2017年5月13日から11月26日まで、クリスティン・マセルがキュレーションし、パオロ・バラッタが主催する第57回国際美術展「ビバアルテビバ」が開催されました。公共。今年のテーマは、アートとアーティストの存在そのものを祝い、ほとんど感謝することを目的としており、その世界は私たちの視点と私たちの存在の空間を拡大します。
展示会は、ジャルディーニ、アルセナーレ、ヴェネツィアの市内中心部にある歴史的なパビリオンで開催され、86の国と地域が参加しました。非営利の国内および国際機関によって推進されている23の付随イベントは、第57回展示会中にヴェネツィアでの展示会とイニシアチブを紹介します。
展覧会ビバアルテビバは、ジャルディーニの中央パビリオンにある2つの入門レルムから始まり、アルセナーレとジャルディーノデッレヴェルジーニにある7つのレルムに続く、9つの章またはアーティストの家族のコースで展開するルートを提供します。 。51カ国から120人の招待アーティストがいます。そのうち103名が初めて参加します。
葛藤と衝撃に満ちた世界で、芸術は私たちを人間にするものの最も貴重な部分を目撃します。アートは、反省、個人の表現、自由、そして基本的な質問の究極の基盤です。アートは最後の砦であり、トレンドや個人的な興味を超えて耕作する庭園です。それは、個人主義と無関心の明白な代替手段として立っています。
ビバアルテビバ
ビバアルテビバはヒューマニズムに触発された展示会です。このタイプのヒューマニズムは、従うべき芸術的理想に焦点を合わせておらず、周囲を支配できる存在としての人類の祝福によって特徴付けられていません。どちらかといえば、このヒューマニズムは、芸術を通して、世界情勢を支配する力に支配されることを避ける人類の能力を祝います。このタイプのヒューマニズムでは、芸術的行為は同時に抵抗、解放、寛大さの行為です。
Viva Arte Vivaは感嘆符であり、芸術と芸術家の状態に対する情熱的な抗議です。アーティストの役割、声、責任は、現代の議論の枠組みの中でこれまで以上に重要です。これらの個々のイニシアチブの中で、そしてそれを通して、明日の世界が形作られます。それは確かに不確かですが、多くの場合、他のアーティストよりもアーティストによって最もよく直感されます。
展示会の9つの章またはアーティストの家族はそれぞれ、パビリオン自体を表しています。つまり、本質的に国境を越えているため、トランスパビリオンを表していますが、ビエンナーレの歴史的組織をパビリオンに反映しています。 1990年代の終わり。
Viva Arte Vivaはまた、前向きで前向きなエネルギーを伝えようと努めています。若いアーティストに焦点を当てながら、亡くなったアーティストや、作品の重要性にもかかわらずまだほとんど知られていないアーティストを再発見します。
「アーティストと本のパビリオン」から「時間と無限のパビリオン」まで、これらの9つのエピソードは、世界の複雑さ、多様なアプローチ、多種多様なアプローチを反映した迂回路を備えた、しばしば談話的で、時には逆説的な物語を語っています。実践の。展覧会は、体験、自己から他者への外向的な動き、定義された次元を超えた共通の空間への、そして潜在的なネオヒューマニズムのアイデアへの前進を目的としています。
アーティストと本のパビリオンから始まり、展覧会はその前提、アーティスト自身を超えて現代社会全体を巻き込み、社会の組織とその価値に取り組む弁証法を明らかにします。アートとアーティストは展覧会の中心であり、彼らの実践、彼らがアートを作成する方法、怠惰と行動、オチウムとネゴティウムの中間を調べることから始まります。
町中の会場での展示会
展示会は中央パビリオン（ジャルディーニ）からアルセナーレまで発展し、世界中から86人の参加者が参加します。規模が徐々に拡大するにつれ、ヴェネツィアビエンナーレの範囲は街全体をカバーするように拡大しました。主要な展示会場に加えて、町の通りや離島に点在する多くのパビリオンも含まれています。
Ca’Giustinianは、ヴェネツィアの後期ゴシック様式を最も代表する歴史的な宮殿です。もともと「デイジュスティニアン」と呼ばれていた宮殿は、1471年頃に建てられ、ジュスティニアンとバドエルティエポロという2つの異なる建物が統合された結果です。2008年から2009年にかけて重要な改修が行われました。宮殿の内部はリクエストに応じてアクセスでき、エッセンシャルラインとニュートラルカラーに装飾的な形と現代的なデザインの典型的な色を組み合わせています。客室は、アートと空間の関係を強化するために配置された、厳選された芸術作品で完成されています。光はその場所のもう一つの特徴的な要素です。
アルセナーレのパビリオン
アルセナーレは、産業革命以前のヴェネツィア最大の生産の中心地であり、ヴェネツィアの経済的、政治的、軍事的権力の象徴でした。1980年以来、アルセナーレは第1回国際建築展の際にラビエンナーレの展示会場になりました。その後、オープンセクションの美術展でも同じスペースが使用されました。
アラブ首長国連邦パビリオン
2017年はアラブ首長国連邦の国際美術展への5回目の参加です。 「ロック、ペーパー、シザーズ：プレイの位置」は、世界中の文化を超えてプレイされる伝統的なゲームにちなんで名付けられ、プレイのアナロジーを通じてUAEの芸術的実践を探求し、Nujoom Alghanem、SaraAlを含む5人のUAEベースの現代アーティストを特集していますHaddad、Vikram Divecha、Lantian Xie、Dr Mohamed Yousif香港のアジアアートアーカイブ、ハマドナサールでキュレーター、ライター、元研究プログラム責任者（2012-2016）によってキュレーションされたこの展覧会では、アーティストによる既存の作品のほか、「失われた」作品と新しい作品の再製作が行われます。コミッション。
展覧会は、入れ子になった一連の質問の舞台として機能します。芸術的実践における「遊び心」はどこから来るのでしょうか。「遊び」はどこでどのように育まれますか？「遊び」とは何ですか？ドバイを拠点とするアーティスト、ハインドメザイナは、展示会のキュレーターのコンセプトを探求するアラブ首長国連邦国立パビリオンのプログラムの開発を依頼されました。’Home：Food |というタイトルのプログラム 音楽| スポーツ」では、食べ物、音楽、スポーツが家庭やコミュニティの感覚の構築にどのように貢献しているかを探りました。イベントはアブダビ、ドバイ、シャルジャで開催されました。
メキシコパビリオン
襞の中での生活、芸術の主要な声明の1つは、私たちの歴史のすべての期間における現実の表現です。この観点に焦点を当て、アーティストのカルロス・アモラレス（メキシコシティ、1970年）は、第57回ヴェネツィア国際美術展で「折り目の生活」というタイトルの作品を紹介しました。パブロ・レオン・デ・ラ・バラ（メキシコシティ、1972年）のキュレーターシップにより、アモラレスの展示会は、この版のメキシコパビリオンの公式会場であるアルセナーレとして知られる歴史的な建物に集められました。
メキシコパビリオンは、北米自由貿易協定（NAFTA）の再交渉や世界のいくつかの地域で提示された大規模な移民運動など、2017年の主要なイベントを適切に反映するために高い関連性を獲得しました。このインスタレーションでは、多くのオカリナが暗号化されたアルファベットを作成しました。これは、各オカリナが表す文字または記号に応じて異なる音を発するため、テキストと音声の両方で解釈できます。また、Amoralesは、すべての訪問者に新しく革新的な知覚と解釈の方法を作成することを目的として、音符が抽象的な方法で提示される多様な楽譜を設計しました。
アルゼンチンパビリオン
クラウディアフォンテスによる馬の問題は、2017年の57aヴェネツィアビエンナーレでアルゼンチンを代表する彫刻のインスタレーションでした。インスタレーションは、馬、女性、若い男性が無限の因果関係のループに閉じ込められているバレットタイムの凍結シーンを示しています。一度に原因と症状です。建物に閉じ込められることへの馬の恐れは、彼の方向に移動する岩の雪崩を引き起こし、その影は爆発しますが、彼自身の鏡像を形成します。素材の白さと滑らかさは、まるでキャラクターとその状況が並行して存在するかのように、シーンに幽霊のような品質を与えます。観客は、見物人として、物語を完成させます。
アルゼンチンの一種の非公式な国家の象徴としての馬である跳ね馬は、さまざまなものや概念の象徴として作品に使用されています。一方では、それは多くのアルゼンチンとラテンアメリカの都市に住む馬術の記念碑を思い起こさせます。もう1つは、自然と工業化の衝突、および労働力としての動物の使用を含む天然資源の開発を表しています。最後に、それは、19世紀に設立されたビエンナーレ自体の形式に対する微妙な批評家として、国家の概念そのものを象徴しています。これは、フォンテスが「普遍的な」美術展に国民が参加するという考えに基づいています。廃止され、明らかに不承認と見なされます。
南アフリカパビリオン
南アフリカパビリオンの展示会では、世界的な疎外の文脈の中で、自己の概念を視覚化および明確化する上でのアーティストの役割を探求するよう視聴者を招待しています。日常生活の中で目に見えるが、文化的、政治的、経済的表現のレベルでは見えず、無視されているのは何ですか？ブライツとモディサケンの新作を対話しながら、排除、移動、一時的、移民、外国人排斥の経験を振り返り、そのような状況下での自己のパフォーマンスを形作る複雑な社会政治的力を探ります。
Mohau Modisakengは、現代の南アフリカ人の現在の生活体験の中心となる悲しみとカタルシスの痛烈な瞬間として視覚的に現れる、国民性、リーダーシップ、不平等、移民労働の考えに対する批判的な反応を示しています。ブレイツの作品は、架空の人物や有名人との強い同一性が現実世界の逆境に直面している人々の窮状への広範な無関心と並行して実行されるメディア飽和の世界文化を反映して、共感が生み出される条件に焦点を当てています。
ペルーパビリオン
ロドリゴ・キハノは、ユーモアと皮肉を通して彼の作品に反映を提供する、初期に失踪した造形芸術家、フアン・ハビエル・サラザール（1955-2016）の作品を世界に提示します。展覧会は回顧的またはアンソロジー的であることを意図していませんが、彼をフォローしているアーティストの世代に大きな影響を与え、実際には軸とキャラクターである人物にふさわしい価値と国際的な露出を与えることを目指しています現代ペルーの芸術を理解するための鍵。
