ロマンチックな音楽

ロマンチックな音楽(Romantic music)は、18世紀後半または19世紀初頭に始まった西洋古典音楽の時代です。 それはロマン主義、18世紀後半に起きたヨーロッパの芸術的および文学的運動に関連しており、特にロマンチックな音楽はドイツのロマン主義運動を支配していました。

ロマン主義の時代には、音楽は、当時の文学的、芸術的、哲学的なテーマを扱う、より明示的かつ表現的になっていった。 初期のロマン派の作曲家としては、ベートーヴェン(シューベルト、シューマン、ショパン、メンデルスゾーン、ベッリーニ、ベルリオーズなど)があります。 19世紀後半には、オーケストラの大きさとこのアンサンブルで使用される楽器のダイナミックレンジと多様性が劇的に拡大しました。 また、公共のコンサートは、コンサートが貴族のために主に支払われ、演奏された初期の時期とは対照的に、都市中流階級社会の重要な部分となった。 ブルックナー、ヨハン・シュトラウス2世、ブラームス、リスト、チャイコフスキー、ドヴォルザーク、ヴェルディ、ワーグナーなどの著名な作曲家が世に残っています。 1890年から1910年の間に、マーラー、リチャード・シュトラウス、プッチーニ、シベリウスなどの作曲家の第三の波は、さらに複雑で、しばしばはるかに長いミュージカル作品を制作するために、 19世紀後半の音楽の著名な象徴は、Dvořák、Sibelius、Griegのような人物によって例示されるように、その民族主義的熱情です。 その他の著名な後期世紀の人物には、サン=サーンス、フォレ、ラフマニノフ、フランクが含まれる。

ロマンチックな音楽は、しばしばお互いに対照的な、異なるスタイルに分けられました。 早い時期から新ドイツと古典的な部分の間に分けがありました。 新しいドイツのスタイルは、以前の音楽との明確な休憩によってマークされました。 それは表現の中でより感情的であり、しばしばいわゆるプログラム音楽によって特徴づけられた。つまり、音楽はプログラムに従うか、文学作品やアートワークに触発された。 反対のスタイルはより古典的なものでした。つまり、モダール、ベートーヴェン、ハイドン、古いガードのインスピレーションを聞くことができました。 それは通常、より絶対的な音楽を持っていました。つまり、音楽そのものが前面にあり、それを他の芸術形式と混同してはいけません。

別の区別はオペラに行きました。 初めに、オペラは、ガリアチーノ・ロッシーニの子孫によって特徴づけられました。そこでは、かなりのアリアがしばしば漫画オペラ、またはグランドオペラを支配し、自然や社会の力、コントラスト、気分と戦っていました。 さらに、ドイツのオペラは、超自然的な存在、邪悪な中世の焦点、ドイツのサガと公衆の新聞との戦いが支配されていた1821年に、すでにジェガーブルデンから強くロマンチックな方向に発展し始めました。 これはRichard Wagnerを取った。 彼はまた、Gesamtkunstwerkのアイデアを作った。歌手からオーケストラ、台本、ステージレコーディング、そして舞台芸術に至るまで、オペラのすべての部分が協力して強力なメッセージを伝えた。 ワーグナーは、以前のオペラよりもはるかに大きなオーケストラを使用し、物語を自分自身で書いて、すべてにマッチするようにしました。 彼の明確な反対は、有名な演劇、詩や小説に基づいてオペラを制作し、より簡単なオーケストレーションに焦点を当て、まだ歌と良いメロディに焦点を当てたジュゼッペ・ヴェルディだった。 しかしヴェルディは、ワグナーのオペラを腕の長さに保っていたにもかかわらず、ドラマの重要性にも影響を受けました。 ロマンスの終わりに向けて、真のオペラ、チャンピオンとしてのGiacomo Pucciniを中心に、現在とその課題についてはるかに現実的なオペラが登場しました。 これらは、ワーグナーとヴェルディスのオペラのアイデアの相乗効果でした。

