イタリアのルネサンス絵画のテーマ

イタリアのルネサンス時代の画家たちを魅了した主題は、主題と執行の両方 – 塗装されたものとそれが描かれたスタイルでした。 芸術家は、中世の画家よりも主題とスタイルの両方の自由度がはるかに大きかった。 ルネサンス絵画のある特徴的な要素は、この時期に大きな進化を遂げました。 これには、それがどのように達成されたか、それが適用された効果の観点からの視点と、特に人類の描写における現実主義が、象徴的、肖像画的または物語的要素のいずれかとして含まれる。

イタリアのルネサンス絵画のテーマの発展は、イタリアのルネサンス絵画の延長であり、それには解説付きの写真が追加されています。 包含される作品は、14世紀初めのジョットから1530年代のミケランジェロの最後の裁判までです。

テーマ
ピエロ・デッラ・フランチェスカ(Piero della Francesca)によるキリストの鞭打ち(The Fragellation of Christ)は、イタリアのルネサンス絵画のテーマの多くを、一つの小作物で、構成要素と主題に関して示しています。 ピエロの視点と光の習得はすぐに明らかです。 中央のアクションの周りでより複雑になるタイル張りの床を含む建築要素は、結合して2つの空間を作ります。 内部空間は、目に見えない光源によって照らされ、そこにイエスが見えます。 その正確な位置は、拡散した天井の影と拡散の分析によって数学的に特定することができます。 外に立っている3人の人物は、昼光と舗装や建物から反射した光の両方から異なる角度から照らされます。
宗教的テーマは現在と結びついています。 支配者は訪問しているビザンチウム皇帝の肖像画です。 鞭打ちは、「虐殺」とも呼ばれます。 「惨めさ」という言葉がペストに適用されました。 外側には、キリストの体を葬った者を代表する三人の人が立っています。 ニコデモスとアリマタヤのヨセフの二人は、最近息子を失った男性の肖像画であると信じられています。 第三の男は若い弟子ジョンであり、おそらく息子の一人の肖像画である、あるいはピエロが天使を描いたやり方と一致する単一の理想化された人物の中の両方を表す。

ルネサンス絵画の要素
ルネッサンスの絵画は、中世後期の絵画とは異なり、特に人間の解剖学に関する観点や遠近法や光の利用に対する科学的原則の適用など、自然を詳しく観察することとは異なっていました。
線形パースペクティブ
下のギャラリーの写真は、建物と都市景観の線形の視点の発展を示しています。

ジオトのフレスコ画では、建物は一面が観客に開放された舞台セットのようなものです。
Paolo Uccelloのフレスコ画では、街並みが深みを感じさせます。
MasaccioのHoly Trinityは、慎重に計算された数学的な比率で描かれ、おそらく建築家Brunelleschiによって助けられたでしょう。
フラ・アンジェリーコは、密接な空間を作り出すために正確に描かれた小さなロジアの単純なモチーフを使用しています。
ヴェネツィアのサン・マルコ広場には広大な空間が描かれています。
レオナルド・ダ・ヴィンチ(Leonardo da Vinci)は、東方神起の未完成の崇拝を開始するために準備された古典的遺跡の詳細を測定し、測定しました。
Domenico Ghirlandaioは、急峻な下り坂や突き抜けの壁など、3つのレベルで非常に複雑で広範な設定を作成しました。 右の教会などの風景の要素は、部分的に他の構造を見ます。
RaphaelのBorgoでのFireのデザインは、バックグラウンドイベントがパースペクティブによって強調されている小さな広場の周りの建物を示しています。

風景
ランドスケープの描写は、線形の視点の開発と、15世紀の初期のネザーランドの絵画の背景に詳細な風景を含めることによって奨励されました。 また、この影響を通して、大気の見通しと遠くの物が光の影響を受ける様子を知ることができました。

