静物は自然(食べ物、花、死んだ動物、植物、岩石、貝殻など)または人工物(飲み物、本、花瓶など)である一般的に一般的なものである主として無生物の主題を描く芸術作品です。ジュエリー、コイン、パイプなど)。

中世と古代グレコローマ時代の芸術の起源を持つ静物画は、16世紀後半には西洋画家の独特のジャンルと専門的な専門として登場し、それ以来重要な存在です。 静止画形式は、ランドスケープやポートレートなどの他の種類の被写体の絵画よりも、アーティストが組成物内の要素の配置においてより多くの自由を与える。 特定のジャンルとしての静物は、16世紀と17世紀のオランダの絵画から始まり、英語の静物画はオランダ語のstillevenから派生しています。 初期の静物画は、特に1700年以前には、描写されたオブジェクトに関する宗教的で寓意的な象徴を含むことが多かった。 いくつかの現代の静物画は、2次元バリアを破壊し、3次元の混合メディアを使用し、発見されたオブジェクト、写真、コンピュータグラフィックス、ならびにビデオおよびサウンドを使用する。

この用語には、死んだ動物、特にゲームの絵画が含まれます。 生きているものは動物芸術と見なされますが、実際には死んだモデルから描かれていました。 静止画カテゴリは、動物学者、特にボタニカル・イラストレーションとの共通点も共有しています。ここでは、アーティスト間でかなりの重複があります。 一般に、静物には完全に描かれた背景が含まれており、主観的ではなく審美的なものを主格とする。

静物はジャンル階層の最下位を占めましたが、バイヤーにとって非常に人気がありました。 独立した静物画の主題と同様に、静物画は、著名な静物要素(通常は象徴的なもの)を持つ他の種類の絵画を包含する。「人生の断片を再現するために表面上は多くの静物要素に依存する画像” 見る人をシーンが現実であると思うように欺くことを意図している、トンプイ・リール・ペインティングは、通常は無生物で比較的平坦なオブジェクトを示す、静物の特殊なタイプです。

先例と開発
静物画はしばしば古代エジプトの墓の内部を飾る。 それは、食物やその他の品物が、死後に現実になり、故人によって使用可能になると考えられていました。 古代ギリシアの花瓶の絵画はまた、毎日のオブジェクトや動物を描写する上で素晴らしいスキルを示しています。 PeiraikosはPliny the Elderによると、モザイク版やポンペイの地方壁画で生き残るような「低」科目のパネル画家として言われています。「理髪店、コブラーの屋台、お尻、食べ物など。

ポンペイ、エルクラネウム、ヴィラ・ボスコレアレで発見されたローマの壁画や床モザイクでは、後でよく知られている果物のガラスのボウルのモチーフを含め、同様の静物画が、より単純な意図で装飾されていますが、現実的な視点で見られます。 豊かなローマ人の家庭に見られる「エンブレーマ」と呼ばれる装飾的なモザイクは、上級者が楽しめる様々な食べ物を示し、また、歓待の兆候や季節や人生の祝典としても機能しました。
中世と初期のルネッサンス
ジョットと彼の生徒たちから始まる1300年までに、静物画は、毎日の物を描いた宗教壁画の架空のニッチの形で復活しました。 中世とルネッサンスを通して、西洋美術におけるまだまだ人生は、主にクリスチャンの宗教的な主題に付随しており、宗教的で寓意的な意味を持っていました。 これは、北欧のアーティストの作品に特に当てはまりました。非常に詳細な光学的リアリズムと象徴主義への魅力は、絵画の全体的なメッセージに大きな注目を集めました。 Jan van Eyckのような画家たちは、絵画的なプログラムの一部として静物要素をよく使用していました。

中世後期には、主に花だけでなく、動物や時には無生物である静物要素は、照明された原稿の境界に現実感が増し、より大きな画像の画家が使用したモデルや技術的進歩を描いていました。 特に初期のオランダの絵画では、原稿とその絵画パネル用のミニチュアを作っているアーティストの間にかなりの重なりがありました。 おそらくUtrechtで1440年頃に作られたCatherine of Clevesの時代は、この傾向の顕著な例の1つであり、コインや釣りネットを含む特別な範囲のオブジェクトを備えています。特定のポイント。 後の世紀のフランドルのワークショップでは、国境の要素の自然主義がさらに深刻化しました。 ゴシック様式のミレフールのタペストリーは、動植物の正確な描写に対する一般的な関心の別の例である。 The LadyとUnicornのセットは、パリで1500年前後にデザインされ、その後フランダースで織り込まれた最も有名な例です。