トルコパビリオン
Cevdet Erekは、「ÇIN」と題されたパビリオンのサイトスペシフィック作品を発表します。現場で体験することを目的としたプロジェクトを説明しようとする代わりに。イスタンブールで生まれたエレクは、2012年にドクメンタ13の最初のインスタレーションを作成しました。彼の作品は、リズムとサイトの特異性を際立たせて使用することを特徴としています。 。興味深いことに、Erekは、アーキテクチャや線形時間への参照などの合理的なコンポーネントを本能的な衝動と組み合わせることで、2つのおそらく反対の球の間のギャップを平準化することができます。
フィリピンパビリオン
比較の亡霊、フィリピン人アーティスト、ラニ・マエストロとマニュエル・オカンポの作品。比較の亡霊は、1887年にベルリンに住んでいたときにフィリピンの愛国者で小説家のホセリサールによって書かれた小説ノリメタンジェールから引用されています。このフレーズは、政治的無実の喪失の経験を示唆しています。遠くから、ヨーロッパを見ずにフィリピンを見ることができなくなり、フィリピンを見ずにヨーロッパを見つめることもできなくなりました。
独特の歴史的瞬間に影響された美的に異なる慣習があるにもかかわらず、インスタレーションに音、映画、テキスト、写真が組み込まれているラニ・マエストロと、比喩的な絵画批評システムを備えたマニュエル・オカンポは、どちらもエミグレのスペクタクルの「集合的」体験の産物です。展覧会は、この視線をオカンポとマエストロに一致させます。2つ、いくつか、または多くの世界を知り、そこに住んでいたアーティストとしてだけでなく、アートメイキングが断片化されたグローバルを生み出すアーティストとして。時間的および地理的ゾーンにまたがって構築された世界。
チリパビリオン
ベルナルドオヤルズンは、人類学的、社会的、歴史的、民族的なレンズを通してチリの文化を調べることがよくあります。「Werken」と題されたOyarzúnの展示会では、先住民のマプチェ族によって作られた1,500を超える儀式用マスクと、6,907のマプチェ族の名前を表示する赤いLEDライトが展示されています。Oyarzúnは、現代美術と先住民との関係を探求しています。
インドネシアパビリオン
ティンティン・ウリアは、「1001火星の家」という包括的なタイトルで3つの相互に関連した作品を概念化しました。地球上の残虐行為の亡命者に200年後の火星での物語を語らせ、デジタル技術とカメラを通して国境のない世界を示唆するというアイデアは、現在の未来を示すことでした。
1001火星の家は、大陸を越えて、2つの別々の展示会場で同時に開催されます。ジャカルタセナヤンシティーショッピングモールのツインバージョンにパビリオンを接続しても、特に強化されませんでした。これら2つのサイトは、デザインとレイアウトがほぼ同じであり、プロジェクトの3組のツインワークと同様に相互接続されています。太陽の下で、そしてその名を冠した千と一の火星の家。
マルタパビリオン
ホモメリテンシス：19章の不完全な目録は、現代アーティストの作品と歴史的遺物を特集し、アートワーク、オブジェクト、ドキュメントを非階層的で時系列にまとめる複雑なインスタレーションでマルタのアイデンティティの連想調査を提供しますセットアップ。19の章では、博物学の標本、国のゲノム、古代の難破船、移住、地図作成、儀式的なオブジェクト、トランスジェンダーのキャラクター、事実とフィクションをふざけて組み合わせたその他のアーティファクトを取り入れながら、さまざまな方向に同時に移動する精巧な旅に視聴者を連れて行きます、アイデンティティの構築と分解、破壊的なオブジェクトが従順なオブジェクトと出会う。
ジョージアパビリオン
アルセナーレ内にあるジョージアンパビリオンは、ジョージ王朝時代の田園地帯にある、廃墟となった小さな木造家屋で構成されています。ヴェネツィアで再組み立てされた小屋には、家具、写真、その他の日用品など、そのような住居に見られる典型的な内容物がすべて含まれています。内部では、アーティストは恒久的な雨をシミュレートする自己完結型の灌漑システムを設置し、内外の関係を逆転させました。黄色のナトリウム照明が内部を照らし、6か月にわたる展示会の期間中、苔の文化が床、壁、家具、その他の物体を飲み込むにつれて、訪問者はゆっくりとしたエントロピーの破壊過程を目の当たりにすることができます。インスタレーションは、微妙な変化を可能にする自然なドラマツルギーに従って独自の物語を作成します。インテリアとは対照的に、家の外観は同じままです。
Vajiko Chachkhianiの作品は、個人的な経験と政治的現実の間、および心理的探求と物質的な即時性の間に存在する詩的なヒューマニズムによって形作られています。彼の作品の多くの出発点は、直接的または間接的に、人々の間で物や行動を交換することであり、パフォーマンスとして現れることもあります。アーティストは、露出と隠蔽の間の微妙な相互作用で縮小されたフォームを使用することによって、彼の主題を凝縮します。彼の作品の通常の素材と伝統的な職人技は、基本的な日常の現実から生まれています。彼の彫刻とインスタレーションと並行して、Chachkhianiは、単一の出来事のドキュメンテーションから、夢と現実の間に浮かぶより物語的な映画に至るまで、映画のような作品を開発しました。
アイルランドパビリオン
ジェシー・ジョーンズは、国立パビリオンを代替法の場所と見なしています。ジョーンズは、映画とパフォーマンスに基づいた実践で、司法制度の「妖艶」と表現するアートワークを作成しました。ジョーンズの実践は、映画、パフォーマンス、インスタレーションのメディアを横断し、ビエンナーレでの彼女の展覧会のために、彼女は現実を変える能力を持っているフェミニストの原型として魔女の復帰を提案します。彼女はしばしば共同作業を行い、歴史文化が私たちの現在の社会的および政治的経験にどのように共鳴するかを探ります。
イタリア館
イマジネーションは、目に見える現象を超えて、「その豊かさと多様性のすべてにおいて」世界を体験するためのツールです。イタリアパビリオンは、ロベルトクオギ、アデリタフスニベイ、ジョルジオアンドレオッタカロによって作成された3つのインスタレーションのシーケンスを収容する3つのスペースで構成されています。展覧会のタイトルであるイルモンドマジコは、1948年に出版された人類学者エルネストデマルティーノの最も有名な本のタイトルから借用されています。社会的文脈。
イタリアのパビリオンの入り口のスペースは、一種のワークショップに変わりました。この工場は、禁欲的な完璧な状態を達成するための道を説明する中世のテキストであるDe ImitationeChristiに触発された献身的な彫像を制作しました。パビリオンに展示された3つのインスタレーションの最初のインスタレーションであるRobertoCuoghiによるImitazionedi Cristo（The Imitation of Christ）は、イタリア美術におけるキリストの歴史的描写に関する研究を通じて、物質の変容とアイデンティティの流動的な概念を調査します。その後、工房で製作されたキリスト像は、透明なプラスチックで作られた長いトンネルの中に配置されたテーブルの配列に移動され、問題の劣化と崩壊の進行状況で一連の「体」を作成します。彫像は、ほとんど分解されて、その後、オーブンで「乾燥」させて腐敗を防ぎます。最後に、歪んでバラバラにされた人物の残骸が再構成され、ギャラリーの端にある長くて暗い壁に配置されます。
チャイナパビリオン
「Continuum– Generation by Generation」は、容赦ないエネルギーまたは生命力であるbuxiの中国の概念に触発され、Tang Nannan、Wu Jian’an、Wang Tianwen、YaoHuifenの4人のアーティストによる個人および共同作品を特集しました。パビリオンは、単一の中国人アーティストの作品ではなく、5000年以上続いた集合的な創造的プロセスに関するものです。中国離宮のための4人の芸術家間の包括的な相互協力。参加した4人のアーティストはそれぞれ他の3人のアーティストと協力しています。中国の芸術は、私たちの集合的な歴史の5000年にわたる共同の行為であり、各アーティストが参加し、応答します。一種の世代を超えたヤジの集まりです。
唐は、水路や風景を扱った中国の神話に触発されたビデオを見せました。 Yao Huifenは蘇州刺繡の専門家であり、尊敬されている工芸品の現代版を作成しています。 Wang Tianwenは陝西省の影絵芝居の達人であり、WuJian’anのレーザーカットされた銅板の彫刻は空間全体にトーテムのようにそびえ立っていました。多くの作品は古代と天体のテーマを参照しており、4人のアーティストとキュレーター自身、Continuum –山を取り除き、海を埋めることによって作成された、ミュージシャンとパフォーマーが伝統的な方法とデジタルを組み合わせた、共同のマルチメディア影絵芝居に集まりました。投影。この展覧会は、民芸や慣習に関心のある歴史を通して、中国知識人の足跡を非常に意識的に追っています。今回のチャイナパビリオンの不協和音の雰囲気は、真の意図と魅力的な効果をもたらしました。
ジャルディーニのパビリオン
ジャルディーニは、1895年の初版以来、ラビエンナーレ美術展の伝統的な場所です。ジャルディーニには現在、29の海外パビリオンがあり、その一部は、ヨーゼフホフマンのオーストリアパビリオン、ヘリットトーマスリートフェルトのオランダパビリオン、フィンランドパビリオンなどの有名な建築家によって設計されています。 、AlvarAaltoによって設計された台形の計画で事前に作成されています。
スペインパビリオン
スペインの芸術家ジョルディ・コロマーは、マヌエル・セゲードによってキュレーションされた彼の展覧会プロジェクト「Ciudaddebolsillo」をパビリオンで発表します。それは、一連のビデオ、彫刻、そして全体的ではあるが暫定的な建築として理解されている空間自体で構成される「インスタレーションのインスタレーション」です。インスタレーションは、モデル、プロトタイプ、これらの動きのスケール複製が存在する自然光のある中央空間から構成されています。これらの動きには、ビデオに記録されたアクションで使用されるオブジェクトが組み込まれており、パビリオンのアンサンブルにリズムがあります。それらの全体として、それらは、移動の影響を受けやすく不安定なバランスの都市の断片のさまざまなスケールでビジョンを形成します。モデルは塗装されたスズモジュールで作られ、強力なファンによって恒久的に振られました。興奮した街の絶え間ない振動のように。
