自己肖像画は、そのアーティストによって描かれ、描かれ、撮影され、または彫刻されたアーティストの表現です。 15世紀半ばの初期のルネッサンスまでは、主人公として、あるいは作品の重要なキャラクターとして描かれていることがよくあります。 より良い、より安価な鏡、そしてパネルの肖像画の登場により、多くの画家、彫刻家、版画家が何らかの形で自画像を撮りました。 1433年のヤン・ヴァン・アイク（Jan van Eyck）によるターバンの男の肖像画は、最も初期に知られたパネルの自画像かもしれない。 彼は妻の別の肖像画を描きました。彼は肖像画を手がかりにしていた社会集団に所属していました。すでにアルプス南部より裕福なネーランドの人々に共通しています。 ジャンルは尊敬されていますが、個人としての富と関心が増してルネッサンスまでは、それは本当に人気があります。
タイプ
セルフポートレートは、アーティストの肖像画、またはグループの肖像画を含む、より大きな作品に含まれる肖像画であってもよい。 多くの画家は、自分自身を含む特定の個人の描写を、宗教的または他の種類の構成の人物の絵画に含めると言われている。 そのような絵画は、実際の人物を自分自身として描写することを公的に意図していないが、その時点ではアーティストや守護者に知られており、トークショーやアーティストのスキルに関する公的テストが行われていたはずである。
生き残った中世とルネサンスの自己肖像画の最も古い例では、歴史的または神話的なシーン（聖書や古典文学からのもの）が、多くの人物をモデルとして使用して描かれていました。自己肖像画と歴史/神話の絵画。 これらの作品では、アーティストは通常、群衆やグループの顔として、作品の端やコーナーや主な参加者の後ろに向かって表示されます。 ルーベンスの四人の賢者（1611-12）は良い例です。 これは17世紀にジャン・ド・ブレイの作品が登場しました。 多くの芸術的メディアが使われてきた。 絵画とは別に、絵画や版画が特に重要でした。
有名なArnolfini Portrait（1434）では、Jan van Eyckはおそらくミラーで垣間見える2つの数字のうちの1つです。これは驚くほど近代的なものです。 Van Eyckの絵画はDiegoVelázquezにインスピレーションを与えて、彼が働いていたマドリードの宮殿にVan Eyckがぶら下がっているので、Las Meninas（1656年）を作った画家としての完全な見方を描くかもしれません。 これはもう一つの近代的な繁栄で、絵画の主題とされていた王家の家族グループの近くに立っていた画家（以前は公式の王族の肖像画には見えなかった）として登場しています。
アルブレヒト・デューラーは、現在生き残っている最も初期の幼少時の自己肖像画の一つであるかもしれないが、1484年に13歳の少年として自然主義的な様式で描いている。後の年に、彼は聖書の場面の背景にある商人キリストとして。
レオナルド・ダ・ヴィンチは、1512年ごろ、60歳で自分自身の絵を描いているかもしれません。ダヴィンチの外観のように描写されることはよくありませんが、これは確かではありません。
17世紀に、レンブラントは様々な自己肖像画を描きました。 最も初期の自己肖像画のひとつである居酒屋での放蕩息子（c1637）には、レンブラントの妻であるSaskiaが有名なアーティストによる家族の一番早い描写のひとつと思われる。 アーティストの描写を含む家族やプロのグループの絵画は、17世紀からますます一般的になりました。 20世紀後半からは、ビデオは自画像の部分でますます重要な役割を果たし、音声の次元も加わり、自分の声で私たちに話すことができます。
女性画家
女性芸術家は自画像の著名なプロデューサーです。 ほぼすべての重要な女性の画家が、カテリーナ・ファン・ヘッセンから、ElisabethVigée-Lebrun、Frida Kahlo、Alice Neel、Paula Modersohn-Becker、Jenny Savilleなど、ヌードで描かれています。 Vigée-Lebrunは37枚のセルフポートレートを描きました。その多くは以前のもののコピーで、販売のために描かれました。 20世紀まで、女性は通常ヌードを描くことができませんでした。そのため、大きな人物を描くことが難しく、多くのアーティストが肖像画の仕事に特化していました。 女性芸術家は歴史的に自画像の中にいくつかの役割を体現してきました。 最も一般的なのは、作業中のアーティスト、絵画の行為、または少なくともブラシとパレットを保持していることです。 多くのアンサンブルの精巧な性質は細かいところで彼女の技能を示すために芸術的な選択だったので、頻繁に、視聴者は身に着けている衣服が身に着けていたかどうか疑問に思う。