ジョットは、いくつかの岩を使って山の景色を感じます。
パオロ・ウチェッロは、多くの小さな場面の舞台として、細部にまでこだわったセッティングを作り出しました。
カルパッチョの「キリストの身体の預託」では、荒涼とした岩場の風景がその場面の悲劇をエコーし​​ます。
マンテーニャの風景は、現実の物理空間を示唆する彫刻的な3次元の質を持っています。 岩石、その地層および割れ目の詳細は、北イタリアの地域で広く分布する赤い石灰岩の地質学的構成を研究したことを示唆しています。
アントネッロ・ダ・メッシーナは遠い距離に転がる穏やかな田園地帯とは対照的に、十字架の悲惨な場面を設定し、それが後退するにつれてより薄くなり、より青くなります。
ジョヴァンニ・ベッリーニは、前景と背景の山々の間の牧歌的な風景を持つ詳細な風景を作り出しました。 この景観には数多くのレベルがあり、Ghirlandaioの複雑な都市景観(上記)と同等です。
ペルジーノは、ウンブリアのおなじみの丘陵の景色に魅了され、東方神起の賛歌を捧げました。
Leonardo da Vinciは、イタリア北部のアルプス山麓のラーゴ・ディ・ガルダ周辺の急峻な山々の風景を、大気の視点を使って演劇的に表現しています。


光と影は2つの形で絵に存在します。 トーンは単に白の部分から黒の部分にかけての明るさと暗さです。 トーンの配置は、いくつかの絵画の非常に重要な特徴です。 Chiaroscuroは、光と影の提案によって画像内の見かけの表面をモデル化したものです。 トーンは中世の絵画の重要な特徴でしたが、キアロスロはそうではありませんでした。 3次元空間の描写を変えることは、15世紀の画家にとってますます重要になった。

羊飼いへのTaddeo Gaddiの告知は、夜景の最初の大規模な絵です。 画像の内部光源は天使です。
フラ・アンジェリコの絵画では、このフレスコ画が飾る陶器の実際の窓から来ているように見える昼光が、その絵を優しく照らし、建築を定義します。
天皇の夢の中で、ピエロ・デッラ・フランチェスカは、天使が照った夜景をテーマにして、光の拡散に関する科学的知識を適用します。 このようにして作成された色調パターンは、絵画の構成において重要な要素です。
ジョヴァンニ・ベッリーニは庭の苦しみの中で、曇った夕方の退屈な日没を使って緊張と緊急の悲劇の雰囲気を作り出します。
ドメニコ・ヴェネツィアーノの正式な肖像画では、形状をモデル化するためのキアロロロの使用はわずかです。 しかし、この絵は、淡い顔、中間色の背景、効果のためのパターン化された身体を伴う暗い衣服の色調のコントラストに強く依存する。
ボッティチェリはシオロスロを使用して、シッターの顔をモデル化し、シンプルな衣服のディテールを定義します。 ウィンドウの端にある光と影が光の角度を定義します。
この16世紀初頭の肖像画には、Ridolfo del Ghirlandaio、Mariotto Albertinelli、Giuliano Bugiardiniが含まれています。 絵画はこのギャラリーの他の作品の照明効果の多くを組み合わせています。 形態は、景観によって強化されたドラマの要素を与える夕日のように、光と影でモデル化されています。 暗い衣服、白いリネン、手の位置によって作られた調子のパターンは、絵画の構成的特徴です。
レオナルド・ダ・ヴィンチのバプテスマのヨハネでは、モデルの目や口のコーナーを含む絵画の要素が、影で偽装され、あいまいさと謎の空気を作り出しています。

解剖学
地形学の観察に大きく依存したまま、解剖学の知識はLeonardo da Vinciの30個体の細かい解剖によって進歩しました。 レオナルドは、生徒の感情を生き生きととらえ、生の絵を描くことを生徒の絵画芸術の正式な研究に不可欠なものにしました。

