ヴェネツィア ビエンナーレ オブ アート 2019、イタリア、アルセナーレでの展示

ラルフ・ルゴフ監督の第58回国際美術展は、2019年5月11日から11月24日まで開催されました.不確実性、危機および混乱の時期; 「面白い時代」、まさに今を生きる私たち。

この展覧会は、いつものように、ジャルディーニ・ディ・カステッロとアルセナーレの2つの主要な史跡で上演されますが、ヴェネツィアの有名な会場も含まれます.世界のすべての未来は、79 の国と地域の参加を含む、庭園の中央パビリオンからアルセナーレに至るまで、大きく統一された展示経路を形成しています。

この展覧会のタイトル「興味深い時代」は、挑戦的または「脅威的な」時代のアイデアを呼び起こしますが、それは単に、複雑さの中で人間の出来事のコースを常に見て考察するための招待状でもあります.これは、順応主義や恐怖によって引き起こされる過度の単純化が蔓延しているように見えることがあまりにも多い時代に特に重要であるように思われる.

May You Live in Interesting Times には、「戦後秩序」の主要な伝統、制度、関係に対するさまざまな脅威を含む、今日の存在の不安定な側面を反映した作品が含まれています。しかし、最初に、芸術は政治の領域で力を発揮しないことを認めましょう。たとえば、芸術は、世界のさまざまな地域での民族主義運動や権威主義政府の台頭を食い止めることはできません。また、世界中の避難民の悲劇的な運命を緩和することもできません。

第58回国際美術展は、芸術を作るための一般的なアプローチと、喜びと批判的思考の両方を受け入れる芸術の社会的機能の見方に焦点を当てています.この展覧会は、既存の思考習慣に挑戦し、オブジェクトやイメージ、ジェスチャー、状況の読み方を開放するアーティストの作品に焦点を当てています。

この種の芸術は、複数の視点を楽しませる実践から生まれます。つまり、一見矛盾し相容れない概念を念頭に置き、世界を理解するためのさまざまな方法を巧みに操るということです。このように考えるアーティストは、いわゆる事実の意味に代わるものを提供し、それらを結び付け、文脈化する他の方法を提案します。彼らの作品は、無限の好奇心と鋭いウィットによって活気づけられており、疑問の余地のないカテゴリー、概念、主観性すべてに偏見を持たないように私たちに促します。

アートの展覧会は、何よりもまず、私たちにアートとアーティストを提示することを意図しているのであれば、過度に単純化された態度に対する決定的な挑戦として私たちに注目する価値があります. 間接的に言えば、アートは「面白い時代」の生き方や考え方の一種のガイドになり得るのかもしれません。それは、複数の選択肢と見慣れない視点を考慮し、「秩序」が多様な秩序の同時に存在するようになった方法を認識することを私たちに促します。

アルセナーレでの展示
展示会は中央パビリオン (ジャルディーニ) からアルセナーレまで展開され、世界中から 79 人の参加者が参加します。1980 年に開始されたアペルトは、常設の国立パビリオンに代表されていない若いアーティストや国内出身のアーティストのためのフリンジ イベントとして始まりました。これは通常、アルセナーレで上演され、正式なビエンナーレ プログラムの一部となっています。

1999 年からは、セントラル パビリオンとアルセナーレの両方で国際展示会が開催されました。また、1999 年に 100 万ドルを投じた改装により、アルセナーレ地区は造船所、倉庫、倉庫が一堂に集まり、以前のアーセナーレの展示スペースの 2 倍以上になりました。

パートI

ソハム・グプタ
ソハム グプタは、幽霊のような肖像画の中で、コルカタのナイトライフに光を当て、街の最も脆弱な住民の一部がどのように生活しているかを明らかにしています。彼のシリーズ『Angst』では、彼らが住む世界を動き回るこれらの夜行性の人物を追い、写真家の想像の中で鮮やかなキャラクターになります。グプタは、自分と被写体が互いに打ち明け合う親密な相互作用から引き出された、共同作業のプロセスの結果として自分の肖像画を描いていると考えています。写真家は、社会の端にいる人々に本能的に親近感を抱いています。彼は彼らの間を歩き回り、彼らの痛みや葛藤に気づきます。

各主題に時間を費やした後、Gupta は彼らのストーリーを伝記的に説明します。グプタの写真は、無力な人に表現力を吹き込みます。写真は、都市とその人々の記録以上に、より本質的な何かに根ざした心理状態の表現です。脆弱性と孤独感は、喜びと自発性の瞬間によって中断されます。写真によって苦悩の叫びや苦しみが静まり返る一方で、グプタの写真は、夜しか見ることのできない人間の様々な陰影を生き生きと表現しています。

アンソニー・ヘルナンデス
Anthony Hernandez の写真作品はハードで非情です。過去 30 年間、写真家はよくある質問に悩まされてきました。現代の都市の廃墟と、恵まれない市民に対する都市生活の過酷な影響をどのように描写するか? ヘルナンデスは、写真家ルイス・バルツが「敗北者の風景」と呼んだものに焦点を当てることで、この問題にアプローチしました.ホームレスのキャンプ、失業者事務所、自動解体場、バスシェルター、および都市の郊外にあるその他の放置されたスペースです。ロマンチックでもノスタルジックでもなく、ヘルナンデスの作品は、資本主義の幸福の約束が損なわれた場所と空間を詳しく説明しています。

クリスチャン・マークレー
クリスチャン・マークレーの作品は、すでに存在するオブジェクト、イメージ、サウンドから作られ、それらを彼が流用して操作します。音と画像の関係を探究した結果、サンプリング技術をハリウッド映画に適用するようになりました。彼はクリップのモンタージュを作成して、新しい物語と複数の画面の投影を形成しました。 「私はいつもファウンド オブジェクト、画像、サウンドを使用して、それらを一緒にコラージュし、利用可能なもので新しくて異なるものを作成しようとしました。完全にオリジナルでゼロから始めることは常に無駄に思えました。何かを取得することにもっと興味がありました。それを切り刻んだり、ねじったり、別のものに変えたり、操作や並置によってそれを流用し、私のものにすること」.