交響曲の中では、ヘクター・ベルリオーズとフランツ・リストのインスピレーションを受けたものと、彼らのプログラム音楽(Bedruich Smetana、Anton BrucknerとPjotr​​ Tsjajkovsky)と絶対音楽に焦点を当てたMendelssohnとSchumannの支持者との明確な区別があった(John Brahms 、AntonínDvořák、Gustav Mahler)を相手にしている。 交響曲はまた、ワグナーの音楽思想に一部取り入れられました。 プログラム音楽のファンは、より頻繁にワグナーに触発され、絶対音楽の信者ははるかに懐疑的でした。

ロマンチックな音楽はバレエの発達でもあり、オペレッタが登場したときの新しいスタイル、ウィーンの谷がアレクサシーになり、多くのミュージシャンが現れ、コンサート・ゲームのレベルが上がった。 オーケストラが成長し、指揮者がより重要になった。 前の時期に既に進んでいたピアノは、多くの家庭で支配的になり、様々なコンサートや曲の演奏のための主要な楽器となった。

形質
ロマン主義に起因することが多い特徴:

自然に関わる新たな意識と自然への降伏。
過去との魅力、特に中世と中世の騎士伝説の伝説。
神秘的で超自然的な方向へ向かう、宗教的で不気味なものの両方。
無限のための憧れ;
遠隔性の神秘的な含意、珍しいと素晴らしい、奇妙で驚くべき;
夜行性、幽霊、恐ろしい、恐ろしいことに焦点を当てる。
幻想的な見解と精神的な経験;
国家のアイデンティティに新たな注目を払う。
極端な主観主義に重点を置く。
自伝の関心。
音楽の公式と慣習に不満を抱く。

しかし、そのようなリストは、時間の経過とともに増殖し、その結果、 “反発現象の混乱”を招き、その表面的な理由で批判され、中心的な意味を持たないように、 属性もあまりにも曖昧であると批判されている。 例えば、「幽霊と超自然」の特徴は、モーツァルトのドン・ジョヴァンニ(1787年)やストラヴィンスキーの「レイクの進歩(1959年)」(Kravitt 1992,93-95)にも同様に適用できる。

音楽では、ベートーヴェンの死後、音楽の構造と形式には比較的明確な境界線があります。 ベートーヴェンが「ロマンチックな」作曲家であるかどうかにかかわらず、彼の作品の幅広さとパワーは、古典的なソナタの形、そして実際に交響曲、ソナタ、弦楽四重奏の構造が枯渇したという感情を生じさせた。 Schumann、Schubert、Berliozなどの初期のロマン派の作曲家は、別の方向性を模索する傾向があった。 ロマンチックな音楽の特徴は次のとおりです。

伝統的な古典的なジャンルと並んで、曲のサイクル、夜行性、コンサートのエチュード、アラベスクとラプソディのような新しいまたは以前はあまり一般的でない音楽構造の使用。 プログラムの音楽はやや一般的になりました。
伝統的な支配的ではなく、トニックからサブドミナントまたはオルタナティブキーへの動きに基づく高調波構造、およびより精巧なハーモニックプログレッションの使用(ワグナーとリストは実験的進歩として知られている)。
音楽的関心を維持するメロディーを重視する 古典的な時代は短くて断片的な主題の材料でさえしばしば使用されたが、ロマン主義の時代はより長く、より完全に定義された、より満足できるテーマをより多く利用する傾向があった。
大規模なオーケストレーションでサポートされているpppからfffなど、より広範なダイナミクスの使用。
より大きな音域(exp。ピアノの最低音と最高音)を使用する。

ロマンチックな音楽の形態
交響曲
ルードヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンが最高レベルの演奏をしたこの交響曲は、多くの作曲家が献身した最も名高い形となった。 最も保守的なのは、ベートーベンのモデルを尊重する:フランツ・シューベルト、フェリックス・メンデルスゾーン、ロバート・シューマン、またはヨハネス・ブラームス。 他の人たちは、この枠組みを超えた形態や精神の想像力を示しています。その中で最も大胆なのはヘクトル・ベルリオーズです。

最後に、いくつかは交響曲を通してストーリーを語ることを超えています。 Franz Lisztのような彼らは、通常、単一の動きから構成され、テーマ、文字または文章に触発された新しい音楽ジャンルである交響詩を作成します。 交響曲の詩は、リットモチーフ(例えば、人物を識別することを可能にする音楽的モチーフ)の周りに連結されているので、シンフォニックプログラムで音楽に近づけることです。