シマブエの磔刑は、1966年に洪水によって大きく破壊され、中世後期の美術で流行していた身体の屈曲と頭の垂れ下がりを伴う正式な配置を示しています。 解剖学は伝統的な象徴的な式に合致するように強く様式化されている。
ジョットは伝統的な式を放棄し、観察から描いた。
マサシオのキリストの姿は、下から見た場合のように短縮され、呼吸の努力をしているかのように緊張した上半身を示しています。
ジョヴァンニ・ベッリーニの預言では、アーティストは死の印象を与えることを試みたが、残酷な現実を示唆することを試みようとしていない。
ピエロ・デッラ・フランチェスカのバプテスマでは、イエスの堅実な人物は、その自然主義に敬遠されている単純で筋肉が鋭く定義されていません。
Verrocchioと若いLeonardoの組み合わされた作品であるこの絵画のイエスの姿は、Verrocchioによってすべて起草されました。 輪郭はゴシックアートの幾分歪んだ直線性を保持します。 しかし、胴体の多くは、レオナルドによって描かれたと考えられ、解剖学的形態の強い知識を明らかにする。
LeonardoのSt. Jeromeの写真は、図面のページから知られている肩のガードルの詳細な調査の結果を示しています。
ミケランジェロは、人間の解剖学を使って大きな表現力を発揮しました。 彼は表情豊かなポーズの創造力で有名で、他の多くの画家や彫刻家に模倣されていました。

リアリズム
自然の観察は、中世の芸術、特にイタリアの大部分に広がるビザンチン様式の意味を伝えるために使用されたセット形態と象徴的なジェスチャーが、様々な個体によって示されるような人間の感情表現に取って代わられたことを意味した。

この復活では、ジョットはヘルメットに隠された顔を持つ眠っている兵士を見せたり、ゆったりとした姿勢を強調するために短縮されたりします。
対照的に、Andrea CastagnoはコンドティエのPippo Spanoの実寸画像を描きました。そして、彼のフレームを描くペイントされたニッチの端に彼の足があります。
この初期の作品のフィリッポ・リッピは、聖母マリアの周りに集まっている子供の非常に自然主義的なグループを示していますが、見る人に無邪気な好奇心を持っています。 子供の1人にダウン症があります。
Masaccioは、AdamとEveが神の存在から追放されたときの無実の喪失に起因する悲しみを描写しています。
アントネッロ・ダ・メッシーナは、ローマ知事によって国民に贈られた苦悩したキリスト、エセ・ホモのいくつかの版を描きました。 このような絵画は、通常、苦しみの描写を最小限に抑えながら、悲劇的だが英雄的な役割を果たしている。 アントネッロの描写は非常に現実的です。
死者のキリストに対する彼の嘆きの中で、マンテーニャはここで、見る人がスラブの端に立っているかのように、大胆に短縮されたイエスの死体を描いています。
より大きな絵画からのこのディテールでは、マンテーニャは、幼児のキリストが割礼を受けている間に、おなかバインダーとスリッピーのスリッパを着けて、指を噛んで噛む小さな子供を示しています。
ジョルジョーネは、老婦人の自然で艶消しにされた肖像画を描いています。

図の構成
複数の人物で大規模な作品を行うことを依頼されたアーティストの関心事の中には、主観的なものではなく、見た目に自然なものがあり、映像空間内でうまく構成されたものがありました。