ザネレ・ムホリ
南アフリカの黒人レズビアンのポートレートの進化を続けるアーカイブ、Faces and Phases (2006-ongoing) の作品で知られる Zanele Muholi は、ミューティングと不可視性に猛反対する写真家です。アーティストではなく「視覚活動家」と呼ばれることを好むムホリは、女性のエンパワーメントのためのフォーラムと、クィアと視覚活動のプラットフォームである Inkanyiso の共同創設者です。

自己表現の重要性は、Somnyama Ngonyama、Hail the Dark Lioness (2012-ongoing) の中心であり、アーティストが南部の黒人レズビアンの 1 年間の 365 枚の画像に構築することを意図している、謝罪のない一連の自画像シリーズです。アフリカ。このシリーズには、アルセナーレでの鑑賞時にアーティストが反抗的または直接的に鑑賞者の視線に向き合う作品や、中央パビリオンで鑑賞中にムホリがそれを避けてイライラさせている小さな銀塩プリントが含まれます。

エド・アトキンス
Ed Atkins は、あらゆる種類の自画像のたたみ込みを行います。彼は、不愉快なほど親密で楕円形の予言を書き、恐ろしい風刺画を描き、説明のつかない精神的危機の苦しみの中にいる男性をフィーチャーしたリアルなコンピューター生成ビデオを作成します。 Arsenale では、Old Food (2017-2019) のインスタレーションに、歴史性、憂鬱、愚かさが詰め込まれています。ここで、アトキンスは彼のエモの領域を拡大し、より広範な問題と引用で自伝的構成に影響を与えるテンパリングを行っています。

ブルーム (1 から 10 の番号が付けられ、中央パビリオンに示されている) を構成する図面には、仮の手を下ろすか、ポーズをとった足に止まっているタランチュラが描かれています。くも形の髪をまとったアトキンスの顔が第四の壁を突き破り、私たちを gり、両義的で疑わしい意識の表情を浮かべた。

タバレス・ストラカン
タバレス ストラカンのコラージュを通じて (ラスタファリズム、スポーツ、極地探検とともに) 繰り返されるテーマの 1 つは、宇宙旅行のテーマです。宇宙飛行士と燃えるような宇宙ロケットがいくつかの作品に登場します。 2014 年にロサンゼルス カウンティ美術館の Art + Technology Lab からの助成金を受けて、Strachan は民間の航空宇宙技術企業である SpaceX と協力する機会を与えられました。彼は、最初のアフリカ系アメリカ人の宇宙飛行士であるロバート・ヘンリー・ローレンス・ジュニアの研究を始めました。彼は 1967 年に訓練中の事故で死亡し、アメリカの宇宙旅行の標準的な歴史ではほとんど姿を消しました。このプロジェクトの成果は、Arsenale で展示されます。

セントラル パビリオンに展示されているアートワークは、印刷物百科事典の概念に関連しています。今日、インターネットとウィキペディアの時代では、それは二重に冗長です。その最も有名な表現であるブリタニカ百科事典は、1768 年に最初に発行されましたが、それでもなお、特定の旧世界の権威に固執しています。バハマ (以前は英国の植民地であった) で育ったタバレス・ストラカンは、ブリタニカ百科事典を帝国の征服の道具として理解するようになり、文化的支配の合図の手段として知識を適切に (そして凝縮する) ものとして理解するようになりました。ストラチャンは百科事典に書かれていないものすべてに興味を持つようになりました。

ガブリエル・リコ
廃棄された文化財の収集家であり、自称オントロジストであり、訓練された建築家であり、動物に親近感を抱く人間の経験の研究者であるガブリエル・リコは、「空腹の目」を持っていると言えます。彼の質問、調査、収集は、剥製や自然物からネオンの形やその他の人工物の残骸に至るまで、さまざまな素材を採掘するポストシュールレアリスト/アルテ ポーヴェラのアプローチにつながります。その結果、環境、建築、そして文明の将来の廃墟との関係に対処する、考えさせられる彫刻が生まれます。

リコのすべての作品において、物語の美しさは細部に宿っています。これらのコンポーネントは、特定の場所 – メキシコ – が直面している課題を反映すると同時に、私たちの共有する世界的な懸念と共鳴します。リコは、形式的にも哲学的にも空間の脆弱性を考慮し、現在の不安定な瞬間を表現しています。

シルパ・グプタ
シルパ・グプタは、境界の物理的およびイデオロギー的な存在に取り組み、同時に arbitrary arbitrary arbitrary意的で抑圧的な機能を明らかにします。彼女の実践は、国民国家、民族と宗教の分裂、監視の構造、つまり合法と非合法、帰属と孤立の定義の間の中間ゾーンを利用しています。日常の状況は、簡潔な概念的なジェスチャーにまとめられます。テキスト、アクション、オブジェクト、インスタレーションとして、グプタは、市民または無国籍の個人としての私たちの生活に影響を与える知覚できない力に対処します。