周辺の部屋では、視聴者が自由に一方向または別の方向に移動できるツアーが開催されます。これらのスペースは、ビデオ付きの投影スクリーンと表示用のスタンドのセットという2つの要素からのシーケンスの進行として明確に表現されます。スクリーンとスタンドはどちらも、ほぼ個別の表示から、さまざまなサイズとステップの複数のスクリーンを備えた広い部屋、さまざまな視点を提供できるモジュール式の高さまで、変化する環境を構成するシリアルの組み合わせで構成されています。
アメリカパビリオン
米国のパビリオンが発表するTomorrowis Another Dayは、マークブラッドフォードによるサイトスペシフィックインスタレーションです。マーク・ブラッドフォードは、現代の抽象表現主義の最も興味深い人物の1人です。色と問題への見事なアプローチと、社会問題や社会から取り残された人々やコミュニティの脆弱性と回復力への深い関心を組み合わせた作品を制作しているアーティスト。エントランスルームにはインスタレーション「スポイルドフット」があり、天井からぶら下がっている大きな邪魔な黒と赤の塊で空間を埋め、狭い通路を歩き、壁をブラッシングすることを強制します。限界と中央集権的な社会的権力に住む人々。
2番目の部屋には、4つのほとんど黒の作品、3つの大きなコラージュ絵画、彫刻が展示されています。ブラッドフォードは、それぞれが神話のサイレンにちなんで名付けられたキャンバスで、2000年代に行った先駆的な作品ですでに採用した技法を使用しました。この技法では、きらめく黒紫の絵画に「組み込まれた」エンドペーパーを使用して、 「海とその通路を想起させる」深い、虹彩のような問題。作品のタイトルは、私生活と大衆文化の両方における女性の虐待に言及しています。 3枚の絵画は、漂白された黒い紙の錠のもつれで作られたメデューサと題された中央の彫刻を「取り囲み」、女性の描写をテーマにした一種の現代的で古典的な三連祭壇画を形成しています。
ウルグアイパビリオン
サグラディーニは、言葉や物事の世界を漂流しながら芸術を理解し、行使する独自の方法を育み、日常生活から抜粋された経験、物、物語を救い出します。彼は民族誌的発見に頻繁に取り組むことで、ウルグアイの歴史の断片にも興味を持って取り組んでいるため、芸術の実践を通じて、芸術家の歴史家と人類学者を交互に（または同時に）再浮上させています。実際、サグラディーニが彼の象徴的な装置を育てるために日常の仕事で使用される物に頼ることは非常に一般的です、
この作品は、19世紀からウルグアイで使用されている「エンブド」と呼ばれる牛の囲いの形で構成されており、アーティストは古い、ほとんど判読できない写真から再構築しました。特定の体の場所のような形をしていますが、それなしで展示されています。すべての文脈から抽出され、それは空のセルとして提供され、その失われた記憶が今ではそれを占めることができる他の物体の存在によって置き換えられることを望んでいる幻想的な設定として提供されます。ポータル、入り口、開口部、壁、その他のデバイスがあり、人間のスケールに適した、建築の言語に近い構成を複合体に提供します。 2つ目は、取り付け条件、その舞台美術の概念への賛辞です。これは、ショーによって課せられた仮想の障壁を越えるために、訪問者にアーティファクトとの身体的な対話をするように勧めます。そのような特徴は、作品に歴史的な理由と意味の遊びの準備ができている現在の機能を与え、それはそれを古典的なミニマリストのドリフトから分離します。
北欧パビリオン
Mirroredは、Siri Aurdal、Nina Canell、Charlotte Johannesson、Jumana Manna、Pasi “Sleeping”Myllymäki、MikaTaanilaの6人のアーティストの作品を集めたグループ展です。ミラーリングされた展覧会は、北欧諸国に反映された、または投影されたステレオタイプに挑戦することに焦点を当てるために、局所的なアプローチを避けようとします。キュレーターのMatsStjernstedt氏は、国や地域の境界を越え、代わりに芸術的実践がどのようにつながるかについてのより多面的な見方を追跡するつながりのマッピングを述べています。 。
Siri Aurdal、Charlotte Johannesson、Pasi “Sleeping”Myllymäkiの作品は、産業素材、デジタルスペース、または動画を使ったデザイン実験の探求において時代を先取りした都市芸術と都市性の例です。 Aurdalのモジュールベースの彫刻は、彫刻媒体に挑戦し、そのための新しい施設を確立します。 Johannessonは、伝統的なテキスタイルクラフトからヒントを得て、タペストリーの論理的な設定をコンピューターベースのピクセルに変換しました。 Myllymäkiは、映画の練習をあきらめる前に、1976年から1985年にかけて44本のスーパー8フィルムを制作しました。これらの映画は、グラフィックデザインからパフォーマンスアクションまで、幅広い要素を探求しています。
たとえば、物質的な変化や政治的内容を通じて表現された都市の主題に対する同様の関心は、次のアーティストの作品と交差しています。 Mika Taanila（b。1965）は、主に映画、ビデオ、サウンドで一時的なアートワークを制作することで知られています。今回の展覧会では、タアニラはモンタージュ技法を使用して、映画文学のカットアウトプロジェクトを作成します。彫刻とインスタレーションに関連するニーナ・カネル（1979年生まれ）の実験モードは、エネルギーの場所と変位を考慮しています。しかし、タアニラの映画やサウンド作品のように、カネルは彫刻のしばしば固定された形を自由なプロセスに変換するので、それらは一時的な品質を持っています。ジュマーナ・マンナ（1987年生まれ）の作品は、人間関係を通じて権力がどのように表現されているかを探求しています。多くの場合、ナショナリズムの物語と場所の歴史に関連して、身体と物質性に焦点を当てています。彼女の彫刻作品では、マナは間接的に表現を展開し、不在と代替の視覚言語を作成します。
グレートブリテンパビリオン
ブリティッシュパビリオンは、フィリダバーロウによるサイトスペシフィックな彫刻インスタレーションであるフォリーを紹介します。フィリダ・バーロウは、コンクリート、木材、布などの安価な素材と再利用された要素が豪華で神秘的で不穏な彫刻に変換される印象的な抽象的な彫刻作品で世界的に有名です。フィリダ・バーロウは、華やかな建築装飾要素のタイプと愚かな精神状態の両方への言及として、彼女がフォリーと題したマルチフォームのインスタレーションを作成しました。作品は常にパビリオン自体の建築を再生し、相互作用します。外部から始まり、バーロウは明るい色のほとんどコミカルな泡（または、より正確には、アーティストが定義する巨大なつまらないもの）のグループを配置します。 ” ボールド、建物の新古典主義の形態。
彫刻はパビリオン全体に生息し、屋根に達し、さらには外にこぼれます。中央のギャラリーでは、彼女は私たちに探検家の役割を引き受け、密集したそびえ立つ柱の彫刻の迷宮の周りを歩き回るように勧めています。鮮やかな色のつまらないものが楽しく鳴り響きますが、これらの膨らんだ形は、訪問者に向かって押して空間を支配するため、不吉な性質も持っています。見本市会場の椅子に似た彫刻はお祭りをほのめかしますが、折りたたまれた形は腐敗と荒廃を暗示しています。
カナダパビリオン
鏡から離れた方法で、ジェフリー・ファーマーは、祝福と悲しみの両方の観点から、国民国家に属することを想像しました。境界のある、またはモノリシックなアイデンティティとしてではなく、流動性と喪失として。パビリオンを噴水の野外ステージに変え、彼はまた、個人と国の歴史の交差点を文字通り爆発させた更新と反省のためのスペースを開きました。
ジェフリーファーマーは、芸術、歴史、素材の問題に対する繊細でインテリジェントなアプローチと、強力な国際展示会の歴史により、困難な空間と見なされることが多いカナダパビリオンを、没入型の彫刻体験に変えます。事前の情報によると、個人の歴史と世代間のトラウマは、ファーマーのインスタレーションの側面であり、詩、古い雑誌、家族の謎でもありました。
ドイツ館
アン・イムホフによる「ファウスト」とスザンヌ・プフェファーによってキュレーションされたパビリオンは、2017年のゴールデンライオン賞を受賞しました。挑発的で力強い展示会であるアン・イムホフは、2017年のヴェネツィアアートビエンナーレでドイツのパビリオンを設計しました。絵画、彫刻、インスタレーションの媒体と、人物の構成と理解を探求するライブパフォーマンスを統合しています。アン・イムホフがパビリオンスペースに登場するのは、個人が物理的、政治的、経済的、および技術的な制限によって制約されている、タフで疎外された現実の描写です。ガラスや鋼などの使用される要素の硬度は、最近の権力とお金が管理されている場所の硬度を連想させます。特にガラスでは、パビリオンの最も重要な変更が行われます。sアーキテクチャ、つまり、舗装の1メートル上に透明な隆起したプラットフォームを追加します。これにより、空間と人間の存在との関係が変更されます。
この作品は、外部から始まるドイツパビリオンの建築と強く相互作用します。番犬は大きな檻の中に隠れており、パビリオンの新古典主義の建物の入り口の柱廊を閉じる厚い飛散防止ガラス板は、訪問者がメインホールを見る可能性だけを残し、パビリオン側のメインエントランスの移動を予期しています。視覚的なインスタレーションから音楽、絵画からライブパフォーマンスまで、さまざまな形式的で表現力豊かなレイヤーと手段が重なり合うトータルアートワーク。ガラスのスラブの下には、拘束装置、仮設ベッド、フラスコ、処方ボトルの人と道具があります。透明なプラットフォームの上で、パフォーマーのグループを見ている大衆の動き、来場者との本当のコミュニケーションを確立せずに展示しているが、彼らの視覚的外観の力を完全に認識している人。
