360 VRで、日本の文化の重要な教義、特に彼女のレーベルComme DesGarçonsの下で川久保玲がどのように文化全体の美、優雅さ、性別の概念を変えたかを探ります。
1980年代初頭、川久保玲はパリで色消し、ゆったりとしたフィット、非対称性、意図的に作成された穴と涙のために、西洋諸国の既存の美的価値に挑戦するデザインに対する複雑な反応を受けました。それにもかかわらず、彼女はそれ以来、ドレスのデザインにおける固定観念に逆らうという一貫した態度を維持してきました。
日本のファッションに西洋人の注目を集めた川久保玲の作品。一見複雑な形のセーターは、本質的に1つの直線パネルから作成され、ダイナミックでボリュームのある外観を持っています。左右に広がる大きな袖は着物の袖に似ています。ゆるく垂れ下がったセーターによって作られた不規則な形状に応じて、スカートは非対称に垂れ下がっています。
川久保玲
川久保玲は東京とパリに拠点を置く日本のファッションデザイナーです。彼女はコムデギャルソンとドーバーストリートマーケットの創設者です。川久保玲の顕著なデザイン貢献、Rei Kawakubo / Commes desGarçons、Art of the In-Betweenの展覧会が認められ、2017年5月5日にニューヨークのメトロポリタン美術館で開かれました。
「私が新しいと思うことをするなら、それは誤解されますが、人々がそれを好むなら、私は彼らを十分にプッシュしていないので失望します。より多くの人々がそれを嫌うほど、おそらくより新しいでしょう。基本的な人間の問題は、人々が変化を恐れているからです。私の価値と顧客の価値の間で少し妥協する必要があるビジネスを維持するために、私がいつも探している場所は、私はほとんど誰でも理解できるものではないが何かを作る場所です。 」
コムデギャルソン：中間の芸術
1969年にコムデギャルソン（「少年のように」）を設立して以来、東京を拠点とするデザイナーの川久保玲（1942年生まれ）は、一貫して現代の美学を定義し再定義してきました。季節ごとに、コレクションごとにコレクション、彼女は美の従来の概念を覆し、ファッショナブルな身体の受け入れられた特性を混乱させます。彼女のファッションは、衣服の系譜から際立っているだけでなく、定義と混乱した解釈に抵抗しています。それらは、邪魔し、惑わし、当惑させるために考案された禅の公案またはなぞなぞとして読むことができます。彼女の作品の中心にあるのは、「中間」という概念に共存する公安ムー（空）とそれに関連するma（スペース）の概念です。これは、視覚的なあいまいさととらえどころのない不安定なゾーンを確立する美的感覚としての地位を明らかにしています。
Rei Kawakubo / Comme desGarçons：Art of the In-Betweenは、川久保玲のコレクションにおける「中間」の9つの表現を検証します：Absence / Presence。設計/非設計; ファッション/アンチファッション; モデル/複数; 高低; その後/今; 自己/その他; オブジェクト/主題; と服/ない服。彼女のデザインが、社会的または文化的ではなく自然と見なされるようになったこれらの二重性の間の空間をどのように占有し、バイナリロジックをどのように解決および解消するかを明らかにします。彼女自身の簡単な分類を無視して、彼女の衣服は、従来の二分法の人工性、意性、および「空虚」を暴露します。川久保玲の「中間」の芸術は、意味のある媒介とつながり、革新的な革新と変容を生み出し、創造と再創造の無限の可能性を提供します。
1.欠席とプレゼンス
「中間」の概念は、川久保玲とメットのコラボレーションであるデザインに反映されています。Mu（空）は、禅仏教では空虚を象徴する円の建築的モチーフを通して示唆され、ma（空間）は、構造形式の相互作用によって引き起こされます。Maは、ボイドとボリュームを表現します。これは、具体的な境界によって定義されない、形のあるものとないものです。ギャラリーの表面の真っ白さによって増幅された視覚効果は、不在と存在の両方の1つです。川久保玲は、彼女のファッションとその環境をゲサムトクンストヴェルク、または「芸術作品全体」と見なしています。この統合は、コムデギャルソンの「宇宙」の完全な表現として設計された展示会に反映されています。全体的で没入感のある体験を目的としていますが、
2.設計/設計しない
