モダニズムは、19世紀後半から20世紀初頭の西洋社会における広範かつ広範な変化から生まれた、哲学的運動であり、文化の動向や変化とともに生まれました。 近代主義を形作った要因の中には、現代の産業社会の発展と都市の急速な成長、それに続く恐怖の第一次世界大戦への反応があります。モダニズムはまた、啓蒙主義思想の確実性を拒否し、多くのモダニストは宗教的信念を拒絶しました。
モダニズムには、伝統的な芸術、建築、文学、宗教的信仰、哲学、社会組織、日常生活の活動、さらには科学のようなものを感じていた人々の活動と創作が、新興の完全に工業化された世界の新しい経済的、社会的、政治的な環境で時代遅れである。 詩人のエズラ・ポンドは、1934年に「新しいものにする」という差止命令を出しました。 過去の時代遅れの文化として見たものへの動きのアプローチの原石でした。 この精神の中で、意識の流れの小説、アトナル（またはパンタロン）と12音色の音楽、分派主義の絵画、抽象的な芸術のようなその革新はすべて、19世紀に先駆けていました。
モダニズムの特筆すべき特徴は、しばしば形態の実験につながる文学的および社会的伝統に関する自己意識と皮肉であり、絵画、詩、建築などの作成に使用されるプロセスや材料に注意を払うテクニックの使用であるモダニズムは、現実主義のイデオロギーを明白に否定し、反復、組合、書き直し、要約、改訂、パロディの採用によって、過去の作品を利用する。
第二次世界大戦後（主に視覚と舞台芸術）
前書き
英国文学のオックスフォード百科事典は、モダニズムがcによって終わったと述べている。 1939年にイギリスとアメリカの文学に関して、「モダニズムが消えてポストモダニズムが始まったとき、ビクトリア朝からモダニズムへの移行が起こったときと同じくらい熱く争われた。 クレメント・グリーンバーグは、視覚と舞台芸術を除いて、1930年代に終わるモダニズムを見ていますが、音楽に関しては、モダニズムは第二次世界大戦後の1920年代後半に「使命」と見なされましたが、実際に多くの文学モダニストは1950年代と1960年代に住んでいましたが、一般的に彼らはもはや主要な作品を作っていませんでした。「後期モダニズム」という言葉は、 Wallace Stevens、Gottfried Benn、TS Eliot、Anna Akhmatova、William Faulkner、Dorothy Richardson、John Cowper Powys、Ezra Poundも1930年以降に出版されたModernist作品に適用されます。 1901年生まれのBasil Buntingは、1965年に彼の最も重要なModernist poem Briggflattsを出版した。さらに、Hermann BrochのVirgilの死は1945年に出版され、Thomas MannのDr. Faustusは1947年に出版された。Samuel Beckett、wh 1989年に死亡し、「後のモダニズム」と表現されている。 ベケットは、モロジズムの表現主義の伝統に根ざした作家であり、1930年代から80年代にかけて、モロイ（1951）、ゴドウ（Waiting for Godot、1953）、ハッピーデイズ（1961）、ロカビー（1981）などの作品を制作した。 「ミニマリスト」と「ポストモダニズム」という用語は、後の作品にも適用されている。 詩人Charles Olson（1910-1970）とJH Prynne（1936年生まれ）は、20世紀後半の後期近代主義者として描かれた作家の一人です。
最近では、「後期モダニズム」という言葉は少なくとも1つの批評家によって再定義され、1930年よりむしろ1945年以降に書かれた作品を指すのに用いられている。この使用法では、モダニズムのイデオロギーは、第二次世界大戦、特にホロコーストと原子爆弾の落下。
戦後は、首都を激動させ、経済的、物理的に再建し、政治的に再編することを急いでいる。 パリ（旧ヨーロッパ文化の中心で、元の芸術界の首都）では、芸術の気候は災害でした。 重要なコレクター、ディーラー、モダニストの芸術家、作家、詩人は、ヨーロッパをニューヨークとアメリカで逃れました。 ヨーロッパのあらゆる文化的中心からのシュルレアリスムと現代の芸術家は、米国における安全な避難所としてのナチスの猛攻撃から脱出しました。 逃げなかった人の多くは亡くなりました。 パブロ・ピカソ、アンリ・マティス、ピエール・ボナールといった数人のアーティストがフランスに留まり生き残った。
