視覚芸術

視覚芸術は、陶芸、絵画、絵画、彫刻、版画、デザイン、工芸、写真、ビデオ、映画制作、建築などの芸術形態です。多くの芸術分野(舞台芸術、概念芸術、繊維芸術)は、視覚芸術の側面および他のタイプの芸術を含む。視覚芸術には、工業デザイン、グラフィックデザイン、ファッションデザイン、インテリアデザイン、装飾アートなどの応用芸術も含まれています。

「視覚芸術」という言葉の現在の使用法には、美術と装飾芸術と工芸品が含まれますが、これは必ずしもそうではありません。イギリスや他の場所での20世紀の芸術と工芸の運動の前に、「芸術家」という言葉は、しばしば手工芸品ではなく、美術(彫刻、彫刻、または版画など)で働く人に限定されていました、または適用されたアートメディア。この区別は、芸術と芸術の両方を高く評価した芸術工作運動の芸術家によって強調されました。美術学校は、美術工芸家を美術家とみなすことができないと主張して、美術と工芸を区別しました。

「ビジュアルアートの作品」とは、1部のコピーに200冊以下の限定版で、作者が署名して連続して番号を付けた絵画、絵画、彫刻または彫刻です。視覚芸術の作品には、ポスター、地図、地球儀、図画、技術図、図、模型、応用美術、映画やその他の視聴覚作品、本、雑誌、新聞、定期刊行物、電子情報サービス、電子出版物、または同様の出版物。マーチャンダイジングアイテムまたは広告、プロモーション、記述、カバー、または梱包材またはコンテナは一切含まれません。

教育と訓練:
視覚芸術における訓練は、一般的に見習いやワークショップのシステムのバリエーションを通して行われてきました。ヨーロッパでは、ルネサンスの芸術家の威信を高める運動は、芸術家の養成のためのアカデミー制度につながりました。今日、芸術のキャリアを追求しているほとんどの人々は、視覚芸術は現在、ほとんどの教育システムにおいて選択科目になっています。 (美術教育も参照してください)

お絵かき:
描画とは、さまざまなツールや手法のいずれかを使用してイメージを作成する手段です。一般的には、ツールから圧力をかけたり、黒鉛の鉛筆、ペンやインク、インク付きブラシ、ワックスカラーペン、クレヨン、チャコール、パステル、マーカーなどの乾いた媒体を使ってツールを表面全体に移動させることで表面にマークを付けることが一般的です。これらの効果をシミュレートするデジタルツールも使用されます。描画に使用される主なテクニックは、線画、孵化、クロスハッチ、ランダム孵化、落書き、点描、ブレンディングです。ドローイングに優れているアーティストは、ドラフトマンまたはドラフトマンと呼ばれます。

フランスのラスコーやスペインのアルタミラなどの動物の旧石器時代の洞窟の描写には、少なくとも16,000年前の絵が描かれています。古代エジプトでは、絵画や彫刻のモデルとして、人を描写するパピルスのインク画が使われていました。最初に幾何学的に描かれたギリシアの花瓶の絵は、紀元前7世紀に黒像の陶器で後に人間の形に発展しました。

15世紀までにヨーロッパで紙が一般的になったことで、サンドロ・ボッティチェッリ、ラファエル、ミケランジェロ、レオナルド・ダ・ヴィンチのような巨匠たちが絵画や彫刻の準備段階ではなく、むしろアートとして描くことをしばしば取り入れました。

ペインティング:
文字通りの絵画は、紙、キャンバスまたは壁のような表面(支持体)に担体(または媒体)および結合剤(糊)中に懸濁した顔料を塗布する実施である。しかし、芸術的意味で使用される場合、それは、開業医の表情的および概念的意思を明示するために、このアクティビティを描画、構図または他の美的考察と組み合わせて使用​​することを意味する。絵画は霊的なモチーフやアイデアを表現するためにも使われます。この種の絵画の場所は、陶器の神話的な図形を描いた作品からシスティーナ礼拝堂まで、人体そのものにまで及ぶ。

