2020년 스웨덴 스톡홀름 현대미술관 전시리뷰

현대미술관(Moderna Museet)은 1958년 스톡홀름 중심부의 스켑스홀멘 섬에 위치한 국립현대미술관으로, 2009년 스웨덴 남부 말뫼에 새로운 분관인 Moderna Museet을 오픈했습니다. 말뫼. Moderna Museet은 세계적으로 유명한 컬렉션뿐만 아니라 획기적인 전시회, 공연 및 기타 프레젠테이션을 위해 국제 예술가를 초청한 오랜 역사를 가지고 있습니다.

130,000점 이상의 작품으로 구성된 미술 컬렉션을 보유한 Moderna Museet(현대 미술관)은 현대 및 현대 미술을 위한 스웨덴 최고의 박물관입니다. Moderna Museet에는 유럽 최고의 현대 및 현대 미술 컬렉션이 있습니다. 컬렉션에는 1900년 이후의 현대 회화, 조각, 사진 및 예술 영화가 포함되며 사진의 경우 1840년경도 포함됩니다.

여기에는 Pablo Picasso, Ljubov Popova, Salvador Dalí, Meret Oppenheim, Robert Rauschenberg, Donald Judd 및 Irving Penn의 주요 작품과 함께 현대 실천 예술가의 작품이 포함됩니다. 여기에서 컬렉션의 다양한 부분과 그 역사에 대해 읽을 수 있습니다.

Warhol, Picasso 및 Dali와 같은 예술가들의 국제 걸작과 20세기와 21세기의 저명한 예술가들의 임시 전시회를 결합함으로써 Moderna Museet은 끊임없이 변화하는 예술 경험을 위해 많은 재방문 방문객을 끌어들입니다. 원래 컬렉션은 스웨덴과 북유럽 미술, 1950년대와 60년대의 미국 미술, 프랑스 중심의 모더니즘이 지배했지만 컬렉션을 확장하여 더 많은 여성 예술가를 포함하고 전 세계의 작품으로 보다 다양한 컬렉션을 만들었습니다. 세계.

컬렉션의 일부만 전시할 수 있습니다. 그러나 그것은 우리가 전시회에서 새로운 통찰력과 끊임없는 변화를 통해 표준 미술 역사 내러티브를 탐구하고 재구성하도록 허용합니다. 여기에는 2009년에 개장한 이후 컬렉션에서 작품을 선택하고 전시하는 혁신적인 각도를 가진 Moderna Museet Malmö가 포함됩니다.

Moderna Museet은 사람과 예술을 위한 자극적인 플랫폼으로 청중에게 동등하게 예술을 접할 수 있는 우아하고 매력적이며 직접적인 방법을 제공합니다. Moderna Museet은 세계적인 수준의 예술을 폭넓은 청중이 이용할 수 있도록 하는 자극적인 플랫폼이 되어 새로운 아이디어를 위한 공간을 만들고 영감을 줍니다.

머드 뮤즈 – 기술에 대한 호언장담
완전히 융합된 것처럼 보이는 시대에 우리는 삶과 기술의 관계를 어떻게 이해합니까? 그룹 쇼 “Mud Muses – A Rant About Technology”는 Robert Rauschenberg의 설치물과 공상 과학 작가 Ursula K. Le Guin의 에세이에서 제목을 따왔습니다. (성)코드를 조작하고 조작하고, 주관성을 뒤집고, 다른 지능과 연결하고, 기술의 약속을 방해하는 19명의 아티스트 및 아티스트 그룹을 만나보세요.

1960년대 목표는 기술을 일상 생활과 통합하는 것이었습니다. 2019년에는 통일이 실현되고 완성된 것처럼 보입니다. 삶과 예술과 기술의 차이를 추적할 수 있었던 것은 역사와 상상 속 여행을 통해서였을까? Robert Rauschenberg의 50년 된 작품 “Mud Muse”(1968-1971)에서 음파 진동은 합성 슬러지로 채워진 크고 개방된 통에서 임의의 기포를 생성합니다. 여기서 기술과의 만남은 끈적거리고 혼란스러워집니다. Mud Muse가 실제로 무엇인지는 불확실하지만 설치는 한 가지를 분명히 합니다. 기술은 시간과 공간을 만들어 우리의 현실 감각에 영향을 주는 개념이라는 것입니다.

예술과 기술이라는 주제는 Moderna Museet의 초석입니다. “Movement in Art”(1961), Tatlin 전시회(1968), “Ararat”(1976)와 같이 박물관이 설립된 해에 인간과 기계에 관한 몇 가지 중요한 전시회가 열렸으며 박물관 자체는 정보 센터와 일종의 송전소, 사회가 기술의 이미지로 어떻게 재구성되는지를 보여주는 초기 사례입니다. “Mud Muses”는 1960년대 이후 테마가 겪었던 중요한 변화를 통해 여행에서 이 역사를 다시 방문하지만 동시에 출발하여 역사적, 문화적 배경에 대한 새로운 해석을 제공합니다.

