展覧会「ポルトガルの芸術、理由、感情」のコレクションは、19世紀半ばから1980年代にかけて、セルパピントウイングの美術館のすべてのギャラリーを占める、その時間的アークの多くをカバーしています。それは肖像画から始まり、アーティスト集団による世代間の対話ではめったに扱われない18世紀のテーマであり、ミゲル・ルピ、ルチアーノ・フレイレ、ヴェローゾ・サルガド、ドゥアルテ・ファリア、マイアとコンスタンティノ・フェルナンデスの未知の作品である
ロマンチックな風景と自然主義的な風景の間の親和性と永続性が提示されていますが、自然光の感覚と治療の高揚、19世紀後半のノスタルジックな象徴性、重要な作品やアントニオ・パトリシオやホセ・デ・ブリトなどのまた、最近法人化されたレガシーベロソサルガドの未公開の絵画のセットが際立っています。
アマデオ・デ・ソウザ・カルドーゾの国際的な前衛派へのつながり、特に彼の抽象主義の提案によって表現された、20世紀初頭の現代性は、20世紀半ばの争議運動とポーラの新しい比parameters的なパラメーターによって明確にされていますレゴ、博物館のメインギャラリー。エメリコ・ヌネス、アントニオ・ソアレス、アベル・マンタ、ベルナルド・マルケス、ミリー・ポデス、ホルヘ・バラダス、ハイン・センケ、ホルヘ・オリベイラ、ホルヘ・ヴィエイラの壮大なコラージュの作品はほとんど公開されていません。
このポルトガルの芸術の150年の旅は、作家とめったに見せられない作品へのアプローチを可能にし、感情と芸術的感性の間の理由を文脈化します。キュラトリアル提案は、19世紀以降の社会的および政治的影響、および現代の在り方の概念についての反映を指します。これは、最も完全な芸術において、時系列の経路、連続性と変化、同類と概念を区別することによるものですコレクション。1911年に設立されたこの博物館の名前を正当化する現代的、次、そしてオリジナル。
テーマ
ポルトガル美術展。絵画、ドローイング、版画、彫刻、写真、ビデオから成る理由と感情は、19世紀半ばの7つのコアと一部に分かれており、ロマンチックで自然主義的なポートレートと風景があり、2010年代まで旅をしています。
「魂の鏡」、「イメージの力」、「現代文化」、「絵画に注意してください！」、「コミュニケーションとコンテストの形態」、「言語と実験」、「ポストモダニズム」は7つのコア。
魂の鏡
19世紀のテーマの肖像画に焦点を当て、コルンバーノボルダロピニェイロ、アントニオラマリョ、コンスタンチノフェルナンデス、ヴェローゾサルガドなどのアーティストの作品、両方とも未発表の作品、すなわち最初のアーティストの父親の肖像と日本人の肖像秒から。
イメージの力
肖像画から、自然と劇場に行き、世界の舞台として、彫刻から始まり、アントニオ・マヌエル・ダ・フォンセカの決して露出されていない作品で始まる核で、劇場とのつながりも芸術に非常に存在しています19世紀の近代性の誘惑を反映しています。
現代文化
スーザロペス、ベルナルドマルケス、アントニオソアレス、アベルマンタ、エドゥアルドヴィアナ、マリオエロイなど、未来の美学を紹介するいくつかのアーティストと共にモダニズムに入ります。
絵画に注意してください！
アルマダ・ネグレイロスは、ポルトガルの祖国を憧れの精神から解放するために、A Reading、A Nap、Acrobats、Harlequinsなどの絵画で、厳格で流動的な観察図面が提供する不敬に反対する画家です。、バレエまたはインテリア、すべて20世紀半ばから。
コミュニケーションとコンテストの形態
第二次世界大戦の終わりに、抽象主義、ネオリアリズム、シュールレアリズムなどの新しい芸術運動がフェルナンド・ランハス、テレザ・デ・アリアガ、アントニオ・ダコスタ、ヴェスペラ、マリオ・セサリニー、ホルヘ・ヴィエイラの絵画にコラージュとともに登場します。非常に少ない知られているシュールなもの-またはアレクサンドルオニール。
言語と実験
1960年代から1980年代の芸術運動のテーマは、植民地戦争によって決定された変化の緊急性から生まれ、1974年の革命で更新されました。この革命では、芸術家はすでに美術、シーン、映画、テキスト、グルベンキアン奨学金の支援を受けて、パリ、ロンドン、ベルリンでシーズンを過ごした経験の結果。
Paula Rego、Lourdes Castro、JoãoVieira、Ana Hatherly、Eduardo Nery Jose Escada、Antonio Sena、Jorge Pinheiro、Jorge Martinsなどのアーティストは、これらのムーブメントの代表的なアーティストです。
ポストモダニズム