古代
古代エジプトの絵画、彫刻、そして古代ギリシアの花瓶では、職場の芸術家のイメージが遭遇します。 最初の自己肖像画の1つは、1365年にファラオ・アケナテンの主任彫刻家バクが作ったものです。 Plutarchは、古代ギリシャの彫刻家フィディアスは、パルテノンの “Amazons Battle of the Amazons”の文字の中に自分自身の姿を描いていたと述べています。また、描かれた自画像には古典的な言及があります。
アジア
肖像画や自己肖像画は、ヨーロッパよりもアジア美術において歴史が長く続いています。 学者の紳士の伝統の多くは非常に小さく、風景の彼の経験に関する書道の詩を描いた大きな風景の中でアーティストを描いています。 禅仏教に関連した別の伝統は、活気に満ちた半彫刻された自己肖像画を生み出したが、他の伝統は正式な肖像画の慣習に近い。
ヨーロッパの美術
イルミネーションされた写本には、いくつかの明らかな自画像、特にサンダンススタンとマシューパリのものが含まれています。 これらのほとんどは、仕事中の芸術家を示したり、完成した本をドナーや神聖な人物に提示したり、そのような人物を称賛したりします。 Orcagnaは少なくとも美術史家によると、1359年のフレスコ画で彼自身を絵画のように描いたと考えられています – 芸術家の歴史家によると、Vasariは多くのそのような伝統を記録しています – 比較する他の肖像画がない初期の芸術家のために、これらの記述は必然的にむしろ投機的である。 最も初期の自画像の中には、Johannes Aquilaの2つのフレスコ画があります.1つはVelemér（1378）、ハンガリー西部、もう1つはMartjanci（1392）、スロベニア北東部です。 イタリアでは、ジョット・ディ・ボンドーネ（1267-1337）はナポリ城の「有名な人物」の輪に含まれていました。マサッチョ（1401-1428）は、ブランカッチ礼拝堂の絵の使徒の一人として描かれていました。そしてBenozzo Gozzoli彼の帽子に彼の名前が書かれた、東方共和国の宮殿メディチ・パレード（1459年）に、他の肖像画とともに自分自身を含んでいます。 これは数年後、サンドロ・ボッティチェッリ（Sandro Botticelli）によって、私たちを見るために現場から変わったマギ（Magi）の崇拝者（1475年）の観客として模倣されています。 プラハ大聖堂にあるパレル家の14世紀の彫刻された肖像画の胸像には、自画像が含まれており、最も初期の非王族の肖像画のひとつです。 ジベルティは彼の最も有名な作品に小さな頭を入れました。 特に、イギリスで書かれた最も初期の自画像は、ドイツの芸術家、ゲルラッハ・フリッケ（Gerlach Flicke、1554）によってパネルに油で描かれたミニチュアです。
アルブレヒト・デューラー（AlbrechtDürer）、1471〜1528年、最初に多かった自己肖像画家
AlbrechtDürerは、ヨーロッパ全体で販売されていた彼の有名なモノグラムを収録した、彼の古いマスタープリントからの主な収入を得た彼の公的イメージと評判を非常に意識したアーティストでした。 彼はおそらく、彼の前にいるアーティストよりも、3枚のオイルポートレイトや4枚の祭壇画など、少なくとも12枚の画像を制作していることが多いでしょう。 一番早いのは13歳の時に作られたシルバーポイントの絵です。 デューラーの22人は、カーネーション（1493、ルーヴル美術館）でセルフポートレートを描き、おそらく彼の新しい婚約者に送った。 マドリードの自己肖像画（1498、プラド）は、デュレルがイタリアのファッションドレスを着た姿を描いたもので、そのときに達成した国際的な成功を反映しています。 彼の最後の自画像では、ニュルンベルク市に売却され、公に展示されていたが、肖像画はほとんどなかった。芸術家はイエス・キリスト（ミュンヘン、アルテ・ピナコテーク）に似ている。 彼は後に、ヴェロニカのベール、キリスト自身の「自画像」（B.25）の宗教的彫刻で顔を再利用しました。 彼がラファエルに送ったグワッシュの自画像は生き残れませんでした。 バスハウスの木版画と絵画は事実上ヌードな自己肖像画を描いています。