Ursula K. Le Guin은 그녀의 텍스트 “A Rant About Technology”(2004)에서 상식과 진보에서 기술을 분리합니다. 그녀는 “기술은 물질 세계와의 능동적인 인간 인터페이스”라고 씁니다. 이 간단한 정의는 기술의 개념을 확장하고 그것이 ‘선진’ 문화에만 속하거나 역사의 종말에 속하는 것이 아님을 보장합니다. 그러나 이 방정식에서 ‘물질 세계’는 어떻게 작용합니까? 그리고 기술의 ‘액티브 인터페이스’는 인간과 사회에 어떤 영향을 미칩니까?

Nalini Malani 및 Akbar Padamsee, Robert Rauschenberg, Anna Sjödahl, Charlotte Johannesson 및 디지털 극장, Suzanne Treister, Soda Jerk 및 VNS Matrix, Ian Cheng, Sidsel Meineche Hansen 및 Cultural Capital Cooperative, Armando Mariano Marubo, Paulino Joaquim Maru와의 비전 교환 워크숍 및 Antônio Brasil Marubo, The Otolith Group, Lucy Siyao Liu, Branko Petrović och Nikola Bojić, CUSS 그룹, Jenna Sutela, Nomeda 및 Gediminas Urbonas, Anna Lundh, Emil Rønn Andersen, Eva Löfdahl, Amitai Rommo nordisk의 입문서, .

Walid Raad – 솔직히 말해서 날씨가 도움이 되었습니다.
이 Walid Raad 회고전은 그가 존재하기를 원하거나 두려움이 이미 존재하는 문서와 시나리오를 특징으로 합니다. 우리는 또한 종합적인 퍼포먼스 작업에서 작가 자신을 만난다. “솔직히 말해서 날씨가 도움이 됐어”는 복잡하면서도 재미있고 매우 우아한 전체성이다. 의심할 여지 없이 올 봄 가장 필견의 전시회(Dagens Nyheter). 전시는 회고적이지만 연대순은 아니다. Raad의 주요 프로젝트 작업은 전례 없는 방식으로 나란히 제시되어 그의 작품과 그가 탐구하는 주제에 대한 새로운 접근 방식을 제시합니다.

Walid Raad는 1980년대 후반에 아티스트 경력을 시작했으며 주로 Atlas Group, Sweet Talk: Commissions 및 내가 거부할 수 있는 것들에 대한 Scratching의 세 가지 주요 프로젝트에서 작업했습니다. 이 프로젝트는 레바논 내전 기간 동안 베이루트에서 성장하고 뉴욕으로 이주하여 전 세계적으로 확장된 예술 세계에서 새로운 경력을 쌓은 그의 경험과 밀접하게 연결되어 있습니다. Raad는 폭력이 신체, 정신, 문화 및 전통에 어떤 영향을 미치는지 관여합니다. 그의 사진, 비디오 테이프, 조각, 텍스트 및 혼합 미디어 설치에서 Raad는 역사적 사건에서 시작하여 겉보기에 터무니없고 기이하고 놀라운 상황과 문서를 상상합니다.

Walid Raad는 가장 유명한 현대 예술가 중 한 명입니다. 그의 작품은 도큐멘타와 베니스 비엔날레에서 선보였으며 전 세계 박물관에서 주요 개인전을 가졌다. Raad의 혁신적인 예술적 실천은 특히 그의 매우 독특한 공연 또는 그가 부르는 “Walkthrough”로 널리 인정되고 수상되었습니다. Walid Raad는 1967년 레바논에서 태어났습니다. 그는 현재 뉴욕 북부의 메두사에 살고 있습니다.

독특한 공연으로 아티스트 Walid Raad를 만나보세요. 이 작품은 역사적, 정치적, 경제적, 문화적, 철학적 스레드를 어지럽고 상상력이 풍부하고 조명하는 내러티브로 엮어냅니다. Walid Raad의 워크스루 중 하나에서 그의 예술을 경험하는 것이 좋습니다. 공연은 23회에 걸쳐 진행된다. “Kicking the Dead and/or Les Louvres”는 75분짜리 공연으로 Raad는 이를 “워크스루”라고 부릅니다. 전시와 함께 진행되며 강의식 프리젠테이션, 영상 상영, 전시 공간 산책 등으로 구성된다. 주제별로 Walid Raad는 루브르 박물관 아부다비 개관에 집중합니다. 그의 탐구는 그를 제1차 세계 대전, 예술 교육, 보험, 땀, 고층 건물의 역사에 참여하도록 이끕니다.