Design / Not Designは、川久保玲の直感的な衣服作りのアプローチを探ります。正式なファッショントレーニングを受けていない川久保玲は、自発的かつ実験的な技術と構築方法を追求しています。通常、彼女の創造的なプロセスは、パターン作成者に伝えられる単一の単語または抽象的な画像から始まります。彼女はかつて、しわくちゃの紙をチームに提示し、コレクション「The Future of Silhouette」の体に巻き付けられた茶色の紙のドレスに見られるように、同様の品質を表すパターンを要求しました。このセクションのアンサンブルは、融合、不均衡、未完成、排除、デザインなしのデザインなど、川久保玲のコレクションで繰り返されます。これらの表現様式はすべて、わびさびとして知られる禅仏教の美的原理に根ざしています。彼女のコレクションであるパッチワークスとXの、リッピングとパッチワークが施された白いコットンジャージの衣装に収まります。Clustering Beautyの15層の生の未加工コットンドレス。クラッシュの平らな、層状の、縫い合わせたコットンキャンバストワルのアンサンブル。大人のパンク、フュージョン、および大人の非行からの露出および再構成されたパターンピースを特徴とする衣服。
3.ファッション/アンチファッション
1979年、川久保玲は彼女のコレクションに「不満」を抱き、その時点までに日本の民俗的な影響が吹き込まれました。彼女が説明したように：「私はもっと方向性があり、より強力な何かをするべきだと感じました。私はゼロから始め、ゼロから始めて、これまで行われたことのないこと、強いイメージを持つことをすることにしました」彼女のキャリアの最初の2つであるこの破裂により、川久保玲は典型的なモダニストデザイナーとして確立され、その独創性（または彼女が「新しさ」と呼ぶもの）を追求することが、以降のすべてのコレクションの特徴となりました。 、それはパリで見られたときに批評家から極端な反応を引き出しました。それは、西洋のファッションの多くの一般的な規範を否定したためです。川久保玲の面で
4.モデル/複数
「新しさ」の追求を超えて、川久保玲はアバンギャルドなモダニズムの先入観をいくつか示しています。おそらく最も注目に値するのは、オリジナリティと複製の間の緊張であり、これは、コレクションAbstract Excellenceを通じてModel / Multipleで検討されています。当時のコメントとして、川久保玲は次のように説明しています。いくつかのスカートがここに表示されています。設計者は、連続性と反復性のうぬぼれによって、均一性と標準化の幻想を作り出しました。ただし、色、生地、そして形状（縫い目の配置と方向のわずかな変化によって達成される最後の）は、個々の独特のスカートをマークします。単一のフォームのバリエーションに関する瞑想であるこのコレクションは、ユニークなアートワークと大量生産された商品との不安定なつながりに関する強力なステートメントを表しています。
5.高/低
エリート文化/人気文化| 良い味/悪い味| ハイ/ローは、カワクボのモーターバイクバレリーナコレクションを通して、エリートと大衆文化のあいまいな関係（もう1つのモダニズムの先入観）を調べます。アンサンブルは、バチューバの「高い」文化とバイカーまたは「グリーサー」の「低い」サブカルチャーを調和させるために、チュチュとレザージャケットを組み合わせています。川久保玲は、このコレクションを、アメリカのオートバイメーカーと英国のプリマバレリーナを参考にした「ハーレーダビッドソンはマーゴットフォンテインを愛している」と表現しました。パンクやフェチのスタイルを取り入れたコレクションBad Tasteのように、彼女はしばしばそれを味のパロディ探検に展開します。安くてキッチュで下品だと思われる織物を使用して、
6. Then / Now
過去/現在/未来| 誕生/結婚/死川久保玲の「中間」に関する実験は、進行中のプロジェクトとしてのモダニズムの展開に関連しています。このアイデアは、モダンスウィートネス、スウィートザンスウィート、ボディミーツドレス-ドレスミーツボディ、インサイドデコレーション、ホワイトドラマのコレクションを通じて、デザイナーの時間との関係に焦点を当てています。彼女のキャリアの中で、川久保玲はインスピレーションを得るためにファッションの歴史を掘り下げてきました。彼女は、にぎわいとクリノリンによって達成された19世紀の誇張されたシルエットに親近感を持っています。しかし、彼女の手には、歴史を根絶するようにシルエットが非常に根本的かつ深く再構成されています。カワクボのファッションは、強烈な即時性を課し、現在と現在を強調しています。彼女は、壊れた花嫁、白いドラマ、そして分離のセレモニーのコレクションに見られるように、時間的連続性の論理と生の推定リズム、誕生、結婚、死の両方を疑いに持ってきます。これらのファッションは、社会のライフステージの伝統の間の間隔でのみ達成できる個人の自由のレベルを提唱し、出生-結婚-死の連続体にコード化されたイデオロギーを破壊します。