これらの規律のある壊れやすい体は、目に見えない権力構造が浸透している物質のように見えます。彼らは常に彼ら自身の客体化に逆らうように見える主題です。メディア表現は、これらのバイオテクノ団体に固有のものです。パフォーマーは、自分のジェスチャーがそれ自体で終わるのではなく、純粋な中間性としてのみ存在することを十分に知っています。彼らは永遠に消費の準備ができている写真に自分自身を変える寸前に見えます。彼らは画像、デジタル商品になることを目指しています。極端なメディア性を特徴とする時代において、単なる現実を描写するのではなく、イメージがそれを生み出します。
韓国パビリオン
「カウンターバランス：石と山」と題された合同展は、2人のアーティスト、コーディー・チョイとイ・ワンが現代の韓国のアイデンティティで認識する葛藤と混乱に焦点を当てています。コーディ・チョイの作品は、アイデンティティの変化と西洋の影響力の増大との間の緊張関係を探求することにより、韓国の近代化に注目しています。パビリオンの屋上に設置された「ヴェネツィアンラプソディ」は、ラスベガスとマカオのカジノの視覚的な雰囲気から自由に借りて、グローバル資本主義の光景を反映したネオンサインの輝く森です。崔熙燮の作品には、トイレットペーパーとピンク色のアメリカの胃薬ペプトビスマスから作られたロダンの彫刻の再発明である「思想家」として知られるパロディ彫刻も含まれています。
イ・ワンは若い世代の韓国人アーティストに属しています。彼の仕事を通して、イ・ワンは、アジア中およびそれ以降の国々の世界的な権力構造によって搾取された個人の隠された生活を調査します。今年のビエンナーレアルテでの彼の作品の中には「適切な時間」があります。これは668の時計で構成され、それぞれに名前、生年月日、国籍、世界中で出会ってインタビューした個人の職業が刻まれており、さまざまな経済状況を調査しています。働く人々の。リー・デヒョンによれば、「各時計は、食事をするために問題の個人が働かなければならない時間の長さによって決定される異なる速度で動く」。その結果、大声で倍増する抽象的な肖像画の不条理な集合体になります。グローバルな不平等の目がくらむような多感覚で没入型の表現。
日本館
「逆さまになって森だ」は、作品で有名な岩崎貴宏の個展でありながら、一見平凡な素材や残骸を意外な彫刻に変身させ、細心の注意を払って制作。日本の芸術家の作品は、アートワーク内に物理的に存在しない要素が含まれていることを特徴としていますが、秩序と無秩序の絶え間ないコントラストによって、彼の反射モデルシリーズの水など、そのアイデンティティの本質的な部分です。そして環境と社会問題への深い関心によって。リフレクションモデルシリーズは、実際に存在する日本の寺院の建築モデルで構成されています。元の建物が現実と曖昧さの概念についての推論として立っている水域の存在を再現するために、逆さまにミラーリングされました。そのような考えをさらに強調するために、モデルは実際の建物と同じ木（ヒノキ）で作られています。
展覧会キュレーターの鷲田めるろ、広島の歴史が作品に深く浸透しているようです。広島市は原爆投下により一瞬にして全滅し、かつては軍事都市でしたが、戦後180度変化し、平和の都市として広く認知されるようになりました。岩崎の作品における比喩的な表現の使用、言い換えれば、ある詳細に起こったときに何かがまったく異なる方法で現れるようになる方法は、確かに広島の経験に関連しています。岩崎の場合の日用品の使用は、広島平和記念資料館に収蔵されている数多くの遺物から影響を受けており、それらは瞬時に歪んで機能を失った日用品を伝えています。工芸品のようにも表現できる彼の手仕事の繊細さは、ミクロとマクロの世界を横断しているように見えます。
ブラジルパビリオン
マルセルのインスタレーション「Chãodecaça」では、溶接された格子で作られた傾斜した床が、ブラジルパビリオンの2つの接続されたギャラリーの内部を占めています。周囲のジャルディーニに見られるような通常の小石は、グリッドに押し込まれ、通常、産業のコンテキストまたは公共スペース内、たとえば線路の間、または地下鉄の通気シャフトや下水道システムのカバレッジに使用されます。格子と小石が織り交ぜられており、追加の彫刻要素、一連の絵画、ビデオがあります。いくつかの木の棒が床の構造に固定されており、それぞれが幽霊のグループや看板、松明、トーテムの小さな森のように、上部の先端に掛けられた布の絵のバランスを取ります。絵画のサポートは、白黒の縞模様の綿生地です。通常のベッドシーツですが、黒い縞模様はそれぞれ白いペンキで丁寧に消されています。さまざまなサイズの石がレースで包まれ、それによって全体的な構造の一部になり、彫刻的なボリュームと重量が与えられます。
ビデオもあります。タイル張りの屋根にワンアングルで撮影しました。これは男性によって内側から徐々に解体され、屋根に登るのに十分な大きさの開口部が作成されています。マルセルは曖昧さを演じ、停滞、執着、反逆によって導かれる謎めいた環境を作り出します。全体としてのインスタレーションは、不安定な感覚を引き起こします。刑務所と逃走のイメージを保持するように誘惑されるかもしれませんが、ビデオプロジェクションによって示され、鋼の格子の粗さに共鳴しますが、独特の実験室やヒンジのないアーティストスタジオにいることも想像できます。テクノフォレストや大規模な野生の都市で。
タイパビリオン
ショー「KrungthepBANGKOK」では、アーティストのSomboon Hormtiemtongが、タイの首都のさまざまな側面を感じさせるために、木の幹、仏像、象、プラスチック容器などのオブジェクトを選択しました。それに加えて、Hormtiemtongは街の隠れた隅のリアルな木炭画も実現しました。アーティストは、私たちが慣れ親しんでいる既製の言語コードを使用して、タイが直面している複雑な時代の雰囲気を作り出しました。
カステッロとカンナレージョ周辺の展示会場
レバノンパビリオン
レバノンのパビリオンは、ZadMoultakaの作品を紹介しています。タイトルSamaSは回文であり、同じことを前後に読む単語です。それは「SunDarkSun」を意味します。モザイクの表面を彷彿とさせる光沢のあるコインがちりばめられた遠い内壁。サンマルコ寺院の金のモザイクに触発されたため、これは意図的なものです。何千ものコインには、銃弾の穴を示唆する穴のあるものが含まれています。これは金のモザイクですが、本物のコインで戦争を可能にするのはお金です。」これは嘆きの壁であり、それぞれが別々のスピーカーから来る32の声が、喪の合唱とエネルギーの渦を生み出します。それぞれの声はまるでモザイクのように繊細に区別されています。音楽はベイルートのアントニン大学の合唱団のために書かれました。航空機のエンジンのうなりのように聞こえる場合もあれば、Daydéが「天使の歌」と表現しているように聞こえる場合もあります。
スペースの中央には、ありそうもない物体、1950年代の直立したロールスロイスエイボンMK 209航空機エンジンがあり、柱のように立っており、紀元前18年にメソポタミアを支配したハンムラビの時代の彫像に似た位置にあります。彼の治世は、世界で最も初期の法律の説明を含む、世界で最も古い碑文のいくつかで知られています。ハンムラビの時代の玄武岩柱の代わりに、戦争の道具である航空機エンジンを展示することは、少なくともハンムラビによってコード化された教訓がある限り、この地域に紛争が存在していたことを示唆しています。法典と飛行機のエンジンはまったく同じ形式です。人間の精神では、これらのフォームが反対の目的で使用されている場合でも、非常によく似ていることは驚くべきことです。」
リトアニアパビリオン
ジルビナス・ランズベルガスの新しいインスタレーション「R」は、北欧の風景とイメージを、ベネチア独特の建物であるスクオラサンパスクアーレの白い立方体の空間と融合させた魅惑的な現実を明らかにしています。Rは、想起、記録、関連、参照、類似、尊重、光線、ラジウム、レニウム、ロマンチック、本物、韻を意味します。RA、天文学、神話、医学、化学、音楽、船乗りなど。Rはアルファベットの最も複雑な文字であり、合理的および虚数の境界にまたがる幾何学的形状と意味のスペクトル全体を統合します。Rは、ジルビナスランツベルガスの芸術的実践における固有の要素であり、Rは空間、オブジェクト、キャラクター、サイン、ポータルとして表示されます。
ジルビナス・ランズベルガスのインスタレーションは、典型的な要素、社会的反省、個人的な洞察が幻想的な空間の物語に組み合わされたおとぎ話の構造を想定することにより、物理的および潜在意識のレジスターで動作します。ジルビナス・ランズベルガスの幻想的な風景に完全に浸りましょう。そこでは、食い荒らされた太陽と偽の月、北欧の命令、発芽した家具と巨大な頭に直面し、物質的な影と光の絵をたどり、ヨクバス・チジカの助けを借りて、StyrmirÖrnGuðmundssonの鍼治療の礼儀に屈します。そしてIndriðiArnarIngólfsson、DJExotipによる水中ビートに耳を傾けてください。
キプロスパビリオン
ポリス・ペスリカスが代表を務め、ジャン・ヴァーヴォールが教区副牧師を務める「絵画の媒体を通して生き返る」と題された展覧会には、芸術家集団ネオテリスモイ・トゥマゾウ、作家ミレーネ・アルサニオス、陶芸家バレンチノス・チャラランボスの参加も含まれています。ペスリカスはパビリオンに絵画を展示し、ゲストアーティストの舞台を設定します。想定される展示スペースでの絵画の独特の外観は、演劇がすでに行われている場合でも目の前に存在する劇場のカーテンの幽霊に似ている可能性があります進捗。
1973年にキプロスの南海岸のリマソールで生まれたペスリカスは、現在ベルリンを拠点としています。アーティストは、絵画を時間の概念を探求し、既存の物語との新しい関係を生み出す手段と見なしています。彼の練習は非常に協力的であり、彼はしばしばダンスを含む他の媒体で働いている他のアーティストを彼の作品に貢献するように誘います。ペスリカスは、彼の実践に基づいて、初歩的な経験の強さを伝える絵画の力を強く主張しました」と、ヴェルウォートは声明の中でペスリカスの作品と彼の今後の展覧会について述べました。絵画の]ベール自体を絵画するときに最も強く感じられるかもしれません。キアロスクーロは目をさまよいます。色は大気になり、スペクトルも均一になります。