ジェシー・ダーリング
ジェシー・ダーリングの彫刻は傷だらけで、臆病で、不安定ですが、生命に満ちています。低価格の日常的な素材で作られたこれらの気取らない集合体は、身体に異常な刺激を呼び起こします。それらは決定的に記念碑的でもありません。神経疾患のために右腕のほとんどを使うことができなかったダーリンは、彫刻についての理解を最初に伝えていた継承されたイデオロギーと能力者のマチ​​スモに心を打たれました。彼らは次のように説明しています。「今、私は、物語の定式化で小さなオブジェクトを集めて組み立て、左手で描くことを学ぶことで、マッチョではない彫刻の練習を考えて取り組んでいます」.

テレサ・マルゴレス
Teresa Margolles は、母国メキシコに蔓延している麻薬暴力の残忍さをフェミニストのレンズで訓練します。法医学を学び、デスメタルにインスパイアされたアーティストの集合体 SEMEFO を共同設立したマーゴレスは、その実践を通じて、政府の怠慢、麻薬犯罪化による社会的および経済的コスト、特定のテクスチャー、匂い、遺体、物質の物質性をテーマ化してきました。死。

ヘンリー・テイラー
ヘンリー テイラーは、彼の絵画の実践を「貪欲」と表現し、貧困層から目を見張るような成功者まで、多種多様な主題を作品に取り入れています。家族や友人の親密なポートレート、または異なる地理や歴史をつなぎ合わせた政治的に影響を受けたグループのシーンを通して、テイラーの目的は、黒人の経験の現実と、アメリカの生活のしばしば不吉な働きを正直に描くことです. しかし、彼の不正に対する鋭い眼差しと、美術史への言及が頻繁に組み込まれているにもかかわらず、テイラーの写真は重くありません。大胆なフォルムとブロックカラーが即座に引き込まれ、見る者を魅了します。

ニデカ・アクニリ・クロスビー
Njideka Akunyili Crosby の絵画は、同時代のナイジェリアのディアスポラの一員としての彼女の経験を反映しており、多くの人にとってはなじみのない特定の文化的および国家的アイデンティティを描いていますが、同様の道を歩んだ人にはすぐに認識できます。ティーンエイジャーとしてアメリカに留学した Akunyili Crosby は、多様な美的、知的、経済的、政治的文脈の間で自信を持って (おそらく内面化された摩擦がないわけではありませんが) 動きます。緊張と切ない。

アーティストは、通常、自分と彼女の家族を描いた肖像画や家庭的なインテリアを描きます。これらのシーンは、平面であると同時に無限の奥行きがあり、窓や出入り口は他の空間に通じていますが、これらの写真に描かれている空間は不確定です。たとえば、鋳鉄製のラジエーターなどの特定の詳細は、寒い気候 (アーティストが一時期住んでいたニューヨークなど) を示していますが、テーブルに置かれたパラフィン ランプなどは、アクニリ クロスビーの作品から引き出されています。ナイジェリアの思い出。

ケマン ワ レフレレ
Kemang Wa Lehulere の豊かな層の作品は、訪問者がその周りに集まって一緒に熟考することを促します。この集団の概念は、アーティストの幅広い実践の鍵です。彼は、ケープタウンでの長年の活動家としての経験の後、20 代後半にアーティストになりました。彼は 2006 年にパフォーマンスと社会的介入のための芸術的プラットフォームである Gugulective を設立しました。Arsenale と Central Pavilion に展示されているインスタレーションは、学校の机と椅子から回収された木材と金属でできています。Wa Lehulere にとって、個人の伝記と集合的な歴史は切り離せないため、これらの作品の各要素は連想、参照、および物語の網の中に集まっています。

アピチャッポン・ウィーラセタクン
アピチャッポン・ウィーラセタクンの作品は、彼の母国タイの社会生活、多様な文化、激動の政治に染み込んでおり、眠り、夢、記憶の一時的なアリーナは、探検、解放、静かな転覆のためのスペースとして繰り返されます。これらの主題は、光、音、スクリーンの複雑な相互作用に織り込まれ、日本人アーティストの久門剛氏(1981年、日本)と制作し、Arsenaleで展示され、Weerasethakulの敷居スペースが物理的な形を与えられています.

多くの作品は、1960 年代に反政府勢力の農民がタイ軍によって残忍に抑圧され、殺害されたタイ北東部の町、ナブアのトラウマ的な過去にアーティストが遭遇したことに関連しています。セントラル パビリオンでの 2 つの作品は、彼の現在のプロジェクト メモリアのために、初めてタイ国外のコロンビアで仕事をしている Weerasethakul にとって重要な変化を示しています。コロンビアの地形と何十年にもわたる内戦の傷跡は、ウィーラセタクンに本能的な親和性を持っています。集合的記憶のトラウマは、ナブアと同じように、日常生活の構造の一部です。

陰 X Xuz鎮
1990 年代初頭から、Yin Xiuzhen はリサイクル素材を使って社会的な参考資料を盛り込んだ野心的な彫刻を制作してきました。1989 年以降の中国で大きく定義された過度の開発、消費、グローバリゼーションを反映して、彼女の作品では、スーツケース、コンクリートの破片、破片、金属など、さまざまなアイテムと柔らかいテキスタイルを組み合わせています。工業用オブジェクト。

