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ルネサンス音楽

ルネサンス音楽は、ルネッサンス時代にヨーロッパで書かれ演奏された声楽と器楽です。 音楽史家の合意は、中世の終わりに1400年頃に始まり、バロック時代の始まりで1600年頃に終わり、音楽ルネサンスの始まりは音楽の始まりから約100年後に始まったルネッサンスは他の分野でも理解されています。 他の芸術と同様に、この時期の音楽は、初期近代期を定義する発展、すなわちヒューマニズム思想の上昇に大きく影響された。 古代ギリシャと古代ローマの文学的、芸術的遺産の回復; 革新と発見の増加。 商業企業の成長; ブルジョア階級の台頭。 そしてプロテスタントの改革。 この変化する社会から、共通の統一的な音楽言語、特に、最大のマスターがJosquin des Prezであったフランコ・フランドルの学校のポリフォニック・スタイル(これは、複数の独立したメロディー・ラインが同時に演奏される音楽を意味する)が出現した。

1439年に出版された印刷機の発明は、より広い地理的規模とより多くの人々に、音楽と音楽理論のテキストを安く簡単に配布することを可能にしました。 印刷の発明に先立って、書き留められた歌と音楽と音楽理論のテキストは、手作業でコピーしなければならず、時間と費用がかかりました。 ブルジュアの階級の出現に伴い、教育を受けたアマチュアのエンターテイメントやレジャー活動としての音楽に対する需要が高まった。 ヨーロッパ全体でのシャンソン、モテット、マスの普及は、ジョヴァンニ・ピュルージージ・ダ・パレストリーナ、オーランド・デ・ラスカス、トーマス・タリスなどの作曲家の作品の中で、16世紀後半に最高潮に達した多彩な演奏の統一と一致した。ウィリアムバード。 地域の多くの教会や大聖堂で音楽教育の盛んなシステムと一緒に低国家における相対的な政治的安定と繁栄は、多数の歌手、楽器演奏家、作曲家の訓練を可能にした。 これらのミュージシャンは、特にイタリアでは、教会や貴族の裁判所が作曲家、演奏家、教師として彼らを雇ったヨーロッパ全体で非常に求められていました。 印刷機が印刷された音楽を普及しやすくして以来、16世紀の終わりには、イタリアはヴェネツィア、ローマ、そして他の都市が音楽活動の中心となる北部音楽の影響を吸収しました。 これは100年前の状況を逆転させた。 オペラは、歌手が楽器を伴奏する劇的な段階のジャンルで、現時点ではフィレンツェで起きた。 Operaは、古代ギリシャの音楽を復活させるための意図的な試みとして開発されました(OED 2005)。

音楽は中世の制約からますます解放され、範囲、リズム、ハーモニー、形式、および表記でより多くの種類が許可されました。 一方、対称性のルールは、特に不協和音の治療に関して、より制約された。 ルネサンスでは、音楽は個人的な表現の手段になりました。 作曲家は、彼らが設定していたテキストをより表現力豊かにする方法を見つけました。 世俗的な音楽(非宗教的な音楽)は神聖な音楽のテクニックを吸収し、逆もまた同様です。 シャンソンやマドリガルなどの人気世俗形式がヨーロッパ全土に広がっています。 裁判所は、歌手と楽器演奏家の両方の巨匠を雇いました。 音楽は、自らのために存在する、印刷された形での利用可能性とともに、より自給自足になった。 ルネサンス期には、多くの身近な現代楽器(ヴァイオリン、ギター、リュート、鍵盤楽器など)の新作が開発されました。 これらの楽器は、音楽的アイデアの進化に対応するように変更され、作曲家やミュージシャンが探求する新たな可能性を提示しました。 バスーンやトロンボーンのような初期の現代の木管楽器と真鍮の楽器も登場した。 音色の範囲を広げ、楽器のアンサンブルの音を増やします。 15世紀の間、完全なトライアド(3つの音符コード)の音が一般的になり、16世紀の終わりに向けて、教会モードのシステムが完全に破壊され始め、機能的な調性(曲や作品は音楽的な “鍵”に基づいている)、それは次の3世紀の間、西洋の芸術音楽を支配するだろう。