ジオットは、ガードの非人道的なヘルメットに対して設定されたこの劇的なシーンに、3つの別個の物語要素を組み合わせています。 ユダはイエスにキスして兵士たちにイエスを裏切った。 大祭司は、彼を奪うために警備員に知らせる。 ピーターは大祭司のしもべから耳を裂いて、イエスに手を置くために前進します。 5人の人物が前景を支配し、彼の頭だけが見えるようにイエスを囲んでいます。 しかし、色彩と男性のジェスチャーの巧みな配置によって、ジオットはイエスの顔を絵の中心にします。
アダムの死で、ピエロ・デッラ・フランチェスカは、彼の家族の一人が着用した黒の衣服に援護されるように、死んでいる家長を決めました。 物語に対する彼の重要性は、彼の周りに形成された人物のアーチと、彼の頭につながる腕の対角線によってさらに強調されている。 p
テオフィルスの息子の復活は、Masaccioによって始まり、未完成、破壊され、最終的にFilippino Lippiによって完成されたことを考慮すると、著しく密接な全体です。 Masaccioが中央セクションを描いた。
Pollaiuoloは、この高度に体系化された絵画で、構図構造として前景の射手が使用した十字架を撮影しました。 垂直に分割されたこの大きな三角形の中で、彼は正面ビューと背面ビューの間で図形を交互に表示しています。
ボッティチェリの長く狭い絵の具は火星と金星の像をWに写したもので、お互いに鏡像を描いている。 直前に結ばれた恋人たちは、今や睡眠によって分けられています。 絵を横断して処理する3人の小さな偽者は、一緒に構成を保持します。
複雑な人物構成のミケランジェロスの習得は、彼のThe Entombmentのように、何世紀にもわたって多くのアーティストにインスピレーションを与えることでした。 このパネルペインティングでは、垂直ではあるが、キリストの姿が落ち込み、写真の中心に重い体重があり、体を持ち上げようとする者はそれを支えるために外側に傾いています。
一見すると、SignorelliのFall of the Damnedは、身体の荒々しく暴力的なジャングルですが、交差するよりもむしろ線が波打つコースで流れるように、巧みに配置されているので、構成は統一されています多数の別々の行動に解決されました。 悪魔の色はまた、絵を苦痛と苦痛に分けます。
オスティアの戦いは、おそらく彼のデザインにラファエルのアシスタントによって実行されました。 絵画の前景は2つの重なり合ったアーチ状の形に編成され、捕虜が抑圧されていることが示され、左側と少し後ろでは教皇の前でひざまずいている。 教皇が第二のグループの上に上がってそれを支配している間、第一のグループは色とりどりの髪型が教皇の視覚的な踏み台のように振る舞う兵士によって支配されている。 このグループの縁では、2つの起伏のある図形がお互いに鏡像を描き、絵の縁から押して、もう一方がその中心を上に引っ張るような張力を作り出します。

主な作品

祭壇画
ルネッサンス期を通じて、大きな祭壇画は手数料として独特の地位を得ました。 祭壇画は、占領された宗教的建物の中で目に見えるだけでなく、礼拝者の祈りの中で焦点になる運命にあった。 レオナルド・ダ・ヴィンチの岩のマドンナは、ロンドンのナショナル・ギャラリーではなく、以前はミラノの礼拝堂にあったが、祝福された聖母マリアの疫病に対する請願に使われた多くのイメージの一つである。 これらのイメージの重要性は、アートギャラリーで見ると、それらを委託した人、その場所で崇拝した人、そしてそれらを作成した人にとっては意味がありません。