ニューヨーク市の1940年代には、アメリカの抽象表現主義の功績が表明されました。これは、アンリ・マティス、パブロ・ピカソ、シュルレアリスム、ジョアン・ミロ、キュービズム、フォービズム、初期モダニズムから学んだ教訓を、Hans HofmannやJohn D.グラハム。 アメリカのアーティストはPiet Mondrian、FernandLéger、Max Ernst、AndréBretonグループ、Pierre Matisseのギャラリー、Peggy GuggenheimのギャラリーThe Century of The Centuryなどの存在によって恩恵を受けました。
さらに、パリの機械芸術の彫刻家Jean TinguelyとNicolasSchöfferの両者は、1950年代と60年代の機械芸術の舞台の中心として、その光沢の大部分を取り戻しました。現代人生のテクノセントリックなキャラクターの中には、特に長続きする影響があります。
不評の劇場
「不公平の劇場」という言葉は、人間の存在に意味や目的がなく、したがってすべてのコミュニケーションが壊れているという信念を表現する、ヨーロッパ人が主に書いた演劇に適用されます。 論理的な構成と議論は、非合理的かつ非論理的な発言とその最終的な結論、すなわち沈黙につながる。 アルフレッド・ジャリー（Arfred Jarry、1873〜1907年）をはじめとする重要な先駆者がいる一方で、アブサルトの劇場は1950年代にサミュエル・ベケットの演劇が始まると一般的に見られます。
批評家マーティン・エッセンは、1960年のエッセイ「不合理な劇場」でこの言葉を作り出しました。 彼は、アルバート・カミュが1942年のエッセイ「シシフスの神話」でこの言葉を使用するのと同様に、アブサルトの広いテーマに基づいてこれらの演劇を関連づけました。 これらの演劇における不公平は、明らかに意味のない世界への人間の反応の形をとり、目に見えない外部の力によって制御され、脅かされる人形としての人間を意味する。 この言葉は広範囲の演劇に適用されるが、いくつかの特徴は演劇の多くで一致する：広々としたコメディは、しばしばボーイズビルに似ていて、恐ろしいまたは悲劇的なイメージと混ざり合っている。 絶望的な状況に巻き込まれたキャラクターは、反復的または無意味な行動を強いられた。 クリシェ、言葉遊び、ナンセンスでいっぱいの対話。 周期的または不条理的に広範なプロット; 現実主義のパロディーか解雇か、「よく作られた遊び」のコンセプト。
サミュエル・ベケット（1906-1989）、ユージーン・イオネスコ（1909-94）、ジーン・ジェネット（1910-86）、ハロルド・ピンター（1930-2008）、トム・ストッパード（1937年生まれ）、アレクサンダーフリードリッヒ・デュレンマット（1921-90年）、アレハンドロ・ジョドロフスキー（1929年生まれ）、フェルナンド・アラーバル（1932年生まれ）、バスク・ハヴェル（1936-2011）、エドワード・アルベイ（1928-94年）、ヴァイデンスキー（1904-1941）、ダニエル・カルムス2016）。
ポロックと抽象的な影響
1940年代後半、ジャクソン・ポロックの絵画に対する根本的なアプローチは、彼に続くすべての現代美術の可能性に革命をもたらしました。 Pollockは、ある程度、芸術作品を作ることへの旅は芸術そのものと同じくらい重要であることを認識しました。 パブロ・ピカソの20世紀初頭のキュービズムと彫刻による絵画と彫刻の革新的な改革のように、ポロックは芸術の作り方を再定義しました。 彼のイーゼルペインティングとコンベンションからの脱却は、時代のアーティストやその後に来たすべての人たちへの自由な信号でした。 アーティストたちは、ジャクソンポロックのプロセスが、未延伸の生のキャンバスを床に置くことを認識しました。そこでは、芸術と産業の素材を使って四方から攻撃を受けることができました。 塗料の線状かすを滴下して投げる; ドローイング、染色、およびブラッシング; 以前の境界を越えてイメージとノンイメージから本質的に爆破されたアートメイクを使用しています。 抽象表現主義は一般的に、新しい芸術作品の創作のためにアーティストに利用可能な定義と可能性を拡大し、発展させた。