ルネサンスとバロック
ルネサンスの偉大なイタリアの画家たちは、比較的少数の正式な塗装された自己肖像画を作ったが、しばしば大きな作品に取り入れられた。 彼らが残したほとんどの個人的な自己肖像画は、簡単な描写でした。 ディーラーのショーマンシップはほとんど行われませんでしたが、自己肖像画であればジョルジョーネのデーヴィッドとして論争を呼んだ自画像にも同じ精神がありました。 約1500（ペルージャのCollegio del Cambio）のピエトロ・ペルジーノ（pietro Perugino）の肖像画があり、若いパルミジャニノ（Parmigianino）の肖像画が凸面鏡に映し出されています。 レオナルド・ダ・ヴィンチ（1512年）の絵もあり、システィーナ礼拝堂（1536-1541）の最後の審判で聖バルトロミューの肌に顔を当てたミケランジェロの大作品の自己肖像画やラファエロアテネの学校1510の登場人物、または肩を持っている友人（1518）に見られる人。 また注目すべきは、1560年代の老人としてのティツィアーノの2つの肖像画です。 パオロ・ヴェロネーゼは、カナスの結婚式で白い服を着たヴァイオリニストとして登場し、ベース・ヴァリオン（1562）でティツィアーノを伴った。 北部の芸術家は、より多くの個人的な肖像画を作り続け、しばしば彼らの他のブルジョア人のように見える。 ヨハン・グレゴール・ファン・デル・シャルト（Johan Gregor van der Schardt）は、自分自身のテラコッタの胸像を作った（c.1573）。
ティツィアーノの賢明さの寓話（c。1565-70）は、ティツィアーノ、彼の息子オラジオ、若いいとこ、マルコ・ベチェリオを描くと考えられています。 ティツィアーノは1567年に自画像を描いた。 明らかに彼の最初の。 バロック様式のアーティストArtemisia GentileschiのLa Pittura（絵画のアレゴリーとしての自画像）は、ペインティングがしばしば抱くGentileschiの首周りの劇的なマスクに見られる、絵画の古典的な寓意的表現を体現している。 芸術家は、鑑賞者から離れた彼女の作品に焦点を当て、バロック時代のドラマと、芸術家が独創的な革新者に変わる役割を強調します。 Caravaggioは彼のキャリアの初めにBacchusで彼自身を描いた後、いくつかの大きな絵画の職場に現れます。 最後に、David（1605-10、Galleria Borghese）によって開催されたGoliathの頭は、Caravaggio自身のものです。
北欧のレンブラントと17世紀
17世紀には、フランダースとオランダの芸術家たちは、はるかに頻繁に絵を描きました。 この日までに最も成功したアーティストは、貿易のメンバーが肖像画を描くことを検討する社会での地位を得ました。 多くの人はまた、中産階級のための通常の習慣に続いて、彼らの家族も含めます。 Mary Beale、Anthony van Dyck、Peter Paul Rubensは私たちに多くのイメージを与えました。後者はしばしば彼の家族を描いています。 この習慣は、女性の芸術家にとって特に一般的であった。家族の包含は、しばしば彼らの職業の批判を緩和し、母親としての「自然な役割」から逸脱させる意図的な試みであった。
レンブラントは、少なくとも自己執行の現代まで、最も頻繁に自己肖像画家であり、しばしば妻、息子、愛人を描く。 一度に約90枚の絵画がレンブラントの自画像として数えられましたが、今では自分の学生が自分の訓練の一環として自分の自画像をコピーしていたことが分かりました。 近代的な奨学金は、サインの数を40枚を超えるものに減らすとともに、いくつかの図面と31のエッチングと、グループの最も顕著なイメージの多くを含んでいます。 多くは、彼が準歴史的な派手なドレスに姿を現したり、自分自身に顔を引っ張ったりすることを示しています。 彼の油絵は、不確かな若者から、1630年代の非常に成功した肖像画家まで、彼の老後の厄介な大規模な肖像画への進展を追跡しています。
