80年代、アートとファッションの境界は、2つの世界の関係の形が国際レベルで成長したときに、より明確になりませんでした。美術機関は、メトロポリタンなどのデザイナーに門戸を開いた。展示会のキュレーターの新しいカテゴリーと専用の美術館が出現した。
アートギャラリーやオークションハウスがこの現象にますます注目する一方で、主要なファッションデザイナーは、世界中の美術展や資金提供されたショーやアートワークに特化したスペースを作り、その名声を高めてきました。
次に、アーティストは、最も多様で複雑な理由でファッションとコラボレーションしました。単純な金銭的な考慮から人気への欲求、個人的な関係から好奇心、そして芸術作品全体の壮大なプロジェクトから革命的なユートピアまでです。
アンディ・ウォーホルのコミュニケーション戦略。
アーティストは、雑誌のデザイナー、広告カタログのイラストレーターとして、ファッションのコミュニケーションに何度も取り組んできました。アートとファッションの世界のこの共生の顕著な例は、アンディウォーホルです。
ウォーホルは1950年代初頭からファッションで生まれ、「Glamor」、「Vogue」、「Harper’s Bazaar」のデザイナーであり、細くてエレガントなラインの靴を作り続けていました。このセクションでは、当時のファッション雑誌に掲載された、ファッションイラストレーターとしての彼の最初のテストを示すいくつかのページが展示されます。ウォーホルは、アートの世界とファッションの世界との間の労働組合としての役割を果たす18の問題でここに複製された「インタビュー」誌を監督しました。
ニューヨークのカルチャーシーン、パーティー、ヴェルニサージュ、回顧展、ファッションショーでの存在感を生かし、今日私たちが知っているアート、ファッション、有名人の関係を形成しました。このコンセプトは、ニューヨークの社会生活のさまざまな瞬間にウォーホルを描いた一連の写真ショットと、クリストファー・マコスの有名なインスタレーション「オルタード・イメージ」によって表されています。
確かなことは、彼のプロジェクトでは、アンディウォーホルが、インパクトのある審美的なインプットを、しばしば無礼な性質で広めたことです。最も印象的な例は、ファッション、アート、産業ロジックが集中して展示されている「The Souper Dress」です。有名なキャンベルスープをモチーフに、1960年代に生産された紙、セルロース、綿のドレスで、スープの缶からシルクスクリーン印刷されたイメージが連続して繰り返されています。
ゲルマナ・マルセリ。
詩の珍しい通訳。フェラガモのアトリエがルネサンスの芸術家・工芸家のワークショップであり、創造性と密接に結びついた技術的な熟練が基本である場合、60年代のゲルマーナマルチェッリのアトリエは、ファッションのオペレーター、アーティスト、知識人が集まる場所です。彼らの時間を解釈することができる新しい表現形式のために。このセクションでは、ピエトロズッフィ、ゲトゥリオアルヴィアーニ、パオロシェッジによるオリジナルの芸術作品をホストするマルチェッリのアトリエサロンを再現し、これらのアーティストとのパートナーシップの結果として壁や服に展示されました。資料、写真、販促用パンフレット、出版物が豊富なこの展覧会のこの部分には、裁判官がサンバビラ詩賞を創設し、毎週木曜日に作家や詩人がサロンに足を運んだ戦後のこの瞬間の前の年も記録されています。 、20世紀のイタリアの詩、Ungaretti、Quasimodo、Montaleの主要な代表者を含みます。
アトリエからムードボードまで。
このセクションでは、ファッションデザイナーのイメージが、情報の流れから浮かび上がるイメージを通じて、注目と記憶などの2つの性質を刺激しようとするストーリーがどんどん広まっていることを示しています。雑誌「A MAGAZINE CURATED BY」で作成されたイマーシブスペースは、大衆を歓迎し、並外れたクリエイティブマインドの視覚的で想像力豊かな世界に投影します。ハイダー・アッカーマン、マーティン・マルジェラ、山本洋治、アイリス・ファン・ヘルペン、ドライス・ファン・ノーテン、ジャンバティスタ・ヴァッリ、スティーブン・ジョーンズ、ロダーテ、高橋淳、クリス・ファン・アッシェ、マルティーネ・シトボン、プロエンザ・シュラー、リカルド・ティッシが芸術画像の万華鏡を構成する世界、音楽、詩、写真。
Yinka Shonibare。
アートがファッションを使って批評的な言語を形作ることができるということは、ナイジェリア出身のイギリス人アーティスト、インカ・ショニバレの作品によって実証されています。彼のインスタレーション、映画の転置で、彼は主に植民地問題を分析して、多文化性についての深い考察を提案します。彼の作品をアニメートする人物は、18世紀と19世紀の絵画から取られたスタイルに服を着た、演劇的かつ劇的なポーズのダミーで構成されていますが、明確なアフリカ系のバティック生地で作られています。
ロールプレイングゲーム。
今日、アートとファッションの関係についての考察は、前世紀のファッションの歴史を経てきた二元論（精査し、時には対話するが、別々のままである2つのシステム）が時代遅れであることを認識すべきです。アートのようなファッションはその実践に疑問を投げかけます。フセインチャラヤン、マーティンマルジェラ、ヴィクトール＆ロルフ、ヘルムートラング、ニックケイブなどの一連の作家の作品のセクションでは、今日、さまざまなクリエイティブプラクティスを定義してクローズすることがますます困難になっていることを説明しています。
アートとファッションを超えて