他の抽象的な表現主義者たちは、ポロックの画期的な進歩を追い風に、 ある意味では、Jackson Pollock、Willem de Kooning、Franz Kline、Mark Rothko、Philip Guston、Hans Hofmann、Clyfford Still、Barnett Newman、Ad Reinhardt、Robert Motherwell、Peter Voulkosなどの革新が、多様性と範囲を広げたそれに続くすべての芸術。 Linda Nochlin、Griselda Pollock、Catherine de Zegherなどの美術史家による抽象的な芸術への再解釈は、現代美術の主要な革新を生み出した先駆的な女性芸術家は、歴史の公式アカウントによって無視されていたことを批判的に示している。
英国の芸術家の国際人物
ヘンリー・ムーア（Henry Moore、1898-1986）は、第二次世界大戦後、英国を代表する彫刻家として浮上した。 彼は、公共の芸術作品として世界各地にある半抽象的な記念碑的なブロンズの彫刻で最もよく知られていました。 彼の形式は、通常、人間の姿を抽象化したもので、典型的には、1950年代の家族グループの彫刻を除いて、通常は女性の身体を示唆する母親と子供またはリクライニングした人物を描いています。 彼の形には一般的に穴があいているか、空洞がある。
1950年代、ムーアは、1958年にパリでユネスコの建物のリクライニングフィギュアを含むますます重要な手数料を受け取るようになりました。もっと多くの公共芸術作品では、ムーアの彫刻の規模は大きく拡大しました。 過去30年間のムーアの人生は、世界中で行われているいくつかの主要な回顧展、特にフィレンツェを見下ろすフォルテ・ディ・ベルベデールの敷地内で1972年の夏に顕著な展覧会が行われ、同様の脈絡で続きました。 1970年代の終わりには、年間40件の展覧会が開催されました。 1967年12月のシカゴ大学キャンパスで、Enrico Fermiが率いる物理学者のチームが最初に制御された自立的な核連鎖反応を達成してから25年後にMooreの原子力エネルギーが発表されました。 シカゴでも、ムーアは、宇宙探査プログラムを認定することを委任された、ローカルにMan Enters the Cosmos（1980年）と名づけられた大きな青銅の日時計で科学を記念しました。
Francis Bacon（1909-1992）、Lucian Freud（1922-2011）、Frank Auerbach（1931年生まれ）、Leon Kossoff（1926年生まれ）、Michael Andrews（1928-1995）などの画家の “London School”国際的に広く認められた。
フランシスベーコンは、大胆で、グラフィックで感情的に生のイメージで知られている、アイルランド生まれのイギリスの比喩画家でした。 彼の絵画的に抽象化された図形は、典型的には、平坦で非文字の背景に対して設定されたガラスまたは鋼の幾何学的ケージに隔離されているように見える。 ベーコンは20代前半に絵を描き始めましたが、30代半ばまで散発的にしか働きませんでした。 彼のブレークスルーは、1944年のトリプチック3つの図書館（図書館）で、人間の条件の唯一の暗い歴史的記録者としての彼の評判を封じた十字架の基底にあった。 彼の出力は、1つのモチーフのシーケンスやバリエーションから構成されるものとして、 1940年代から1950年代初頭にかけて、客室内で孤立した男性の頭部、1950年代半ばから1950年代半ばまでの動物や孤独な人物が幾何学的構造に吊り下げられた。 これらの後には、1960年代初期のトリプチック形式の十字架法の現代的な変形が続いた。 1960年代半ばから1970年代初めにかけて、ベーコンは主に友人の思いやりのある肖像画を作り出しました。 1971年に恋人ジョージ・ダイアーの自殺後、彼の芸術はより個人的、内向きになり、テーマや死のモチーフに没頭した。 彼の一生の間、ベーコンは同じように非難され、評価されました。
