18世紀の静物画

18世紀は、17世紀の公式を大幅に改良し続け、生産水準は低下しました。 ロココ様式では、花飾りは磁器、壁紙、織物、彫刻された木製家具ではるかに一般的になり、バイヤーは絵画にコントラストを持たせることを好みました。 1つの変更は、今では最も注目すべきアーティストの大部分を占めるフランスの画家の間では新しい熱意でしたが、英語はインポートするコンテンツとして残っていました。 Jean-Baptiste Chardinは、オランダの黄金時代の巨匠のもとに建てられた、19世紀の作曲に非常に影響を与える、最も繊細なスタイルで、小さくてシンプルな食べ物と物の集まりを描きました。 死んだゲームのテーマは引き続き人気があり、特に狩猟用のロッジでは、 ほとんどの専門家は生きた動物の科目を描いた。 Jean-Baptiste Oudryは毛皮と羽のテクスチャの素晴らしいレンダリングをシンプルな背景(しばしば石灰洗浄されたラダー壁の白い部分)と組み合わせて、優位性を発揮しました。

ルイス・メレンデス(1716-1780)、 りんご、ブドウ、メロン、パン、ジャグ、ボトル入り静物

18世紀になると、多くの場合、静物画の宗教的・寓意的な意味合いがなくなり、キッチンテーブルの絵画は、さまざまな色や形の計算された描写に発展し、毎日の食べ物を表示しました。 フランスの貴族は、オランダの前任者の道徳的なヴァニタスのメッセージなしで、ダイニングテーブルを飾った豊かで贅沢な静物画の絵を実行するためにアーティストを採用しました。 ロココの手工芸が大好きで、フランスではトンプイ・イェイユ(フランス語:「トリック・ザ・アイ」)の絵画に対する感謝の気持ちが高まった。 Jean-Baptiste Chardinの静物画には、オランダ風の現実感からより柔らかいハーモニーまで、さまざまなテクニックが採用されています。

Anne Vallayer-Costerの作品の大部分は、17世紀と18世紀の間に開発された静物の言葉に費やされました。 これらの世紀の間、静物のジャンルは階層的なはしごの中で最も低く置かれました。 Vallayer-Costerには彼女の絵画についての魅力があった。 RoyalAcadémieの注目を引いた「自然と人工の多種多様な物体を描いた彼女の作品の大胆で装飾的なライン、彼女の色彩の豊かさと擬似テクスチャ、そして幻想の功績」彼女の絵を購入した多くのコレクター。 オランダ、フランダース、フランスの静物画では、この芸術と自然の交流が非常に一般的でした。 彼女の作品は、Jean-Baptiste-SiméonChardinと17世紀のオランダの巨匠たちの作品がはるかに高い評価を受けていることを明らかにしていますが、Vallayer-Costerのスタイルは、表現的幻想を装飾的な構図構造と融合させるユニークな方法。

18世紀の終わりとフランスの君主制の崩壊は、Vallayer-Costerの静物時代の「時代」の扉を閉め、彼女を新しいスタイルのフローラルにしました。 これは彼女のキャリアのハイライトであり、彼女が最もよく知っていることであると主張されている。 しかし、花の絵は彼女のキャリアにとって無駄であると主張されている。 それにもかかわらず、このコレクションには、油彩、水彩画、グアッシュの花の研究が含まれていました。

Carl Hofverberg(1695-1765)、 Trompe l’oeil(1737)、スウェーデン王立兵器庫の創設

Jean-Baptiste-SiméonChardin、 ガラスフラスコとフルーツの静物画 (c。1750 )

Jean-Baptiste Oudry、 White Duck (1753)、1990年にHoughton Hallから盗まれた

レイチェル・ルーシュ、 バラ、コンボルブルス、ポピー、および石の庭(1680年代)の壷の他の花

Anne Vallayer-Coster、 音楽の属性 (c。1770)

Carlo Manieri、 シルバーウェア付きの静物 、Pronkstilleven(1662-1700)

Anne Vallayer-Coster、 ロブスターの静物 (c。1781)

Anne Vallayer-Coster、 絵画の属性(c。1769)

静物は自然(食べ物、花、死んだ動物、植物、岩石、貝殻など)または人工物(飲み物、本、花瓶など)である一般的に一般的なものである主として無生物の主題を描く芸術作品です。ジュエリー、コイン、パイプなど)。

中世と古代グレコローマ時代の芸術の起源を持つ静物画は、16世紀後半には西洋画家の独特のジャンルと専門的な専門として登場し、それ以来重要な存在です。静止画形式は、ランドスケープやポートレートなどの他の種類の被写体の絵画よりも、アーティストが組成物内の要素の配置においてより多くの自由を与える。特定のジャンルとしての静物は、16世紀と17世紀のオランダの絵画から始まり、英語の静物画はオランダ語のstillevenから派生しています。 初期の静物画は、特に1700年以前には、描写されたオブジェクトに関する宗教的で寓意的な象徴を含むことが多かった。 いくつかの現代の静物画は、2次元バリアを破壊し、3次元の混合メディアを使用し、発見されたオブジェクト、写真、コンピュータグラフィックス、ならびにビデオおよびサウンドを使用する。

この用語には、死んだ動物、特にゲームの絵画が含まれます。 生きているものは動物芸術と見なされますが、実際には死んだモデルから描かれていました。 静止画カテゴリは、動物学者、特にボタニカル・イラストレーションとの共通点も共有しています。ここでは、アーティスト間でかなりの重複があります。 一般に、静物には完全に描かれた背景が含まれており、主観的ではなく審美的なものを主格とする。

静物はジャンル階層の最下位を占めましたが、バイヤーにとって非常に人気がありました。 独立した静物画の主題と同様に、静物画は、著名な静物要素(通常は象徴的なもの)を持つ他の種類の絵画を包含する。「人生の断片を再現するために表面上は多くの静物要素に依存する画像” 見る人をシーンが現実であると思うように欺くことを意図している、トンプイ・リール・ペインティングは、通常は無生物で比較的平坦なオブジェクトを示す、静物の特殊なタイプです。