CimabueとDuccio di Buoninsegnaによる2つのEnthroned Madonnasは、伝統によって形式化され制約されたテーマのバリエーションを示しています。 マドンナとチャイルドの位置は非常に似ていますが、アーティストはほとんどの機能を別々に扱っています。 シマブエの王座は前面にあり、視点を使ってその強固さを示唆しています。 天使、その顔、羽、ハローは、豊かなパターンを形成するように配置されています。 マドンナの衣服の金箔の細部は繊細なネットワークの折り目を選び出します。 子供は、彼の足が母親と同じ角度に設定された状態で、手際よく座っています。
DuccioのRucellai Madonnaは、4.5メートルの高さのこの種の中で最大のもので、王座は斜めに設定されています。子供は、自分の身振りにもかかわらず、母親と対角線上に座っています。 ひざまずいた天使の位置は非常に単純ですが、彼らは繰り返された姿勢で自然主義を持ち、ローブの美しい色の組み合わせによって変化します。 マドンナのローブでは、金の国境が曲がりくねった線を描き、形と輪郭を定義し、全体の構成を単一の装飾的なディテールで活気づけます。
GiottoのOgnissanti Madonnaは現在、Cimabue’sとDuccio’sのウフィツィの同じ部屋に収容されています。そこでは自然の観察から描かれた進歩と視点の使い方が、以前の巨匠と簡単に比較できます。 絵画は祭壇画のモデルに適合していますが、その中の数字は従来の公式には従いません。 マドンナとチャイルドはしっかりと立体的です。 この品質は、金の境界が最小限に抑えられている間に、主な装飾要素に寄与するキャノピー王座によって強化されます。 お互いに鏡像を描いている天使たちはそれぞれ独特の服装をしています。
100年後、Masaccioはまだ正式な祭壇画の拘束の下に、自分の指で吸うふわふわしたキリスト・チャイルド(Christie Child)の衣装を立体的に描き出す。 小さな天使たちが演奏するリュートはどちらも急に短縮されています。
フラ・アンジェリコの絵画では、マサッチョの質量に重点が置かれていない。 アンジェリコは、マドンナを描写する際の繊細さで有名でした。 そのような絵画の魅力は、崇拝する天使たちが集まるように示されています。 マサチョの絵のように、マドンナのハローは擬似クフィの脚本で飾られており、おそらく彼女の中東起源を示唆しています。
ピエロ・デッラ・フランチェスカの手の中で、正式な金枠は、完璧な線形の視点で描かれ、昼光によって定義される古典的なニッチに変換されます。 マドンナは東方のカーペットで覆われた小さな表彰台に現実的な座に座り、寄付者のフェデリコ・ダ・モンテフェルトロは彼女の足でひざまずいています。 伝統への譲歩は、マドンナが他の人物よりも規模が大きいことです。
Belliniの絵画では、一方でフィギュアと設定が大きな現実感の効果を与える一方で、Belliniのビザンチンのアイコンへの関心は、Madonnaの階層的な賞賛と態度に表示されます。
ミラノの画家Bergognoneは、MantegnaとBelliniがAlexandriaのCatherineの赤いローブと黄金の髪がシエナのCatherineのコントラストのある白と白で効果的にバランスをとっており、素朴な壊れたレンガのアーチ。
アンドレア・マンテーニャのマドンナ・デッラ・ヴィットーリアでは、マドンナはガーランドのガゼボで囲まれた中央の地位を占めるかもしれませんが、マドンナとキリスト・チャイルドだけでなく、英雄的な聖人マイケルとの功績が認められているフランチェスコ2世ゴンザガです。ジョージ
レオナルド・ダ・ヴィンチはどんな種類の正式なキャノピーをも放棄し、マドンナと子供を自然の壮大さで包囲しました。
ラファエルのシスティーナ・マドンナは、祭壇画ではなく、正式な肖像画である、公式の肖像画を使用しています。これは、視覚を見ることができる緑色のカーテンのフレームで、作品の名前はPope Sixtus IIによって目撃されます。 聖母の周りの雲は、天使のために20世紀後半のファッションに愛されていた2つの象徴的なケルビブが、天井の上に自分自身を支えながら、天体の顔で構成されています。 この作品は、Murilloや他の多くの画家のモデルとなった。
アンドレア・デル・サルトは、非常に自然で生き生きとした演出をしながら、マドンナを古典的な台の上に置くことで、ハープスのマドンナの現実的な現実を放棄します。 すべての人物は不安定な状態にあり、マドンナの膝の前方への突き刺しによって、彼女は本のバランスをとっています。 この絵は、マナーニストの絵画で展開される傾向を示しています。

フレスコ画
アーティストが行うことができる最大の、最も時間のかかる有給の仕事は、教会、私有の宮殿またはコミューンの建物のためのフレスコ画の計画でした。 これらの中でも、イタリアの最大規模の統合スキームは、アッシジの聖フランチェスコ大聖堂(Basilica of St. Francis of Assisi)の中世期末に、数多くの異なるアーティストによって作られたものです。 それはパドヴァでのジオットのプロトルネッサンス計画と、メディチ家のためのベノッツォ・ゴッツォリのマグニ礼拝堂からシスティーナ礼拝堂のジュリウス2世のためのミケランジェロの最高功績に至るまでの多くのものが続いた。