ルシアン・フロイトは、ドイツ人の英国の画家で、主に彼の太古の肖像画やフィギュアの絵画のために知られていました。 彼の作品は、心理的な浸透と、アーティストとモデルの関係についての不快な検討のために注目されています。 ニューヨーク・タイムズ紙のウィリアム・グライムス（William Grimes）によると、「ルシーン・フロイトと同時代の人々は20世紀に絵画を変えました。フロイトは1951〜52年の白い犬の女の子のような絵画で、伝統的なヨーロッパの絵画の絵本をサービス彼の友人の多くはキャンバスから目を見張って、アーティストの無慈悲な検査の影響を受けやすいと主張していた」と語った。
抽象表現主義の後の1960年代
1950年代と1960年代の抽象画では、抽象表現主義の主観主義に対する反応として、ハードスタジオやその他の幾何学的抽象のようないくつかの新しい方向性がアーティストスタジオや急進的なアヴァンギャルドなサークルに現れ始めました。 クレメント・グリーンバーグは、1964年に米国全土で重要な美術館を見学した新しい絵画の影響力のある展覧会を企画した後、絵画的な抽象化の声になりました。カラー・フィールド・ペインティング、ハード・エッジ・ペインティング、叙情的な抽象化は、
しかし、1960年代後半まで、ポストミニマリズム、プロセスアート、アルテ・ポヴェラは絵画と彫刻の両方を包含する革命的な概念や動きとして、叙情的な抽象化とポストミニマリズムの動きと初期の概念的な芸術を経て登場した。 ポロックのインスピレーションを得たプロセスアートは、スタイル、コンテンツ、素材、配置、時間感覚、プラスチックとリアルスペースの多様な百科事典を実験し、利用することができます。 ナンシー・グレイヴス、ロナルド・デイヴィス、ハワード・ホジキン、ラリー・ポンス、ジャニス・クネリス、ブリス・マナホン、ブルース・ナーマン、リチャード・タートル、アラン・サレット、ウォルター・ダービー・バナード、リンダ・ベングリース、ダン・クリステンセン、ラリー・ゾックス、ロニーランドフィールド、エヴァ・ヘッセ、ソニー、リチャード・セラ、サム・ギリアム、マリオ・メルズ、ピーター・レギナートは、1960年代後半の芸術の時代を生み出した後期モダニズムの時代に現れた、若いアーティストの一員でした。
ポップアート
1962年、ニューヨーク市のアップタウンアートギャラリーで最初の主要なポップアートグループ展であるThe New RealistsがSidney Janis Galleryに設置されました。 Janisは15 E. 57th Streetにある彼のギャラリーの近くの57th Streetの店頭に展覧会を設置しました。 ショーはニューヨークの学校を通した衝撃波を送り、世界中に反響しました。 1958年の英国では、ローレンス・アローデイが「ポップ・アート」という言葉を使って、第二次世界大戦後の消費主義を祝った絵を描いていました。 この動きは抽象的な表現主義を拒否し、量産時代の重要な消費者文化、広告、象徴を描き、しばしば賞賛した芸術に賛成して、解釈学的、心理的な内装に焦点を当てた。 デヴィッド・ホックニーの初期の作品とリチャード・ハミルトンとエドゥアルド・パオロッティの作品（1947年の画家を創造したのは私がリッチ・マンズ・プレイズであった）は、この動きの精神的な例と考えられています。 一方、ニューヨークのイーストビレッジ10番街のギャラリーのダウンタウンシーンでは、アーティストはポップアートのアメリカ版を制作していました。 Claes Oldenburgは彼の店頭を持ち、57th StreetのGreen GalleryはTom WesselmannとJames Rosenquistの作品を展示し始めました。 後にレオ・カステッリは、アンディ・ウォーホルとロイ・リヒテンシュタインをはじめとする他のアメリカ人アーティストの作品を展示しました。 マルセル・デュシャンとマン・レイの根本的な作品、ユーモアのセンスを持つ反抗的なダダイスト、そしてClaes Oldenburg、Andy Warhol、Roy Lichtensteinのようなポップ・アーティストの間には、Ben-Dayドットの絵が再現されています。商業再生に使用される技術。
ミニマリズム