ポストモダニストは、自己反射性とアイデンティティ、モダニズム建築のディストピアまたは風景批判を含むさまざまな概念への道を開きます。写真は実験的に使用され、風景はフィクションではなく、ドキュメンタリーの外観、現代建築作品が批判されます。
JuliãoSarmento、Fernando Calhau、Victor Pomar、Nuno Cera、Paulo Catrica、Francisco Tropaは、この展覧会の最後の核となったアーティストの一部です。
ポルトガル美術の特徴
ポルトガルの芸術の同時性は、60年代以降、ネオヴァンガードの基本的な作家の作品を通じて、エスタドノヴォの文化政策から受け継がれたモダニズムの価値観を破り、重大な破裂の瞬間を提示します。1974年の民主革命は、次の数十年でポルトガルの芸術の実験的で異質な性格を決定する新しい政治的、社会的、文化的背景の始まりを示します。20世紀の終わりまでの、その後の数十年間の芸術的パノラマは、芸術の実践の自主性と、国際的なシーンにポルトガルの芸術を取り入れた、最も確立された国内アーティストの一部による新しい言語の奉献によって特徴付けられます。
国立現代美術館のコレクションは、1960年代以降ポルトガルの芸術に起こった変革のいくつかを特に証明しています。
イベントと旅
クルトゥール（1962）
Kulturは、Joaquim Rodrigoの最も大規模でおそらく特徴的な作品への最初のアプローチです。ロドリゴは、黄土色の背景に彼の既に定義した理論の4つの主要な色（赤、黄、白、黒）を混ぜ、同じ色でいくつかの標識を刻み、領域を塗りつぶし、輪郭をデザインしました。
この作品は、世界の領域と時間を構成する出来事の自然の多様性を拡大した絵画によって登録された、現在認識されている国民の政治生活から取られたエピソードを暗示しています。
図形は概略的かつ合成的であり、地形の輪郭を利用し、ロドリゴの以前の作品ですでによく知られている二次元要素に厳密に準拠しています。物語も存在し、平面上に孤立して配置された視覚的な兆候の明瞭さを推測します。地図作成との親和性は明確であり、この段階からのジョアキム・ロドリゴの絵画に対する私たちの理解を構成し、動き、旅、またはより一般的に旅の一部と結びついた小さな知覚の配置を明らかにします。
必然的に全体を指す風景は、画家が地図を事件として認識し、その特異性は孤立しているが、常に推測される動きによって運ばれているように見える複数の力のフィールド内で消えます。標識は、垂直レイアウト内の分布と厳密に関連して編成されたさまざまな色を示唆しており、絵画によって作成された空間と時間の次元が今ここで絶対に定義されます。
サンタマリア（1961）
この作品のタイトルのイニシャルは、ポルトガルの政治情勢に国際社会の注目を集めるためにエンリケ・ガルヴァンがハイジャックしたライナー、サンタ・マリアの名前を暗号化します。この絵画は、ポルトガルの芸術に新たな瞬間をもたらします。
このエピソードは、厳密な直交グリッド内に配置された記号によってナレーションが付けられ、光の中心が絵画の中心に対応する攪拌された水色の背景に調整されています。Rodrigoは、高さ、平面、または断面で描かれた形状の背景に3つの原色を使用して、情報の効率的な合成をレンダリングします。
画像は、絵画がエピソードの記述や物語のように機能することを可能にする意味のある値を想定しており、絵画を世界とその偶発性に開かれたレジスターとしてマークします。グラフィックサインは、ジョアキム・ロドリゴの作品の絵文字の次元と書かれた他の視覚サインと混ざり合っています。
アイロニーと幻想
恋人たち（1965）
RolandoSáNogueiraのOs amorososは皮肉で分散した喚起です。この絵画は、ポルトガルの文化と社会の中で、芸術によって採用された開発と消費によって定められた新しい方法と、伝統的な道徳的およびイデオロギー的価値の持続との間の矛盾を明らかにしています。アクセサリー、現代の生活の残り物、ポストカードなど、ひじょうにシンプルなタッチが、当時のセクシュアリティの偽善的なアプローチを非難しています。
牧歌的な愛の関係は、写真イメージの非難、連想、移動、およびさまざまなソースや画像要素からの多様な断片の並置された累積的な無秩序の関係によって笑されます。ジェスチャ的で表情豊かなこの順序は、アーティストのラウシェンバーグとキタジの順序に近いものです。
マーキー（1993-2006）
この作品は、ポルトの次の地区で行われた写真調査の結果です。コントゥミル、パストレイラ、イルハスダボアビスタエラパ、非合法な建築が一般的です。都市や郊外の住居の物理的な別館としての非合法なマーキーの広範な使用は、社会学的な考え方を伝えています。