スキ・ソギョン・カン
絵画、彫刻、ビデオ、そしてアーティストが「活性化」と表現したものを組み込んだ、カン・ソギョンの多変量の実践は、今日の個人の場所と役割に焦点を当てています。カンは、韓国の文化遺産と自身の個人的な歴史の側面を利用して、イデオロギー構造を再考し、権限を与えられた利害関係者が現在の時空において自らの行為を明確に表現し、行使できる政治化されたアリーナを構想しています。

ハンディヴィルマン・サプトラ
Handiwirman Saputra は、過去 10 年間にわたって、日常生活で見つけたランダムなオブジェクトをきっかけに、No Roots, No Shoots と題された一連の謎めいた彫刻や絵画を制作してきました。これらの作品のいくつかのきっかけは、彼の家の近くの川で、竹林や木々のむき出しの根が家庭のゴミと絡み合っていた. サプトラは、そこで発見したものだけでなく、それらの間の関連性にも興味をそそられました。見つけたこと」。

イ・ブル
韓国の軍事独裁政権時代に左翼活動家の娘として育ったイ・ブルは、急速な経済的および文化的変化を遂げている国の抑圧的な政権の影響を経験した. 1980 年代後半からの彼女の初期の作品は、大道芸で、突起物と垂れ下がった内臓で飾られた巨大な「ソフトスカルプチュア」の衣装を作り、身に着けていました。

これらに続いて、女性の身体が機械に変化し、頭と手足のない不完全なハイブリッドを形成する彼女のサイボーグの彫刻が続きました。彼らは次に、日本の漫画やアニメ、バイオエンジニアリング、ブルーノ・タウト (1880-1938) の先見の明のある建築で構想された夢、理想、ユートピアに触発された未来的な都市景観のアイデアを探求するように導きました。

スン・ユアン & ペン・ユ
アーティストのスン ユアンとペン ユアンは、2000 年にコラボレーションを開始しました。2009 年には、彼らの芸術的提携の関係とダイナミクスを描いた自画像であるインスタレーション「スン ユアン ペン ユー」を制作しました。繰り返し発生する煙の円は、空気中を掃除し続ける機械式アームで動くほうきによって持続的に分散されました。煙はしつこく再び現れますが、ほうきが再び当たると消えます。

Sun と Peng にとって、2 つのコンポーネントが出会い、お互いが溶解する瞬間は、彼らの働き方における共同の芸術的創造の瞬間を象徴していました。Sun Yuan と Peng Yu のほぼすべてのインスタレーションは、観客に驚異と緊張感を求めることに熱心です。観客の側を見て、時には覗き見るという行為は、彼らの最近の作品の構成要素であり、しばしば威圧的な眼鏡の演出を含みます。

キャメロン・ジェイミー
キャメロン ジェイミーは、写真やビデオから、ドローイング、セラミック、彫刻、コピーされた Zine まで、さまざまなメディアで作品を制作してきました。しかし、彼のキャリアの初期に最も大きな注目を集めた作品は、クランキー・クラウス (2002-2003) であり、クランプスラフのアルパイン・クリスマスの伝統を記録したビデオでした。オーストリアの田舎の村では、角のある獣に dressした男たちが夜道を through marし、いたずらしたとされる子供や若い女性を探していると思われる. その後、クランプスの獣は、文化的に認められた、一見本物の暴力の振り付けの儀式である犠牲者を物理的に襲います。

パートⅡ

マリア・ロボダ
伝達と遭遇の軌跡を通じて、オブジェクトとイメージの継続的な変換は、マリア ロボダの実践の中心にあります。ロボダの作品は、明白であると思われるものへの不信感を引き起こしますが、同時に、それらが持つ不確実性と私たちを取り巻くものとを友達にするように促します。ロボダは、画像が循環するコンテキストによって影響を受ける方法に興味を持っています。また、それらを注視する歴史によって形作られています。

ルラ・ハラワニ
Rula Halawani の幽霊のような写真は、彼女の国を戦争地帯に変えた定期的な暴力の余波を捉えています。フォトジャーナリストとしての経歴とイスラエル占領下の生活の思い出の両方を利用して、ハラワニは、今では見慣れない風景を探索し、歴史的なパレスチナの色褪せた痕跡を探します。写真という媒体を通じて、占領の空間的意味は、構築された環境における政治的構造の表現を通してだけでなく、否定的な空間の空虚と陰鬱な幻想においてより明確に反映されます。

ローレンス・アブ・ハムダン
ローレンス・アブ・ハムダンは自身を「個人の耳」と称し、傾聴の政治、音の法的および宗教的影響、人間の声、沈黙に焦点を当てています。彼の練習はDIY音楽のバックグラウンドから始まりましたが、現在は映画、オーディオビジュアルインスタレーション、ライブオーディオエッセイにまたがっています.言説とそれが発声される条件。彼は人間の声を、政府やデータ会社が簡単に把握できる政治的な素材として扱っています。

ジュリー・メレトゥ
Julie Mehretu による以前のキャンバスは、地図、建築図、都市計画グリッドに言及していました。アーティストは、グローバルな移動性とグローバルな不公平性を示す一連のベクトルと表記法を使用しました。彼らは目がくらむほど複雑で、スケールとネガティブ スペースの使い方に長けています。それらは速度感を伝えます。彼女の最新の絵画では、異なるタイプの見当識障害を取り入れており、エアブラシによるストロークとスクリーン印刷の要素が追加および消去され、散逸と喪失感を呼び起こします。下絵の詳細ですが、このソース画像には感情的なレベルで記録する能力があり、完成した絵のトーンを設定します。