ミニマリズムは、様々な形態の芸術やデザイン、特に視覚芸術や音楽における動きを記述しており、不必要な形や特徴、概念を取り除くことによって、題材の本質やアイデンティティを暴露しようとしています。 ミニマリズムとは、最大の効果を生み出すために最も単純で最小の要素が使われるデザインやスタイルのことです。
芸術における特定の動きとして、第二次世界大戦後の西洋芸術の発展とともに、1960年代から1970年代初頭のアメリカの視覚芸術と最も強く結びついています。 この動きに関連した有名なアーティストには、Donald Judd、John McCracken、Agnes Martin、Dan Flavin、Robert Morris、Ronald Bladen、Anne Truitt、Frank Stellaなどがあります。 それはモダニズムの還元的側面から派生し、しばしば抽象表現主義とポストミニマル芸術慣行への橋渡しに対する反作用として解釈される。 1960年代初期まで、ミニマリズムは、リレーショナルおよび主観的絵画の考え方、抽象表現主義者の表面の複雑さ、および感情的な時代主義者を拒絶したアート（抽象的運動として、カジミール・マレービッチ、バウハウスおよびピート・モンドリアンの幾何学的抽象に根ざしたもの）として浮上したアクションペインティングのアリーナに存在する批判的な批判と批判的批判。 ミニマル主義は、極端な単純さが芸術に必要な崇高な表現のすべてを捉えることができると主張した。 ミニマリズムは、ポストモダニズムの先駆けとして、あるいはポストモダン運動そのものとして、様々に解釈される。 後者の観点では、初期のミニマリズムは先進的なモダニズム作品をもたらしたが、ロバート・モリスのような一部のアーティストが反体制運動に有利な方向を変えたときに、この方向性を部分的に放棄した。
ハルフォスターは、ミニマル主義の最重要課題であるドナルド・ジャッドとロバート・モリスが、グリーンバーニアン・モダニズムを、出版されたミニマリズムの定義で認め、超越する程度について検討する。 彼は、ミニマリズムはモダニズムの “終わり”ではなく、 “今日の精巧なポストモダンなプラクティスへのパラダイムシフト”であると主張する。
この用語は、ラ・モンテ・ヤング、テリー・ライリー、スティーブ・ライヒ、フィリップ・グラス、ジョン・アダムスの作曲と同じような反復と繰り返しを特徴とする音楽の動きを包含するように拡大している。 ミニマム・コンポジションはシステム・ミュージックと呼ばれることもあります。 「ミニマリスト」という言葉は、しばしば言い換えれば、本質的に余分なものを取り除いたものを指します。 また、Samuel Beckettの演劇や小説、Robert Bressonの映画、Raymond Carverの物語、Colin Chapmanの自動車デザインを記述するのにも使用されています。
ポストミニマリズム
1960年代後半、ロバート・ピンカス・ヴィッテンは、ミニマル主義に由来する芸術を表現するために、ミニマル主義が拒絶した内容と文脈上の倍音を持つ「ポストミニマリズム」という言葉を作り出しました。 この言葉は、ピンカス・ウィッテンがエヴァ・ヘッセ、キース・ソーニエ、リチャード・セラ、そしてロバート・スミスン、ロバート・モリス、ソル・ルウィット、バリー・ルバなどの新作による作品に適用されました。 ドナルド・ジャッド、ダン・フラビン、カール・アンドレ、アグネス・マーティン、ジョン・マクラッケンなどの他のミニマリストも、残りの人生のために近代的な画家や彫刻を作り続けました。
それ以来、多くのアーティストは最小限のスタイルやポストミニマルスタイルを取り入れ、 “ポストモダン”というラベルが付けられています。
コラージュ、アセンブリー、インスタレーション
抽象表現主義に関連して、以前の絵画と彫刻の慣習から離れて、制作されたアイテムをアーティストの素材と組み合わせることが出現しました。 ロバート・ラウシェンバーグの作品はこの傾向を示しています。 1950年代の彼の「コンビネーション」は、ポップアートとインスタレーションアートの先駆けであり、ぬいぐるみの動物、鳥、商業写真などの大きな物理的オブジェクトの集まりを使用していました。 ラスチェンバーグ、ジャスパー・ジョンズ、ラリー・リバーズ、ジョン・チェンバーレン、クレス・オルデンブルク、ジョージ・シーガル、ジム・ディーン、エドワード・キーンホルツは、抽象化とポップ・アートの重要な先駆者の1人でした。 新しい芸術の慣習を創造し、現代の現代美術界では不可能な素材の作品に根本的な包含を容認しました。 コラージュのもう一つの先駆者は、彼の個人的なアイコン化と発見された物の使用のために、より密接にスケールされた作品が根本的に見えるジョセフ・コーネルでした。