この作品では、アーティストのアンジェラ・フェレイラがこれらの見掛け倒しの工業化された建築材料を利用し、概念的および彫刻的な意味を与えています。そうすることで、芸術家は、日常の市民によって作られた共通の国家建築の特徴の皮肉を強調しています。
時間の性質に関連する側面の反映と現実のイメージへの同化、そして面白いまたは幻想的な魅力は、芸術家ルネ・ベルトロによって開発された他のメカニズムの根底にあります。ティンゲリーの直接的な映画の影響を超えて、Bertholoの制作はより技術的であり、シーンに基づいており、おそらくCalderの現実の面白いメカニズムに近いものです。
この作品は、バーチャルを現実として受け入れることを条件付けることにより、アクションの知覚を活性化するメカニズムを開発します。この仕掛けは、アニメーション化された風景の錯覚を作成することにより、穏やかな指示対象を実行します。具体的かつ直接的な対象物であるボートの動きを雲の知覚できない次元に移動させることにより、機械的で牧歌的な詩が導入されます。時間は常に反映されるため、時間は進化することなく、それ自体を表します。
サインとジェスチャー
無題（1972）
手紙は、書く代わりに、白いページのサインとしてそれ自身を確認します。しかし、ジェスチャーは、読むために私たちに与えられたものです。制作過程での身体の動きは、ジョアンビエイラの絵画にパフォーマンスの側面を追加します。ジェスチャーは汚れに集中し、スパチュラの広くしっかりした後流の痕跡ではなくなります。強調された素材の一貫性は、ジェスチャーに記念碑的な外観を与え、それを正式な存在として建てます。
文字は、限界に達した自律的な兆候のように、色分けされています。それらは組成物を整理して韻を踏むプラスチックの要素であり、回転と反転を採用する直交グリッド上でそれを構造化し、組み合わせの十分な選択を可能にします。
ルネ・ベルトロの影を落とす（1964）
1964年以降、ルルドカストロは、キャンバスに描かれた瞬間的で特徴的な写真のポーズで、シルエットと孤立した人物の輪郭を探求し始めました。ルルド・カストロは、シルエットの影に加えて、不在の輪郭に外接する輪郭がなければならないと述べた。制限によって定義され、タイトルによって識別されるこれらの数字は、彼女が日常生活を共有するキャラクターのギャラリーを形成します。芸術と生命の近接性は、インスタントの地図作成のように、この痕跡を通して可能な関係を見つけます。
ディープ（1975）
執筆の兆候は読みやすいが、解釈できない。それは、製品ではなくアントニオ・セナの制作プロセスを読むように導く運動の残りの部分である。文章の逸脱は、ジェスチャ、表現力豊かに作成されたテクスチャ表面に散らばるアーティストの体の独特のマークです。
幾何学的線形トレースの隣のボイド内の散乱サインは、一連の空間密度を生じさせます。不透明さの間に、驚きという言葉が海という言葉に出会うことになります。これは、タイトルDeepとともに、ベイトの意味のように機能します。名前の名目上の力は、喚起の能力を活性化し、それが預託されているすべての参照をもたらします深い青色に収束する類推的な関係のない感覚のセット。
ポルトガル国立現代美術館
国立現代美術館-シアード美術館は、世界中で作成された現代美術の最初の美術館の1つでした。リスボンの歴史的中心部に位置し、19世紀後半から現在までのポルトガル美術の代表的なコレクションが展示されており、現代と現代のポルトガル美術の理解と楽しみのために必見の博物館です。一時的な展示プログラムは、博物館活動全体の範囲内で非常に重要です。コレクションのプレゼンテーションは、歴史的および批判的な研究の持続的な作業に従って、その時間的またはテーマ的なセグメントで定期的に更新されますが、プログラムはポルトガルの芸術に限定されず、
国立現代美術館-Museu do Chiadoは、1911年5月26日に政府の法令により設立されました。それは、旧国立美術館から旧アンティガ美術館に引き継がれたアンティガ美術館に分割されて生まれました。 1850年より前に制作され、パラシオダスジャネラスベルデス、およびその日付以降に完成したすべての作品を含む国立現代美術館に残り、アカデミアデに隣接する地域のサンフランシスコ修道院に収蔵された作品Belas Artes。国の長さを広げる博物館のネットワークの作成は、18世紀の人間の啓発の概念に基づいたプロジェクトの実現であり、国の芸術を保護し、表示するために必要なツールを国に与えました。現代美術館の創設は、
コンベントデサンフランシスコの国立現代美術館の住宅は、一時的ではありますが、美術館に代表される時代の芸術家が頻繁に訪れるエリアに象徴的かつ適切に位置していました。それは、ロマン派と自然主義者の展示会が開催されていた大きな古いホール、修道院の別館を占めていました。