ガウリ・ギル
さらに遠くを旅したギルは、新しい郊外の「がれきの荒野に存在する植民地、移民労働者の仮設住宅に囲まれた英国の模造城」を見た。彼女の建築的なデッドパンは、達成不可能な夢を売り込む開発者の溜め込みを網羅しています。建物と建設に関する教育的な展示。本物の木の間に植えられた偽のヤシ。エアコンユニットの上に立つ女神。マハトマ ガンジー ロードで解体中の、破れたシートで覆われた新しい建物。グランド・トランク・ロードのそばで腐ったゴミの束。そしてどこにでもある特徴のない高層ビル。

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オトボン・ンカンガ
Otobong Nkanga の作品は、鉱物、エネルギー、商品、人々の (しばしば暴力的な) 動きと交換を参照して、オブジェクトとアクションが孤立して存在するのではないことを思い出させます。常につながりがあり、常に影響があります。「静的な状態で私たちの誰も存在しない」とアーティストは言いました。「アイデンティティーは絶えず進化しています。アフリカのアイデンティティーは複数あります。たとえば、ナイジェリア、セネガル、ケニア、フランス、インドの文化を見ると、植民地時代の影響とこの交換の影響について語らずに特定のアイデンティティーについて語ることはできません。 – 貿易と商品と文化」.

マイケル・アーミテージ
空想的な現実と現代生活の政治的混沌との間に位置するマイケル アーミテージの絵画は、複数の物語の糸を織り交ぜています。複雑な社会的ダイナミクスの鋭敏な観察者として、彼は物語の絵画の言語を通じて従来の表現の規範を覆します。不平等と政治的不確実性の問題を拡大し、彼の鮮やかなタブローの絵のような美しさは、豪華なディテールと鮮やかな色の衝突がナイロビの日常生活を支配する社会的慣習と政治的イデオロギーへの洞察を提供する不吉な現実を覆します.

ハリス・エパミノンダ
Haris Epaminonda は、彫刻、陶器、本、写真などの見つけた素材を使用して作品を制作し、それらを組み合わせて、彼女の特徴的なインスタレーションを慎重に構築しています。これらのオブジェクトは、一般の人々やおそらく彼女にとっても未知の歴史的および個人的な意味の網に絡まっています。彼女がこれらの物語を無視しているわけではありません。それらは暗黙的であり、本質的に力を発揮し、彼女のインスタレーションに定着するにつれて、別の何かにそっと曲げられます。彼女は彼らのクオリア、つまり彼らを輝かせて目に見えるようにする還元不可能な経験的資質のためにそれらを選びます。

リュウ・ウェイ
Liu Wei の初期の作品は、都市の建築、都市の風景、日常のオブジェクトを扱うことが多く、絵画やインスタレーションで繰り返される幾何学的スキーマを使用することで、物理世界のさまざまな側面を表現していました。過去 20 年間にわたり、彼は、牛革の犬用チューから本、家庭用電子機器から中国の磁器、廃棄された建材に至るまで、驚くほど多種多様な素材を扱ってきました。彼の最近の大規模なインスタレーションは、幾何学的な形と形で満たされたモダニズムの舞台セットの形式と素晴らしさを呼び起こします。

アレクサンドラ・ビルケン
アレクサンドラ ビルケンの実践は、人間の形を中心に構築されています。彼女の作品には、シリコン、ナイロン タイツ、武器、機械などの工業製品から、ウール、レザー、枝、ドライ フルーツなどのオーガニック素材まで、さまざまな珍しい素材が組み込まれています。以前の目的が剥奪されて、これらは並外れて不快な配置に組み立てられ、それぞれが対立する緊張感を持って生きています。

Arsenale では、アーティストたちは本能的で終末論的でダイナミックなインスタレーション ESKALATION (2016) を展示します。これは、人類の終焉がどのように見えるかについての暗黒郷の視点です。セントラル パビリオンでは、性別、力と脆弱性、動物と機械のテーマを織り交ぜた 6 つの作品を展示しています。これらは、私たちの脆弱性、身体性、そして私たちが外部やお互いから自分自身を守るために作成する傲慢なツールを思い起こさせる作品です。

アレックス・ダ・コルテ
アレックス ダ コルテの没入型の作品は、磁気的な世界を作る行為を証明しています。彼は、それらのものではなく、意味と暗示するオブジェクトのダンスを振り付けます。彼はコードとシンボルを通して物語を語ります。その中で、アメリカーナの旋風が、高尚と低価格の文化的言及とドル店の発見と同時に吹き込まれています。

Arsenale では、ネオンに照らされたラバーペンシルデビルが、ベンチに座って、さまざまなキャラクターが催眠術のようにゆっくりとした振り付けを行う、おなじみのテレビ番組の特大で過飽和な成人向けバージョンを見ながら、視聴者をミニアチューメントします。セントラル パビリオンでは、視聴者が巨人になり、人々がザ デコレイテッド シェッド (2019) の家の中で静かな生活を送っているのを見ています。企業のレストラン チェーンの看板を追加したスタイルのマホガニー テーブル。

キェンツェー・ノルブ
アーティストおよび映画製作者としてのキェンツェー・ノルブの作品では、文脈の哲学的問題が中心的な役割を果たしています。理解と解釈は常に変更可能であり、より広い視野の余地があるという提案があります。仏教界ではゾンサー キェンツェー リンポチェとして知られているノルブは、チベットとブータンのラマであり、その教えと著作で尊敬されています。