ネオダダ
20世紀初頭、マルセル・デュシャンは彫刻として小便器の展示を提出しました。 彼はそれが芸術作品であると言って人々が小便器を芸術作品のように見ているという彼の意図を公言した。 彼は彼の作品を “レディメイド”と呼んだ。 噴水は、1917年に芸術の世界に衝撃を与えた展覧会の仮名「R. Mutt」で署名された小便器でした。このデュシャンの他の作品は、一般的にダダと呼ばれています。 デュシャンはコンセプチュアルアートの先駆けとも言える他の有名な例として、ジョンケージの4’33 “（4分33秒間の沈黙）と、ラウシェンバーグの「滅びたドゥクーニングドローイング（Erased de Kooning Drawing）」などがあります。作品の本質的な性質ではなく、作品を見たり、芸術として行動した結果、「普通の生活記事」を選んで「その新しいものを考える」というデュシャンは、ファウンテンを彫刻として見学者に招待した。
マルセル・デュシャンは有名にチェスのために「芸術」をあきらめました。 アヴァンギャルドの作曲家、デイヴィッド・チューダーは、ローウェル・クロスと共同して作ったリユニオン（Reunion、1968）という作品を制作しました。この作品には、それぞれの動きが照明効果や投影を引き起こすチェスゲームがあります。 DuchampとCageは作品のプレミアでゲームをしました。
スティーブン・ベストとダグラス・ケルナーは、モダニズムとポストモダニズムの間のデュシャンの影響を受けた移行期の一環として、ラウシェンバーグとジャスパー・ジョンズを特定する。 両方とも、高いモダニズムの抽象と絵画的なジェスチャーを保持しながら、通常のオブジェクトのイメージ、またはオブジェクト自体を仕事に使用していました。
パフォーマンスと出来事
1950年代後半から1960年代にかけて、幅広い関心を持ったアーティストが現代美術の境界を広げ始めました。 フランスのYves Klein、Carolee Schneemann、草間彌生、ニューヨークのCharlotte Moorman、Yoko Ono、ドイツのJoseph Beuys、Wolf Vostell、Nam June Paikは、パフォーマンス・ベースの芸術作品の先駆者でした。 Julian BeckとJudith MalinaのLiving Theatreのようなグループは、彫刻家や画家と協力して、聴衆とパフォーマーとの関係を根本的に変えました。 ニューヨークのジャドソン記念教会にあるJudson Dance Theatreは、 イヴォンヌ・ライナー、トリシャ・ブラウン、エレイン・サマーズ、サリー・グロス、シモン・フォーティ、デボラ・ヘイ、ルシンダ・チャイルズ、スティーブ・パクストンなどのジャドソン・ダンサー、 Robert Morris、Robert Whitman、John Cage、Robert Rauschenberg、BillyKlüverのようなエンジニアとコラボレーションしています。 パークプレイスギャラリーは、電子作曲家のスティーブ・ライヒ、フィリップ・グラス、ジョーン・ジョナスをはじめとする著名アーティストの音楽演奏の中心でした。
これらの公演は、彫刻、ダンス、音楽やサウンドを組み合わせた新しい芸術作品の作品として、聴衆の参加を得て企画されました。 彼らは、ミニマル主義の還元哲学と抽象表現主義の自発的即興と表現性によって特徴づけられました。 Schneemanの衝撃的な作品の画像は、この種の芸術を説明するために使用されることがあり、彼女はしばしば彼女の作品「インテリアスクロール」を実行している間に撮影されています。 しかし、この作品を演奏した彼女のイメージは、パフォーマンスアートがないものを正確に示しています。 パフォーマンスアートでは、パフォーマンスそのものがメディアです。 他のメディアはパフォーマンスアートを説明することはできません。 パフォーマンスアートは、キャプチャされずに実行されます。 その性質上、パフォーマンスは瞬間的かつエバネセント的であり、これは芸術としての媒体の要点の一部です。 他のメディアにおけるパフォーマンスアートの表現は、画像、ビデオ、物語、または他の方法によるものであっても、空間または時間における特定の視点を選択するか、または各メディアの固有の制限を伴うものであり、したがって、