7.自己/その他
東/西| 男性/女性| 子供/大人| Self / Otherは、文化、性別、年齢の従来の定義の境界を曖昧にするハイブリッドアイデンティティの川久保玲の探求を強調しています。東/西および男性/女性のサブセクションで取り上げられている作品は、東洋と西洋、男性と女性の衣服の伝統を組み合わせています。歴史的には、これらは東洋と女性の衣服に関連してラッピングとドレープによって、そして西洋と男性の衣服に関して調整することによって大まかに定義されています。男性/女性のファッションは、一般的に男性と女性に関連するタイプの衣服を融合しますスカート-1つの衣装に。融合によるハイブリッドIDの作成は、Child / Adultでさらに調査されます。これは、年齢に応じたドレッシングのルールに挑戦するだけでなく、遊び心とパフォーマンスによって定義される日本の大衆文化の重要な側面であるカワイイ（かわいい）の概念にも関与するアンサンブルに焦点を当てています。カワイイの概念は、そのフリルと折り目にカモフラージュされた特大のテディベアのぬいぐるみを特徴とするピンクの花柄のドレスで極端に取られています。
8.オブジェクト/主題
オブジェクト/サブジェクトはハイブリッドボディを考慮します。焦点は川久保玲のコレクション「ボディミーツドレスドレスミーツボディ」で、ガーリーなバブルガムピンクやパウダーブルーギンガムなど、さまざまな色やパターンのストレッチナイロンとポリウレタンのダウンパッド入り衣服を通して、人間の形を根本的に再考することを提案しています。ほとんどのパディングは非対称に配置され、bulb形の錯覚を呈し、ファッショナブルな身体の伝統的な言語を覆す球根状の腫れを作り出します（小さな腰、細い腰、腹部の底、平らな胃、小さい、高い胸）。批評家が「塊と隆起」と名付けたコレクションのレビューには、腫瘍とunch病への言及がたくさんあります。これは、身体が病気、変形、または怪物であることを示唆するモニカーです。形態的には、コレクションはドレスと身体の境界をぼかし、オブジェクトと件名。この効果は、1997年10月14日にブルックリン音楽アカデミーで初演された、川久保玲とのコラボレーションである振付師マースカニンガムが40分間のダンスシナリオで活用した動きによって高められます。反発され反論されると、新しいフォームが得られます。」
9.服/服ではない
「中間」という川久保玲の革新的な実験は、衣服/衣服ではないという論理的結論に導かれます。その8つのサブセクションは、デザイナーの最新コレクションからの例を示し、すべてが彼女のキャリアの2回目の破裂に続いて制作されました。2014年、川久保玲は設計プロセスに不満を抱き、「新しさ」を追求する妨げになったと感じました。「服を作らない」という意図で急進的な創造方法を採用し、彼女は自分の考えを直接形、つまり「身体のオブジェクト」に変換することを目指しました。
9.1フォーム/機能
フォーム/機能の特徴川久保玲の最初のコレクションである「Not Making Clothing」は、「身体のオブジェ」をデザインしたいという欲求に応えて制作されました。タイトルは意図の声明であり、純粋な形を好むという彼女の決意の宣言です。プロセスの観点から、彼女は以前のデザインの経験を放棄し、素朴な子供や訓練されていないアーティストの視点から創造しようとしました。彼女は、「部外者の目を通して世界を違ったように見ることができる新しいサイケデリックな薬があればいいのに」と説明した。
これらのデザインは、人間の姿との関係において伝統的なファッションとは異なります。身体から離れた抽象的な形と立体構造、そして人形の服を思わせる風変わりなシルエットと誇張されたプロポーションは、フィギュアをあいまいにし、圧倒します。Not Making Clothingと彼女の前の作品との間には明確な亀裂がありますが、2009年のコレクションTomorrow’s Blackのアンサンブルから明らかなように、美的、技術的、テーマ的な類似点が顕著です。黒に加えて、不規則で特大のパターン部分をつなぎ合わせることで達成される、同様の体を隠すシルエットがあります。