レンブラントの後
スペインでは、BartoloméEstébanMurilloとDiegoVelázquezの自画像がありました。 Francisco deZurbaránは十字架上のキリストの足元にある福音主のルカの中で（1635年頃）自分自身を表していました。 19世紀、ゴヤは何度も自分自身を描きました。 Jean-Baptiste-SiméonChardinや他の人たちは、現実的には実際の衣装を現実のものにしていましたが、少なくともNicolas Poussinがそのアーティストの社会的地位を示す傾向があった後は、フランスの自画像を描きました。 これは18世紀の自己肖像画家が作る必要のある決定でしたが、多くの人が異なる絵画の正式でも非公式の衣装でも描いていました。 その後、最も重要な画家たちは、写真が到着して描かれた肖像画が衰えた後でさえも、少なくとも1つの自画像を残したと言うことができる。 ギュスターヴ・クールベット（下を参照）はおそらく19世紀の最も創造的な自画像家であり、アーティストのスタジオとBonjour、Monsieur Courbetはおそらく今まで描かれた最大の自画像です。 どちらも多くの人物を含んでいますが、芸術家の英雄的な姿にしっかりと集中しています。
伝統的な現代自閉症者
最も有名で最も多かった自己肖像画家の1人は、1886年から1889年の間に43回以上描かれたヴィンセント・ヴァン・ゴッホでした。これらの自己肖像画の全てにおいて、画家の注視はめったにありません私たちに; 固定された視線であっても、彼は他の場所を見るようです。 これらの絵は強度と色が異なり、またいくつかは包帯で描かれています。 彼は彼の耳の一つを切断したエピソードを表しています。
Egon Schieleの多くの自己肖像画は、Eros（1911）のように、多くのポジションで裸で、時折オナニーや勃起で彼を代表する、開かれた、あるいはおそらく露出主義の新しい基準を設定しました。 スタンリー・スペンサーはこの静脈の中で幾分かを追うことになっていた。 マックス・ベックマン（Max Beckmann）は、自己肖像画の多彩な画家であり、彼の人生を通して自己肖像絵画（70）、版画（20）、絵画または水彩画（100以上）を多数作ったEdvard Munch特に女性によるものです。 自画像を個人的で内装的な芸術的表現として強く主張するHorst Janssenは、病気、ムーディー、死に関連して幅広い文脈を描いた数々の自己肖像画を作った。 ウィーンのレオポルド美術館で行われた2004年の展覧会「シーレ、ジャンセン、セルロシュタインゼンギュンテン、エロス、トッド」（シーレ、ヤンセン：自己叙述、エロス、死）はエゴンシーレとホルスト・ジャンセンの作品と並行して、執拗な自己肖像画との組み合わせによる死。 何年も寝たきりになっていたひどい事故を経験したフリーダ・カフロは、モデルのためだけに自分自身と一緒に、自分の肖像画が大きな苦痛を抱く別の画家だった。 彼女の55歳の自画像には、腰から上がった多くのものや、肉体的な苦しみを象徴する悪夢のような表現がいくつか含まれています。
彼の長年のキャリアを通して、パブロ・ピカソは自画像を使って、自伝的な芸術的な人物のさまざまな装いや装いや化身を描いていました。 若い未知の「ヨピカソ」期から「迷路のミノタウロス」期まで、「古いキャバリアー」と「老朽化した古いアーティストとモデル」の時期。 しばしばピカソの自己肖像画が描かれ、内部状態と芸術家の幸福について個人的かつ深遠な複雑な心理学的洞察を明らかにした。 彼のキャリアを通して興味深く個人的で自明な肖像画を描いた別の芸術家はピエール・ボナールでした。 ボナードはまた、彼の人生の間に妻マルテの数十の肖像画を描いた。 特にヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、ポール・ゴーギャン、エゴン・シーレ、ホースト・ヤンセンは、自分のキャリアを通して強烈な（時には邪魔になるほど）自己啓発の自己肖像画を作った。