ジオットはパドヴァにある大きな自立型のスクロヴェーニ礼拝堂を、聖母の生涯とキリストの生涯と共に描いた。 中世の伝統を破り、自然主義の基準を定めました。
シエナのコミューンのためにアンブロジオ・ロレンツェッティによって描かれた善悪の寓話の2つの大きなフレスコ画は完全に世俗的であり、市民との街並みの詳細な展示を示し、市民秩序の重要性を強調している。
対照的に、サンタ・マリア・ノヴェッラの新しい教会でドミニカ人を描くアンドレア・ディ・ボナイウトは、救済の働きにおける教会の役割を示す教会の凱旋門の巨大なフレスコ画を完成させました。特に、ドミニカ人は、象徴的には天国の猟犬のように見え、神の民を羊飼いにしています。 絵にはフィレンツェ大聖堂の景色が含まれています。
MasaccioとMasolinoはMasaccioの生き生きしたイノベーションで最も有名なBrancacci Chapelのフレスコ画に協力し、MasolinoのよりエレガントなスタイルがSt PeterのLifeの2つのエピソードを巧みに組み合わせたこの街並みに見られます。
サン・フランチェスコ教会のアレッツォ教会でのピエロ・デッラ・フランチェスカのフレスコ画は、ゴールデン・レジェンドのヤコポ・ダ・ヴァラジンによって書かれた「真実の十字架伝説」にちなんだものです。 写真は光と視点の研究を明らかにし、数字はほとんどモノリシックな固さを持っています。
Medici PalaceのプライベートチャペルのためのBenozzo Gozzoliのフレスコ画は、インターナショナルゴシック様式の後作であり、メディチの虚構で装飾的な描写であり、3人の賢者としての傍らにあります。
フランチェスコ・デル・コッサによって部分的に実行されたフェラーラのエステの家の宮殿のための精巧なサイクルは、家族の生活の場面と組み合わされた古典的な神々とゾディアールの看板の描写にも幻想的でした。
マンテーニャのゴンザガの絵は家庭生活をも見せていますが、現実的な要素が圧倒的に多く、飾る部屋の実際の建築物を巧みに使いこなしています。壁掛けは人物の台座を形成し、天井のペンダントは、
ブランカッチ礼拝堂では、歴史家はMasaccio、Masolino、おそらくDonatelloの顔をSassetti ChapelのDomenico Ghirlandaioがモデルを偽装しようとしていないと特定しようとしています。 この宗教的なサイクルの各フレスコ画には、物語を伝える人とそれを目撃している人物の2つのセットがあります。 この聖母マリアの誕生の現場では、フィレンツェの高貴な女性たちが、新しい母親を祝福するかのように、来ました。
ボッティチェッリによるコラの息子の処罰は、システィーナ礼拝堂への装飾として、1480年代にキリストの生涯とともに召されたモーセの生涯のエピソードの一つです。 Perugino、Domenico Ghirlandaio、Cosimo Rosselliの芸術家たちはすべて、慎重に設計され調和の取れた計画に取り組んでいました。
ミケランジェロの創世記、預言者像、キリストの祖先からの叙述を持ち、システィーナ礼拝堂の天井を5年かけて単独で執筆した作品は、世界で最も有名な芸術作品の一つになる予定です。
同時に、ラファエルと彼の助手の数は、ラファエルのお部屋として知られている教皇の部屋を描いた。 アテネの学校でラファエルは、古代アテネの哲学者として、レオナルド、ミケランジェロ、ブラマンテ、そして自分自身を含む、当時の有名な人々を描いています。

科目
マドンナとチャイルドの信心深いイメージは、多くの場合、私的なクライアントのために非常に多く生産されました。 キリストの生きる風景、聖母の生命、聖人の生活は、教会、特にキリストの誕生と受難に関連する場面のために多数作られました。 最後の晩餐は一般的に宗教的なrefectoriesで描写されました。

ルネサンス期には、塗装の後継者としての姿勢がますます増えています。 このため、ルネッサンス肖像画は数多く存在し、その名前は知られていません。 裕福な私的な後援者は、世俗的な主題の家の飾りとして作品を委託した。