同じ時期に、様々なアバンギャルドなアーティストたちがハプニング、謎めいた、時には自発的で非公式なアーティストやその友人や親戚の集まりを作り出し、不条理、身体性、衣装、自発的なヌード、切断された行為。 1958年に初めて使用されたアラン・カプロー、クラース・オルデンブルク、ジム・ディーン、レッド・グルーム、ロバート・ホイットマンの著名な作家が登場しました。
インターメディア、マルチメディア
ポストモダンという言葉に関連した芸術のもうひとつの傾向は、いくつかの異なるメディアを一緒に使うことです。 IntermediaはDick Higginsが作った用語で、Fluxusのラインに沿った新しい芸術作品、具体的な詩、発見された物、パフォーマンスアート、コンピュータアートを伝えることを意図していました。 ヒギンズは、アーティスト、アリソン・ノウルズと結婚したコンクリートの詩人、マルセル・デュシャンの崇拝者であるサムシング・プレスの出版社でした。 イハーブ・ハッサンには、ポスト・モダン・アートの特徴のリストの中に、「インターメディア、形式の融合、領域の混乱」が含まれています。 「マルチメディアアート」の最も一般的な形式の1つは、ビデオテープとCRTモニタの使用で、ビデオアートと呼ばれます。 複数の芸術を1つの芸術にまとめる理論はかなり古く、定期的に復活してきたが、ポストモダンの表現は演劇芸術と組み合わせて使用されることが多く、そこでは劇的なサブテキストが取り除かれている。質問または彼らの行動の概念的なステートメント。
Fluxus
Fluxusは1962年にリトアニア生まれのアメリカ人アーティスト、George Maciunas（1931-78）によってゆるやかに設立されました。 フルクサスは、ニューヨーク市の社会研究のための新しい学校でジョンケージの1957年から1959年までの実験的構成授業に始まります。 彼の学生の多くは音楽をほとんどあるいはまったく使わずに他のメディアで働いていたアーティストでした。 Cageの学生には、Fluxusの創設メンバーであるJackson Mac Low、Al Hansen、George Brecht、Dick Higginsが含まれていました。
Fluxusは複雑さを超えて、それ自身の美しさと価値のあるシンプルさを奨励しました。 それ以前のDadaのように、Fluxusは反商業主義と反美術感受性の強い流れを含み、アーティスト中心の創造的実践に賛成する従来の市場主導の美術界を蔑視した。 Fluxusのアーティストは、自分の作品を作成したり、同僚との制作過程で協力したりして、どんな素材でも作業することを好みました。
アンドレアス・ヒューセン（Andreas Huyssen）は、ポストモダニズムのためのフルクサスを「ポストモダニズムのマスターコードか、最終的には表現不能なアート運動か、ポストモダニズムの崇高さ」と主張しようとする試みを批判している。 代わりに、Fluxusは前衛的な伝統の中でネオ・ダダー主義の主要な現象と見なされます。 それは、「冷戦のイデオロギー的支柱として機能する、適度な、栽培されたモダニズムがもたらされた1950年代の管理された文化」に対する反乱を表現したものの、芸術的戦略の発展において大きな進歩を示すものではなかった。
後期
絵画と彫刻の抽象表現主義、色彩絵画、叙情的な抽象化、幾何学的抽象化、ミニマリズム、抽象的な錯視、プロセスアート、ポップアート、ポストミニマリズム、その他の20世紀後半の近代主義運動の継続は、21世紀の最初の10年間それらの媒体における根本的な新しい方向性を構成する。