嘘つき
この音楽ジャンルは、ロマンチック時代にピアノに向かってピアノフォルテの進化とともに登場した。 この嘘は、主にこの楽器を伴った声楽です。 歌はロマンチックな詩から引き出されており、このスタイルは感情の声を可能な限り近づけることを可能にします。 リーダの最も有名な作曲家の一人、フランツ・シューベルトがアルダーの王となっていますが、ロバート・シューマン、ヨハネス・ブラームス、ヒューゴ・ウルフ、グスタフ・マーラーのようなジャンルの恋人がいます。

協奏曲
5人のピアノ協奏曲(特に5曲)とヴァイオリン協奏曲で、ロマンティックな協奏曲を演奏したのはベートーヴェンだった。 彼の例の後には多くの作曲家がいます。コンサートは、偉大なオーケストラのレパートリーの交響曲に匹敵します。

最後に、コンチェルトは楽器作曲家がヴァイオリンのNiccolòPaganiniやピアノのフレデリック・ショパンやFranz Lisztなどの才能を披露することを可能にします。

ロマンチックな音楽のボーカル要素
ロマンチックな時代はもはや偉大な声楽の構成の世紀ではありませんでした。 MendelssohnやBrahmsのようなカペラの作曲家たちは依然として存在し、洗練されていて、16世紀には想像もできない調和と色彩効果を発揮しました。 特にドイツでは、この洗練を実現するための手段は、民族主義や党派活動の表現となったため、純粋に芸術的な理由に忠実ではない男性のための合唱構成であったが、残りのボーカルベースのデモ不使用になった。 ロマン主義時代の偉大なチャンピオンは、しばらくの間、教会のための作品を作って、聖書の詩を聞くことに貢献するとは考えていませんでした。

SchumannによるElparaísoy la periのようなオラトリオが書かれました。 ブラームスはドイツのレクイエムを執筆した。 大衆や他の宗教的な作品も書かれました。 SchubertのAve Mariaは、歌とピアノのために嘘をついています。

計装とスケール
他の時代と同様に、この楽器は、その時代の音楽的要求に適合していました。 Hector Berliozのような作曲家は、以前に聞いたことのない方法で作品を編曲し、風の楽器に新たな賞賛を与えました。 標準的なオーケストラのサイズは大きくなり、ピッコロやイングリッシュ・ホーンなどの楽器も含まれていました。 マーラーは、それを解釈するために必要なオーケストラと合唱団による「千のシンフォニー」と呼ばれる8番目の交響曲を書いた。

より大きいオーケストラを必要とすることに加えて、ロマン主義の作品は長くなった。 古典主義の作曲家であるハイドンやモーツァルトの典型的な交響曲は、約20分または25分続くことができます。 すでに初期のロマン主義と見なされているベートーベンの第3の交響曲は、約45分続く。 そして、この傾向はアントン・ブルックナーの交響曲で特に顕著になり、マーラーの場合に最大レベルに達した。交響曲は1時間以上続く交響曲に対して1時間と4時間の交響曲を伴った。半分(3番目または8番目のような)。

一方、ロマン主義では、名器主義者の重要性が高まった。 ヴァイオリニストのニコロ・パガニーニは、19世紀初頭の音楽スターの1つでした。 Lisztは、著名な作曲家であるばかりでなく、ピアノの巨匠でもあり、非常に人気がありました。 巨匠の演奏の間、彼らは彼らが演奏していた音楽よりも目立っていました。

これらはロマン主義に現れる道具の一部です:

コントラストファゴット(Contrafagot):普通のバスーンのオクターブの墓に音が響く、偉大な次元のファッションの種。

サクソフォン:いくつかの鍵と木と杖のノズルを備えた曲がった金属のU字型の円錐管で構成された管楽器。 様々なサイズがあります。

英語ホーン:風の楽器、オーボエよりも大きくて深刻。

ツバ:風の強い楽器で、ボリューム感と深刻な響き。

キーボード

ピアノ:古典主義にはすでに存在していましたが、ピアノはロマン主義の偉大な道具です。 それは、この楽器の長所である作曲家にとって、最高の表現力を可能にします。

簡単な年表
ロマン主義の伝統的なルーツ(1780-1815)