後期ルネッサンス

16世紀
1600年以降のほとんどの静物画は比較的小さい絵であるが、アントワープを中心とした伝統は、静物画の大きな広がりを含む大きな絵画である「記念碑的な静物」の伝統であった数字と、しばしば動物と。 これはPieter Aertsenの開発で、聖なる家族贈り物(1551年現在、ウプサラ)がまだ驚くような絵を描いたタイプを紹介しました。 もう一つの例は、Aertsenの甥Joachim Beuckelaer(1568年)の「The Butcher Shop」であり、生肉が前景を支配している現実的な描写と、背景シーンが酔っ払いと育ちの危険を伝えています。 Pieter Aertsenと彼の甥Joachim Beuckelaerによって開発された非常に大きなキッチンまたは市場シーンのタイプは、典型的には台所用品の静物とフレミッシュなキッチンメイドと豊富な食べ物を描いています。 遠くに小さな宗教的な場面を作ることもできますし、テーマを上げるためにFour Seasonsなどのテーマを追加することもできます。 この種の大規模な静物画は、北と南の分離後にフランダースの絵画で発展し続けたが、オランダの絵画ではまれであるが、この伝統の他の作品は「メリー・カンパニー」のジャンル絵画を予期している。

徐々に、宗教的な内容は、この種の絵画ではサイズや配置が減少しましたが、道徳的な教訓はサブコンテキストとして継続されました。 この時期の他の「キッチンとマーケット」の静物画と同様に、このスタイルの比較的少数のイタリア製作品の1つであるAnnibale Carracciの1583年の同じテーマの扱いであるButcher’s Shopは、道徳的なメッセージを取り除き始める。 ヴィンチェンツォ・カンピはおそらく1570年代にイタリアにアントワープのスタイルを導入しました。 この伝統は、フランシス・スニダーや弟のヤン・フィートのような専門家の修道師たちに、静物と動物の要素を主に委託していたルーベンスの作品とともに、次の世紀に続いた。 16世紀の後半までに、自律的な静物は進化しました。

17世紀
Andrea Sacchiのような17世紀初頭の著名な学者は、ジャンルと静物画は絵画が偉大であると評価された “gravitas”を持っていないと感じました。 考古学者、建築家、フランス古典主義理論家であるAndréFélibienによる1667年の有力な定式化は、18世紀のジャンル階層理論の古典的な声明となった。

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オランダとフランダースの絵画
16世紀の最後の四半期の低国家では、別名として別名として発展しました。 ロシア語の言語(ギリシア語、ポーランド語、ロシア語、トルコ語)は死んだ性質を意味する用語を使用する傾向がありますが、英語の静物はオランダの単語stillevenから派生しています。 15世紀初期のオランダの絵は、花画や昆虫の展示が精巧に行われたパネル絵画や照明された原稿の両方で、幻想的なテクニックを発達させました。 照らされた原稿が印刷された本に置き換えられたとき、同じスキルが後に科学的な植物のイラストに展開された。 低国家は植物学と美術における描写の両方でヨーロッパを導いた。 フラマン派の作家ジョリス・ホフナーゲル(1542-1601)は、ルドルフ2世のために花やその他の静物画の水彩画やグアシの絵を描きました。そして、ハンス・コラートのフロリレジウム1600年にPlantinによって出版された。

油の中の約1600の花の絵は熱狂のようになった。 Karel van Manderは作品を自分で描き、Cornelis van Haarlemのような他のNorthern Manneristのアーティストもそうしたことを記録しています。 生き残った花の部分は知られていませんが、その多くは南オランダで活躍する有力な専門家Jan Brueghel the ElderとAmbrosius Bosschaertによって生き残りました。

南ヨーロッパ
スペイン語の芸術では、ボデゴンは、しばしば単純な石のスラブ上に配置された犠牲者、ゲーム、飲み物などのパントリーアイテムを描いた静物画であり、1つまたは複数の人物が描かれているが、典型的には台所または居酒屋内に設置される。 バロック時代からは、17世紀の第2四半期にスペインで人気が高まりました。 静物画の伝統は、現代低地、今日のベルギーとオランダ(フランダースとオランダの芸術家)で、南ヨーロッパでこれまでに行われていたよりもはるかに一般的だったようです。 北の静物には多くの亜種があった。 朝食用のピースは、トンプイ・リール、フラワー・ブーケ、ヴァニタスによって補強されました。

スペインでは、この種の客席はずっと少なくなっていますが、朝食用のものが人気を博しました。テーブルに置かれた食べ物や食器がいくつかあります。 スペインの静物画は、ボゴゴとも呼ばれ、厳しいものでした。 オランダの静物画とは異なり、華やかで豪華な布やガラスの飾りに囲まれた豪華な宴会がしばしばありました。 スペイン絵画のゲームは、多くの場合まだスキンが取られるのを待っている単純な死んだ動物です。 果物や野菜は調理されていません。 背景は荒れ果てた木製の幾何学的ブロックで、しばしばシュールレアリスムの空気を作り出します。 オランダ語とスペイン語のまだまだ人生の中には、道徳的な目的があったにもかかわらず、一部のスペイン語の不安定さに似た緊縮感は、オランダの静物画の官能的な快楽、寛容、贅沢を拒否しているようです。