自己肖像画全般
作業中の画家
中世の肖像画の多くは、アーティストが仕事中であることを示しています。Jan van Eyckのシャペロン帽子は、通常はゆるやかな部分を抱き締めていて、彼がペイントしている間、おそらく便宜のためにターバンを着ているという誤解を招く印象を与えています。 現代初期には、職場で自分自身を描いた男性と女性が、最高の服と最高の部屋に自分自身を提示するか、現実的にスタジオの練習を描くかを選択する必要がありました。 上記の女性画家のギャラリーも見てください。
分類
美術評論家Galina Vasilyeva-Shlyapinaは、アーティストが職場で描かれている「プロフェッショナルな」肖像画と、道徳的および心理的な特徴を明らかにする「個人的な」肖像画の2つの基本的な形態を分けています。 彼女はさらに詳細なタクソノミを提案している。（1）アーティストが自分の肖像を、例えば、ある主題に関連する文字群に挿入する「挿入可能な」自己肖像画。 （2）歴史家や宗教的な主人公の姿で描かれている「権威ある、象徴的な」自己肖像画。 （3）アーティストが家族や他の現実の人間のメンバーと描かれている「グループの肖像」。 （4）アーティストが単独で描かれている「独立した、または自然な」自己肖像画。 しかし、これらのクラスはやや固いと思われるかもしれません。 多くの肖像画はそれらのいくつかを組み合わせることができます。
新しいメディアでは、静止画や写真だけでなく、さまざまな種類の自画像を作成するチャンスが訪れました。 多くの人々、特に10代の若者は、ソーシャルネットワーキングサイトを使ってインターネット上で自分の個人情報を形成しています。 さらに、ブログやパーソナルWebページを使って自己表現や自己肖像画のためのスペースを作る人もいます。
ミラーとポーズ
自画像は、理論的には鏡の使用を想定している。 ガラス鏡は15世紀にヨーロッパで利用可能になった。 使用された最初の鏡は凸面であり、アーティストが時々保存した変形を導入しています。 1524年にパルミジャーノの絵画ミラーの自画像がこの現象を実証しています。 ミラーは、ヨハネス・ガンプ（1646年）によるトリプルセルフ・ポートレートや、妻、ガラ（1972〜73年）のバック・ペインティングから見たサルバドール・ダリのような驚くべき作品を可能にします。 このミラーの使用は、しばしば、右利きのペインターを左利きのものとして表現する（逆もまた同様）。 通常、塗装された顔は、2枚の鏡が使われていない限り、世界の残りの部分が見た鏡像です。 1660年以前のレンブラントの自己肖像画のほとんどは、片手のみを示しています。塗装手は塗装されていません。 彼は約1652年に大きな鏡を購入したようだ。その後、彼の自画像は大きくなる。 1658年、木枠の大きな鏡が壊れて家に運ばれました。 それにもかかわらず、今年、彼は最大の彼のフリック・セルフ・ポートレートを完成させた。
片面ミラーのサイズは、Bernard Perrotによって1688年にフランスで技術的進歩がなされるまで制限されていました。 彼らはまた、非常に壊れやすいままであり、大きなものは小さなものよりもずっと高価な比例であった – 破損は小片に再切断された。 ラスメニナスの宮殿鏡の大きさのおよそ80cm、つまり2.5フィートは、それまでの最大の大きさであると思われます（Arnolfini Portraitの凸面鏡は、歴史的には実用的ではないと考えられています。Van Eyckスケールの多くの狡猾な歪み）。 主にこのような理由から、初期の自己肖像画のほとんどは半分以下の画家を示しています。
上で述べたように、仕事中のアーティストの自己肖像画は中世の自画像の最も一般的な形であり、これらは18世紀から特別に多数の人気を集め続けています。 中世とルネサンス時代のある特定のタイプは聖母マリアを描く聖ルーク（芸術家の守護聖人）として示されたアーティストでした。 これらの多くは聖ルカの地方ギルドに紹介され、礼拝堂に置かれました。 彼のスタジオで有名な画家の有名な広場は、画家が座っているオブジェクトやキャラクターの “Allegory”であるGustave Courbet（1855年）のThe Artist’s Studioです。