アド・ミノリティ
Ad Minoliti にとって、形而上絵画は、モダニズムのユートピアとその中で非難されるべきものすべての象徴です。西洋の考え方は、男性と女性、理性と感情、自然と文化などの二元的な対立に基づいています。彼女の芸術的努力は、このモダニズムのスタンスに対抗するために、代替の表現空間を作り出すことでした。彼女は、ドールハウスの想像上の世界に形而上絵画の空間の弁証法的代替ホモログを見つけました。

17 世紀に発明されたこのドールハウスは、当初は家庭教師、家事管理者、子供を産む人、夫の支援者としての役割を女の子に教え、男の子にはこの分業と哲学を受け入れる教育ツールとして作成されました。 . ミノリーティは、ドールハウスとその小道具の美学を流用し、カンディンスキー、ピカソ、またはマティスを反映したモダニズムのイメージと組み合わせて、それを分解し、ねじり、シフトし、新たに再構成します。

ジョン・ラフマン
モダニズム運動では、ジョン・ラフマンが観察した、未来のユートピア的なビジョンが蔓延していた. しかし、後期資本主義のポストモダンのビジョンは、暗黒郷になっている。未来の概念におけるこの変化を探求するために、ラフマンの作品は動画とコンピューターで生成されたグラフィックスを採用し、時として新しいテクノロジーに関連するバラ色の楽観主義を避けています。

イアン・チェン
Ian Cheng uses techniques from computer programming to create living environments defined by their abilities to mutate and evolve. He was developing ‘live simulations’, living virtual ecosystems that begin with basic programmed properties but are left to self- evolve without authorial control or end. It is a format to deliberately exercise the feelings of confusion, anxiety, and cognitive dissonance that accompany the experience of unrelenting change.

チェンの最新の生き物である BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019) は、セントラル パビリオンに展示されており、その性格、価値観、身体 (ヘビやサンゴを連想させる) は継続的に成長しています. BOB の行動パターンとライフ スクリプトは、iOS アプリを介して BOB の行動に影響を与えることができる人間との相互作用によって支えられています。Life After BOB: First Tract (2019) は、Arsenale で発表され、BOB を中心とした物語の世界への一種の「プレビュー」として機能します。

アーサー・ジャファ
アーサー ジャファは 30 年間にわたり、映画、彫刻、パフォーマンスなどのメディアを横断してダイナミックな実践を発展させてきました。彼のキャリアを通じて、彼は特に黒人の表現方法に投資してきました.また、黒人の立場から世界を(視覚的、概念的、文化的、慣習的に)どのように表現するかという課題に投資してきました。痛み、巧妙さ、疎外感、力、魔法。Jafa は、ネットワーク ベースの画像、歴史的な写真、現地の肖像画、ミュージック ビデオ、ミーム、およびバイラル ニュース映像を集めて、人種の不安における画像の不条理と必要性を強調しています。

ララ・ファヴァレット
ララ ファヴァレットの多面的なアートの実践には、彫刻、インスタレーション、パフォーマティブ アクションが含まれ、ブラック ジョークや不遜な表現で表現されることがよくあります。一例が彼女のシリーズ Momentary Monuments (2009-ongoing) に見られますが、これはいかなる歴史的出来事を美化することも、国民的アイデンティティの感情を助長することも意図していません。

ファヴァレットのモニュメントは、イデオロギー的ではなく、より悲劇的なものであり、単に腐敗し、崩壊し、さまざまな方法で溶解します。これは、それ自体が記念碑を建設するための途方もない努力をしますが、人間の努力の無駄です。ファヴァレットの作品にある暗黙のジョークは、価値とイデオロギーを永遠に固めることを意図した、最も安定した素材で作られたオブジェクトでさえ、最終的には消えるということです。

アンドラ・ウルスオア
強迫観念と暴力的欲求; 性的および政治的支配への服従; 人間存在のもろさ。構築とフィクションとしてのアイデンティティ:これらは、アンドラ・ウルスオザの彫刻とインスタレーションで探求された虚無的で悲劇的なシナリオを支えるいくつかのテーマです。パラドックスと皮肉にひねりながら、アーティストの作品は、政治的出来事、決まり文句、 all all all話、そして個人的な記憶を利用して、違反と陳腐さ、無関心と共感、嫌悪感と平凡の間の不安定な境界を永続させる力のダイナミクスを暴露し、混乱させようとしています。ユーモア。

ニール・ベロファ
映画、彫刻、インスタレーションにまたがるニール ベロファは、過去 10 年間の大部分を、現実とその表現を理解するときに何が危険にさらされているかについて考えてきました。彼の慣習は、いかなる権威の地位も採用することを拒否します。それは観察においてシャープであり、それが伝えるものにおいて邪魔にならない.芸術家は、まるで視聴者に「これはあなたの問題だ – あなたが対処する」と言うかのように、彼の命題から常に自分自身を削除します。

たとえば、アーセナーレで見られるグローバル契約 (2018-2019) のビデオを見るためには、視聴者はジムの設備を連想させる構造の上に座らなければならず、不快で動きが制限されます。同時に、空間の構成は、各視聴者が他のすべての視聴者を観察できることを意味します。あなたはビデオを見ているかもしれませんが、常に誰かがあなたを見ています。