文学では、1770年代から1780年代にロマン主義が始まり、シュトルム・ドランと呼ばれるドイツの運動が始まったと言われています。 それは主にシェイクスピア、フォーク・サガ、現実か架空のもの、そしてホーマーの詩の影響を受けました。 ゲーテやシラーのような作家は、スコットランドのロバート・バーンが人気のある歌の詩を執筆している間、彼らの慣行を根本的に変えました。 この文学運動は、ドイツのオペラでのモーツァルトの作品、商業作品で使用される歌とメロディの選択、芸術表現における暴力の漸進的増加など、古典時代の音楽にさまざまな形で反映されました。 しかし、「ロマン主義と革命」を遵守する大部分の作曲家の能力や関心は、王法廷への依存によって制限されていた。 その一例は、MozartのLe nozze di Figaroの初演の話であり、モーツァルトは革命のために検閲された。

純粋に音楽的な言葉でさえ、ロマン主義は基本的な物質を古典的な実践の構造から取り出した。 この期間に、構成と解釈の基準が高められ、標準的な形式とミュージシャンのアンサンブルが作成されました。 理由を見落とすことなく、ETAホフマンはハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンに “3人のロマン派作曲家”と呼んだ。 古典主義の最も重要な内部流れの1つは、色度と調和のあいまいさの役割です。 最も重要な古典作曲家はすべて調和のあいまいさと、真の調性を確立せずに異なる調性の間をすばやく移動するテクニックを使用しました。 そのハーモニック・カオスの最も有名な例の1つは、ハイドンの創造の始まりです。 しかし、これらのすべての遠足では、張力は、関節断面に基づくものであり、支配的または相対的な主要への動きおよびテクスチャの透明性に基づくものであった。

1810年代には、より広い範囲の音楽を実現するために、より多くの音調に移行したいという欲望と、より大きなオペラティック・レンジの必要性という、クロマリズムとマイナーな調性の組み合わせが組み合わされました。 後でベートーヴェンは動きの中心的な人物と見なされますが、Muzio ClementiやLouis Spohrtheyのような作曲家は、より多くの有彩色のノートをテーマの素材に取り入れる時代の味がよくなりました。 より多くの色のための欲望と構造を維持するための古典的な欲求の間の緊張は、音楽危機につながった。 一つの反応は、正式なモデルがなくてもテキストが構造を与えることができるオペラに向かうことでした。 彼の音楽的批評のためにもっと知られているETAホフマンは、彼のオペラ・ウンディーナ(1814年)に根本的な音楽革新を提示した。 (チャイコフスキーの1869年と混同しないでください)。 この危機へのもう一つの対応は、それだけで高調波の強さが音楽を前進させるのに十分であったノクターンなどのいくつかの斬新なものを含む、より短い形式を使用することによって得られました。

Joseph Villegas(1815-1850)の最初のロマン派作曲家
19世紀後半には、メロディーにおける色彩主義の使用とより調和のとれた表現の必要性とともに、新しい音楽ソースへの変化により、触覚的な文体の変化が生じました。 この変化を動機づけた理由は、単に音楽だけでなく、経済的、政治的、社会的でもありました。 このステージは、新しいポストナポレオンのヨーロッパ環境と話すことができる新世代の作曲家のために設立されました。

最初のグループの作曲家には、通常、ベートーベン、ルイス・スポア、エタ・ホフマン、カール・マリア・フォン・ウェーバー、フランツ・シューベルトが集まっています。 これらの作曲家は、18世紀後半から19世紀初頭のコンサート・ライフの劇的な拡大の最中に育ち、そのスタイルと期待を形作った。 多くの人がベートーヴェンをモデルにして迎えてくれるか、少なくとも、熱望しています。 Muzio ClementiとRossini、Cherubini、Spontini、Mehulのオペラは、色彩豊かなメロディーも影響を与えました。 同時に、成長している中産階級の家庭の需要を満たすために、人気のある詩の声楽やピアノ曲を作曲することは、作曲家にとって経済的に重要な情報源となった。