起源と初期の歴史:
絵画のように、絵画は洞窟や岩の表層にその起源があります。 3万2千年前に信じられている最も優れた例は、フ​​ランス南部のショーベとラスコーの洞窟にあります。赤、茶、黄、黒の色合いで、壁や天井の絵はバイソン、ウシ、馬、鹿の絵です。

人間の絵画は、古代エジプトの墓に見ることができます。ラムセス2世の偉大な寺院では、ネフェルタリ、彼の女王は、イシスによって導かれて描かれています。ギリシア人は絵画に貢献しましたが、仕事の多くは失われました。最も残っている表現の1つは、ヘリウム的なファイエムミイラの肖像画です。もう一つの例は、おそらくギリシャの絵に基づくポンペイのイッサスの戦いのモザイクです。ギリシアとローマの芸術は、紀元前4世紀のビザンチン芸術に貢献しました。この芸術は、象徴的な絵画の伝統を始めました。

ルネッサンス:
中世に修道士が製作した照明された写本とは別に、次のヨーロッパ美術への重要な貢献は、イタリアのルネッサンス画家たちからのものでした。 13世紀のジョットからレオナルド・ダ・ヴィンチとラファエルまで16世紀初めには、イタリアの芸術で最も豊かな時代となりました。キアロスロ技術が3次元空間の錯覚を生み出すために使われました。

イタリア北部の画家もイタリアの学校の影響を受けました。ベルギーのヤン・ヴァン・アイク、オランダのピーター・ブリューゲル、ドイツのハンス・ホルバインが、最も成功した画家の一人です。彼らは深みと光度を達成するために油でグレージング技術を使用しました。

オランダの巨匠:
17世紀には、肖像画や聖書のシーンで特に覚えた多彩なレンブラント、オランダのインテリアシーンを専門とするヴェルマイアなど、偉大なオランダの巨匠が登場しました。

バロック:
バロックは、ルネッサンス後、16世紀後半から17世紀後半にかけて始まりました。バロック時代の主な芸術家には、テネブリズムを大いに活用したCaravaggioが含まれていました。ピーター・ポール・ルーベンスは、イタリアで勉強し、アントワープで地元の教会のために働き、マリー・デ・メディチのためのシリーズを描いたフランダースの画家でした。 Annibale Carracciはシスティーナ礼拝堂から影響を受け、幻想的な天井画のジャンルを作り出しました。バロック時代に起こった多くの出来事はプロテスタント改革とそれに伴う反改革の結果であった。バロックを定義するものの大部分は、劇的な照明と全体的なビジュアルです。

印象派:
印象派は、19世紀にフランスで始まり、クロード・モネ、ピエールオーギュスト・ルノアール、ポール・セザンヌなど、絵画に新しい自由な起毛のスタイルをもたらし、スタジオではなく現実の現実のシーンを描くことを選んだ。これは、ブラシストロークと現実の印象によって示される美的特徴の新しい表現によって達成されました。彼らは純粋な、混合されていない色と短い筆のストロークを使用して激しい色の振動を達成しました。この動きは、芸術にダイナミックに影響を及ぼし、時間とともに動き出し、新しい発見された技法や芸術に対する認識に適応しました。風景への偏見的な見方とアーティストの目への偏見を探求しながら、細部への注意は、達成にあたって優先順位が低くなりました。

ポスト印象派:
19世紀の終わりに向けて、いくつかの若い画家たちは、より深い象徴主義のために努力しながら、幾何学的形態と不自然な色を使って感情を表現する印象派をさらに進化させました。特に注目すべきは、アジア、アフリカ、日本の芸術の影響を強く受けたポールゴーギャン、フランスに移住したオランダ人のヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、南の強い日差しを描いたトゥールーズ・ロートレックであり、鮮やかな絵画モンマルトルのパリ地区での夜の生活

