ヨーロッパのアカデミー、特にアカデミー芸術の中心的役割を果たしてきたアカデミーフランセーズの登場により、まだまだ人生は好評を博し始めました。 アカデミーは、絵画の芸術的メリットは主にその主題に基づいていると主張した “ジャンルの階層”（または “主題物質の階層”）の教義を教えた。 アカデミック・システムでは、最高の形態の絵画は、歴史的、聖書的、神話的な意味のイメージから成っていて、静物画の主題は芸術的認識の最も低い順序に委ねられていました。静止画を使って自然を飾るのではなく、ジョン・コンスティーブルやカミーユ・コローなどのアーティストは、その目的を果たすための風景を選んだ。
1830年代にネオクラシックが衰退し始めたとき、ジャンルと肖像画はリアリズムとロマンチックな芸術革命の焦点となった。 その時の偉大な芸術家の多くは、仕事の中にまだ人生を含んでいました。 Francisco Goya、Gustave Courbet、EugèneDelacroixの静物画は、感情的な流れが強く、正確さにはあまり関心がなく、気分にはもっと関心があります。 ÉdouardManetの静物画は、Chardinの初期の静物画に描かれていますが、印象派主義に向いています。 アンリ・ファンティン=ラトゥールは、より伝統的なテクニックを駆使して、絶妙な花の絵画で有名で、コレクターのためにほとんど独占的に静物画を描いた。
しかし、ヨーロッパのアカデミック・ヒエラルキーの最終的な衰退、印象派とポスト・インプレッションの画家の登場によって、テクニックと色の調和がテーマに打ち勝ったこと、そしてまだまだ人生は再びアーティストによって熱心に練習されていた。 クリュード・モネはファンティン・ラトゥールの影響を示していますが、ピエールオーギュスト・ルノワールはブーケとファン（1871年）の静物画で捨てる暗い背景の伝統を打破した最初の一人です。その明るい橙色の背景。印象派のまだまだ人生では、寓意的な、神話的な内容は完全に欠けています。 代わりに印象派は、幅広い叩きブラシストローク、色調値、色配置の実験に重点を置いていました。 印象派と後印象派は、自然の色彩の仕組みに触発されましたが、独自の色調のハーモニーで自然を再解釈しました。 ゴーギャンが述べたように、「色彩は独自の意味を持っている」と述べている。ギュスターヴ・カイレボッテによるスタンドに展示されたフルーツのように、タイトなクロッピングとハイアングルを使用するなど、鳥瞰図で果物を展示する」
ヴィンセント・ヴァン・ゴッホの「サンフラワーズ」絵画は、19世紀の静物画として有名な絵画です。 ヴァンゴッホは、主にイエローで平らなレンダリングのトーンを使用して、静物の歴史に思い出深い貢献をしています。 彼の静物画（1889年）はまだ生きている姿の自己肖像画であり、ヴァン・ゴッホは彼のパイプ、シンプルな食べ物（玉ねぎ）、インスピレーションを受けた本、彼の手紙を含む彼の個人的な生活の多くのアイテムを描いている兄弟は、自分のイメージなしで、テーブルの上にレイアウトされています。 彼はまた、オープン聖書、蝋燭、そして本（1885）を持つヴァニタスの絵画「静物」の自分の版を描いた。
革命時代のアメリカでは、アメリカの芸術家がアメリカの肖像画や静物にヨーロッパスタイルを適用していました。 Charles Willson Pealeは著名なアメリカの画家の家族を創設し、アメリカの美術界の主要リーダーとして、有名な自然好奇心博物館のほか、芸術家の訓練のための社会を創設しました。 彼の息子Raphaelle Pealeは、ジョンF.フランシス、チャールズ・バード・キング、ジョン・ジョンストンを含む、初期のアメリカの静物画家のグループの1人でした。 19世紀後半までに、マーティン・ジョンソン・ヘイデは模擬野外環境に花や鳥を置く生息地やビオトープの写真のアメリカ版を紹介しました。 ジョン・ハベル、ウィリアム・マイケル・ハネット、ジョン・フレデリック・ペトが作ったこの時期には、アメリカの絵画も栄えました。 ペトロはノスタルジックな壁掛けの絵画を専門とし、ハネットは身近なものを通してアメリカ人の生活の絵画祭でハイパーリアリズムを達成しました。