マカオパビリオン
「私の夢の盆栽」をテーマに、地元のアーティスト、ウォン・チェン・ポウの新作を特集しています。展示品は主に立体作品、絵画、写真で構成されています。展覧会のタイトル「私の夢の盆栽」は、古代中国の文学者が小さな鉢にミニチュアを植えたように、盆栽で彼の個人的な夢を育むという作者の意図を示しています。
展示品には主に、世界観を反映した古代中国の宗教、歴史、地理、種に関する豊富な情報源である古代中国の古典シャンハイジン（山と海の古典）に記載されている神々に触発された人物が含まれていますそれは二千年前に中国で流行しました。「私の夢の盆栽」は、著者の観察、感情、そして彼が現在住んでいる都市の想像力を提示します。
チュニジアパビリオン
不在の道は、ビエンナーレの期間中、世界の牧歌的な小宇宙を表すヴェネツィア全体で上演される人間のパフォーマンスです：人間がまだある国から次の国へ自由に流れることができる場所。これは、世界中の国や企業向けの安全な身分証明書の作成のリーダーであるVeridosの助けを借りて作成された、Freesaと呼ばれる物理的な渡航文書に表されています。
このプロジェクトには、アーティストではなく、移住を直接経験した個人が含まれ、町のさまざまな場所にいる訪問者に渡航文書を発行します。このインスタレーションは、人々に課せられた分割された手荷物と分類を取り除くことに向けて、すべての訪問者に力を与えます。パビリオンの中心にある慎重に開発された付随イベントは、静かな個別の抗議の基礎を形成します。世界中からの訪問者に加えて、The Absence of Pathsは、意欲的な若い移民の積極的な貢献を活用しています。国際的に認められた現代アートイベントでの芸術的実践の一部であるという理由でビエンナーレへの彼らの通過は、議論と探究を刺激する能力を維持する世界的な現象としての現代アートのステータスを強調しています。
ジンバブエパビリオン
「帰属のアイデアを探る」をテーマに、ジンバブエパビリオンの6つのギャラリーの彫刻、版画、ドローイング、オブジェ、絵画、サウンドを取り入れた4人のアーティスト、Admire Kamudzengere、Charles Bhebhe、Dana Whabira、SylvesterMbayiが新しい作品を考案します。刻々と変化する世界でのアーティストと彼らの経験は、インスピレーションの源です。ジンバブエパビリオン展は、アイデンティティ、移住、愛国心、帰属のテーマに関する別の視点を提供しようとしています。あちこちで見たり見られたり、合法か違法かという考えは依然として議論の対象となっており、この展覧会はこれらの問題に対するいくつかの答えを提供しようとしています。国境は生活の中で避けられない部分ですが、人々は依然として合法的にも違法にも国境を越え続けています。
境界の脱構築のこの号は、中心的な問題となっている広大なトピックに取り組み、展覧会は、アーティスト、Admire Kamudzengerere、Charles Bhebe、およびDanaWhabiraを通してその多様な視点のいくつかを明らかにします。彼らの作品は、ジンバブエパビリオンの聴衆に、権力関係を形作る問題を反映し、議論するように促します。展覧会は、4人のアーティストの声を通して所属の問題に関するいくつかの質問を出すことを目指しています。執拗なグローバリゼーションに直面して、物理的な境界は曖昧になり、挑戦されています。したがって、この点でのアーティストの声と視点は重要です。なぜなら、彼らは社会の鏡だからです。Deconstructing Boundariesは、参加アーティストが自分の経験を振り返り、現在何らかの形で存在する境界に疑問を投げかけるときに、参加アーティストからのインスピレーションを求めています。アーティストがさまざまな国境や境界を越えるとき、彼らは訪れるさまざまな空間について独自の体験を持ち歩きます。
モンゴルパビリオン
Lost in Tngri（Lost in Heaven）は、モンゴルの現代社会の緊急性を探求する5人のアーティストを集めています。この国は、シャーマニズムと仏教の重要な歴史を持つ遊牧民国家としてのアイデンティティと、天然資源の使用がその存在そのものを脅かすグローバリゼーションの新しい経済的現実との間の岐路に立っています。自然、祖先、そして精神世界に関連した生活を送る広大で美しい地形を横切る牧畜の伝統は、多くの人から天国と見なされています。 1990年の社会主義体制の崩壊に続いて生み出された経済的機会は、別のタイプの天国への扉を開いた。鉱業、建設、カシミア、その他の事業は、祖先の土地の開発を通じて富を生み出すことに活況を呈しています。しかし、国はこれら2つの生物圏の間で姿を消しているのでしょうか。映画、インスタレーション、彫刻、サウンドを通して、世代を超えたアーティストがモンゴルの未来に疑問を投げかけています。
サンマルコとドルソドゥーロ周辺の展示会場
中国台湾パビリオン
Tehching Hsiehは、彼の1年間のパフォーマンスの新しい反復を開発します。これは、時間の性質と現代の人間の状態の実存的ジレンマを調査する、非常に肉体的および心理的な課題の集まりです。1978年のケージピースでは、アーティストは12か月間、スタジオに建てたケージに、必要最低限の物を置いて、ほぼ独房に監禁し、テレビを話したり、読んだり、書いたり、見たりすることを禁じました。
ドゥカーレ宮殿のかつての刑務所であったヴェネツィア宮殿デッレプリジョーニの歴史的なホールは、「時間を過ごす」ことの意味とコスト、そして生きた生活の本質を最もよく理解している芸術家の作品にとって理想的な環境です。私たちが社会と呼ぶものの端に。疎遠な立場から、シェは中国の台湾での彼の初期から出現した生命力と回復力を体現しているだけではありません。質素でありながら極端な芸術的実践を通じて伝えられる、多くの人に共通する逆境の持続。彼の行動は集団的な文化的不安を呼び起こし、現代の人間の状態に見られる多くの実存的ジレンマを探求します。
アゼルバイジャンパビリオン
「UnderOneSun」をテーマに、共に生きる芸術は象徴的な意味を持っています。複雑な地政学的プロセスを伴う現代において平和と安定を確保することは、人類の最も重要な問題の1つです。今日、私たちは世界中でネガティブな傾向が起こっているのを目の当たりにしています。アゼルバイジャンは複雑な社会の完璧なサンプルであり、さまざまな言語や文化的背景の受け入れを促進します。多文化、多宗教の社会で主に調和と平等に共存し、時には荒れた自然環境で互いに支え合う文化です。残念ながら、外国人排斥、過激主義、宗教的差別、テロなどの危険な要因は、共存の平和的規範に違反し、文明や国家内の災難につながります。
この文脈において、すべての国は、前向きな傾向の強化、多文化の伝統に基づく広報の伝播と促進、および文化と文明の間の対話に貢献する必要があります。この地理的な場所は、文化の多様性において重要な役割を果たしてきました。現在の状況を表現することで、人々が多文化主義のアイデアを中心に団結できることを示します。多文化主義のアゼルバイジャンモデルと関わり、寛容、相互信頼、連帯、そして異なる国々の間の友情を促進する機会を提供する、一緒に暮らす芸術。
キューバパビリオン
すでに世界中で高い評価を得ている若手アーティストを中心に構成された「TimeofIntuition」と題された展覧会。この数十年にわたって失われてきたヒューマニズムを救う緊急性について、社会における芸術と芸術家の役割を回復する必要性を説明します。キューバの現実に関するプロジェクトを文脈化し、マセルのキュラトリアルなアイデアを念頭に置いて、ノセダは、ラテンアメリカの魔法のリアリズムの概念の創始者であるキューバの作家アレホ・カルペンティエ（1904-1980）によって表現された時間の概念にインスピレーションを見出しました。カーペンティエは、カリブ海とキューバでは、過去、つまり記憶の時間、現在、直感やビジョンの時間、未来、つまり待つ時間の3つの時間の現実が同時に共存していると述べました。現在は選ばれたもの、直感の時間です。
キューバのパビリオンは、カリブ海の島の日常生活の14人の通訳者である古代の名門ロレダン宮殿にあり、パフォーマンス、写真、インスタレーションなど、親密なルートや風刺的なルートを通じて、過去の解体や歴史に至るまでのトピックを扱っています。 、今日を記録する。社会的、人種的、ジェンダーの問題から、信仰と精神性のテーマに至るまで。彼らは独特で独立した著者であり、文脈とそれへのコミットメントが現実を再考するための鍵である彼らの世界の問題の異なるビジョンを提案します。
イラクパビリオン
「Archaic」は、イラク国立博物館から引き出され、新石器時代からパルティア時代までの6千年にわたる、40の古代イラクの遺物と対話する、8人の近現代のイラク人アーティストの作品を示しています。これらのオブジェクトのほとんどは、2003年の博物館の略奪後に最近回収されたものを除いて、これまでイラクを離れたことはありません。 「アルカイック」という用語の緊張は、古代と原始への多価の言及、および現在使用されていないものから引き出されています。展示会はこの緊張を引き出し、既存の政治的、行政的、社会的、経済的現実が古代の遺産とほぼ同じくらい「古風な」国であるイラクとの特別な関連性を強調しています。
最初のガラスケースは、現代作品以外のものの選択です。実際、これらのオブジェクトは数千年前にさかのぼります。女性の姿や動物の小さな像と円筒印章が並んでいます。小さな彫像のいくつかは何世紀にもわたってすり減っているので、それらの石の特徴は影にすぎません。大運河のパラッツォカヴァッリ-フランケッティにあるパビリオンの残りの芸術は、20世紀の後半から、または2017年のビエンナーレに委託された新しいものです。それらの作品は、古代の土地の文化に根ざした現代美術の例として展示されています。
モンテネグロパビリオン