象徴主義、表現主義、立方主義:
ノルウェーの芸術家エドヴァルド・ムンクは、19世紀末にフランスの印象派のマネットにインスパイアされた彼の象徴的アプローチを発展させました。彼の最も有名な作品であるScream(1893)は、現代人の普遍的な不安を表すものとして広く解釈されています。ミュンシュの影響の一部として、ドイツの表現主義運動は、20世紀初頭にドイツで始まり、エルンスト・キルシュナーやエーリッヒ・ヘッケルなどのアーティストが感情的な効果のために現実を歪曲し始めた。並行して、キュービズムとして知られているスタイルは、フランスの中で、構図内の鋭い構造の体積と空間に焦点を当てたアーティストとして発展しました。パブロ・ピカソとジョルジュ・ブレークは、この運動の主導的支持者であった。オブジェクトは、抽象化された形で分割され、分析され、再アセンブルされます。 1920年代までに、スタイルはDaliとMagritteと共にシュールレアリスムに発展しました。

版画:
プリントメーキングは、芸術的目的のために、マトリックス(インク)(または他の形態の色素沈着)によって2次元(平らな)表面に転写される画像を作成している。モノタイプの場合を除いて、同じマトリックスを使用して、プリントの多くの例を生成することができる。

歴史的には、木彫り、ライン彫刻、エッチング、リソグラフィー、スクリーン印刷(セリグラフィ、シルクスクリーニング)などの主要な技術(メディアとも呼ばれます)がありますが、現代のデジタル技術を含む多くの技術があります。通常、印刷物は紙に印刷されますが、他の媒体には布や皮革からより現代的なものまであります。主な版画の伝統には日本のものが含まれます。

ヨーロッパの歴史:
1830年以前に作られた西洋の伝統の版画は、古いマスタープリントとして知られています。ヨーロッパでは、約1400年のAD woodcutから、ビザンチンとイスラム世界で開発された印刷技術を使って、紙のマスタープリントに使用されました。 Michael Wolgemutは約1475年からドイツの木版画を改良し、オランダのErhard Reuwichはクロスハッチングを初めて使用しました。世紀の終わりに、AlbrechtDürerは西洋の木版画を一度も上回らなかった舞台に持ち込み、単一葉の木版画の状態を高めました。

中国起源と練習:
中国では、約1,100年前に版画の芸術が発展し、紙に印刷するために木版画を切り取ったテキストが描かれています。当初のイメージは主に宗教的でしたが、ソング王朝ではアーティストが風景をカットし始めました。明(1368-1644)と清(1616-1911)の王朝の間に、この技法は宗教と芸術の両方の彫刻のために完成されました。

日本における開発1603-1867:
ウイキョウ芸術のジャンルで最もよく知られている技法は、日本の木版画(木版画、木版)です。しかし、同じ時期に本を印刷するのにも非常に幅広く使用されていました。江戸時代(1603-1867)には驚くほど遅く、日本で広く採用されていた木版印刷は、何世紀にもわたって可動式の出現の前に書籍を印刷するために使用されてきました。いくつかの点で西洋の版画の木版画に似ていますが、水彩画のインクは、油性インクを使用する西部の木版画とは対照的に大きく異なり、鮮やかな色、釉薬および色の広い範囲を可能にします透明性。

写真
写真撮影は、光の作用によって写真を撮るプロセスです。物体から反射または放射された光パターンは、時限露光を介して高感度媒体または記憶チップ上に記録される。このプロセスは、機械的シャッターまたは光子を化学的処理またはカメラと呼ばれるデジタイズ装置に電子的にタイム露光することによって行われる。

この言葉はギリシャ語のφωςphos( “light”)とγραφιςgraphis( “stylus”、 “paintbrush”)またはγραφηgraphêから来ており、一緒に “光で描く”または “線で表現する” “伝統的に、写真の製品は写真と呼ばれてきました。写真という用語は略語です。多くの人が写真と呼んでいます。デジタル写真では、画像という用語が写真に取って代わり始めました。 (イメージという用語は、幾何光学の伝統的なものです。)

映画制作:
映画制作とは、最初の構想や研究から、脚本、撮影と録音、アニメーションやその他の特殊効果、編集、音と音楽の仕事、最後に聴衆への配布を通して、映画を制作するプロセスです。ドキュメンタリー、劇場や文学の題材、映画や詩や実験の習慣など、あらゆる種類の映画の制作に広く言及されており、ビデオベースのプロセスも参照することがよくあります。