9.2抽象化/表現
抽象化/表現では、川久保玲が「Comme desGarçonsの最も明確で極端なバージョン」と見なすInvisible Clothesを取り上げています。アンサンブルの抽象的で彫刻的な特質は、衣服の「表象」特性に対する彼女の無関心を象徴しています。衣服のいくつかは、複数のバージョンが一緒にマージされて構成されています。これは、2011年のコレクション「テーマなし」（Multiple Personalities、Psychological Fear）でも明らかになっています。ただし、以前の作品とは異なり、最近の作品は身体と服装の間の階層を混乱させ、解消します。
目に見えない衣服に含まれる衣服は、袖、胴着、ネックライン、ウエストラインなどの図形要素を覆い隠し、場合によっては排除することで、体の優位性に挑戦します。図が体積と平面性に後退するか、断片化によって非物質化すると、身体と服装は相互に依存し、区別できなくなります。これらのデザインの中で、川久保玲は「服を着るべきだと言うなら、多分それは本当に服ではないだろう。。。それらは芸術ではないが、服である必要もない」と述べた。
9.3美しい/グロテスク
川久保玲の美の概念は、受け入れられた基準にほとんど適合していません。1980年代初頭のコレクションのムー、マ、ワビサビの表現は、ほとんどの西洋の聴衆には馴染みがなく、一部のオブザーバーによってグロテスクまたは攻撃的と解釈されました。1982年に穴が開けられた象徴的な黒いセーターは、多くの批評家が川久保玲の「ugい美学」と呼んだものの例です。彼女はそれを「レース」セーターと呼んで、「私には涙ではない。これらは布地に別の次元を与える開口部です。切り抜きは別のレースの形と考えられるかもしれません。」
同様の「ugい美学」は、最近のコレクションMONSTERでも明らかです。MONSTERのタイトルは、「人類の狂気、私たち全員の恐怖、常識を超えた感覚、非常に大きな何かによって表現された普通性の欠如」、いことも美しいこともあります。」衣服は、ダークニットウールのツイストチューブと結び目の入ったチューブに姿を閉じ込め、締め付けます。「レース」セーターのように、これらの不気味で不安な形は、美のコンテストで受け入れられた限界を広げます。
9.4戦争/平和
川久保玲にとって、創造は反抗と現状に対するフラストレーションに結びついています。「コレクションのテーマは、社会の状況に対する怒りやinりから生じることがよくあります。アイデアの起源は、何に満足していないことにあります。既に存在します。」同時に、彼女は、「自分のデザインを、私たちの世界の問題に対処するメッセージにすることは望んでいません」と言っています。時代精神に関しては、彼女は象徴的かつ概念的にそれに取り組む傾向があります。
代表的な例は花の役割であり、デザイナーの繰り返しのモチーフであり、戦争/平和の2つのコレクションで探究されています。前者はエネルギー、強さ、幸福のポジティブなシンボルとして花に焦点を当てていますが、後者はより暗く、より落ち着いた、そして不穏な意味合いを採掘します。バラの歴史的重要性を「血と戦争に関連する……政治的対立、宗教的争い、権力闘争」として扱っています。バラと血は文字通りと抽象的な形の両方で現れ、両方ともカラーパレット（不変で妥協のないポピーレッド）で表されます。
9.5ライフ/ロス
川久保玲は「知的な」デザイナーと言われていますが、彼女の作品は「感情、本能、疑い、恐れ」を扱っていると主張しています。彼女のコレクションには、激しい感情と深い精神性が染み込んだ、個人的で自己反映的な物語が含まれています。これらの表現力の側面は、ライフ/ロスで探求されます。ライフ/ロスでは、Then / Nowで検討された移行と一時性のテーマを詳しく説明し、記憶と記念の概念を通して拡張します。
それはコレクションのセレモニーに焦点を当てており、そのタイトルは「セレモニーの美しさと力が、離れる人と別れを告げる人のために、分離の苦痛を軽減できる方法」に言及しています。悲しみと絶望を帯びた服は、その雄大で壮大なシルエットとともに、哀dressのあるドレスの重厚な表現として解釈することができます。繊細な黒、白、および金のレースでレンダリングされたこれらは、生命の脆弱性と死の最終性に関する痛烈な瞑想を表しています。いくつかのアンサンブルは、包まれた束で構成されており、以前のコレクションSquareを連想させます。このコレクションでは、すべての衣服が正方形の布でできています。「服ではない」子孫のように、これらの前駆体は、儀式の実践、この場合は巡礼の伝統に関する瞑想を表しています。