フランシスコゴヤ、 フルーツ、ボトル、パン （1824-1826）のある静物
19世紀の絵画
| ユージーン・ドラクロワ、ロブスターの静物画、狩猟と釣りのトロフィー （1826-1827）、ルーヴル美術館 | ギュスターヴ・カイユボト（1848-1894）、 花瓶の黄色いバラ （1882）、ダラス美術館 | アンリ・ファンティン・ラトゥール（1836-1904）、 ホワイト・ローゼズ、花瓶の菊、白いテーブルクロスのあるテーブルの桃、ブドウ （1867） | ポールセザンヌ（1839-1906）、 黒大理石時計 （1869-1871）、プライベートコレクション |
|---|---|---|---|
| メアリー・カサット（1844-1926）、 ライラックス（1880） | クロード・モネ（1840-1926）、 アップルとブドウの静物画 （1880）、シカゴ美術研究所 | ÉdouardManet（1832-1883）、パリのオルセー美術館（1883）、 カーネーションとクレマチス （1883） | ポールゴーギャン、 リンゴの静物、梨、陶器の肖像画酒（1889）、マサチューセッツ州ケンブリッジのフォッグ美術館 |
| ウィリアム・ハネット（1848-1892）、 ハント後（1883） | ウィリアム・ハネット（1848-1892）、 静物ヴァイオリンと音楽 （1888）、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市 | Darius Cobb（1834-1919）、ここではクロモリトグラフのプリントで、内戦のトランペット・オイロの構成 | ポール・セザンヌ、 ケルブとの静けさ （1895年）、クールタウド・インスティテュート・ギャラリー、ロンドン |
静物（複数形：静物画）は、自然（食物、花、死んだ動物、植物、岩石、貝殻など）または人工のもの本、花瓶、宝飾品、コイン、パイプなど）に使用することができます。
中世と古代グレコローマ時代の芸術の起源を持つ静物画は、16世紀後半には西洋画家の独特のジャンルと専門的な専門として登場し、それ以来重要な存在です。静止画形式は、ランドスケープやポートレートなどの他の種類の被写体の絵画よりも、アーティストが組成物内の要素の配置においてより多くの自由を与える。特定のジャンルとしての静物は、16世紀と17世紀のオランダの絵画から始まり、英語の静物画はオランダ語のstillevenから派生しています。 初期の静物画は、特に1700年以前には、描写されたオブジェクトに関する宗教的で寓意的な象徴を含むことが多かった。 いくつかの現代の静物画は、2次元バリアを破壊し、3次元の混合メディアを使用し、発見されたオブジェクト、写真、コンピュータグラフィックス、ならびにビデオおよびサウンドを使用する。
この用語には、死んだ動物、特にゲームの絵画が含まれます。 生きているものは動物芸術と見なされますが、実際には死んだモデルから描かれていました。 静止画カテゴリは、動物学者、特にボタニカル・イラストレーションとの共通点も共有しています。ここでは、アーティスト間でかなりの重複があります。 一般に、静物には完全に描かれた背景が含まれており、主観的ではなく審美的なものを主格とする。
静物はジャンル階層の最下位を占めましたが、バイヤーにとって非常に人気がありました。 独立した静物画の主題と同様に、静物画は、著名な静物要素（通常は記号的なもの）を持つ他の種類の絵画を包含する。「生命の断片を再現するために表面上は多数の静物要素に依存する画像” 見る人をシーンが本当であると思うように欺くことを意図している、トンプイ・リール・ペインティングは、通常は無生物で比較的平坦なオブジェクトを示す、静物の特殊なタイプです。