 세기 전반으로 확대 된 신고전주의의 예술적 흐름은 그 스타일이 합리적으로 엄격하여 학교에서의 가르침에 빌려 주어야 할 첫 번째 요구 조건을 가지고 있었다. , 이미 사회의 눈에 보이는 본질과 실제 생활이 아니라 예술 작품과 그 먼 과거, 그리스와 로마의 역사와 신화의 모방의 경로는 조화와 이상적인 아름다움의 모델로 표시되었습니다. 프랑스에서는 데이비드의 예술에 대한 암시적인 예 (아카데미와 개인적으로 반대되는)와 학생 잉 그레스의 예가 합의를 전달하고 모방자를 만들어 낼 것입니다.
왕립 회화 및 조각 아카데미 (Royal Academy of Painting and Sculpture)는 1648 년 프랑스에서 예술가들에게 품질 인증서를 보장하고 단순함과 화려 함, 조화와 순결에 기반한 스타일을 부여하기 위해 만들어졌습니다. 이를 위해 다음 원칙을 준수 할 필요성이 언급되었습니다.
누드와 해부학 연구
고대와 이상화 된 자연의 모방
plein air 대신 스튜디오에서 작품의 실현
색상보다 디자인의 우선 순위
일의 완전성
이 훈련 기준은 수세기에 걸쳐 변하지 않았으며 데이비드의 학생들과에 그레의 교수 인 에콜 데 보자르 (Ecole des Beaux-Arts)의 교수들에 의해 유지되었습니다. 살아있는 모델로서 누드의 실행으로 구성된 경쟁.
역사의 아카데미
최초의 예술 아카데미는 1563 년 1 월 13 일 이탈리아의 피렌체에서 Cosimo I de ‘Medici에 의해 건축가 조르지오 바사리 (Giorgio Vasari)의 영향을 받아 아카데미 전자 Compagnia delle Arti del Disegno (아카데미 예술 아카데미 및 회사)의 영향으로 설립되었습니다. 두 개의 다른 수술 지점으로 나뉘어 있음). 회사는 토스카나의 모든 작업 예술가가 참여할 수있는 일종의 회사 였지만 아카데미는 Cosimo 법원의 가장 뛰어난 예술적 인물만으로 구성되었으며 Medicean주의 전체 예술 작품을 감독하는 임무를 수행했습니다. 이 Medicean 기관에서 학생들은 “arti del disegno”(Vasari가 만든 용어)를 배우고 해부학과 기하학에 관한 강의를 들었습니다. 또 다른 아카데미 인 아카데미아 디 산 루카 (Acadademia di San Luca)는 화가의 수호 성인 인 세인트 루크 (St. Luke)의 이름을 따서 명명되었으며 약 10 년 후에 로마에서 설립되었습니다. 아카데미아 디 산 루카는 교육 기능을 수행했으며 피렌체보다 예술 이론에 더 관심이있었습니다. 1582 년 Annibale Carracci는 공식적인 지원없이 볼로냐에서 매우 영향력있는 Desiderosi 아카데미를 개설했습니다. 어떤면에서 이것은 전통적인 예술가의 작업장과 비슷했지만, 그는 “아카데미”라고 라벨을 붙일 필요성이 당시 아이디어의 매력을 보여 주었다고 느꼈습니다.
Accademia di San Luca는 나중에 1648 년 프랑스에서 설립 된 Académie royale peinture et de de 조각의 모델이되었으며 나중에 Académie des beaux-art가되었습니다. Académie royale peinture et de 조각은 “자유로운 예술을하는 신사”예술가를 육체 노동에 종사하는 장인과 구별하기 위해 설립되었습니다. 예술 제작의 지적 요소에 대한 이러한 강조는 학술 예술의 주제와 스타일에 상당한 영향을 미쳤습니다.
프랑스의 모든 예술 활동을 통제하는 것을 목표로하는 루이 14 세가 1661 년 아카데미 왕실과 조각품을 개편 한 후, 나머지 세기 동안 예술적 태도를 지배 한 회원들 사이에서 논란이 일어났다. 이 “스타일의 전투”는 Peter Paul Rubens 또는 Nicolas Poussin이 따라야 할 적절한 모델인지에 대한 갈등이었습니다. “poussinistes”라고 불리는 Poussin의 추종자들은 선 (disegno)이 지성에 호소하기 때문에 예술을 지배해야한다고 주장했고, “rubenistes”라고 불리는 루벤스 추종자들은 그 색 (컬러)이 예술을 지배해야한다고 주장했다. 감정에 호소하십시오.