礼拝の絵

マドンナ
これらの小さな親密な絵は、今ではほとんどすべて博物館にありますが、私有の所有のために最も頻繁に行われましたが、礼拝堂の小さな祭壇を飾ることがあります。

2人の天使と一緒にキリストの子を崇拝するマドンナは、キリストの子を支えている表情豊かな少年の天使のために、いつも特に人気があります。 このようなフィリッペ・リッピの絵画はボッティチェリに特に影響を与えました。
Verrocchioは、多くの肖像画でも使われている石造りの敷居によって、マドンナとキリストの子供を見る人から隔てる。 バラとチェリーは精神的な愛と犠牲的な愛を表しています。
アントネッロ・ダ・メッシーナのマドンナ・アンド・チャイルドは、表面的にはヴェロッキオのものに非常に似ていますが、それははるかにフォーマルではなく、母親と子供の両方が画家のためにポーズをとるよりも動いているようです。 彼の母親の胸のために達するように子どもの短縮された肘は、ラファエルの仕事で発生し、ミケランジェロのドン・トンドでは別の形で見ることができます。
レオナルド・ダ・ヴィンチによるこの初期のマドンナとチャイルドに見られる対立する対角線に置かれた数字は、彼の作品の多くで再現され、彼の生徒とラファエルによって模倣された構成的なテーマでした。
ジョヴァンニ・ベッリーニはギリシャ正教のアイコンの影響を受けました。 この絵の金布は金箔の背景に置き換わります。 手配は形式的ですが、ジェスチャー、特に母親の憧れの凝視は、この写真に人間の暖かさを与えます。
ビトー・カルパッチョのマドンナとチャイルドは、キリスト・チャイルドを現代服で完全に服を着た幼児として見せているのはとても珍しいことです。 きめ細かなディテールと家庭は、初期のオランダの絵画を示唆しています。
ミケランジェロのドン・トンドは、これらの作品の中で最大のものですが、プライベート・コミッションでした。 非常に珍しいコンポジション、曲がった形のマドンナ、絵の上にある3人の頭部、急進的な短縮はすべて非常にチャレンジングな機能であり、Agnolo Doniはそれを支払うと確信していませんでした。
ラファエロは巧みに対抗する力を発揮し、マドンナと子供を愛情のある視線で統一しました。

世俗的な絵画

肖像画
15世紀後半には、肖像画が急増しました。 そのうちのいくつかの被験者は、後に彼らの業績や崇高な血統のために記憶されていますが、多くの人のアイデンティティは失われており、レオナルド・ダ・ヴィンチのモナリザの最も有名な肖像画でさえ、投機と論争に晒されています。

Piero della FrancescaのPortrait of Sigismondo Pandolfo Malatestaのようなプロフィールポートレイトの利点は、それが顔のサインのような被写体を識別することです。 顔の比率、額、鼻と眉のそれぞれの角度、目の位置と形状、および顎のセットは、人生を通して認識可能なままである。 さらに、いったんプロファイルの似顔絵が撮られたら、それを使ってメダルを投げたり、イメージを救済することができます。
Pollaiuoloは、この若い女性のプロフィールに、彼女の鼻孔の繊細な形状と口の角を定義する細い線を強調して、この式に適合しています。 しかし、彼はキアロスロの微妙な使用と彼女の袖の豊かなフィレンツェの錦織の処理によって立体的な品質を加えました。
一方、Alesso Baldovinettiは、この強力な女の子のプロフィールを使って、より暗い背景に対して強調された輪郭の印象的なパターンを作成しました。 背景は、絵画の構成的な構造に加えて活発な形をしています。 彼女の額にある小さな黒いフィレットは、刺繍された袖のダイナミックなパターンに反応します。
ボッティチェッリの肖像画は、強烈な色調のモデリングで3/4眺めになっていますが、赤い服、帽子、黒い髪の形の印象的な配置と、背景に対して形成されるパターンのBaldovinettiの絵画とは大きく関係しています。
アントネッロ・ダ・メッシーナの肖像画は、ボッティチェッリよりも数年早いものであり、似通っています。 しかし、この絵画は、はっきりと描かれた形の巧妙な配置に大きく依存していません。 アントネッロはボッティチェリの温度と同様に油絵具の利点を利用して、ぼんやりした眉毛、肌の不完全さ、ひげの影が写真の精度で表現された微妙で似ている姿を実現しています。