このロマンチックな作曲家の波の最も重要な作品は、おそらくヴェーバーのオペラであるシューベルトの歌曲や交響曲、特にオーベロン、デール・フライシュチュッツ、ユーリアンテの交響曲であった。 当時、シューベルトの作品は限られた視聴者の前でのみ解釈され、徐々に顕著な影響しか及ぼさなかった。 それどころか、ジョン・フィールドの作品は、ピアノやダンスのために小さくて「特徴的な」作品を構成することができたため、すぐに会った。

ロマンチックな作曲家の次のコホートには、フランツ・リスト、フェリックス・メンデルスゾーン、フレデリック・ショパン、ヘクター・ベルリオーズが含まれる。 彼らは19世紀に生まれ、すぐに大きな価値のある作品の制作を始めました。 メンデルスゾーンは、特に彼が20歳になる前に、彼の最初のカルテット、弦楽器とオーケストラ音楽のための八重奏を書いて、早熟でした。 ショパンはピアノの音楽に没頭し、練習曲(研究)と2つのピアノ協奏曲を含む。 ベルリオーズは、前述のファンタスティック交響曲「ベートーヴェン」の死後、初めての著名な交響曲を作曲します。 Lisztはオーケストラの音楽を作ったが、ピアノの技術革新で知られていた彼の超越的な研究は、より多くの芸術性を必要とする作品の中にある。

同時に現在ではパリと北イタリアの強いつながりを持つ「ロマンチック・オペラ」として知られるものが設立されました。 フランスのオーケストラの芸術、イタリア語の声のラインと劇的な力の組み合わせは、人気のある文学に基づいたリプリントと一緒に、オペラのシーンを支配し続ける規範を確立しました。 現在、Vincenzo BelliniとGaetano Donizettiの作品は非常に人気がありました。

ロマン主義のこの部分の重要な側面は、人気のあるテーマ、短い作品、そしてベートーベンやモーツァルトのソナタなどの長い作品の即興を含むピアノのコンチェルト(フランツ・リストのような「リサイタル」)の普及です。 ベートーヴェンの作品の最も顕著な指摘者の1つは、後にロバート・シューマンと結婚するクララ・ウィックであった。 列車と蒸気のおかげで、当時提供されていた新しい旅行施設は、Liszt、Chopin、Thalbergなどの先進的なピアニストのファンの国際的なグループが出現することを可能にしました。 これらのコンサートは、それ自体がイベントに変身しました。 有名なヴァイオリンの巨匠、ニコロ・パガニーニ(NiccolòPaganini)は、この現象の先駆者でした。

1830年代から1840年代にかけて、ロバート・シューマン、ジャコモ・メイヤーベルガー、ジュゼッペ・ヴェルディの作品など、この世代の成果が公開されました。 コンサートプログラムは、パリ音楽院や宮廷音楽などのポストクラシックのジャンルが主に支配されていたため、ロマン主義は当時の音楽のジャンルだけでなく、最も重要な音楽ジャンルでもなかったことに注意することが重要です。 これは、規則的な季節の交響楽団やフェリックス・メンデルスゾーン自身の推し進めのような特定の機関の台頭に伴い変化し始めました。

リチャード・ワグナーが初めてのオペラを成功させ、「ミュージカル・ドラマ」のコンセプトを広げる新しい方法を模索し始めたのはこの時でした。 ワーグナーは自分自身を革命家と呼ぶのが好きで、彼の貸金業者と当局には常に問題があった。 同時に彼はフランツリストのような似たようなアイデアを持ったミュージシャンの輪に囲まれ、彼は “未来の音楽”を作ることに専念しました。

通常、文学的ロマン主義は1848年に終了し、その年に行われた革命とヨーロッパ史上のマイルストーン、あるいは少なくとも芸術と音楽のフロンティアの認識で終わ​​ったことが示されている。 「現実主義」イデオロギーの出現と、Paganini、Mendelssohn、Schumannのような人物の死、およびLisztのステージからの退職によって、新しい世代のミュージシャンが登場した。 この世代はロマンチックではなくビクトリアンと呼ばれるべきだと主張する者もいる。 実際には、19世紀の最後の年は、後半のロマン主義として記述されることが多い。