池田亮司
作曲家兼アーティストの池田亮司の実践は、途方もないミニマリズムにアプローチし、疎な音響構成とデジタル レンダリングされた情報の広大なフィールドの形をとるビジュアルをしばしば織り交ぜています。これらが統合されて、アーティスト自身の拡張言語が形成されます。この言語は、私たちの周りの自然界を捉えて反映する手段として数学を利用するアルゴリズム的な方法に依存しています。

ダン・ヴォ
2019 年のビエンナーレ アルテ ビエンナーレに参加するダン ボーのさまざまな協力者には、彼のボーイフレンド、甥、父親、元教授が含まれます。Vo のインスタレーションでは、文化的象徴や損傷した宗教的イメージなどのチャージされた象徴的なオブジェクトや、彼の家族や友人の文字通りの、比喩的な関与を通じて、歴史がアーティスト自身の伝記と出会います。

パートⅢ

タレク・アトウイ
音楽と現代美術の橋渡しをするタレク・アトウイの実践は、参加型の共同音響パフォーマンスを通じて、聞くことの概念を拡張します。1960年代にアーティストが提示したオープンフォームの遺産に影響され、音楽の理解を拡大し、視覚芸術の領域に近づけ、音を育むための複雑な環境を考案し、調整します。彼のインスタレーション、パフォーマンス、コラボレーションを通じて、彼はパフォーマーと観客の両方にとって期待されるパフォーマンスの概念を打ち破り、視覚、聴覚、身体的経験のマルチモーダルな方法を提案します。

ジミー・ダーラム
ライティングとパフォーマンスの要素も取り入れたジミー ダーラムの作品は、多くの場合、さまざまな日用品や自然素材を鮮やかな形に組み合わせた彫刻の形をとっています。ダーラムが「拒否されたオブジェクトとの違法な組み合わせ」と呼んでいる制作プロセスは、彼の作品に満ちている破壊的な態度の具体化とみなすことができます。

Arsenale では、家具の部品、滑らかな工業材料、または古着の組み合わせから作られた各彫刻は、名高い動物のスケールに近似していますが、結果として生じる形は、存在の肖像画ではなく、伝統的な啓蒙主義の概念に挑戦する詩的な絡み合いです。人間と自然の分離。セントラル パビリオンでは、ダーラムはブラック サーペンタインを展示しています。これは、ステンレス鋼のフレームに囲まれた大きな岩の板であり、その固執する不屈の精神に反抗する 0.5 トンの質量です。

アニカ・イー
オーガニックと合成、サイエンスとフィクション、人間と非人間の間の境界を不安定にするアニカ・イーの変幻自在の作品は、アーティストが「感覚の生政治」と表現するものによって支えられています。Yi の新しい仕事の中心は、「機械の生物化」に関する最近の調査であり、彼女は機械の感覚に焦点を当て、人工知能 (AI) エンティティと有機生命体との間に新しいコミュニケーション チャネルをどのように確立できるかを熟考しています。

ジャンナ・カディロワ
写真、ビデオ、彫刻、パフォーマンス、インスタレーションを含むジャンナ・カディロヴァの芸術の最も印象的な側面の1つは、形、素材、意味の実験です。彼女は、モザイクに安価なタイルを使用し、コンクリートやセメントなどの重量のある建設資材と組み合わせて使用​​することがよくあります。

ストリート トレーダーが必要とするすべてを備えた屋台マーケット (2017 年から継続中、Arsenale に展示) では、コンクリートと天然石でソーセージとサラミを作り、バナナ、スイカ、ザクロ、ナスなどの果物や野菜をファッションにしています。分厚いモザイク。セントラル パビリオンに展示されている Second Hand のバージョン (2014 年から継続中) は、ヴェネツィアのホテルのセラミック タイルを再利用して、衣類やリネンのアイテムを構築しています。

スラブ人とタタール人
2006 年に設立された Slavs and Tatars は、読書クラブとして始まり、アーティスト集団へと進化しました。その多面的な実践は、文字通りの方法と比喩的な方法の両方で言語に非常に近いままです。彫刻やインスタレーションから講演会や出版物に至るまで、彼らの作品は、旧ベルリンの壁と万里の長城という 2 つの象徴的かつ物理的な障壁に囲まれた地理的地域の文化的豊かさと複雑さに対する型破りな研究アプローチです。この広大な大地は、東西が衝突し、融合して再定義する場所です。

クリストフ・ビュッヘル
2015 年 4 月 18 日、リビア沿岸から 96 km、イタリアのランペドゥーサ島から南に 193 km 離れたシチリア海峡で、地中海で最も致命的な難破船が発生しました。リビアの人身売買業者が購入したボートは移民でいっぱいで、救助に来ようとしていたポルトガルの貨物船と衝突したとき、そのほとんどは船倉と機械室に閉じ込められた.