ルーアン・フロイト、ロバート・ラウシェンバーグ、ジャスパー・ジョンズ、アグネス・マーティン、アル・ヘルド、エルズワース・ケリー、ヘレン・フランケンタラー、フランク・ステラ、ケネス・ノランド、ジュール・オリツキーなど、21世紀の頃には、チャールズ・クローズ、サム・ギリアム、アイザック・ウィットキン、ショーン・スカリー、マーワン・マムタニ、ジョセフ・ネクヴァタール、エリザベス・マレー、ラリー・ポンス、リチャード・セラ、ジェームス・ローゼンキスト、ウォルター・ダービー・バナード、ラリー・ゾックス、ロニー・ランドフィールド、ロナルド・デイヴィス、ダン・クリステンセン、ジョエル・シャピロ、トム・オータネス、ジョーン・スナイダー、ロス・ブレークナー、アーチランド、スーザン・クリルギルなどが、重要かつ影響力のある絵画と彫刻を続けた。
モダニズムとポストモダニズムの違い
1980年代初めには、アートと建築におけるポストモダンの動きが、様々な概念的および中間的な形式を通じてその地位を確立し始めた。 音楽と文学のポストモダニズムは早くから始まりました。 音楽では、ポストモダニズムは「1970年に導入された用語」のように1つの参考文献に記載されているが、英国文学ではオックスフォード百科事典はモダニズムが1939年に「ポストモダニズムに支配的」であると見ている。非常に議論の余地があります。特にAndreas Huyssenによると、次のようになります。「ある批評家のポストモダニズムは、もう一つの批評家のモダニズムです。 これには、両者の分裂に批判的であり、同じ運動の2つの側面として見える者も含まれ、後期モダニズムが続くと信じています。
モダニズムは、多種多様な文化運動の包括的なラベルです。 ポストモダニズムは本質的に、社会経済学の理論に基づいて、それ自体が名づけられた中央集権的運動であるが、現代は現代の意識と再解釈を示す20世紀以降の活動を指すために幅広い意味で使われている。
ポストモダン理論は、モダニズムを「事実の後で」統治しようとする試みは、曖昧さのない矛盾に運命づけられていると主張している。
狭い意味では、モダニストはポストモダンであるとは限りませんでした。 合理性と社会技術的進歩の利点を強調したモダニズムの要素は、モダニストのみでした。
アフリカとアジアにおけるモダニズム
「現代主義の概念、特に美的自立は、アンコール・アフリカにおける脱植民地化の文献にとって基本的なものでした」 Rajat Neogy、Christopher Okigbo、Wole Soyinkaは、「植民地の奴隷から、人種差別の制度から、そして新しい植民地時代からの自由を宣言する、美的自律の近代的な版を再利用した」作家の一人であった。
「近代主義」と「近代主義者」という言葉は、近代日本文学の英語の標準的な談話の一部となっており、西欧のモダニズムに対する真正性についての疑問が残っている。 これは、川端康成、永井かふ、谷崎淳一郎といった有名な日本人作家の「決定的なモダンの散文」を奇妙に捉えたものです。 しかし、「視覚と美術、建築、詩の学者は、1920年代と1930年代の日本の文化を記述し分析するための重要なコンセプトとして、「モダニズム」を容易に受け入れました。
1924年、川端康成、横光里一をはじめとする様々な若手作家が文芸学術誌「文芸時代」を始めた。 このジャーナルは、「ヨーロッパのキュービズム、表現主義、ダダ、その他のモダニズムのスタイルに影響を受けた、芸術のための芸術の一部」でした。
日本の近代建築家の丹下健三（1913〜2005）は、伝統的な日本のスタイルとモダニズムを結びつけ、5大陸の主要建物を設計した20世紀の最も重要な建築家の一人であった。 「1959年頃から60年代初めに、私が後に構造主義と呼ぶべきものを考えるようになったと思う」とスイスのモダニストル・コルビュジエが幼い頃から影響を受けていた。広島平和記念公園の設計のための競争に勝った1949年の認識。
中国では、新感覚派は上海に拠点を置く一群の作家であり、1930年代と1940年代に西洋と日本のモダニズムによって様々な影響を受けた。 彼らは、政治や社会問題よりも無意識や美学にもっと関心のある小説を書いた。 これらの作家の中にはMu Shiying、Liu Na’ou、Shi Zhecunがありました。
プログレッシブアーティストグループは、1947年に形成されたインドのムンバイに本拠を置く現代アーティストのグループでした。それには特別なスタイルはなく、20世紀前半からポストを含むヨーロッパと北米の影響を受けたインドのアートを合成しました – 印象派主義、キュービズム、表現主義。