後期ロマン主義(1850-1870)
19世紀の後半に到着し、ポストナポレオン時代に始まった社会的、政治的、経済的な変化の多くが確認された。 電報と鉄道はヨーロッパをはるかに統一した。 世紀の始まりの最も重要な源の一つであったナショナリズムは、政治的および言語的要素に形式化された。 聴衆として中産階級を持っていた文献は、小説が主な文学的形態として登場するなど、本の出版の主目的となった。

19世紀前半の人物の多くは退職したか死亡した。 他の多くの人々は、コンサートの生活においてより大きな規則性を利用し、財務的および技術的に利用可能なリソースを利用して、他の道を歩んできました。 過去50年間で、ピアノ演奏の二重排気(ダブルエサップ)、ヴァイオリンとヴィオラのバルブ付きの風の楽器(顎の弦)など、インストゥルメンテーションの多くの革新が、新しいものから標準へと変わった。 音楽教育の増加は、ピアノ音楽とより洗練された音楽コンサートの視聴者を広げる役割を果たしました。 保育園や大学の設立に伴い、ミュージシャンが自らの資源に依存する起業家ではなく、教授として安定したキャリアを作る可能性が開かれました。 これらの変化の合計は、パリ、ロンドン、イタリアなどの多くの都市や国での交響曲、コンサートや交響曲の詩、オペラシーズンの拡大などで見られます。

後期のロマン主義時代には、民族音楽(民族音楽)と特定の国の詩に関連するいわゆる「ナショナリスト」のジャンルの台頭も見られました。 ドイツ音楽やイタリア音楽のコンセプトは音楽の歴史のなかで既に広く確立されていたが、19世紀末からロシアのサブジャンルが創設された(Mikhail Glinka、Musorgski、Rimsky-Korsakov、Tchaikovsky、Borodin)。 チェコ語、フィンランド語、フランス語。 多くの作曲家は、自国の言語と文化に関連したオペラや音楽を作曲しようと、彼らの目的に明白な民族主義者であった。

ロマン主義後(1870-1949)
これは、19世紀後半から20世紀初頭にかけての、ロマン主義とは異なるオーケストラの盛り上がりと交響曲の発展の不一致と見なすことができます。リチャード・ワグナーを凌駕する強い色彩的特徴も特徴です。 ロマンチックな作曲家の後では、ロマンチックな文化の喪失を生み出す憂鬱が観察される。

このスタイルの最も代表的な作曲家はAnton Bruckner、Erik Satie、Gustav Mahler、Richard Straussでした。

ロマンチックなミュージシャン
社会と世界に対する態度によって、ベートーベンはロマンチックな運動のモデルとなり、同時に危険なモデルとなった。 それは確かに、 “アーティスト”のコンセプトのパラダイムでロマンチックな時代をもたらしたこの1つの姿でした。 これは、社会に直接のサービス、すなわち教会の歌、オルガン奏者、合唱団の歌手、演劇のオーケストラのディレクター、そして長いことなどを貸し出した “ミュージシャン”のアイデアを消していませんでした。

明白なことはロバート・シューマンが音楽的に彼の作品「カーニバル」で語ったように、ロマンチックなステージが「アーティスト」と「哲学者」の間の対立を引き起こしたことである。 ベートーヴェンは、交響曲、オラトリオ、室内楽、合唱団、歌詞、あらゆる種類の歌詞、さらにはオペラも、それらを委託する者なしに、想像上の聴衆のため、未来と永遠のために作曲された。

ロマンチックなミュージシャンの孤立は、彼の人格と彼の作品の性格に遡及的な影響がなければ起こらなかった。 1800年より前には、すべての組成物は直ちに評価されなければならなかった。 伝統の古い習慣の逸脱が過度であれば、二人以上の作曲家が自分の経験から学ぶ機会を得たので、それは危険から解放されなかった。 これは、モンテヴェルディ、グルック、ハイドンの場合と同様です。

一方、オリジナリティーの競争は、ルールよりも例外であった。 だから世代はお互いに成功しました。 ロマン主義のミュージシャンは伝統を守り、独創性を避けようとするだけでなく、それを迫害しただけでなく、作品の先入観が自由になるほど、それが喚起された推定値は大きくなりました。