토론은 19 세기 초에 장 오귀스트 도미니크 인 그레스의 작품으로 대표되는 신고전주의주의 운동과 Eugène Delacroix의 작품으로 대표되는 낭만주의의 운동에 의해 되살아났다. 토론은 자연을 보면서 예술을 배우는 것이 더 좋았는지, 과거의 예술적 주인을 보면서 배우는 것이 더 나은지에 대해서도 일어났습니다.
프랑스 모델을 사용하는 아카데미는 유럽 전역에 형성되었으며 프랑스 아카데미의 가르침과 스타일을 모방했습니다. 영국에서는 왕립 아카데미였습니다. 1754 년에 설립 된 왕립 덴마크 미술 아카데미 (Royal Danish Academy of Fine Arts)는 소규모 국가에서 성공적인 모범으로 여겨 질 수 있으며, 이는 국가 학교를 만들고 수입 예술가에 대한 의존도를 줄이려는 목표를 달성했습니다. 대략 1800 ~ 1850 년의 덴마크 황금 시대 화가들은 거의 모두 그곳에서 훈련을 받았으며 많은 사람들이 가르치기 위해 돌아 왔고 덴마크 예술의 역사는 다른 나라의 경우보다 학문 예술과 다른 스타일 사이의 긴장으로 훨씬 덜 두드러졌습니다. .
아카데미로의 이동의 한 가지 효과는 19 세기 후반 (로얄 아카데미의 경우 1186 년)까지 대부분의 아카데미에서 배제 된 여성 예술가들에게 훈련을 더 어렵게 만드는 것이었다. 이것은 과도한 노출로 인한 부적합에 대한 우려 때문이었습니다. 20 세기까지 여학생을위한 특별 준비가 종종 이루어졌습니다.
학업 스타일의 개발
Poussiniste-Rubeniste 토론이 시작된 이후 많은 예술가들이 두 스타일 사이에서 작업했습니다. 19 세기에 부활 된 형태의 토론에서 예술계의 관심과 목표는 낭만주의의 색과 신고전주의의 선을 합성하는 것이되었다. 테오도르 차 세리아, 아리 셰퍼, 프란체스코 헤이 에즈, 알렉산드르 가브리엘 데 캄스, 토마스 쿠튀르 등 합성가를 달성했다고 비평가들에 의해 한 작가가 주장했다. 나중에 학계 예술가 인 윌리엄-아돌프 부게로 (William-Adolphe Bouguereau)는 훌륭한 화가가되기위한 속임수는 “같은 것과 같은 색과 선”을 보는 것이라고 언급했다. 토마스 쿠튀르 (Thomas Couture)는 그림에서 더 나은 색상을 가졌거나 더 나은 라인을 가졌다 고 말할 때마다 색상이 눈에 띄게 나타날 때마다 그것을 전달하기 위해 라인에 의존하기 때문에 넌센스라고 주장하면서 예술 방법으로 저술 한 책에서 같은 아이디어를 홍보했습니다. 그 색은 실제로 형태의 “가치”에 대해 이야기 할 수있는 방법이었습니다.
이 시대의 또 다른 발전에는 역사주의라고 불리는 그림에서 묘사 된 역사의 시대를 보여주기 위해 역사적인 스타일을 채택하는 것이 포함되었습니다. 이것은 James Tissot에 영향을 준 Baron Jan August Hendrik Leys의 작품에서 가장 잘 나타납니다. Neo-Grec 스타일의 개발에서도 볼 수 있습니다. 역사주의는 또한 과거와는 다른 전통 예술의 혁신을 통합하고 조정해야한다는 학문 예술과 관련된 신념과 실천을 의미합니다.