공연 외에도 Walid Raad는 전시회의 5가지 가이드 투어를 개최합니다. 전시회의 큐레이터인 Fredrik Liew도 정기적으로 특별 가이드 투어를 제공합니다. 모든 가이드 투어와 공연은 달력에 나와 있습니다.

존 발데사리
미국 예술가 John Baldessari는 예술이 무엇인지, 어떻게 만들어지고 어떻게 생겼는지에 대한 질문을 하는 개념 예술을 만들었습니다. 대중 문화의 이미지와 언어적 탐구를 결합한 그의 작품은 평생 동안 예술적 규범과 한계에 도전했습니다. 약 30여 점의 이 전시회는 스웨덴에서 그의 작품을 광범위하게 선보이는 첫 번째 전시입니다.

50년이 넘는 기간 동안 John Baldessari(1931-2020)는 텍스트와 이미지 사이의 관계와 이 두 가지가 결합될 때 나타나는 현상을 탐구했습니다. 그의 개념적 작품에는 종종 유머와 아이러니가 깔려 있습니다. 전시회는 Baldessari의 전체 경력에 걸쳐 있으며 그의 예술적 실천의 폭을 보여줍니다. 당신은 회화, 사진, 움직이는 이미지 및 수행 행위의 흔적을 접하게 됩니다. John Baldessari의 많은 작품에서 실제 선택 과정은 중심 주제입니다. 이번 전시에 출품된 작품들 중에는 발데사리가 어떻게 선택이나 결정을 다른 사람이나 우연에 맡겼는지, 또는 작품을 형성하는 선택을 제한하는 장난기 있는 규칙을 설정하는 사례가 있다.

Baldessari는 사진 이미지나 다른 유형의 텍스트가 그림보다 자신의 예술적 의도를 더 잘 표현할 수 있다는 것을 일찍 깨달았습니다. 그의 작업에서 그는 종종 예술-역사적 요소와 대중 문화를 결합하여 예기치 않은 병치를 만듭니다. 할리우드와 영화 제작에서 버려진 흑백 스틸은 끊임없는 재료의 원천이었습니다. 나중에 그는 채색된 점 뒤에 있는 사진에서 개인의 얼굴을 가리기 시작하여 인물을 익명으로 만들고 시선이 이미지의 다른 부분으로 이끌리도록 했습니다.

그의 예술 경력 전반에 걸쳐 Baldessari는 예술의 본질, 그것이 어떻게 만들어지고 어떻게 생겼는지에 관심이 있었습니다. 언어와 텍스트는 1960년대에 예술 작품의 미적 특성보다 예술 작품 이면의 아이디어를 강조한 많은 다른 예술가들뿐만 아니라 그에게도 기본적인 도구가 되었습니다. 이번 전시에도 수록된 영상 작품 “나는 예술을 만들고 있다”(1971)에서 발데사리는 카메라 앞에서 뻣뻣하게 움직이며 매번 다른 강조로 “나는 예술을 만들고 있다”는 말을 반복한다. – 개념 예술과 모든 행동이 예술이 될 수 있다는 개념에 고개를 끄덕입니다.

단지 “사물을 가리키는” 개념 예술에 대한 비판은 Baldessari가 “Commissioned Paintings”(1969) 시리즈를 만들도록 영감을 주었습니다. 그는 친구에게 흥미로운 물건을 가리키도록 요청하고, 가리키는 과정을 사진으로 찍고, 아마추어 화가에게 사진을 복사하도록 의뢰했습니다. 그림 아래에는 간판 화가에게 화가의 이름을 따라 “A painting by”라고 쓰라고 요청했습니다. 이 “위탁 그림”은 발데사리 자신의 흔적이 없으며 예술가의 감정적 삶과 천재성을 직접적으로 표현한 추상 표현주의의 작품 개념에 대한 논평으로 읽을 수 있습니다.

아리스 피오레토스 – 아틀라스
책의 연구실 “아틀라스”는 우리와 믿을 수 없을 정도로 유사한 평행 세계에 생명을 불어넣습니다. 픽션과 문화사 사이를 오가며 우리는 동명의 전시에서 텍스트의 우주를 만난다. Aris Fioretos는 Pontus Hultén 스터디 갤러리의 전시 비하인드 스토리의 저자입니다. 문학이 3차원이 되면 어떻게 될까요? 전시 “아틀라스”는 Fioretos가 1900년경 수십 년 동안 인류에 대한 현대적 관점의 출현을 추적하는 동명의 새 책을 기반으로 합니다. 인간 고통의 전체 역사” 24개 장면. 파트북과 파트전시, ‘아틀라스’는 문학의 한 분야에 대한 통찰력을 제공합니다.그의 가장 유명한 의사(프랑켄슈타인)는 그의 “불결한 창조의 작업장”이라고 불렀습니다.