19世紀の音楽であるロマンチックな音楽は、最も多様性の高い人物で構成されているように見え、一連のプロフィールは過去の世紀よりはるかに顕著で差別化されており、その軌跡をはっきりと追跡することは非常に難しい作業です進化。

20世紀のロマン主義(1901年以降)
19世紀に生まれ、20世紀にかけて作曲された作曲家の多くは、セルゲイ・ラフマニノフ、ジャコモ・プッチーニ、リヒャルト・シュトラウス、クルト・アッターバーグなど、これまでの音楽的時代と明確に結びついた形を用いていました。 一方、後にモダニストとして認定された作曲家の多くは、イゴール・ストラヴィンスキー(彼のバレエ「ファイヤーバード」)、アーノルド・シェーンベルク(ガーリーリーダー)、ベーラ・バルトークブルービアードキャッスル)。 しかし、19世紀後半の語彙と音楽構造はそこで止まらなかった。 Ralph Vaughan Williams、Erich Korngold、Berthold Goldschmidt、SergéiProkófievは1950年以降もこのジャンルの構成を続けました。

新古典主義やアトナル音楽などのいくつかの新しい傾向は、ロマン主義ジャンルの優越性に疑問を呈したが、トーン性に焦点を当てた色彩語彙を使用することへの関心は、最も重要な作品に残っていた。 現代的で現代的な作曲家であると考えられていたにもかかわらず、サミュエル・バーバー、ベンジャミン・ブリテン、グスタフ・ホルスト、ドミトリ・ショスタコーヴィチ、マルコム・アーノルド、アーノルド・バックスはロマンチックな傾向をしばしば示していた。

ロマン主義は、1960年頃には修辞的で芸術的な場所に達しました。未来は前衛的な作曲のジャンルや新古典主義の要素によって形成されることがすべて示されました。 ヒンデミットはロマンチックなルーツの中で、より認識しやすいスタイルに戻りましたが、多くの作曲家が別の方向に動いていました。 保守的な学問的階層があったソ連や中国でのみ、ロマン主義には場所があるように見えました。 しかし、1960年代後半には、ロマンチックな曲面を持つ音楽の復活が始まりました。 George Rochbergのような作曲家は、Nicholas MawやDavid Del Trediciなどの他の人が同行したプロジェクトであるGustav Mahlerをベースにした連続musictoのモデルから始めました。 この動きはしばしば新ロマン主義と呼ばれ、ジョン・コリリアーノによるファースト・シンフォニーなどの作品を含む。

ロマンチックなジャンルが生き残り、繁栄している別のエリアがサウンドトラックにあります。 ドイツのナチスから脱出した最初の移民の多くは、マーラーやウィーンの弟子と一緒に学んだユダヤ人の作曲家でした。 作曲家のマックス・スタイナーによる「風と共に去りぬ」映画のスコアは、ワーグナーのライツモチーフとマーラーのオーケストレーションの使用例です。 ハリウッドの黄金時代の映画の音楽は、大体KorngoldとSteiner、そしてFranz WaxmanとAlfred Newmanによって構成されていました。 アレクサンダー・ノース、ジョン・ウィリアムズ、エルマー・バーンスタインの作曲した次世代の作曲家たちは、オーケストラ音楽の構成においてこの伝統を引き出し、20世紀末にはもっと身近な映画を作り出しました。

ロマン主義のミュージカル形式
音楽のロマンティックな時代は1770年から1910年まで続いたので、最もよく使われた楽器はピアノでした。 インストゥルメンタルの分野では、ベートーヴェンの交響曲で最も強い表現と普遍的な意味に達していたソナタが彼の主な遺産であった。

ロマンチックな交響曲のやり方
当初から、ロマン派は交響曲の形式についてのリラックスした姿勢を採用しました。

この時までには、既に純粋な構造の賛美歌のように聞こえる最高重力のモデルであるエロイカが解放され編集されていました。 このコンポジションでは、インストゥルメントがグループ内に組み込まれず、誰もがグローバル交響曲の目的に貢献します。