예술 세계는 또한 예술의 우화에 점점 더 집중하고 있습니다. 선과 색의 중요성에 대한 이론은 이러한 요소를 통해 예술가가 매체를 제어하여 심리적 효과를 만들어 테마, 감정 및 아이디어를 표현할 수 있다고 주장했다. 예술가들이이 이론들을 실제로 합성하려고 시도함에 따라, 우화 적이거나 비유적인 수단으로 작품에 대한 관심이 강조되었다. 회화와 조각의 표현은 평범한 묘사 뒤에 추상, 영원한 진리를 엿볼 수있는 플라톤 양식 또는 이상을 불러 일으켜야한다고 주장되었습니다. 따라서 Keats의 유명한 계류 “아름다움은 진실, 진실의 아름다움”입니다. 그림은 “아이디”, 완전하고 완전한 아이디어가되기를 원했다. 부게로 (Bouguereau)는 “전쟁”을 그리는 것이 아니라 “전쟁”을 그리는 것이라고 알려져있다. 학계 예술가들의 많은 그림은 Dawn, Dusk, Seeing 및 Tasting과 같은 제목을 가진 단순한 자연의 주장이며,이 아이디어는 아이디어의 본질을 이끌어내는 방식으로 구성된 단일 누드 인물로 구체화됩니다.
예술의 경향은 또한 이상주의에 대한 것이었다. 현실주의와는 반대로, 묘사 된 인물들이 그들이 추구했던 이상을 표현할 수 있도록 더 단순하고 더 추상적이면서 이상적으로 만들어졌다. 이것은 자연에서 볼 수있는 형태를 일반화하고 작품의 통일성과 주제에 해당하는 형태를 포함 할 것이다.
역사와 신화는 아이디어의 연극이나 변증법으로 간주 되었기 때문에, 이러한 주제의 주제를 사용하여 중요한 우화를위한 비옥 한 근거는 가장 심각한 형태의 회화로 간주되었습니다. 고전, 종교, 신화, 문학, 우화 주제와 같은 역사 그림이 맨 위, 다음 장르 그림, 인물 사진, 정물화 및 풍경에 배치 된 17 세기에 만들어진 장르의 계층 구조가 중요하게 여겨졌습니다. . 역사 그림은 “그랑 드 장르”로도 알려져 있습니다. Hans Makart의 그림은 종종 삶의 역사적 드라마보다 크며 19 세기 비엔나 문화 스타일을 지배하기 위해 이것을 장식의 역사주의와 결합했습니다. Paul Delaroche는 프랑스 역사 그림의 전형적인 예입니다.
이 모든 경향은 철학자가 헤겔의 이론에 영향을 받았는데, 그는 역사가 경쟁 아이디어의 변증법이며 결국 합성에서 해결되었다고 주장했다.
19 세기 말에 학문 예술은 유럽 사회를 포화시켰다. 전시회는 자주 열렸으며 가장 인기있는 전시회는 파리 살롱이었으며 1903 년에 시작된 Salon d’ Automne입니다. 이 살롱은 현지인과 외국인 모두에게 많은 사람들을 매료시키는 놀라운 이벤트였습니다. 예술적인 것만큼이나 사회적인 일인만큼, 한 일요일에 5 만 명이 방문 할 수 있으며, 2 개월 동안 50 만 명이 전시를 볼 수 있습니다. 수천 개의 그림이 눈높이 바로 아래에서 천장까지 올라 와서 현재 “살롱 스타일”로 알려진 수천 장의 사진이 전시되었습니다. 살롱에서 성공적으로 상영 된 것은 예술가의 승인을받은 것으로, 점점 더 많은 개인 수집가들에게 작품을 판매 할 수있게했습니다. Bouguereau, Alexandre Cabanel 및 Jean-Léon Gérôme이이 예술계의 주요 인물이었습니다.
학술 예술의 통치 기간 동안, 이전에 호의를 보였던 로코코 시대의 그림은 인기를 되찾았으며, 에로와 프시케와 같은 로코코 예술에서 자주 사용되는 주제가 다시 인기를 얻었습니다. 학계 예술계는 또한 그의 작품의 이상성을 위해 실제로 미켈란젤로보다 그를 선호하기 때문에 라파엘을 우상화했습니다.
폴란드의 아카데믹 아트는 크라쿠프 미술 아카데미를 설립 한 얀 마테 이코 (Jan Matejko)에서 번성했습니다. 이러한 작품의 대부분은 크라쿠프의 Sukiennice에있는 19 세기 폴란드 예술 갤러리에서 볼 수 있습니다.