モンテネグロは、アーティストのイヴァナ・ラドヴァノヴィッチとアディン・ラストダーによる「Čovjek-Uomo-Human」のプロジェクトによって代表されています。 IvanaRadovanovićとAdinRastoderの作品は、人類学のテーマと人間という共通のテーマを持つ2つの独立した芸術的概念を表しています。このコンセプトは、私たちが住む世界を変えるための招待状、アピールです。アートはシンボルであり、人々と文化をつなぐ媒体です。イヴァナ・ラドヴァノヴィッチとアディン・ラストダーの芸術的プロジェクトは、視覚的特徴と芸術的メッセージにおいて別々の作品を表していますが、同時に、美的に振り付けられた強力な全体を構成しています。 2つの芸術的概念は、人間の2つの異なる側面を表現する限り、結合を形成します。それらの相互の対比は、現実には、人間の存在の意味について深く考えるように私たちを誘う独特のメッセージを生み出します。したがって、彼らのプロジェクトは、私たちが住む世界を変え、そのすべての本質的な価値観に戻ることをアピールしています。
Rastoderの彫刻は、重要な人類学的原理から生まれた架空の人物です。彼の創造的なプロセスを通して、彼は珍しい、抽象的な、斬新な解決策と反応に到達します。彼の姿はすべて同じ形をしていますが、それらの違いは色であり、それはそれらの中で何が個性的で何が集合的であるかを示しています。著者の楽観的な世界観は、鮮やかに描かれた衣装を通して表現されています。 IvanaRadovanovićの作品は、人間の生活の重要な側面として不条理と無常を強調しています。したがって、彼女は個性と個性の破壊によって特徴づけられる非常に現代的な感性を示しています。この精神は、実際には、感情、イメージ、断片の収集と蓄積であり、それらを組み合わせて新しい化合物を形成することができます。アーティストは、本質的に創造者および破壊者として見られる人間を扱います。彼女の姿は、人間の尊厳の観点から、汚された人々や顔のない、資質のない、意味のない、無関心で堕落した人々を表しています。
カンナレージョとサンタクローチェ周辺の展示会場
アイスランドパビリオン
EgillSæbjörnssonのプロジェクトの独創性とユーモア、そしてさまざまなメディアとプラットフォームを使用して多様な世界をまとめ、現実と具体が想像と幻想と交差する没入型の環境を作成する彼の能力は、観客をその層状の感覚宇宙と私たちの現代世界に関連する反射。
EgillSæbjörnssonはベルリンとレイキャビクに住み、働いています。実験の最前線で、彼は音楽、彫刻、ビデオプロジェクション、アニメーション、そしてマイムアーティスト、スピーカー、俳優、ミュージシャン、歌手としての彼自身のパフォーマンスを組み合わせて、架空の空間物語を作成しています。 Sæbjörnssonの作品には、プラスチックのバケツ、壁、荒い石、ハンドバッグなど、演劇的で詩的で遊び心のある、普通の休眠中のオブジェクトが生き生きとしています。現実と想像がぶつかる不思議な世界に視聴者を引き込みます。彼の作品は、テクノロジーの「魔法」を探求し、観客に複雑な配慮を必要とする驚くべき組み合わせで投影されたビデオとサウンドを再生することで、現実と幻想の境界を曖昧にします。しかし、彼の作品は経験的であり、密な存在論的質問を促しますが、そのようなテーマにアクセスできるようにする方法でそれらを組み立てます。
ルーマニアパビリオン
ルーマニアの女性アーティストに捧げられた最初のソロである「Apparitions」と題された、長い旅の中で、ほとんどが男性に支配されてきました。幻影、部分的に目を閉じた状態でアーティストが実現した一連の作品。しかし、「幻影」はおそらく芸術的実践を要約した言葉です。ブラテスクにとって、芸術的対象は「マインドダンス」の結果です。テクニックはそれほど重要ではありません。アーティストがよく言う重要なことは、アートワークの「精神」であり、「マインドとビジョン」が主張することです。出現はまた、社会的および政治的制約を超えた絶対的な自由を意味します。しかし、幽霊はエピファニーでもあります。アートワークは、表現による単純なプラスチック要素の変容によって生まれます。
複雑なアーティストのGetaBrătescuは、ドローイング、コラージュ、彫刻、タペストリー、オブジェクト、写真、実験的な映画、ビデオ、パフォーマンスを作成します。非常に多くの媒体で自分自身を表現し、それはすべてドローイングに変換できると彼女は示唆している。 GetaBrătescuの目には、社会的および政治的状況は芸術に反映されていません。芸術は、政治に干渉することなく、自律性を維持することができなければなりません。場所に関係なく、アーティストはメンタルスタジオを作成する能力を持っている必要があります。特定のアートワークにほとんど執拗に存在するスタジオの物理的空間は、それ自体が世界、神話を生み出す内部空間と融合しています。同じことが彼女の芸術におけるブラジェスク自身の身体的存在にも起こり、それが存在しない場合、分身と複雑な女性の神話、地図、精神的な旅を生み出します。
ナイジェリアパビリオン
「今はどう？」をテーマに、多層のタイムラインで展示。それは過去から到着し、そして未来へと飛び立ちます。その背後にある声明は、ナイジェリアの時代が今だということです。今はどう？さまざまなイデオロギーの可能性を呼び起こす、好奇心旺盛でやりがいのある質問のようです。それは力強く現代的および/またはポストコロニアルを意味します。このパビリオンは、与えられた可能性のためのフレームワークです。注目の芸術作品とナイジェリアの芸術家が働く環境を結び付け、芸術的な想像力を経験の連続性と国民的アイデンティティの複雑さに結び付けます。
ナイジェリアパビリオンは、国がその歴史と遺産、そして現在の断片化されているが相互に関連している物語をどのように擁護しているかを振り返る機会を提供します。選ばれたビジュアルアーティストは、ヴィクター・エヒカメノール、ペイウ・アラティセ、ダンス/パフォーマンス・アーティスト、クドゥス・オニケクです。彼らの作品は、インスタレーション、絵画、パフォーマンスを通じて、さまざまな視点から現代のナイジェリアの生活に洞察を与えています。さまざまな表現形式による現代の歴史的に成長した問題の仲介は、爽快な体験を約束します。
付随イベント
記憶と同時性。今日のチャイナアート
Arsenale Nord、プロモーター：故宮博物院、北京
記憶にある現代中国美術への反省の重要性は正確には何ですか？明らかに、それは私たちが中国文明の価値を実現するための重要な道です。北京市は、中国文化の多様性と豊かさを表すシンボルです。そして、まさに首都で展示プロジェクト「MemoryandContemporaneity」が誕生しました。中国の歴史の最大の遺産の1つである紫禁城との関連で、現在、故宮博物院のコレクションとアーカイブから始めて、中国の現代美術家のグループが現代美術について考察するよう求められている調査の場を開いています。記憶のカルトとの関係。
サムソン・ヤング：災害救援のための歌
アルセナーレ、カンポデッラタナ、プロモーター：M +、西九龍文化区; 香港芸術開発評議会
アーティスト兼作曲家のサムソン・ヤングは、「チャリティーシングル」の人気を歴史的な「イベント」および文化的に変革する瞬間として捉えようとする新しい作品を作成します。チャリティーシングルは1980年代に最も普及し、新自由主義者の願望の高まりとポピュラー音楽業界のグローバル化と一致しました。
「ウィ・アー・ザ・ワールド」や「ドゥ・ゼイ・ノウ・イット・クリスマス」などの象徴的なタイトルを意図的に転用し、創造的に誤読することで、アーティストは一連のオブジェクト、パフォーマンス、空間サウンドのインスタレーションを生成します。この展覧会は、宇宙で繰り広げられるアルバムとして考えられています。1部の機械的複製であり、直接聞いて見る必要があります。緊急かつ永続的な罪状認否。
私の夢の盆栽– Wong ChengPouの作品
アルセナーレ、カステッロ、プロモーター：マカオ特別行政区政府文化局; マカオ美術館
世界はますます複雑になっています。過密な都市に住んでいると、人々はギャップの中で自分自身を圧迫するのが混乱するかもしれません。私は海のそばに住んでいたのでとても幸運です、そして私が自由であるときはいつでも私はどこかに行きたいです、何もせずにそこに座って、ただ高い位置から魅惑的な山を眺めるだけです、特に澄んだ月があるとき空、水の静けさによって反映される銀色の影は、彼らが昼間であったものとはまったく異なります–極寒のコンクリートのジャングル。それから、海と山を奇行的に世話してくれたシャンハイジンの生き物たちの思い出を思い出しながら、この計り知れない景色に夢中になって仕方がありませんでした。
時間をかけて
パラッツォデッレプリジオーニ、プロモーター：台北市立中国台湾美術館
1970年代後半から80年代初頭にかけてのマンハッタンのダウンタウンのアートシーンでは、台湾の若手アーティスト、テチンシェが並外れた一連のアートワークを制作しました。彼は5つの別々の年間公演に乗り出しました。それぞれにおいて、彼は一年中彼の行動を支配する厳格な規則を作りました。
パフォーマンスは、極端な期間にわたる物理的な困難の使用、および同時プロセスとしての生命と芸術の絶対的な概念の点で前例のないものでした。多くの文書や遺物を詳細なインスタレーションに組み立てるDoingTimeは、Hsiehの最も感動的な1年間のパフォーマンスの2つであるTime Clock Piece（1980-1981）とOutdoor Piece（1981-1982）を対位法で示しています。これらの2つの記念碑的な服従のパフォーマンスは、人間の存在、権力のシステム、時間、自然との関係について、強烈で感情的な言説をもたらします。
アルベルト・ビアージ、サラ・カンペサン、ブルーノ・ムナーリ・エ・アルトリ・アミチ・ディ・ベリフィカ8 + 1
Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa、プロモーター：Associazione Culturale Ars Now Seragiotto
Verifica 8 + 1協会は、新しい言語の検索に携わるアーティストの待ち合わせ場所として、1978年4月にベネチア本土に設立されました。展示プロジェクトは、協会の3人の重要なメンバーに焦点を当てています。SaraCampesanは、ダイナミックな個性と強い創造性を備えた創設メンバーです。ブルーノ・ムナーリ、協会の推定上の父親像。ヴェネトのプログラムアートの創設者であるアルベルトビアージ。
