静物は自然（食べ物、花、死んだ動物、植物、岩石、貝殻など）または人工物（飲み物、本、花瓶など）である一般的に一般的なものである主として無生物の主題を描く芸術作品です。ジュエリー、コイン、パイプなど）。

中世と古代グレコローマ時代の芸術の起源を持つ静物画は、16世紀後半には西洋画家の独特のジャンルと専門的な専門として登場し、それ以来重要な存在です。静止画形式は、ランドスケープやポートレートなどの他の種類の被写体の絵画よりも、アーティストが組成物内の要素の配置においてより多くの自由を与える。特定のジャンルとしての静物は、16世紀と17世紀のオランダの絵画から始まり、英語の静物画はオランダ語のstillevenから派生しています。 初期の静物画は、特に1700年以前には、描写されたオブジェクトに関する宗教的で寓意的な象徴を含むことが多かった。 いくつかの現代の静物画は、2次元バリアを破壊し、3次元の混合メディアを使用し、発見されたオブジェクト、写真、コンピュータグラフィックス、ならびにビデオおよびサウンドを使用する。

この用語には、死んだ動物、特にゲームの絵画が含まれます。 生きているものは動物芸術と見なされますが、実際には死んだモデルから描かれていました。 静止画カテゴリは、動物学者、特にボタニカル・イラストレーションとの共通点も共有しています。ここでは、アーティスト間でかなりの重複があります。 一般に、静物には完全に描かれた背景が含まれており、主観的ではなく審美的なものを主格とする。

静物はジャンル階層の最下位を占めましたが、バイヤーにとって非常に人気がありました。 独立した静物画の主題と同様に、静物画は、著名な静物要素（通常は象徴的なもの）を持つ他の種類の絵画を包含する。「人生の断片を再現するために表面上は多くの静物要素に依存する画像” 見る人をシーンが現実であると思うように欺くことを意図している、トンプイ・リール・ペインティングは、通常は無生物で比較的平坦なオブジェクトを示す、静物の特殊なタイプです。

先例と開発

静物画はしばしば古代エジプトの墓の内部を飾る。 それは、食物やその他の品物が、死後に現実になり、故人によって使用可能になると考えられていました。古代ギリシアの花瓶の絵画はまた、毎日のオブジェクトや動物を描写する上で素晴らしいスキルを示しています。 PeiraikosはPliny the Elderによると、モザイク版やポンペイの地方壁画で生き残るような「低」科目のパネル画家として言われています。「理髪店、コブラーの屋台、お尻、食べ物など。

ポンペイ、エルクラネウム、ヴィラ・ボスコレアレで発見されたローマの壁画や床モザイクでは、後でよく知られている果物のガラスのボウルのモチーフを含め、同様の静物画が、より単純な意図で装飾されていますが、現実的な視点で見られます。 豊かなローマ人の家庭で見られる「エンブレーマ」と呼ばれる装飾的なモザイクは、上層階で楽しむ様々な食べ物を示し、また、歓待の兆候や季節や人生の祝典としても機能しました。

16世紀までには、食べ物と花は再び季節と五感のシンボルとして登場しました。 また、ローマ時代から始まったのは、死に瀕死の象徴としての絵の頭蓋骨の使用の伝統であり、しばしば付随するフレーズのOmnia mors aequat（死はすべて平等になる）である。 これらのヴァニタスのイメージは、1600年頃にオランダの画家から始まって、400年の歴史を経て再解釈されました。

静物画の現実感に対する人気の高い評価は、かつて最も生き物のような物を作ることに挑戦したと言われている、古代ギリシアの伝説であるツエキスとパルハシウスの伝説である。 エルニーニョは古代ローマ時代に記録されていたため、数世紀前のギリシアの芸術家は、肖像画、ジャンル絵画、静物画の芸術ですでに進歩していました。 彼は理髪師、靴屋、野菜などを描いたので、「下品な被験者の画家」と呼ばれるようになりました。 しかし、これらの作品はとても楽しいもので、他の多くのアーティストの最大の[絵画]よりも高い価格で販売されています。

中世と初期のルネッサンス
ジョットと彼の生徒たちから始まる1300年までに、静物画は、毎日の物を描いた宗教壁画の架空のニッチの形で復活しました。 中世とルネッサンスを通して、西洋美術におけるまだまだ人生は、主にクリスチャンの宗教的な主題に付随しており、宗教的で寓意的な意味を持っていました。 これは、北欧のアーティストの作品に特に当てはまりました。非常に詳細な光学的リアリズムと象徴主義への魅力は、絵画の全体的なメッセージに大きな注目を集めました。 Jan van Eyckのような画家たちは、絵画的なプログラムの一部として静物要素をよく使用していました。

中世後期には、主に花だけでなく、動物や時には無生物である静物要素は、照明された原稿の境界に現実感が増し、より大きな画像の画家が使用したモデルや技術的進歩を描いていました。 特に初期のオランダの絵画では、原稿とその絵画パネル用のミニチュアを作っているアーティストの間にかなりの重なりがありました。 おそらくUtrechtで1440年頃に作られたCatherine of Clevesの時代は、この傾向の顕著な例の1つであり、コインや釣りネットを含む特別な範囲のオブジェクトを備えています。特定のポイント。 後の世紀のフランドルのワークショップでは、国境の要素の自然主義がさらに深刻化しました。 ゴシック様式のミレフールのタペストリーは、動植物の正確な描写に対する一般的な関心の別の例である。 The LadyとUnicornのセットは、パリで1500年前後にデザインされ、その後フランダースで織り込まれた最も有名な例です。

Jan van Eyckや他の北欧のアーティストの油絵技術の発展は、オイルカラーのゆっくりした乾燥、混合、層化のおかげで、日常のオブジェクトをこのようなハイパーリアリスティックな方法でペイントすることを可能にしました。 レオナルド・ダ・ヴィンチ（Leonardo da Vinci）は、不穏な自然観察の一環としてフルーツ（1495年頃）の研究を行い、アルブレヒト・デューラー（AlbrechtDürer）は動植物の正確な色絵を作った。

Petrus Christusの金細工師を訪ねる花嫁と新郎の肖像画は、宗教的および世俗的な内容の両方を描写する過渡的な静物画の典型的な例です。 メッセージではほとんど寓意的ですが、カップルの人物は現実的であり、示されている物（コイン、船舶など）は正確に描かれていますが、金細工師は実際には聖エルギウスの描写と象徴的なものです。 もう一つの同様のタイプの絵画は、人物の敬虔さと神の豊かさに対する感謝の両方を象徴する、十分に設定された食卓と数字を組み合わせた家族の肖像画です。 この頃、個人的な信心深い絵画のシャッターの外側に描かれていた単純な静物画（寓意的な意味ではなく）が描かれていました。 自立した静物に向かうもう一つのステップは、1475年頃の世俗的な肖像画の後ろにある花瓶の象徴的な花の絵画でした。Jacopo de ‘Barbariは、Partridge、Iron Gloves、Crossbow Arrows（1504）のStill Life最小限の宗教的内容を含んでいる最も初期の署名され、日付がつけられた昔ながらの絵画である。

ナッソーのエンゲルベルト、フランドルの芸術家、1470年代の照明付き書籍の境界にある様々な船	The LadyとUnicornmillefleurのタペストリーのいずれかの詳細、c。 1500	アルブレヒトデューラー、大草原 、1503	Jacopo de ‘Barbari、 Partridge and Gauntlets（1504）、非常に初期の独立した静物、おそらく肖像画の裏やカバー