아카데믹 아트는 유럽과 미국에 영향을 미칠뿐만 아니라 다른 서구 국가에도 영향을 미쳤습니다. 이것은 특히 프랑스 혁명을 모델로 한 혁명이기 때문에 프랑스 문화를 모방하려는 라틴 아메리카 국가의 경우에 그렇습니다. 라틴 아메리카 학자 인 멕시코의 Ángel Zárraga가 그 예입니다.
학문의 패배와 진화
1897 년에 아카데미즘의 패배가 확인되었습니다. Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir, Sisley 및 Paul Cézanne은 정부 명령을 받기 위해 공식 기관인 Musée du Luxembourg에 들어갔다. 인상파의 후원자이자 수집가이자 화가 인 Gustave Caillebotte의 유산은 3 년간의 격렬한 싸움 후에 받아 들여졌습니다 (Degas의 그림 만 처음으로 인정되었습니다). 이 작품들이 실제로 프랑스 회화의 역사의 일부라고 주장한 것은 국가 협의회였습니다. 실제로 배는 반으로 줄었습니다. 67 개의 캔버스 중 29 개가 거부되었습니다. Gérôme은 미술 교수로 의자에서 사임하겠다고 협박했으며,이 그림들을 “쓰레기”로 묘사하고, 룩셈부르크로 들어가서 “국가의 종말”의 표시를 보았습니다.
전위 전류가 배가되었습니다. 클레어 바비 옹은 아카데미와 미술 대학 자체가 더욱 절충되었다고 지적했다. 그녀는 물을 뿌린 형태를 제외하고 제 2 제국에서 거부 된 후 자연주의가 제 3 공화국의 가장 공식적인 화가들에 의해 채택되었다고 썼다. 상징주의에 관해서는 구스타브 모로 (Gustave Moreau)와 같은 형식적으로 상당히 전통적인 예술가들과 고갱 (Gauguin)이나 오 딜론 레돈 (Odilon Redon)과 같은 혁신적인 화가들을 모아 놓았습니다.
1986 년에 Musée d’ Orsay의 개통은 프랑스에서 열띤 논쟁의 계기가 될 것입니다. 많은 사람들은 그 안에“소방관”, 심지어“개정”의 재활을 보게 될 것입니다. 그러나 André Chastel은 1973 년 초에 전 세계적인 심판의 판결, 오래된 전투의 유산, 차분하고 객관적인 호기심으로 대체 될 수있는 이점 만 있다고 생각했다.
학업 훈련
젊은 예술가들은 엄격한 훈련에 4 년을 보냈습니다. 프랑스에서는 시험을 통과하고 유명한 예술 교수로부터 추천서를받은 학생들 만이 아카데미 학교 인 École des Beaux-Arts에 입학했습니다. “아카데미”라 불리는 누드의 그림과 그림은 학문 예술의 기본 구성 요소였으며이를 만드는 법을 명확하게 정의했습니다. 첫째, 학생들은 고전 조각 후에 인쇄물을 복사하여 윤곽, 빛 및 그늘의 원리에 익숙해졌습니다. 이 사본은 학업 교육에 중요한 것으로 여겨졌다. 과거 예술가들의 작품을 복사함으로써 그들의 예술 제작 방법을 동화 할 수있을 것입니다. 다음 단계로 나아가고 모든 후속 단계로 넘어 가기 위해 학생들은 평가를 위해 그림을 제시했습니다.
승인되면 유명한 고전 조각품의 석고 캐스트에서 그림을 그립니다. 이 기술을 습득 한 후에야 예술가들은 라이브 모델이 제기 된 수업에 입장 할 수있었습니다. École des Beaux-Arts에서 회화는 1863 년 이후까지 가르쳐지지 않았습니다. 붓으로 그림을 그리는 법을 배우기 위해서는 먼저 회화 능력을 입증해야했습니다. 그래야만 학생이 학자의 스튜디오에 들어와 페인트 칠하는 법을 배울 수있었습니다. 전체 과정에 걸쳐, 미리 정해진 주제와 정해진 시간 동안의 경쟁은 각 학생들의 진행 상황을 측정했습니다.