ルネッサンス時代からは、ヴォーカルやインストゥルメンタル作品、ボーカル/インストゥルメンタル作品を含む定評のある世俗的かつ神聖な音楽が数多く生き残っています。 ルネッサンス時代には、様々な音楽スタイルやジャンルが栄えました。 これらは、大衆、モテット、マドリガル、シャンソン、伴奏、楽器の踊りなど、20世紀と21世紀の録音で聞くことができます。 20世紀後半から、多くの初期の音楽アンサンブルが形成されました。 ルネッサンス時代の音楽に特化した初期の音楽アンサンブルは、現代の歴史的楽器の再現を使用して、コンサートのツアーや録音を行い、歌手を使用して、音楽学者が時代に使用されたと考えるスタイルを演奏します。

概要
ルネッサンス時代の初期のヨーロッパの美術音楽の最も顕著な特徴の1つは、第3回目とその逆転の間隔に依存し、第6回(中世、3/6は不協和音とみなされ、完璧な間隔だけが和音として扱われた:完璧な4番目の完全な5番目の、オクターブ、および調和)。 Polyphony – 複数の独立したメロディーラインを同時に使用することは、14世紀中には非常に独立した声(声楽と楽器音楽の両方)でますます精巧になりました。 15世紀の初めには、メロディックパートのスムーズさを追求する作曲家たちとの単純化が示されました。 これは、音楽の声域が大幅に増加したために可能でした。中世では狭い範囲で頻繁にパートを交差させなければならなかったため、各パートを区別するためにコントラストが必要でした。 ルネサンス音楽の特徴であるモーダル(音色とは対照的に、「音楽キー」とも呼ばれ、その後のバロック音楽の時代に開発されたアプローチ、約1600-1750)は、 5番または4番の根の動き(詳細については、「5番のサークル」を参照)。 コードのルートが4分の1の間隔で動くコード進行の例は、Cメジャーのキーである「Dマイナー/ Gメジャー/ Cメジャー」(これらはすべてトライアド、3音符コード)。 DマイナーコードからGメジャーコードへの動きは、完全な4分音符の間隔です。 Gメジャー・コードからCメジャー・コードまでの動きも、完全な4分音符の間隔です。 これは後にバロック時代の調性の特徴の一つに発展した。

ルネサンス音楽の主な特徴は、(Fuller 2010):

モードに基づいた音楽。
4つ以上の独立したメロディーパートが同時に演奏される、よりリッチなテクスチャー。 これらの絡み合うメロディーラインは、ポリフォニーと呼ばれるスタイルで、ルネサンス音楽の特徴の1つです。
ミュージカルテクスチャのメロディーラインを、対照的ではなくブレンドします。
ハーモニーは、音楽のスムーズな流れと和音の進行に大きな関心を寄せました。
多声の発達は、中世からのルネッサンスを音楽的に示す楽器の著しい変化を生み出した。 その使用は、より大きなアンサンブルの使用を奨励し、ボーカル・レンジ全体(Montagu nd)にわたって混合する楽器のセットを要求した。

ジャンル
ルネサンス時代に使用されていた主要な典礼的(教会ベース)の音楽形式は、時代の終わりに向けて、特に神聖な音楽の作曲家が世俗的(非宗教的)な音楽形式を採用し始めたことで、 (マドリガルのような)宗教的な使用のために。 15世紀と16世紀の大衆は、使用された2種類の音源、すなわち、単音(単一のメロディーライン)とポリフォニック(複数の独立したメロディーライン)を持っていました。 1500、別の声やパートが他の声やパートで演奏された旋律やリズムモチーフを模倣する音楽を作曲する新しいスタイルの「普及した模倣」。 4つの主なタイプの質量が使用された:

カンタス・カンパス・マス(テナントマス)
カンタス/模造塊
言い換えの塊
模造質量(模造質量)は、
大衆は、通常、彼らが借りた源泉によって題名された。 Cantus firmusの質量は、一般的には詠唱者から、通常はテナーで、他の声(Burkholder nd)よりも長いノート値で最も頻繁に描かれる同じモノフォニックメロディーを使用します。 他の神聖なジャンルは、マドリガルのスピリチュアルと儀式でした。

当時、世俗的(非宗教的)な音楽は多様な形で流通していましたが、爆発的なものを想定して慎重でなければなりませんでした。印刷が音楽をより広く利用できるようになって以来、おそらく中世後期の人気音楽の豊富な店は失われています。 世俗音楽は教会から独立した音楽でした。 主なタイプは、ドイツ嘘、イタリア語frottola、フランス語chanson、イタリアmadrigal、スペインvillancico(Fuller 2010)でした。 他の世俗的なヴォーカルのジャンルには、カッチャ、ロンドー、ヴィレライ、ベルゲレット、バラード、ムジークメスレ、カンゾネッタ、ヴィラネッラ、ヴィッロッタ、リュートの曲が含まれていました。 モテット・シャンソンや世俗モテットのような混在した形も現れました。

純粋にインストルメンタル・ミュージックには、レコーダーやヴァオルなどの楽器のコンソート・ミュージック、そして様々なアンサンブルのためのダンスが含まれていました。 一般的な楽器のジャンルは、toccata、prelude、ricercar、canzonaでした。 楽器アンサンブルで演奏されたダンスは、ベースダンス(It。bassadanza)、tourdion、saltarello、pavane、galliard、allemande、courante、bransle、canarie、piva、lavoltaが含まれています。 多くのジャンルの音楽を、リュート、ビウエラ、ハープ、キーボードなどのソロ楽器用にアレンジすることができます。 このような取り決めは、インタビュー(Intavolatura、Ger。Intabulierung)と呼ばれていました。

この時期の終わりには、モノラル、マドリガルコメディ、インターメディアなど、初期の劇的なオペラの先駆けが聞こえます。

理論と記法
マーガレット・ベント氏によれば、「ルネッサンス表記法は現代の基準によっては処方されていないものであり、現代的な形に変換されると、それが過度に特定され、元の開放性を歪めるような規範的な重みを獲得する」(Bent 2000、p。 ルネッサンスの作曲は個々のパートでのみ表記されていました。 スコアは非常に稀で、バーラインは使用されませんでした。 ノートの値は、現在使用されている値よりも一般的に大きかった。 ビートの主な単位は半音符、または全体音でした。 アルス・ノヴァ(中世の音楽を参照)以来のように、各ブレーブの2つまたは3つ(2つの全体の音符)が存在する可能性がありますが、これは現代の「尺度」と同等と見なすことができますそれ自体が音符の価値であり、尺度ではありませんでした。 状況はこのように考えることができます。現代音楽では、4分音符が8分音符または3分音符のいずれかに等しく、「3連符」と書かれている規則と同じです。 同じ計算によって、次の最小ノートの2つまたは3つ、すなわち各ミニブレブの「ミニマル」(現代の「ハーフ・ノート」に相当)が存在する可能性があります。

これらの異なる順列は、semibreve-minimalのレベルでbreve-semibreve関係のレベルで「完璧/不完全なtemp」、「完璧/不完全なProlation」と呼ばれ、お互いに可能なすべての組み合わせで存在していました。 3対1は「完璧」、2対1は「不完全」と呼ばれていました。 また、他の特定のノートの前または後に、単一のノートを半分にしたり、価値を倍増させたり(それぞれ「不完全」または「変更」すること)できるルールも存在しました。 黒い注釈(4分音符など)の注釈はあまり頻繁に発生しませんでした。 弱い紙が堅い注釈を記入するのに必要な引っかきに耐えることができなかったので、白い精密表記法のこの発展は、紙の使用の増加の結果であるかもしれません。 ベラウムで書かれた前回の表記は黒であった。 主に前述の不完全性や変更を施行し、他の一時的なリズミカルな変化を要求するために、他の色やそれ以降の塗りつぶしされた音符も同様に日常的に使用されていました。