展覧会には、他の創設メンバーの作品と、センターで個展を開催し、グループで特に活躍している7人のアーティストのセレクションが含まれています。したがって、このプロジェクトには、タイトルに記載されている3人の人物に加えて、7人のアーティスト、センターの創設者、およびVerifica 8 +1でショーを開催した7人のマスターからなる対称的なバランスの取れたグループが含まれます。
肉体と精神。パフォーマンスアート–過去と現在
Conservatorio di Musica “Benedetto Marcello”、Palazzo Pisani、プロモーター：Rush Philantropic Arts Foundation
肉体と魂で。パフォーマンスアート–過去と現在、8人のパフォーマンスアーティスト（歴史的に有名なアーティストもいれば、新興のアーティスト）が、ライブパフォーマンスや、以前のアクションのビデオまたは写真のドキュメントに登場します。先駆的な人物であるヴァリー・エクスポート、オルラン、ニコラL、キャロリーシュニーマンは、長い間、性別、女性らしさ、人間関係、政治に関連する懸念を表明するために自分の体を使用してきました。彼らの革新は形式的かつ主題的であり、20世紀半ばのジェンダーの不平等と社会的抑圧に直接直面していました。
その遺産に基づいて、展覧会の若い参加者は、パフォーマンスアートの規範自体（デリックアダムス）、文化の断片化と複数のアイデンティティ（アイシャタンディウェベル）、父性と人生のサイクル（ジョンボナフェデ）、そして社会的役割と身体表現のダイナミクス（KatarzynaKozyra）。
ベニスのカタロニア_LaVeneziache non si vede
Cantieri Navali、Castello、プロモーター：Institut Ramon Llull
アントニ・アバドは、視覚障害者のグループと共同で作成された、ヴェネツィアである都市空間の感覚的な解釈を提案しています。この人々の集合体は、人口の大多数とは異なる方法で感覚を使用し、都市の隠された側面を明らかにすることができます。
この社会的に関与するアートプロジェクトのきっかけは、視覚障害者向けに特別に作成されたモバイルアプリケーションBlindWikiです。これにより、市内のあらゆる場所の印象を記録および公開し、その場でこれらの記録を聞くことができます。したがって、カタロニアのプロジェクトは、集合知が普遍的なアクセシビリティを取り戻し、物理的およびデジタルの両方で公共空間を占有するための代替方法を提案する、非常に感覚的な体験です。
フェルナンドゾベル。対位法
フォンダコマルチェロ、プロモーター：アヤラ財団/アヤラ博物館
この展覧会では、マニラで生まれ、ハーバード大学で学び、スペインに住んでいたフェルナンド・ゾベル（1924-1984）の作品の紹介と展望を紹介します。展示されている絵画は、アジアと西洋の絵画技法を調和させたものです。国境を越えた芸術家と言われるゾベルは、フィリピンの現代美術運動の重要人物でした。彼はまた、スペインの抽象絵画の優勢の間に、1950年代から1960年代にスペインの芸術家と緊密な関係を築きました。
1956年から1962年に焦点を当て、ショーはアーティストの主要な業績であるSaeta and SerieNegraシリーズを選択します。この展覧会には、スペインで抽象化の提唱者でもあったパブロ・セラーノ（1908-1985）の彫刻も含まれています。フェルナンドゾベル。対位法は、無生物の舞台美術ではなく、観想的な大脳の球体である有機的なミザンセーヌとして設計されています。アーティファクト、テキスト、音楽、出版物は、芸術的実践を現代的な表現の活気ある形として再考する方法についての視覚的な対話の一部を形成します。
フューチャージェネレーションアートプライズ@ヴェネツィア2017
パラッツォコンタリーニポリニャック、プロモーター：ヴィクトルピンチュク財団
フューチャージェネレーションアートプライズ@ベニス2017は、ほぼすべての大陸と16か国からの21人のアーティストによる、最初のグローバルアートプライズの第4版を提示します。独立したアーティストの声明を通して、この展覧会は現代世界の複雑さに取り組み、その中の芸術の可能性を調査します。個人と集団、想像と現実、親しみと不思議のバランスを取りながら、このショーは、特異な体験と世界的な現象が交差する平行した現実を通る魅惑的な旅を提案します。
ジェームズ・リー・バイアーズ、ゴールデンタワー
ドルソドゥーロ、プロモーター：Fondazione Giuliani
ジェームズ・リー・バイアーズ（1932-1997）は、ゴールデンタワーを、天と地を橋渡しし、人類を統一する巨大なビーコンと神託として構想しました。これは、アレクサンドリアの灯台の壮大さを超える現代的な記念碑です。このアイデアは1990年に最初に始まり、アーティストのキャリアを通じて数多くの概念研究を経て開発されました。
20メートルの高さにそびえ立つゴールデンタワーは、アーティストの最大かつ最も野心的な作品です。2017年にイタリアの金箔のチームで製作されたこのゴールデンタワーのインスタレーションは、パブリックスペースで彫刻を提示するというアーティストの意図を完全に実現した最初のものであり、バイアーズと街との深いつながりを考えると二重に重要です。Byarsは、1982年からヴェネツィアに住み続けました。1980年からベネチアアルテの以前の4つのエディションに参加し、キャリアを通じてヴェネツィアで数多くの公演を行いました。
Jan Fabre –ガラスと骨の彫刻1977 – 2017
Abbazia di San Gregorio、プロモーター：GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea、ベルガモ
展覧会は、ヤン・ファブレの作品を最初から調査し、1977年から2017年の期間に作成されたガラスと骨の彼の作品に具現化されているように、視聴者を変態のレンズを通して生と死の哲学的、精神的、政治的熟考に導きます。
ガラスは透けて見える素材であるため、アーティストはそのリアルで変容的な透明性のためにガラスを選びます。彼はそれをさまざまな方法で使用します。透明なシート/壁に、耳を浮き彫りにしたり彫刻したりすることができます。つまり、聴覚の組織がそれを結合して見ることができます。骨の使用は、ファブレの基本的な基準点の1つである、絵画で定期的に地面の骨を使用していたフランドルの巨匠の伝統への回帰を示しています。このように、ガラスと骨の作品は、過去、現在、未来の関係を継続的に再解釈することで、芸術家の芸術的な子供時代を古くて現代の芸術の歴史と結びつけます。
鳥としての男。旅の画像
パラッツォソランツォヴァンアクセル、プロモーター：プーシキン美術館
展覧会は、視聴者を複数の次元、空間、時間、そして個々の経験を旅するように誘います。これは、世界と自己の認識を変える可能性があります。プロジェクトに組み込まれたさまざまな視点により、画像の初期の形態と構造は、旅に沿って変化します。ジョナサン・スウィフトのガリバーやルイス・キャロルのアリスのように、視聴者は異常なプロポーションと視点を体験します。世界が変化し、視点が変化し、現実と想像が絡み合い、もはや私たちの知覚に対応しなくなります。
旅に沿って、視野角は鳥瞰図を通して広がり、他のすべての感覚にリンクされた拡大された視力になります。音、触覚、触覚の視覚は、もう1つの空間、つまり記憶の空間を体験することを可能にします。これは、自己を通る個々の旅の前景です。機械と人間の目、歴史と個人の記憶の空間を融合させる消失点は私たち一人一人の中にあり、この旅の究極の目標は自分自身を認識することです。
ミケランジェロピストレット
サンジョルジョマッジョーレ島、プロモーター：Associazione Arte Continua
無限大の数学的記号の再構成であるサードパラダイスの記号は、3つの連続した円で構成されています。外側の2つの円は、自然と人工を含むすべての多様性と二律背反を表しています。中央の円は外側の円の結合と解釈であり、新しい人類の生成子宮を表しています。
サードパラダイスは人類の第三段階であり、人工と自然のバランスの取れた相互接続によって達成されます。この段階では、芸術は、全世界を悲劇的につかむ政治的および宗教的紛争の均衡を促進することができる多告白の領域である宗教的象徴に関連する意味の触媒になります。ミケランジェロ・ピストレット展では、現代のグローバル化した社会に関連する現代の問題を探求し、社会の改善を目指す創造性を通じて促進された、違いの受容と政治的、宗教的、人種的寛容に触発された作品を紹介します。
最頻値
Ca’Faccanon、プロモーター：WAVE’s（ヴェネツィアの女性芸術）
Modusは、19世紀の後半から徐々に侵食され、歴史的な前衛運動によって理論的な鍵として再定式化された芸術作品の側面の物語を語っています。技術と詩学の密接な関係、科学と芸術作品の素材。
芸術の歴史に関するアニメーションビデオで、展覧会は複数のセクションで、芸術の現代的な探求を特徴付ける言語的および学際的な相互関係を明らかにします。科学的根拠は、ボローニャ美術アカデミーとヴェネツィア美術アカデミーのビジュアルコミュニケーションデザイン手法プログラムと共同で開発されました。
フィリップガストンと詩人
Gallerie dell ‘アカデミア・ディ・ベネチア、プロモーター：Museo Nazionale Gallerie dell’アカデミア・ディ・ベネチア
アカデミア美術館は、カナダ系アメリカ人の著名な画家フィリップガストン（1913-1980）の作品を、主要な文学者との関係で芸術家の作品を探求する主要な展示会で紹介します。
この展覧会では、20世紀の主要な詩人のアイデアや著作を彼の謎めいた写真のきっかけと見なし、ガストンの芸術的キャリアの50年間にわたる作品、1930年から1980年に亡くなるまでの絵画やドローイングを特集しています。これらの作品に反映されている本質的なヒューマニストのテーマと、DHローレンス、WBイェイツ、ウォレススティーブンス、ユージニオモンターレ、TSエリオットの5人の詩人の言葉。この美術館の展覧会は、アーティストとイタリアとの特別な関係を反映しています。
ピエール・ユイグ
Espace Louis Vuitton Venezia、プロモーター：Fondation Louis Vuitton