시험의 어려움은 학생이 일반적으로 개인 아틀리에에서 긴 견습 과정을 밟은 후에야 경쟁에 복종해야한다는 것을 의미했으며,이 시험에서 엄격한 연구 일정을 따랐습니다. 처음에는 그림이나 인쇄물을 복사해야했고 몇 달 동안 운동을 한 후에 부화와 강탈, 음영으로 넘어갔습니다. 그 다음으로 중요한 단계는 초크의 사본, 흉상 또는 전체 고전 작품의 복제와 예술, 문학 및 신화의 역사에 대한 연구와 함께 여기에서 그림과 조각에서 자주 사용되는 주제로 구성되었습니다.
이 단계 후에, 학생은 “자연 연구”를 시작하여 간단한 스케치 (에 퀴스-구성의 골격)에서 스케치의 더 큰 정의-에바 슈 (Ebauche)-까지의 단계에 따라 살아있는 모델을 그릴 수 있습니다. 그림자는 반 음영과 빛으로 나뉘어졌으며, 세부 사항에 대한주의까지-라 미스 인-완성 된 디자인. 그러나 살아있는 모델은 여전히 ”수정되어야”했고, “자연의 불완전 함”을 없애고 귀족과 장식의 이상적인 모델에 따라 수정해야했습니다.
학생들에게 가장 유명한 예술 경연 대회는 Prix de Rome이었습니다. Prix de Rome의 우승자는 로마의 Villa Medici에있는 Académie française 학교에서 최대 5 년 동안 공부할 수있는 교제를 받았습니다. 경쟁하려면 아티스트는 프랑스 국적, 남성, 30 세 미만, 독신이어야합니다. 그는 에콜의 입학 요건을 충족시켜야하며 잘 알려진 미술 교사의 지원을 받아야했습니다. 이 대회는 마지막 단계 이전에 여러 단계를 거쳐 치열하게 진행되어 72 명의 스튜디오에서 최종 역사 그림을 그리기 위해 10 명의 경쟁자가 격리되었습니다. 우승자는 본질적으로 성공적인 직업 경력을 보장했습니다.
언급 한 바와 같이, 살롱에서 성공적으로 상영되는 것은 예술가의 승인을받은 도장입니다. 예술가들은 “선상에”또는 눈높이에 최적의 배치를 위해 교수위원회를 탄원했다. 전시회가 시작된 후, 예술가들은 자신의 작품이 “하늘에 걸렸다”거나 너무 매달렸다 고 불평했다. 전문 작가의 궁극적 인 성과는 아카데미 프랑세즈 회원 자격으로 선출되었고 학자로 알려질 권리였습니다.
한편, 학생은 개인의 상상력을 자극하기 위해 일상 생활의 순간을 스케치하는 크로키 연습을 통해 작곡에 대한 연구를 계속했습니다.
아카데미 학생은 아틀리에에서 이미 드로잉 코스를 반복하여 마침내 드로잉 코스와 비슷하게 페인팅 코스에 도달했습니다. 아카데미에서 특별 코스가 열렸던 스케치가 크게 중요해졌습니다. 경쟁은 다음과 같습니다. 세부 사항을 무시하고 자신의 작곡 개념에 일반적인 형태를 부여한 학생의 창의성을 표현했습니다. 그러나이 창의력은 석사 연구에 의해 훈련되고 규제되어야했다. 따라서, 에스 퀴스에서 숯으로 만든 에바 우치 (Ebauche)로 진행되었고, 그 위에 소스가 통과 한 연한 붉은 벽돌이 있었다. 그 후, 클리어를 반죽하고 그림자를 투명하게하기 위해 희석 하였다.
따라서 학업 과정의 초점은 살아있는 모형, 초승달을 재현 한 초크, 르네상스 주인의 그림의 사본에 있습니다. 이런 식으로, 학생은 수동 기술과 볼륨을 정리하는 방법을 숙달했을뿐 아니라 과거의 방향을 향한 사고 방식을 취했습니다. 그는 끊임없이 발명품의 출처를 이끌어 냈습니다. 따라서 아카데미를 떠난 화가는 이미 수행 한 작업을 다시 수행하거나 이미 발명 된 내용을 변경하거나 사용 된 소스를 위장하도록 유도되었습니다.
학문적 배경은 예술가의 전문성을 증명했으며, 그는 사회에서 “순서에 따른 논문”을 제시 할 수 있었다. 그러나 결정적인 인정을 받고 공식 주위원회와 개인 수집가위원회를 보장하기 위해서는 로마의 Prix de Paris와 Paris Salon에서 성공을 거두어야했다.