事故(例えば、音符を変更するシャープ、フラット、ナチュラルの追加など)は、今日特定のギターファミリ楽器(タブ譜)の特定の運指表記のように、特定されていませんでした。 しかし、ルネサンスのミュージシャンは二項対立地で高度に訓練されていて、たとえ偶然が書かれていなくても、スコアを正しく読むために必要な情報を持っていたでしょう。対訳に精通した歌手に表記なしで完全に明らかになった。 歌手は他の部分の心理的な公式を覚えて歌います。一緒に歌うとき、音楽家は他のミュージシャンの決定に照らして並行オクターブやパラレルの5分音符を避けるか、 Bent 2000、p.25)。 元々の実践者がどのような事故を起こしたのかについて多くの情報を得ているのは、様々な摘み取られた楽器のための現代のタブーを通したものです。

特定の理論についての情報は、ヨハネス・ティンメリス、フランチヌス・ガフリウス、ハインリッヒ・グラリアン、ピエトロ・アロン、ニコラ・ビセンティノ、トーマス・デ・サンタ・マリア、ジョセフ・ザリリノ、ヴィセンテ・ルシターノ、ヴィンチェンツォ・ガリレイ、ジョヴァンニ・アルトゥーシ、ヨハネス・ヌキウス、ピエトロ・セローネ

早期(1400-1470)
初期のルネッサンス時代からの主要作曲家も中世の後半に書いたので、彼らは過渡的な人物です。 Leonel Power(約1370年代または1380年代〜1445年)は、中世末期とルネサンス初期の音楽時代の英国の作曲家でした。 John Dunstapleと並んで、彼は15世紀初頭の英国音楽の主要人物の1人でした(Stolba 1990、p.140; Emmerson and Clayton-Emmerson 2006、544)。 パワーは、15世紀初めの英国音楽の唯一の損なわれていないソースの1つであるOld Hall Manuscriptに代表される作曲家です。 パワーは、主題の統一され、連続的な演奏を意図した、ミサの一般演奏を別々に動かす最初の作曲家の一人でした。 オールドホール・原稿には、マリアン・アンチフォン、Alma Redemptoris Materに基づいた彼の集団が含まれています。そこでは、アンチフォンは、旋律装飾品を持たない各運動のテナーの声に文字どおり記されています。 これは、彼(Bent nd)に起因することができる大量の唯一の周期的な設定です。 彼は、マスサイクル、断片、単一の動き、そして様々な他の神聖な作品を書いた。

John Dunstaple(またはDunstable)(約1390-1453)は、中世後期とルネッサンス初期の多声音楽の英国作曲家である。 彼は15世紀初頭に活動していた最も有名な作曲家のひとりであり、近代的なパワーのものであり、イギリスだけでなく大陸で、特にブルゴーニュ学校の発展スタイルに大きな影響を与えました。 Dunstapleが大陸の音楽的な語彙に及ぼす影響は非常に大きく、特に、(起因する)作品の相対的な不足を考慮すると、 彼はブルゴーニュ学校の音楽でこれまでに聞いたことのないものを持っていたことで認められました。詩人マーティン・ル・フランがル・チャンピオン・デ・ダムズで使った言葉です。 Le FrancはこのスタイルがDufayとBinchoisに影響を与えたと付け加えた。 数十年後、約1476年に作曲したフランダースの作曲家、音楽理論家Tinctorisは、Dunstapleがインスピレーションを得た「新しい芸術」を強調して、Dunstapleが持っていた強力な影響を再確認しました。 TinctorisはDunstapleをそのスタイルの原点、その “源泉”として歓迎した。

マーティン・ル・フランが定義していないが、おそらくDunstapleのフル・トライアド・ハーモニー(3つのノート・コード)を使用したスタイル的な特性と、3番目の音程が好きなものであった。 彼がBedford公爵と大陸にいたと仮定すると、Dunstapleはフランスのfauxbourdonに紹介されたでしょう。 3番目と6番目を使って彼自身の音楽でエレガントなハーモニーを作りました(3番目の区間の例は音符CとE、6番目の区間の例は音符CとAです)。 これらを合わせて、ルネッサンス初期の音楽の特徴を定義するものと見なされます。 これらの形質の多くは、世紀中頃にブルゴーニュ学校に根ざしたイングランドで始まったかもしれません。