コンピュータアート
ビジュアルアーティストはもはや従来のアートメディアに限られていません。コンピュータは、1960年代から視覚芸術において、より一般的なツールとして使用されてきました。用途には、イメージやフォームのキャプチャや作成、それらのイメージやフォームの編集(複数のコンポジションの探索を含む)、最終的なレンダリングや印刷(3D印刷を含む)などがあります。

コンピュータアートとは、コンピュータが制作や表示の役割を果たすものです。そのような芸術は、イメージ、サウンド、アニメーション、ビデオ、CD-ROM、DVD、ビデオゲーム、ウェブサイト、アルゴリズム、パフォーマンスまたはギャラリーのインストールであり得る。従来の多くの分野ではデジタル技術が統合されており、その結果、従来の芸術作品とコンピュータを使って作成された新しいメディア作品との間の線がぼやけていました。例えば、アーティストは、伝統的な絵画とアルゴリズムアートと他のデジタル技術とを組み合わせることができる。結果として、最終製品によってコンピュータアートを定義することは困難なことがあります。それにもかかわらず、このタイプの芸術は美術館の展示品に現れ始めていますが、それ自体の正当性をまだ証明しておらず、現代美術では絵画のような形ではなく道具として広く見られています。

コンピュータの使用は、イラストレーター、フォトグラファー、写真編集者、3Dモデラー、手工芸家の間の区別を曖昧にしています。洗練されたレンダリングおよび編集ソフトウェアは、多能的なイメージ開発者につながっています。写真家はデジタルアーティストになるかもしれません。イラストレーターはアニメーターになるかもしれません。手工芸品は、コンピュータ支援でも、コンピュータで作成された画像をテンプレートとして使用してもよい。コンピュータクリップアートの使用により、ドキュメント、特に未熟な観察者にページを設定する過程でのクリップアートのアクセスと編集が容易であるため、視覚芸術とページレイアウトとの明確な区別があまり明確ではない。

プラスチック芸術:
芸術とは、彫刻や陶器などのモールディングやモデリングによるプラスチック媒体の物理的操作を含む芸術形態を含む、忘れ去られた用語です。この用語は、すべての視覚的(非文学的、非音楽的)芸術にも適用されています。

石や木、コンクリート、スチールなどの彫刻や彫刻が可能な材料も、適切な道具を用いて変調することができるため、より狭い定義に含まれています。芸術における「プラスチック」は、ピート・モンドリアンの使用や、フランス語と英語の「新生物主義」と呼ばれる運動と混同すべきではありません。

彫刻:
彫刻は、硬質またはプラスチックの素材、音、テキスト、または光、一般的に石(岩または大理石のいずれか)、粘土、金属、ガラスまたは木材を成形または結合して作成された3次元のアートワークです。一部の彫刻は、彫刻や彫刻によって直接作成されます。他のものは組み立てられ、一緒に組み立てられ、焼成され、溶接され、成形され、または鋳造される。彫刻はしばしば描かれます。彫刻を作成する人は彫刻家と呼ばれます。

彫刻はモールドやモジュレーションが可能な素材の使用を伴うため、プラスチックアートの1つと考えられています。パブリックアートの大部分は彫刻です。庭の中にある多くの彫刻は、彫刻の庭と呼ばれることがあります。

彫刻家は常に彫刻を手作業で作るとは限りません。 20世紀に技術が増え、技術習得の概念アートの人気が高まるにつれて、より多くの彫刻家がアート制作者に頼って作品を制作しました。製作では、アーティストがデザインを作成し、それを製作するために製作者に支払います。これにより、彫刻家は、セメント、金属、プラスチックのような素材を手作業で作成することができない、より大きく複雑な彫刻を作成することができます。彫刻は3次元印刷技術で作ることもできます。

他の芸術よりも絵画や彫刻に特権を与える傾向が強まっていることは、西洋美術と東アジア美術の特徴であった。どちらの地域でも、絵画は、アーティストの想像力と、手作業から最も遠く離れた最も高いレベルに頼っていると見られています。中国絵画で最も価値の高いスタイルは、少なくとも理論的には “学者の絵画”紳士アマチュアで西洋的なジャンルの階層は、同様の態度を反映していた。