18世紀
18世紀は、17世紀の公式を大幅に改良し続け、生産水準は低下しました。 ロココ様式では、花飾りは磁器、壁紙、織物、彫刻された木製家具ではるかに一般的になり、バイヤーは絵画にコントラストを持たせることを好みました。 1つの変更は、今では最も注目すべきアーティストの大部分を占めるフランスの画家の間では新しい熱意でしたが、英語はインポートするコンテンツとして残っていました。 Jean-Baptiste Chardinは、オランダの黄金時代の巨匠のもとに建てられた、19世紀の作曲に非常に影響を与える、最も繊細なスタイルで、小さくてシンプルな食べ物と物の集まりを描きました。 死んだゲームのテーマは引き続き人気があり、特に狩猟用のロッジでは、 ほとんどの専門家は生きた動物の科目を描いた。 Jean-Baptiste Oudryは毛皮と羽のテクスチャの素晴らしいレンダリングをシンプルな背景(しばしば石灰洗浄されたラダー壁の白い部分)と組み合わせて、優位性を発揮しました。

18世紀になると、多くの場合、静物画の宗教的・寓意的な意味合いがなくなり、キッチンテーブルの絵画は、さまざまな色や形の計算された描写に発展し、毎日の食べ物を表示しました。 フランスの貴族は、オランダの前任者の道徳的なヴァニタスのメッセージなしで、ダイニングテーブルを飾った豊かで贅沢な静物画の絵を実行するためにアーティストを採用しました。 ロココの手工芸が大好きで、フランスではトンプイ・イェイユ(フランス語:「トリック・ザ・アイ」)の絵画に対する感謝の気持ちが高まった。 Jean-Baptiste Chardinの静物画には、オランダ風の現実感からより柔らかいハーモニーまで、さまざまなテクニックが採用されています。

19世紀
ヨーロッパのアカデミー、特にアカデミー芸術の中心的役割を果たしてきたアカデミーフランセーズの登場により、まだまだ人生は好評を博し始めました。 アカデミーは、絵画の芸術的メリットは主にその主題に基づいていると主張した “ジャンルの階層”(または “主題物質の階層”)の教義を教えた。 アカデミック・システムでは、最高の形態の絵画は、歴史的、聖書的、神話的な意味のイメージから成っています。 静止画を使って自然を飾るのではなく、ジョン・コンスティーブルやカミーユ・コローなどのアーティストは、その目的を果たすための風景を選んだ。

1830年代にネオクラシックが衰退し始めたとき、ジャンルと肖像画はリアリズムとロマンチックな芸術革命の焦点となった。 その時の偉大な芸術家の多くは、仕事の中にまだ人生を含んでいました。 Francisco Goya、Gustave Courbet、EugèneDelacroixの静物画は、感情的な流れが強く、正確さにはあまり関心がなく、気分にはもっと関心があります。 ÉdouardManetの静物画は、Chardinの初期の静物画に描かれていますが、印象派主義に向いています。 アンリ・ファンティン=ラトゥールは、より伝統的なテクニックを駆使して、絶妙な花の絵画で有名で、コレクターのためにほとんど独占的に静物画を描いた。

20世紀
20世紀の最初の40年間は、芸術的発酵と革命の例外的な時期を形成しました。 アヴァンギャルドの動きは急速に進化し、非抽象的な全体抽象化に向かって進んでいった。 スティルライフと他の表現アートは、ジャクソン・ポロックのドリップ・ペインティングに代表されるように、抽象的な抽象化がすべての目立つ内容を取り除いた半ばの世紀まで、進化し続けています。

世紀はアートを取り巻くいくつかの傾向から始まりました。 1901年、ポールゴーギャンは、11年前に死亡した友人のゴッホに敬意を表して、ヒマワリとスティルライフを描きました。 Pierre BonnardやÉdouardVuillardを含むLes Nabisと呼ばれるグループは、ゴーギャンの高調波理論を取り上げ、日本の木製品からインスピレーションを受けた要素を静物画に加えました。 フランスの芸術家、Odilon Redonも、この時期の注目すべき静物画、特に花を描いていました。

21世紀
20世紀と21世紀の間に、静物画の概念は、伝統的な2次元の絵画の形式を超えてビデオアートや彫刻、演奏、インスタレーションなどの3次元芸術形式に拡張されました。 ミックスメディアの静止画作品では、見つかったオブジェクト、写真、ビデオ、およびサウンドを使用し、天井から床にこぼれてギャラリーの部屋全体を埋めることさえあります。 ビデオを通し、静物画のアーティストは、視聴者を自分の仕事に取り入れました。 コンピュータアートとデジタルアートのコンピュータ時代に続いて、静物画の概念にはデジタル技術も含まれています。 コンピュータによって生成されたグラフィックスは、静物画アーティストに利用可能な技術を潜在的に増加させている。 3D静止画像を生成するために、3Dコンピュータグラフィックスおよび3Dフォトリアリスティック効果を備えた2Dコンピュータグラフィックスが使用される。 たとえば、グラフィックアートソフトウェアには、透明なレイヤー上の2Dベクトルグラフィックスまたは2Dラスターグラフィックスに適用できるフィルターが含まれています。 ビジュアルアーティストは、3Dエフェクトをコピーまたは視覚化して、フィルタを使用せずにフォトリアリスティックエフェクトを手動でレンダリングします。

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