バルカ ノストラは、現代の移民の記念碑と記念碑であり、犠牲者とその復興に関わった人々に捧げるだけでなく、この種の災害を引き起こす集団的な政策と政治を表しています。2018 年 5 月、パレルモの移民イニシアチブは、難破船をトロイの木馬としてヨーロッパ中を国境を越えてさまよい、自由な移動の人権のために戦う行列を提案する請願を開始しました。

ルドヴィツァ・カルボッタ
Ludovica Carbotta の多面的な芸術活動には、彫刻、ドローイング、パフォーマンス、建築、執筆が含まれます。彼女は都市空間の物理的な探索に興味を持っており、彼女が「架空のサイトの特異性」と呼ぶものを構築しています。彼女は想像上の場所を発明したり、現実の場所にフィクションの文脈を吹き込んだりして、知識を構築する方法としての想像力の役割を回復します。

過去数年間、彼女は大規模なプロジェクトに取り組んできました。このプロジェクトは複数の章に分かれており、Monowe というタイトルの、1 人が住む架空の都市の名前です。モノウェの唯一の住民の視点と経験、そして彼/彼女が都市の条件を受け入れる可能性を通じて、カルボッタは社会で当然とされてきた社会的規範、ルール、論理を放棄する国家としての隔離を探求します。

トマス・サラセノ
Tomás Saraceno の研究は、無数の世界によって養われています。彼の Arachnophilia Society、Aerocene Foundation、コミュニティ プロジェクト、インタラクティブなインスタレーションは、分野 (芸術、建築、自然科学、天体物理学、哲学、人類学、工学) と感性をつなぐことによって、環境に生息する持続可能な方法を探ります。

これらすべてのプロジェクトで、サラセノは私たちの周りに存在する生命の形態に取り組み、生態学的な激動の時代に、私たちの視点を他の種やシステムに適応させることを奨励しています – ミクロまたはマクロレベルで、クモのコロニーから重力に至るまで波 – そして、私たちが共有する惑星に生息するハイブリッドで代替的な方法に取り組みます。

シプリアン・ガイヤール
シプリアン ガイヤールは、人間が作ったものと自然の両方のエントロピーを彼の中心的な関心事として取り上げ、ビデオ、彫刻、写真、コラージュ、パブリック アートを通じて、進歩という概念を鋭く批判しています。遊牧民の観察者であるガイヤールは、都市環境や自然の風景を歩き回り、周囲に埋め込まれた深い時間の兆候を探します。彼は外の世界の断片を内部に持ち込み、時代錯誤な並置を形成し、破壊と再構築、再生と劣化のイメージを組み合わせます。

ガイヤールの実践は、物理的形態の侵食であろうと、社会的および歴史的意味の侵食であろうと、腐敗の視覚的考古学です。作品の中で時を刻むことが多いが、ガイヤールは廃墟のロマンチシズムと闘い、無関心な眼差しを通して、循環する時間の統一された枠組みを通して出来事や場所の名残を理解することができると示唆している.

ハリル・アルトゥンデーレ
Halil Altındere は、ビデオ、写真、インスタレーション、絵画の中で日常の政治を精査しています。社会政治的メカニズムとそのメカニズムによる個人への侵入を鋭敏に観察する彼は、権威が主張され、国民国家の制度によって差異が制限されるまさにその手段を使用することがよくあります。身分証明書、切手、紙幣、新聞の一面、軍国主義のスローガン、政治指導者の写真は、社会的または政治的操作と正常化を覆すために流用されています。

クルド人の出身で、トルコ・クルド紛争の最盛期に育ったアルトゥンデーレは、多数の作品で少数派の無視と虐待に触れています。近年、アルトゥンデーレは複数の作品で世界的な難民危機に取り組んでいます。 Space Refugee (2016) は、シリアの最初で唯一の宇宙飛行士であるムハンマド・アフメド・ファリスとの出会いにインスパイアされたシリーズです。 1987年。

ヴェネツィア・ビエンナーレ2019
第58回ヴェネツィア・ビエンナーレは、2019年5月から11月にかけて開催された国際現代美術展です。 ヴェネツィア・ビエンナーレは、イタリアのベニスで隔年開催されます。芸術監督のラルフ・ルゴフは、その中心的な展示会をキュレーションし、興味深い時代に生き、90か国がナショナル・パビリオンに寄稿しました。

ヴェネツィア・ビエンナーレは、イタリアのベニスで開催される国際美術ビエンナーレです。 「アート界のオリンピック」とよく言われるビエンナーレへの参加は、現代アーティストにとって名誉あるイベントです。フェスティバルは、その年の芸術監督によってキュレーションされた中央展示会、各国が主催する国立パビリオン、ヴェネツィア中の独立した展示会など、さまざまなショーの集まりになっています。ビエンナーレの親組織は、建築、ダンス、映画、音楽、演劇など、他の芸術分野でも定期的にフェスティバルを開催しています。

中央の国際展示会の外では、各国が自国の代表としてパビリオンと呼ばれる独自のショーを開催しています。ジャルディーニにある 30 棟の建物など、パビリオンの建物を所有する国は、維持費と建設費も自分で負担する必要があります。専用の建物を持たない国では、ヴェネツィアのアルセナーレにパビリオンやパラッツォが街中に作られています。

ラ ビエンナーレ ディ ヴェネツィアは 1895 年に設立されました。2008 年からはパオロ バラッタが会長を務め、それ以前は 1998 年から 2001 年まで会長を務めています。ラ ビエンナーレは、現代美術の新しいトレンドの研究と推進の最前線に立ち、展示会、フェスティバル、研究を主催しています。芸術 (1895 年)、建築 (1980 年)、映画 (1932 年)、ダンス (1999 年)、音楽 (1930 年)、演劇 (1934 年)。その活動は、最近完全に改装された現代美術史料館 (ASAC) に文書化されています。

すべての分野で、有名な教師と直接連絡を取りながら、若い世代のアーティストに向けた研究と制作の機会が増えています。これは、国際プロジェクトのビエンナーレ カレッジを通じて、より体系的かつ継続的に行われ、現在はダンス、シアター、ミュージック、シネマの各セクションで運営されています。

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Tags: Italy