비판과 유산
구스타브 쿠르베 트와 같은 현실주의 예술가들은 이상 주의적 진부를 기반으로하고 신화적이고 전설적인 동기를 나타내는 반면, 현대 사회의 관심은 무시되는 것으로 학문 예술이 이상주의를 사용한다는 비판을 받았다. 현실 주의자들에 의한 또 다른 비판은 그림의 “거짓 표면”-묘사 된 물체가 매끄럽고 매끄럽고 이상적으로 보임-실제 질감이 없음을 나타냅니다. Realist Théodule Ribot은 그의 그림에서 거칠고 완성되지 않은 텍스처를 실험하여이 문제를 해결했습니다.
엄밀히 말하면, 야외에서 눈이 보는 것과 손이 내려 놓는 것을 신속하게 야외에서 그림으로 옹호했던 인상파들은 완성되고 이상적인 그림 스타일을 비판했습니다. 학계 화가들은 먼저 그림을 그린 다음 주제에 대한 오일 스케치를 그려 그림을 시작했지만, 그림에 대한 높은 광택은 인상 주의자들에게 거짓말을하는 것처럼 보였다. 오일 스케치 후 아티스트는 학술적인 “fini”를 사용하여 최종 그림을 제작하여 스타일 표준에 맞게 그림을 변경하고 이미지를 이상화하고 완벽한 디테일을 추가하려고합니다. 마찬가지로, 원근법은 평평한 표면에 기하학적으로 구성되어 있으며 실제로 시력의 산물이 아닙니다. 인상파들은 헌신을 기계적 기술에 반박했습니다.
현실 주의자와 인상파는 또한 장르의 계층 구조의 맨 아래에 정물과 풍경의 배치를 무시했다. 아카데미즘에 반항하는 초기 전위 이론가들 중 대부분의 현실 주의자들과 인상파 주의자들과 다른 사람들은 원래 학계 아틀리에에서 학생들 이었다는 점에 주목하는 것이 중요하다. 클로드 모네, 구스타브 쿠르베, 에두아르 마네, 심지어 앙리 마티스도 학계 예술가들의 학생이었습니다.
현대 미술과 그 전위는 더 많은 힘을 얻음에 따라, 학업 미술은 더욱 부정되었고, 감상적, 진부한, 보수적, 비 혁신적, 부르주아 적, 그리고 “스타일이없는”것으로 여겨졌다. 프랑스 인은 학문적 예술 스타일을 학문적 스타일로 불렀다. L’ art Pompier (포메 이어는 “소방관”을 의미 함)는 Jacques-Louis David (아카데미에 의해 존중 받았음)의 그림을 암시하며 종종 소방관과 같은 헬멧을 쓴 군인을 묘사했습니다. . 이 그림들은 “그랜드 머신 (Grande Machines)”이라 불리며,이 작품은 관용과 속임수를 통해 잘못된 감정을 만들어 냈다고한다.
이 학문 예술의 거부는 모든 학문 예술이 “부엌”이라고 말한 예술 평론가 클레멘트 그린버그의 저술을 통해 최고점에 도달했습니다. Symbolist 화가들과 일부 초현실주의 자들과 같은 다른 예술가들은 전통에 더 친절했습니다. 상상의 풍경을 생생하게 표현하려는 화가로서,이 예술가들은 강한 표현 전통에서 배우고 자했습니다. 전통이 구식으로 여겨지 자, 우화적인 누드와 연극 적으로 제시된 인물은 일부 시청자들을 기괴하고 꿈 같은 것으로 강타했습니다.
포스트 모더니즘이 더 완전하고 사회주의적이고 다원적 인 역사에 대한 기록을 제공한다는 목표로 학문 예술은 역사 책과 토론으로 다시 돌아 왔습니다. 1990 년대 초 이래로 아카데믹 아트는 Classical Realist 아틀리에 운동을 통해 제한된 부활을 경험했습니다. 또한,이 예술은 대중에 의해 폭넓게 인식되고 있으며, 학술 회화는 한 번 경매에서 수백 달러 만 가져 왔으며 일부는 현재 수백만 달러를 가져 왔습니다.