Dunstapleの作品の多数のコピーがイタリアとドイツの原稿で発見されているので、ヨーロッパの彼の名声は広まっていたに違いない。 彼の作品は約50人しか生き残れず、そのうち2つの完全な塊、3つの結合した塊のセクション、14の個々の塊のセクション、12の完全なアイソレーティックモテット、7つのマリアアンチフォンの設定、Alma redemptoris MaterとSalve Regina、Mater misericordiae 。 Dunstapleはカンテス・ファーマース(cantus firmus)として単一のメロディーを使用して大衆を構成した最初の1人でした。 この技法の良い例はミサ・レックス・セクローラムです。 彼は世俗的(非宗教的)の音楽を書いていると信じられているが、母国語の歌はどれも確実性をもって彼に帰すことができない。

Oswald von Wolkenstein(ca。1376-1445)は、初期のルネッサンス時代の最も重要な作曲家の一人です。 彼はよく書かれたメロディーと旅行、神と性別の3つのテーマの使用で最もよく知られています。

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Gilles Binchois(約1400〜1460年)は、ブルンジの初期のメンバーであり、15世紀初頭の最も有名な作曲家の一人である、オランダの作曲家でした。 現代の学者たちによってギョーム・デュファイとジョン・ダンシュタペルと並んでいたが、彼の作品は依然として引用され、借りて死後の資料として使われた。 ビンチェスは歌い手であり、忘れられない思いやりのある線を書いて、細かいメロディストであるとみなされています。 彼の曲は、死後数十年に渡ってコピーに登場し、後の作曲家によるミサ曲の原作として頻繁に使われていました。 彼の音楽のほとんどは、神聖な音楽でさえも、簡潔で輪郭がはっきりしていて、時には禁欲的なもの(僧侶のようなもの)もあります。 Binchoisと、先の(14世紀)のars subtiliorの極端な複雑さとの間のより大きな対比は、想像するのが難しいだろう。 彼の世俗曲のほとんどはロンドーであり、世紀中に最も一般的な曲の形態となった。 彼はめったに古典的な形で書いていません、そして、彼のメロディーは、一般に、彼らが設定した節の韻の仕方とは無関係です。 ビンチェスは、裁判所の音楽、愛と騎士道の世俗歌を書いて、期待を満たし、彼を雇ったブルゴーニュ公爵の味を満足させ、明らかに彼の音楽を愛していたようだ。 彼の現存する世俗音楽の約半分はOxford Bodleian Libraryにあります。

Guillaume Du Fay(ca。1397-1474)は、初期のルネッサンス時代のフランコ・フランドルの作曲家でした。 ブルゴーニュ学校の中心人物で、彼は15世紀半ば(Planchart nd)にヨーロッパで一流の作曲家として同時代の人々に認められました。 Du Fayは、マス、モテット、賛美歌、フォックスボンドンのシンプルなチャント設定、神聖な音楽、ロンドー、バラード、ヴィレレ、その他のいくつかのシャンソンタイプのエリアのアンチフォンを含む、その日の一般的な形式のほとんどを構成しています世俗的な音楽の領域。 彼の生き残った音楽は特にインストゥルメンタルではありませんが、彼の世俗音楽の一部、特に下部の楽器には楽器が使われていました。 彼の神聖な音楽はすべて声楽です。 インストゥルメントは、彼の作品のほぼすべてについて、実際の演奏における声を強化するために使用されている可能性があります。 7つの完全なマス、28の個々のマスムーブメント、マスプロペラで使用される聖歌の15の設定、3つのMagnificats、2つのBenedicamus Domino設定、15のアンチフォン設定(マリアンアンチフォンのうち6つ)、27の賛美歌、22のモトドゥ・フェイの若者の「3分の1」のリズムで終わるフレーズを持つ、よりメロディックで官能的な高音の支配的な部分書きに道を譲った14世紀の控えめなスタイルと87人のシャンソンが生き残った。