9.6事実/フィクション
ファクト/フィクションは、テーマ別にリンクされた3つのコレクション（ブルーウィッチとその前身であるリリス（バビロニア神話の殺人デモにちなんで名付けられた）とダークロマンス、ウィッチ）からの選択を通して、川久保玲のストーリーテリングの傾向に対処します。デザイナーは魔女を強く、強力で、しばしば誤解されていると見なしますが、彼女は衣服をフェミニストの声明として解釈することに抵抗します。「私はフェミニストではない」と彼女は言った。彼女は空想家でもありません。「私は空想や空想的な想像力をあまり持っていません。実際、私は現実主義者です。」
しかし、アンサンブルは間違いなく力を与えており、その形とシルエットは異世界的です。初期の作品は、男性のフォーマルな服装の硬さと厳しさを利用し、予想外の変位というシュールな戦略によってそれらを解体します。リリスでは、ジャケットは体の下半分に移動しますが、ダークロマンスでは、衣服はずれてねじれ、スカートには痕跡の袖が現れます。ブルーウィッチは、スケールの歪みによって、このシュルレアリスムを高め、ストーリーブックのような見当識障害と不安定化の感覚を作り出します。
9.7注文/カオス
1973年に川久保玲がコムデギャルソンを設立したとき、彼女の唯一の目的は個人の自主性でした。「私にとって、独立は常に最も重要でした」と彼女は述べています。「新しさ」の探求のように、自由の追求、つまり慣習からの自由と表現の自由は、彼女のファッションの決定的な属性です。この探求は彼女のストリートスタイル、特にパンクへの継続的な関心を高めてきました。「私は常に[パンク]精神が好きでした。それは工場の操業に反するという意味で、パンクは反対です。世辞。”
川久保玲は歴史にも深い敬意を払っていますが、18世紀のパンクのコレクションを通して、秩序とカオスの伝統と犯罪の間のダイナミクスが調べられています。衣服は、1700年代の空気圧構造と双曲線シルエットを、フェティッシュなハードウェア、ハーネス、留め具、Pepto-Bismolピンクのプラスチックなどの素材を含む、1970年代のパンクのライトモチーフと融合させます。多色の花ジャカード（1800年代までは入手不可）の時代錯誤的な使用は、しばしばつなぎ合わせられてコラージュされ、以前のパンク風のコレクション、Adult Delinquentを思い起こさせます。川久保玲は、その作成時点で、「私は最後まで非行をする大人です」と宣言しました。
9.8バウンド/アンバウンド
川久保玲の最新コレクション「The Future of Silhouette」の「身体のオブジェ」は、デザイナーが「非ファブリック」または不織布、非ファッション素材と呼ぶものから作られています。ここで、白い合成の詰め物は、Then / Nowで紹介された彼女の初期のクリノリンのようなアンサンブルを思い起こさせます。しかし、これらの衣服の形は19世紀半ばに起源を持ちますが、これらの作品の形-歪んだ、奇形の砂時計-は、歴史的、またはそのために、社会的または文化的な指示物を持ちません。これは、Body Meets Dress—Dress Meets Bodyのエキセントリックで充血した作品にリンクしています。ただし、これらの作品には特に腕の開口部がありません。
これらの断片は身体を物理的に結び付けているという事実にもかかわらず、それらは文化的にそれを解き放ちます。ファッションは、その性質上、女性の形態の社会の理想化された表現によって定義されます。ただし、これら2つの「身体のオブジェクト」は、却下されるだけでなく、受け入れられた規範を争い、覆すものでもあります。彼女のキャリアの早い段階で、川久保玲は「私はフィギュアの周りで働いていますが、フィギュアが何であるかによって制限されることはありません」と説明しました。彼女の手では、服を着た身体は場所、期間、目的の境界の概念から解放され、「中間の芸術」を完全に占有して表現します。
京都コスチューム研究所
衣料品は私たちの生活に不可欠であり、歴史と社会の変化とともに変化します。洋服は私たちの多くが今日着ているものの起源であり、京都服飾研究所（KCI）は、何世紀にもわたって洋服の傑出した例と、この研究分野に関連する文書やその他のアイテムを体系的に収集し、保存しています。また、研究所は調査を実施し、その後、調査結果を公開または公開しています。