他の意味、ストーリーテリング
多くのコンテンポラリーアーティストやモダニストの自画像は、しばしばアーティストのライフストーリーのビネットに限定されているわけではなく、強い物語感を特徴としています。 時には物語はファンタジー、ロールプレイ、フィクションに似ています。 Rembrandt Van Rijn、Jan de Bray、Gustave Courbet、Vincent van Gogh、Paul Gauguinのような複雑な物語を披露する他のアーティストには、Pierre Bonnard、Marc Chagall、Lucian Freud、Arshileアリス・ネーメル、パブロ・ピカソ、ルーカス・サマラス、ジェニー・サヴィル、シンディ・シャーマン、アンディ・ウォーホル、ギルバート、ジョージの4人。
自己宣伝
セルフポートレートは、特に肖像画家のためのもちろん、アーティストのための広告の非常に効果的な形式になることができます。 Dürerは商業的なポートレートに本当に関心がありませんでしたが、自分の作品を広告主として宣伝するために彼の特別な自己肖像画をうまく使いこなし、非常に洗練されたものでした。 Sofonisba Anguissolaは、成功した女性画家の希少性が彼らに奇妙な品質をもたらしたため、彼女のスキルとノベルティアイテムの広告として役立った複雑なミニチュアを描いた。 レンブラントは、主に彼の最も成功した期間に肖像画から彼の生活をし、ヴァンDyckとジョシュアレイノルズのように、彼の肖像画の多くは確かに彼のスキルを広告することを意図していた。 通常のアカデミーショーの出現により、多くのアーティストは芸術的な段階で印象づけるために思い出に残る自己肖像画を制作しようとしました。 ナショナル・ギャラリー、ロンドン、反乱軍、殉教者の最近の展覧会では、時折起こった漫画風のバスローブが縮小していませんでした。 21世紀の例としては、毎日自画像を描くことによって良い宣伝活動を展開してきた、あまり知られていない現代美術家であるArnaud Prinstetがあります。 一方、一部のアーティストは他のクライアントと同じように自分自身を描いていました。
自画像の診断
神経学的または身体的な疾患に苦しんでいた一部のアーティストは、その後の医師が精神プロセスの中断を分析しようとした自己肖像画を残しました。 これらの分析の多くは神経学の教科書に入っています。
精神病に苦しんだアーティストの自己肖像画は、精神的、精神的、神経的な障害を持つ人々の自己知見を調査するために医師にユニークな可能性を与えます。
ロシアの性別学者イゴール・コーンは、マスターベーションについての記事で、マスターベーションの習慣が芸術作品、特に絵画に描かれているかもしれないと述べている。 オーストリアのアーティスト、エゴン・シーレは、自分自身の描写のひとつで占められていました。 Konはこの絵がマスターベーションからの喜びを描写しているのではなく、孤独感を感じている。 シーフリーの創造は、セクシュアリティ、特に小児性愛に関して、他の研究者によって分析されている。
コレクション
フィレンツェのウフィツィ美術館（Uffizi Gallery）のヴァザリ回廊（Vasari Corridor）には、最も有名で最も古いコレクションです。 もともとは、17世紀後半のレオポルド・ド・メディチ枢機卿のコレクションであり、現時点まで維持され拡張されています。 メインギャラリーにはいくつかの絵が描かれていますが、ほとんどの人は見学者ではありません。 有名なアーティストの多くは、自画像をコレクションに寄付するという招待に反対することができませんでした。 それは200以上の肖像画、特にPietro da Cortona、Charles Le Brun、Jean-Baptiste-Camille Corot、Marc Chagallの肖像画で構成されています。 その他の重要なコレクションは、ロンドンのナショナル・ポートレート・ギャラリー（イギリス）、その他のサテライト・アウトステーションで、ワシントンDCのナショナル・ポートレート・ギャラリーに保管されています。