中期(1470〜1530年)
1470年代初頭、印刷機を使用して音楽が印刷され始めました。 音楽の印刷は音楽の普及に大きな影響を与えました。手書きや手書きの原稿よりも印刷された音楽がより広い地理的な地域や聴衆に届くだけでなく、これまでよりも安いものでした。 また、16世紀には、多くの楽器で有名なメーカーの伝統が発展しました。 これらのメーカーは、その工芸品の巨匠でした。 一例は、ニュルンベルクのネッセルル家で、彼らのトランペットのためです。

15世紀の終わりに向けて、ポリフォニック神聖な音楽(Johannes OckeghemとJacob Obrechtの大衆に例証されているように)は、やがて複雑なものになりました。時間。 Ockeghemは、特に、反正反対でも精神的でもないカノンを好んでいました。 彼は質量、ミサprolationumを構成し、すべての部分は1つの音楽の行から標準的に派生しています。 次の世紀の最初の数十年間、2つのセミブレブ間の音楽は、3つのセミブレブ間で共通するようになった(現代の拍子を考えると)その前に勝っていたように。

16世紀初頭には、Josquin des Prezと彼の同時代のFranco-Flemish Schoolの仕事、そして後にGP Palestrinaの仕事である程度分かるように、簡素化の流れがあります。 パレストリーナは、トレント評議会の狭義に部分的に反応していたが、それは、聞き手のテキストの理解を妨げていると考えられていたので、過度に複雑なポリフォニーを落胆させた。 初期の16世紀のフランコ・フレミング作曲家は、オケゲムの世代のカノニカルやその他の人工的な演奏の複雑なシステムから、模倣のポイントやデュエットやトリオのセクションに向かって、全体的なテクスチャ内で5と6の声に成長しました。

後期(1530-1600)
ヴェネツィアでは、約1530年から1600年頃まで、印象的な多彩なスタイルが開発されました。ヨーロッパには、その時までに構成された壮大で最も響きのある音楽があり、聖域の異なる場所に歌手、真鍮、マルコ・ディ・ヴェネツィア(ベネチアの学校を参照)。 これらの複数の革命は、ドイツではじめて数十年後にヨーロッパに広がり、その後スペイン、フランス、イギリスに移り、現在のバロック時代の音楽の時代を切り開いています。

ローマ学派は、ルネサンス時代後期とバロック時代初期のローマにおける教会音楽の主な作曲家の集まりであった。 作曲家の多くは、いくつかの教会で働いていましたが、バチカンと教皇庁の教会に直接つながっていました。 彼らはしばしばヴェネツィアの作曲家学校とは対照的であり、同時に進行する動きもはるかに進歩的であった。 ローマ学派の最も有名な作曲家はGiovanni Pierluigi da Palestrinaです。 大衆やモテットの多作作曲家として最もよく知られているが、彼はまた重要なマドリガリストでもあった。 カウンター改革時代のカトリック教会の機能的ニーズと一般的な音楽スタイルを結びつける彼の能力は、彼に永続的な名声をもたらしました(Lockwood、O’Regan、Owens nd)

1588年から1627年にかけてイギリスのミュージカル・マドリガルを短期間で強烈に開花させ、それを生産した作曲家と一緒に英語マドリガル・スクールとして知られています。 英語のマドリガルはアカペラで、主にスタイルが軽く、一般的にイタリアのモデルのコピーまたは直接翻訳のいずれかで始まりました。 ほとんどは3から6の声であった。

Musica reservataは、主にイタリアと南ドイツの16世紀後半のアカペラ声楽のスタイルまたは演奏のいずれかであり、洗練されたテキストの洗練された排他性と強烈な感情表現を伴う。