モナリザでは、レオナルドは、表面の輪郭をモデル化し、シャドウ内の細部が消えていくようにしながら、細かく勾配をつけたスフマートの技法を採用しました。 この技法はこの絵画に謎の空気を与え、それは永続的な名声をもたらしました。 美しい手はほとんど装飾的な要素になります。
選出されたヴェネツィア公爵のジョヴァンニ・ベッリーニの肖像画は公式の空気を持っており、より公式にはなりにくい。 しかし、その顔は、ドージェで望むもの、知恵、ユーモア、決定的なものが特徴です。 より洗練された絵画ではありますが、Baldovinettiのデザインセンスとよく似ています。
ティツィアーノの肖像画の主題は不明であり、その名声は、その美しさと、キルティングされたサテンの大きな青色の袖によって顔が支持されバランスされている珍しい構成にのみ依存しています。 袖は背景とほぼ同じ色です。 その豊かな色調はそれを形にします。 シャツの白いリネンは組成を大きくし、男の目は光沢を浸透させて袖の色を拾います。

ヌード
これらの4つの有名な絵は、ヌードの出現と受け入れを、アーティスト自身の主題として示しています。

ボッティチェッリの「金星の誕生」では、ヌード人物は絵画の中心ではあるが、それ自体がテーマではない。 絵画の主題は古典的な神話からの物語です。 金星女王が海から裸になったという事実は、仕事の中心を支配するヌード研究の正当性を示しています。
30年後に描かれた、ジョヴァンニ・ベッリーニの絵の正確な意味は不明である。 被験者が印象派画家によって描かれていれば、意味を帰すことは全く不要です。 しかしこのルネッサンスの作品には、鏡像があり、通常は象徴的であり、寓意を示唆するものがあります。 若い女性の裸さは、無邪気さと脆弱性のような誘惑の印ではありません。しかし、彼女は非常に豊かな頭髪のドレスで自分をデッキに張り、真珠と縫い合われた、1つはない2つの鏡で、自分では無限に反射するのを見ます。この鏡は、しばしば預言の象徴であり、ここではナルシッサスの役割を果たしている若い女性と共に、虚栄の対象となる。
ジョルジョーネの絵画は、おそら10年前ベリニーを描いています。それは常に睡眠の金星として知られていますが、実際に金星であることを確認するために絵には何もありません。この絵画は、象徴主義の欠如と身体を美しくした対象として強調しています。それはティツィアーノによって完成されたと考えられましたしています。

古典的な神話
古典的な神話の絵画は、私的な後援者の家の重要なサロンのためにいつも行われました。ボッティチェッリの最も有名な作品はMedici、RaphaelはAgostino ChigiのGalatea、BelliniのFeast of the GodsはAlfonso I d’Este

PollaiuoloのHerculesとHydraの家にあるTitianの作品で、人道主義者とキリスト教徒の両方の解釈に役立った。この作品では、善が悪を克服し、勇気が栄光になります。ヘラクレスの姿はサムソンの聖書的な性格と共鳴しており、彼はまた強さで有名であり、ライオンを殺しました。
ボッティチェッリのパラスとケンタウルスでは、アテナの人物であるウィズダムが、激しいケンタウロスを先駆けに導いているので、学習と洗練は、ケンタウルスによって象徴される特徴である肉眼的な本能に打ち勝つことができます。
ラファエロのガラテアは、古典的ではあるが、物語に精通した人々によって認められたキリスト教的な共鳴を持っています。それは愛の本質に関するものです。彼女の周りのすべてが、キューピッドのトリオによって撃たれた矢に地上で愛し、負けたいと考えている間、ガラテアは精神的な愛を選択し、彼女の目を天に変えます。