ファッションアートですか？単純な質問は、長い間調査されてきた、明確で明確な定義に到達することなく、明確な関係の複雑な宇宙を隠します。このプロジェクトは、これらの2つの世界の間の対話の形式を分析します。相互インスピレーション、オーバーラップ、コラボレーション、ラファエル前派の経験から未来派の経験まで、シュルレアリスムからラディカルファッションまで。展覧会の旅程は、20世紀の前衛芸術運動に魅了され、刺激を受けたサルヴァトーレフェラガモの作品、50年代と60年代のいくつかのアトリエ、研究と出会いの場、そしてその出現に焦点を当てています。有名人の文化。次に、90年代の実験を検証し、現代の文化産業で2つの別々の世界について話し合うことができるのか、それとも代わりに流動的な役割の相互作用を扱っているのかを考えます。
この単純な質問は、明確または明確な定義に到達することなく、長い間調査されてきた多関節関係の複雑な宇宙を隠します。ファッション-機能的であり、したがって実際の生活を具体的に言及する必要性、および職人の技と産業との関連性-は、芸術を注ぐという理想からはほど遠いようですが、それは常に代表的であったわけではありませんアートの世界でさえ。アンディ・ウォーホルは、芸術作品の独自性はもはや芸術的生産と一致していないことを教えてくれました。今日、ファッションデザイナーの展示は急増し、スタイリストは現代アートの実践を歓迎しています。この文脈で、前世紀に起こったアートとファッションの二分法について話すことはまだ可能ですか？
このプロジェクトでは、汚染、重複、コラボレーションという2つの世界の間の対話形式を分析します。ラファエル前派の経験から未来派の経験、シュールレアリズムからラディカルファッションまで。この道は、20世紀の芸術的な前衛に魅了され、刺激を受けたサルヴァトーレフェラガモの作品に焦点を当てています。 1950年代と60年代のいくつかのアトリエ、研究と会議の場所、そして有名人の文化の誕生について、90年代の実験を続け、現代の文化産業ではまだ2つについて話せるかどうか疑問に思う別の世界、または代わりに私たちは役割の流動的なゲームに直面している場合。
展示計画の特殊性は、いくつかの文化機関の協力とさまざまな場所での展示の場所にあります。サルバトーレフェラガモ博物館、プロジェクトの推進者であり主催者であるフェラガモ財団に加えて、彼らはさまざまな展示会を主催していますフィレンツェ、中央国立図書館、ウッフィツィ美術館（ピッティ宮殿のモダンアートギャラリー）、マリノマリーニ美術館、そしてプラートの織物博物館
関係機関は、共通の反省を招くことを目的として、アイデアの実現に積極的に参加しました。
これは、プロジェクトとシンボルをキュレートして考案したサルヴァトーレフェラガモ博物館へのオマージュです。一方では、サルヴァトーレフェラガモによる1958年モデルの美学に欠かせない装飾的な要素、ティラセニョデコルテ、そしてその他では20世紀後半の偉大なアメリカ人アーティストの1人であるケネスノーランド。
サルヴァトーレフェラガモ美術館の展示には、4人のキュレーター、ステファニアリッチ、サルヴァトーレフェラガモ美術館の監督、マリアルイーザフリーザ、エンリカモリーニ、アルベルトサルヴァドーリがいて、さまざまなスキルと個性を持って、日々、ルートの構築に協力しています。熱意とコラボレーションの精神でイニシアチブに参加したさまざまな機関の管理者およびディレクターと共に、キュレーターが作品の最終的な選択を手助けし、彼らの知識と専門家を利用できるようにするカタログの作者に経験。展示会に国際的な雰囲気を与える、国内および国際的に最も権威のある公的および私的コレクションからの多くの融資があります。
サルヴァトーレフェラガモ博物館
イタリアのフィレンツェにあるサルヴァトーレフェラガモ博物館は、イタリアの靴デザイナーサルヴァトーレフェラガモと彼の名を冠した会社の生涯と作品に特化したファッション博物館です。博物館には、1920年代から1960年に亡くなるまでフェラガモによって作成および所有された靴の10,000モデルが含まれています。フェラガモの死後、コレクションは彼の未亡人と子供たちによって拡大されました。博物館には、1950年代から現在までの映画、プレスカット、広告資料、衣服、アクセサリーも含まれています。
フェラガモ一家は1995年5月に博物館を設立し、サルバトーレフェラガモの芸術的資質と、靴だけでなく国際的なファッションの歴史において彼が果たした役割を世界の聴衆に紹介しました。
ほとんどの企業博物館と同様に、Museo Salvatore Ferragamoとそのアーカイブは、起業家、この場合は1960年の創設者の死以来会社を率いてきたSalvatore Ferragamoの未亡人、Wandaと6人の子供たちのビジョンに基づいています。特に、父親の死後、同社の中核となる靴と革製品のビジネスを管理していた子供たちの長男であるフィアンマは、家族を代表してこのプロジェクトの実権を握り、歴史家の助けを借りて戦略を形作っていました。とアーキビスト。
博物館のアイデアは、サルヴァトーレフェラガモの歴史に関する展覧会がパラッツォストロッツィで開催されたときに最初に生まれました。この展覧会はツアーに参加し、ロンドンのビクトリアアンドアルバート、ロサンゼルスカウンティミュージアム、ニューヨークグッゲンハイム、東京の草月会、ベラス美術館など、世界で最も権威のある美術館が主催しました。メキシコのアルテス。臨時展は徐々に常設となりました。
サルバトーレフェラガモは、博物館の文化的重要性と長年にわたる多くのイニシアチブの重要性を評価して、建設的な目的のために文化に最も投資する企業に毎年与えられるグッゲンハイムインプレッサeカルチュラ賞を受賞しました。博物館はフィレンツェの歴史的中心部、スピノフェローニ宮殿にあります。スピニフェローニ宮殿は、1938年から本社としても使用されています。