楽器
ルネサンス期には多くの楽器が生まれました。 他のものは以前に存在していた楽器のバリエーションや改良であった。 一部は現代まで生き残っている。 他のものは消えてしまって、本物の楽器でその期間の音楽を演奏するために再作成するだけです。 現代のように、楽器は真鍮、弦楽器、打楽器、木管楽器に分類されます。

ヨーロッパの中世の楽器は、最も一般的には単独で使用されていましたが、しばしば無人機と一緒に、または時々部分的に使用されていました。 少なくとも13世紀から15世紀にかけては、ハウツ(響き、響き、アウトドア・インストゥルメント)とベース(静かで親密な楽器)への楽器の分割があった(Bowles 1954,119 et passim)。 両方のタイプのアンサンブルで自由に演奏できる楽器のグループは2つだけです。コーネットとサックバッツ、タブーとタンバリン(Burkholder nd)です。

16世紀の初め、楽器は声よりも重要ではないと考えられていました。 彼らは踊りや声楽に参加しました(Fuller 2010)。 インストゥルメンタルの音楽はボーカル音楽に従属したままであり、そのレパートリーの多くは、ボーカル・モデルに由来するか、またはボーカル・モデルに依存する様々な方法であった(OED 2005)。

オルガン
ルネッサンス時代には、大規模な教会の臓器から小規模な組織や儀式と呼ばれる葦の器官など、さまざまな種類の器官が一般的に使用されていました。

真鍮
ルネサンスの真鍮製の楽器は伝統的に専門家によって演奏されていました。 演奏されたより一般的な金管楽器のいくつか:
スライドトランペット:今日のトロンボーンに似ていますが、体の一部分が摺動するのではなく、マウスピースに近い身体の小さな部分とマウスピース自体は静止しています。 また、ボディはS字型だったので扱いにくいですが、最も一般的に使用されていたスローダンスの音楽には適していました。
Cornett:木製で作られ、レコーダーのように(一端を吹き、指を外側に上下に動かす)、トランペットのようなカップマウスピースを使用して演奏しました。
トランペット:初期のトランペットにはバルブがなく、倍音シリーズのトーンに限られていました。 彼らはまた、異なるサイズで作られました。
Sackbut(時にはsackbuttまたはsagbutt):15世紀中盤にスライドトランペットを置き換えたトロンボーン(Anon。nd)の別名(Besseler 1950、passim)。

文字列
家族として、弦は神聖でも世俗的でも多くの状況で使用されていました。 このファミリーのメンバーには以下のものがあります:

Viol:この楽器は、15世紀に開発されたもので、一般的に6つの弦を備えています。 それは通常、弓で演奏された。 それはスペイン語のvihuela(イタリアのviola da manoと呼ばれる)に似た構造的な性質を持っています。 その主要な分離形質は、より大きなサイズである。 これは、ミュージシャンの姿勢をチェロに似た方法で床や脚の間に置くように変更しました。 vihuelaとの類似点は、鋭いウエストカット、同様のフレット、フラットなバック、細いリブ、そして同じチューニングでした。 このようにして演奏されたとき、それは「腕の上で」演奏されたヴァオルと区別するために、「ヴァイオラ・ダ・ガンバ」と呼ばれることがありました:ヴァイオラ・ダ・ブラッコ、ヴァイオリン・ファミリーに進化しました。
Lyre:小さなハープに似ていますが、摘み取る代わりに、プレクトラムで弾きます。 その弦の数は、時代に応じて4,7、および10から変化しました。 右手で演奏され、左手は望ましくない音符を消した。 より新しい歌詞は、弓で演奏されるように修正されました。
アイルランド語のハープ:スコットランド・ゲール語ではクラルサッハ、アイルランドではクラリサッハとも呼ばれ、中世にはアイルランドとスコットランドで最も人気のある楽器でした。 アイルランドの歴史におけるその重要性のために、それはギネスラベルでさえ見られ、今日までアイルランドの国家シンボルでもあります。 演奏するためには、通常、それを摘み取る必要があります。[明確化が必要]その大きさは、ラップで演奏できるハープとフロアに置かれたフルサイズのハープ
Hurdy-gurdy:(ホイールフィドルとしても知られています)、ストリングが通過するホイールによってストリングが鳴ります。 その機能は、その弓(車輪)がクランクによって回転されるという点で、機械的なバイオリンの機能と比較することができる。 その特徴的なサウンドは、主に、そのサウンドでバグパイプに似た一定のピッチを提供する「ドローン・ストリング」のためです。
ギターンとマンドール:これらの楽器はヨーロッパ全域で使用されていました。 マンドリンやギターを含む現代楽器の先駆者。