Aris Fioretos의 새 책 “Atlas”는 에세이와 픽션을 융합합니다. 그의 이전 세 소설인 “Irma”, “The Truth about Sascha Knisch” 및 “Nelly B:s Hjärta”(Nelly B’s Heart)는 1933년까지의 역사적 사실을 기반으로 합니다. 세 명의 주인공은 연결되어 있지만 독립적입니다. 신체 기관. 스톡홀름은 주로 의학과 주요 사회 변화에 관한 이야기의 배경으로 중요합니다. 전시는 마치 조각된 인물이 있는 건축 모델로 약 20개의 정서적 상태가 제시되는 캐비닛과 같습니다. 모델/테이블은 세 부분으로 나뉘며 각각 세 명의 여성 주인공과 조화를 이룹니다.

그것은 모두 사망 기사로 시작되었습니다. 어느 날, Aris Fioretos는 National Board of Health의 기록 보관원이 친족이 없는 나이로 사망한 것을 발견했습니다. 그는 Iris Frost의 이름이 그의 첫 소설에 나오는 단역 캐릭터의 이름과 비슷하지 않았다면 Iris Frost에게 다른 생각을 주지 않았을 것입니다. 호기심에 신문에 연락해 부고를 제출한 사람의 번호를 알아냈다. 그들이 만났을 때 삶은 소설보다 더 낯선 것으로 판명되었습니다. 고인은 뇌, 생식기, 심장이 20세기 초에 등장한 인류의 관점에 어떻게 영향을 미쳤는지에 대한 그의 소설을 읽었을 뿐만 아니라 그에 대해 논평하기도 했습니다.

스톡홀름 현대미술관
Moderna Museet은 1958년 5월 9일 Skeppsholmen의 운동장에서 개관했습니다. 국립 박물관의 관장인 Otte Sköld는 그의 취임 연설에서 일찍이 1908년에 국립 박물관의 현재 지역 예술 문제가 다루어졌다고 상기시켰습니다. 진지하게 그리고 이 컬렉션을 위한 새로운 건물에 대한 아이디어. 죽기 직전에 Otte Sköld는 박물관이 깨달았고 새로운 박물관을 만들겠다는 그의 약속이 결정적임을 직접 보았습니다. 1953년에 설립된 현대 박물관의 친구들과 함께 그는 국립 박물관의 20세기 미술 컬렉션을 자신의 집으로 만들었습니다. 박물관의 운전 감독인 Pontus Hultén과 Olle Granath는 다음 수십 년 동안 이러한 의도를 추구하기 위해 접촉하고 계획했습니다.

박물관은 1958년 국립박물관에서 스톡홀름의 Skeppsholmen에 있는 해군 훈련장으로 이전되면서 문을 열었습니다. 현재의 건물은 1998년에 완공되었으며 오래된 박물관 건물과 인접해 있으며 스페인 건축가 Rafael Moneo가 설계했습니다. 2009년 말뫼에 모데르나 미술관이 문을 열었습니다.

Moderna Museet 컬렉션은 현재 약 6,000점의 회화, 조각 및 설치, 25,000점의 수채화, 드로잉 및 판화, 400점의 예술 비디오 및 영화, 100,000점의 사진으로 구성되어 있습니다. 컬렉션은 20세기와 21세기의 스웨덴 및 국제 예술가들의 회화, 조각, 설치, 영화, 비디오, 드로잉 및 판화와 1840년대부터 오늘날까지의 사진을 다룹니다.

2009년부터 이 박물관은 말뫼에도 지부가 있습니다. 박물관은 문화부 산하 국가 행정 기관이며, 지시에 따라 모든 형태의 20세기 및 21세기 예술품을 수집, 보존, 전시 및 전달하는 임무를 수행합니다. Moderna Museet은 순회 전시회의 형태로 스웨덴 외부 기관과의 협력을 통해 국제적 접촉을 촉진하고 국제 예술 비엔날레에 대한 스웨덴의 참여를 책임져야 합니다. 현대 박물관은 또한 그 지역에서 국가적 책임이 있는 중앙 박물관입니다.

Moderna Museet은 매년 스톡홀름과 말뫼에서 여러 개의 대규모 전시회를 개최하며, 다수의 중소 ​​규모 전시회를 개최합니다. 2012년 스톡홀름의 박물관은 약 500,000명의 방문객을, 말뫼의 박물관은 100,000명 이상의 방문객을 기록했습니다.