エスパスルイヴィトンベネチアのために、ピエールユイグは、物語、フィクション、そして逃亡者の記憶の間で、まったく新しい展示形式を想像しました。映画AJourney that not（2005）は展示の中心であり、アルビノペンギンが住んでいるとされる新しい島を探して古代の帆船に乗って南極大陸への遠征をたどります。そこでHuygheは島の地形を音に翻訳し、ニューヨークのセントラルパークリンクで演奏される楽譜を作成しました。
グラスファイバーでできて音を発する小さなペンギンであるクリーチャー（2005-2011）は、「ほとんど文脈の中で消えてしまう、独特で遠い直感」です。Silence Score（1997）は、1952年に録音されたジョンケージの4分33秒（Silence）の知覚できない音の転写であり、ミュージシャンは音符なしでスコアから数分間の沈黙を演奏します。
リシャルト・ヴィニャルスキ。イベント-情報-画像
パラッツォボラニ、プロモーター：スタラックファミリー財団
リシャルト・ヴィニャルスキの作品展では、20世紀後半のポーランド美術の最も興味深い人物の1人である芸術家、エンジニア、画家、舞台デザイナー、教師、コンセプチュアルアートの先駆者、そして代表者の作品を紹介します。不確定性の。 1966年の卒業証書「Event-Information-Image」では、数学、統計、情報技術、ゲーム理論の問題をキャンバスに移す試みに基づいて、成熟した革新的な芸術作品の概念を定義しました。
絵画に実際の情報を組み込むという彼の大胆なビジョン、バイナリの美学、参加の使用は、ビジュアルコミュニケーションの開発、デジタルナレーションの優位性、参加の普遍性、QRコードの人気など、リシャルトヴィニャルスキーの作品を現代の広範な現象に完全に適合させます。
サロンスイス：アタラクシア
パラッツォトレビザンデッリウリヴィ、プロモーター：スイスアーツカウンシルプロヘルベティア
よく知られている物語「スイスは問題のない国です」は経済安全保障のイメージを確立しますが、そのすべての文化的首都のために、国はそのモダニズムと植民地時代の歴史の主題で対立を回避することに成功しました。ヨーロッパおよびさらに遠くの現在の経済的、政治的、文化的景観の中でのスイスのいわゆる「中立性」、およびそのポスト/植民地時代の物語は、今年のサロンスイスの中心です。 Roland Barthesの用語「神話化」（Mythologies、1957）を含む一連のツールを使用して、スイスの政治的物語、つまり神話的地位に近い比喩を解き明かしました。アタラクシアは、活発な形の集合的な反省、経験、反応を通じて、私たちを行動に移すことを目指しています。
スコットランド+ヴェネツィアはレイチェルマクリーンのスパイトユアフェイスを提示します
元教会サンタカテリーナ、プロモーター：スコットランド+ヴェネツィア
スコットランドとヴェネツィアのパートナーシップは、レイチェル・マクリーンによる主要な新しいフィルムコミッション、Spite YourFaceを紹介できることを嬉しく思います。イタリアの民話ピノキオを参照して、Spite Your Faceは、現代の「ポスト真実」の政治的レトリックに対する強力な批評を提供します。このレトリックでは、疑わしい真実の言葉が使用され、個人的、企業的、政治的力を強化するために乱用されます。ユニークでしばしば邪魔なビジョンを持っているマクリーンのファンタジー物語は、伝統的な演劇のモードをテクノロジーや大衆文化と組み合わせ、メディアが飽和した世界でのアイデンティティ、経済、社会、道徳についての批判的な質問を提起します。
シリン・ネシャット私の目の家
コッレール博物館、プロモーター：Written Art Foundation
Home of My Eyesは、文化の視覚的な肖像画です。シリン・ネシャットが2014年から2015年にかけて考案、制作した彼女の写真には、インクによる書道が含まれています。この最新の作品に加えて、ネシャットは彼女の個人的な夢に基づいた2016年のビデオであるロジャを紹介します。ロジャは、「移動」と「奇妙な土地」の感情、そして「家」と「祖国」との再会への願望を示しています。最初は同情的であるように見えますが、ビデオの過程を通して、恐ろしくて悪魔的なものであることがわかります。 The Home of My Eyesのために、Neshatは、多様な民族、宗教、言語の国であるアゼルバイジャン全体でさまざまな個人を選びました。描かれている個性は、152〜205cmの3つのサイズで正面に現れます。私たちは人々を見ますsは、いくつかの文化や世代に直面し、出会います。
スティーブン・チェンバーズ：レドンダの裁判所
Ca’Dandolo、プロモーター：ケンブリッジ大学ダウニングカレッジのホンギャラリー
英国の芸術家スティーブン・チェンバーズは、ヴェネツィアのカ・ダンドロの歴史的な環境のために考案された絵画のインスタレーションを発表します。レドンダの法廷は神話の創造を探求し、世界がどのようであるかではなく、現実に必ずしも完全につながれているわけではない世界を想像する際に芸術家が果たす役割を明確にします。レドンダは西インド諸島東部にある小さな無人島で、名誉王権が文芸の血統を通過しています。
チェンバースは、スペインの小説家ハビエルマリアスの著作によってレドンダの伝説に紹介され、物語の中で視覚的な可能性の迷路のような織り方を発見しました。古代の宮殿には、100を超える架空の宮廷の肖像画が飾られています。レドンダ裁判所は、チェンバースの作品に対する説得力のある洞察を提供し、ロンドンのロイヤルアカデミー（2012年）とイスタンブールのペラ美術館（2014年）での主要な展示会をフォローしています。展覧会はエマヒルによってキュレーションされています。
ヴェールズのウェールズ：ジェームズ・リチャーズ
Santa Maria Ausiliatrice、プロモーター：ヴェールズのCymru yn Fenis Wales
ジェームズ・リチャーズの関心は、マスメディアの混乱の中での個人の可能性にあります。彼はビデオ、サウンド、静止画を組み合わせてインスタレーションやライブイベントを作成しています。彼の作品は、映画の断片、他のアーティストの作品、迷子のカムコーダーの映像、暗い深夜のテレビ、アーカイブの研究など、増え続ける素材のバンクを利用しています。
慎重に構築されたインスタレーションには、彫刻、映画、音響、音楽、キュレーターの考慮事項が含まれ、並外れた強度の作品を作成します。リチャーズのウェールズでのヴェネツィアでのプレゼンテーションは、幅広いジャンルと音楽言語にまたがるサイトレスポンシブサウンドインスタレーションで構成されており、その結果としての作品は映画的で多感覚的な体験になります。
昨日/今日/明日：トレーサビリティはブライアン・マック・コーマックによる信頼性です
サンジョルジョマッジョーレ島、プロモーター：フォンダツィオーネジョルジョチーニ
この作品は難民危機を視覚化し、30を超える国籍（多くの言語を話す）からの何十万人もの人々に声を与え、大多数の子供たちはしばしば文盲です。各難民は3つの絵を作成します。1つは前の人生（昨日）、1つは現在の人生（今日）、もう1つは未来（明日）です。
ギリシャの島々の難民ボート/キャンプから英国の避難所まで、この脱出の視覚的記憶を描くのは、インスタレーション/パフォーマンスとソーシャルメディアの声の両方です。多数の難民がこれらの絵に参加し、彼らの現代文化を創造すると同時に、彼らの受け継いだ文化のトレーサビリティを失いました。トレーサビリティがなければ、人の存在は消えてしまいます。それぞれの難民の絵が重要です。それぞれの絵は声です。すべての声が重要です。
ヴェネツィアビエンナーレ2017
第57回ヴェネツィアビエンナーレは、2017年5月から11月にかけて開催された国際現代美術展です。ヴェネツィアビエンナーレは、イタリアのヴェネツィアで隔年で開催されます。ポンピドゥーセンターのチーフキュレーターである芸術監督のクリスティンマセルは、ヒューマニズムを拡大する芸術の能力を反映するように設計された一連の相互接続されたパビリオンとして、中央展示会「ビバアルテビバ」をキュレーションしました。
キュレーターはまた、アーティストのお気に入りの本をリストするために、ヴァルターベンヤミンのエッセイに基づいたプロジェクト「UnpackingMyLibrary」を組織しました。マセルは1995年以来最初のフランス人監督であり、ビエンナーレを監督した4人目の女性でした。見落とされた、再発見された、または「新たな死んだアーティスト」を紹介する傾向は、第57回ビエンナーレのテーマでした。
ヴェネツィアビエンナーレは、イタリアのヴェネツィアで開催される国際的なアート隔年展です。 「アート界のオリンピック」とよく言われるビエンナーレへの参加は、現代アーティストにとって名誉あるイベントです。このフェスティバルは、その年の芸術監督によってキュレーションされた中央展示会、各国が主催する国立パビリオン、ヴェネツィア全土の独立した展示会など、一連のショーになりました。ビエンナーレの親組織は、建築、ダンス、映画、音楽、演劇などの他の芸術の定期的なフェスティバルも主催しています。
中央の国際展示会の外で、個々の国は、国の代表として、パビリオンと呼ばれる独自のショーを制作しています。ジャルディーニに収容されている30棟など、パビリオンの建物を所有している国は、維持費と建設費も負担しています。専用の建物のない国々は、ヴェネツィアのアルセナーレと街中のパラッツォにパビリオンを作ります。
La Biennale di Veneziaは1895年に設立されました。PaoloBarattaは2008年から社長を務め、その前は1998年から2001年まで社長を務めています。新しい現代アートのトレンドの研究と推進の最前線に立つLa Biennaleは、展示会、フェスティバル、研究を主催しています。芸術（1895）、建築（1980）、映画（1932）、ダンス（1999）、音楽（1930）、劇場（1934）のすべての特定の分野で。その活動は、最近完全に改装された現代美術の歴史的アーカイブ（ASAC）に記録されています。
すべての分野で、有名な教師と直接接触する若い世代のアーティストに向けた研究と制作の機会が増えています。これは、現在ダンス、劇場、音楽、映画の各セクションで運営されている国際プロジェクトBiennale Collegeを通じて、より体系的かつ継続的になっています。