パーカッション
いくつかのルネッサンス・パーカッション・インストゥルメントには、三角形、ユダヤのハープ、タンバリン、ベル、シンバル、ランブルポット、様々な種類のドラムがあります。

タンバリン:タンバリンはフレームドラムです。 フレームを囲む肌は、皮質と呼ばれ、指、指先、または手で表面を打つことで鼓動を作り出します。 それは楽器を振ることによっても演奏することができ、タンバリンのジングルやペレットのベル(もしあれば)を「クランク」と「ジングル」にすることができます。
ユダヤのハープ:口の形を使って音を出し、口に異なる母音を発音させるための楽器。 楽器の舌の曲がった端部のループは、異なる音階を作り出す異なる尺度で摘み取られる。

ウッドウィンズ(エアロフォン)
木管楽器(エアロフォン)はパイプ内の空気の振動柱で音を出す。 パイプに沿った穴は、プレイヤーが空気柱の長さ、したがってピッチを制御することを可能にする。 空気柱を振動させるにはいくつかの方法があり、これらの方法で木管楽器のサブカテゴリを定義します。 プレイヤーはフルートのように口の穴を吹くことができます。 現代のクラリネットやサクソフォンのように、単一のリードでマウスピースに入れる。 またはオーボエやバズーンのような二重のリードである。 ルネッサンス楽器では、これら3種類の音色生成方法がすべて見つかります。

Shawm:典型的なオリエンタルなShawmはキーレスで、7フィートの穴と親指の穴があります。 パイプはまた、最も一般的に木製で作られていて、その多くには彫刻や装飾が施されていました。 それはルネッサンス時代の最も人気のある二重葦の楽器でした。 その鮮やかで、穿孔的で、しばしば耳障りな音のために、ドラムとトランペットのある街で広く使われていました。 ショーをするために、人はリード全体を口に入れ、頬を吹き出し、鼻で呼吸しながらパイプに吹き込みます。

リードパープ:マウスピース、4つまたは5つの指穴、それから形成されるリード付きの短い短い長さの杖で作られています。リードは小さい舌を切り取って作られていますが、ベースは取り付けていますたままです。それはサクソフォンとクラリネットの前身です。ホーンパイープ
:リードパップと同じですが、最後に鐘が付いています。
Bagpipe / Bladderpipe:羊や山羊の肌から作られた袋を使用すると気になる牧畜者によって発明されたと忠実に信じられているのは、プレーヤーが息を飲むときに、その袋の下にトーンを続けるために腕。口金管は、管のバッグ端部にヒンジ止めされた単純な丸い革片を有し、逆止弁のように機能する。リードは長いマウスピースの内側にあり、ボーカルとして知られていて、金属製であって、内側の代わりに外側にリードを持っていた。
Panpipe(パンパイプ):群にストッパーを付けると、片片方には多数の木管を使用します。各部は異るサイズ(それによって異なる音色を生み出す)で、オクターブ半分の範囲を与えます。次へ、プレヤー希望のチューブに唇を当て、それを吹くことができます。
横断方向のフルート:横方向のフルートは、栓をした端の近くにマウスの穴があり、身体に沿って指の穴がある現代のフルートに似ていますプレイヤーはマウスの穴を吹き飛ばし、フルートを左右のものに保持します。レコーダー:レコーダーはルネサンス時代の一般的な楽器でした。リードではなく、サウンドプロダクションの主なソーとしてホイルのマウスピースを使用しています。それは通常7つの指の穴と親指の穴で作れています。

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