過去の展覧会レビュー2018-2019、フランス、ニースの近現代美術館

憤慨した年以来、MAMACは現代社会問題に根ざした美術史の活発な新しい読書に取り組んでいます。特異な人物のハイライトと新しい物語の制作。自然との関係やアーティストが生態学的な課題に取り組む方法は、プログラムで提起された重要なテーマの1つです。

ガイド付きツアー、ワークショップ、アーティストや研究者とのミーティング、ストーリーテリングツアー、講義やプロジェクション、ダンス訪問、コンサート、パフォーマンス、イベントは、より多くの聴衆に現代アートのアクセシビリティを促進し、さまざまな分野のアーティストの遊び場で美術館を変革します。博物館チームは一年中、企業、協会、学生、ソーシャルワーカーとのネットワークの集まりを構築して、博物館を再発明する特定のプログラムや方法を発明しています。

2018年の展示会
Auguste-Dormeuil、もし私がそれをすべてやり直さなければならなかったら
1968年に生まれたRenaudAuguste-Dormeuilは、1990年代半ばから、公共および政治の場でイメージがどのように作成されるかを疑問視してきました。可視性/不可視性、光/暗闇、記憶/忘れ、私たちが知っていること/私たちが知っていると思うこと、見せずに喚起する、話すことなく言う…はすべて、画像の流れを構成するコードを形作る彼の作品を理解するためのマーカーです。アーティストの最初の関心は本質的に新しい地図作成に焦点を合わせていましたが、何年もの間、彼の作品はより比喩的でパフォーマンスの高い方向に進んでいます。MAMAC内およびパブリックエリアでの一連の体験として設計された彼のコンテンポラリーギャラリーでの展覧会は、展覧会の期間中に設定された一連の超薄型およびパフォーマンスの形をとりました。

宇宙進化論、AuGrédesÉléments
要素を召喚し、宇宙の構成要素を結び付ける目に見えない結びつきを捉え、侵食、刷り込み、結晶化のプロセスを理解し、太陽の火傷を明らかにする…1960年代初頭以来、要素を支配することを夢見ているか、創造的な謙虚さをいじっているかどうか物事を起こさせること、またはその間のどこかで、数世代の芸術家が自然とその現れに目を向けてきました。風、光、花粉を「集める」ことに着手したこれらの芸術家収集家のアプローチは、自然現象の捉え方、素材のさまざまな状態の探索、または表面上はとらえどころのない要素の注意深い観察に焦点を当てた実験から生じています。

イヴ・クラインの「瞬間的な自然状態」、ランドアート、「仕事の力」に魅了されたアルテポーヴェラを捉える実験は、芸術界と自然界の間のこの共謀の重要な瞬間であるように思われます。この実験を最新のものにする、展覧会のために選ばれた作品は、非永続性への賛辞と、さまざまな世代のアーティストを通じて自然に「支援された」形態の出現を概説しています。彼らは、環境問題に関する現代の議論の多様性を反映しながら、自然のプロセスとそれらを捉えることへの彼らの永続的な魅力を強調しています。自然の秩序の脆弱性に対する鋭い認識に駆り立てられて、実践は暗黙のうちに環境への嘆願と宇宙の秘密の生活を聞いて感じることへの訴えを概説します。

ミシェル・ブラジー、タイムライン
ミシェル・ブラジーは1966年4月24日にリビエラの風景の下で生まれ、今日では彼の世代で最も独創的なフランス人の1人です。ローテク効果と実験を通して、アーティストは自宅の庭からスーパーマーケットまでの要素を使用して、生活を観察し、作業します。これらの小さな進化的および一時的な活動は、永続的な変化における微生物の敏感な探索を明らかにします。

彼は、Galerie des Ponchettesで、フレスコ画、廃墟、自発的な植生が文字通り時間の経過を体験できる、快楽の園のような没入型の環境インスタレーションを想像しました。トマトピューレのようなポンペイの赤で覆われたギャラリーのアーチは、ジョットの絵画を想起させる寒天で作られた青い空と対照的でした。この壁画の中央には木炭の輪があり、そこから自然に植生が生まれました。煆焼された木のマットな黒は、再生のアイデアを強調する緑の輝きと新鮮さと対照的でした。アルミニウム箔で覆われたアンリケの彫刻、レンガ、そして自発的な植物が生い茂ったハードドライブ、苔で覆われた服は、建築のスケールで描かれたこの色彩、嗅覚、感覚の風景を完成させます。

アイリーン・コペルマン成長中、絡み合い、結び目、コイル状の風景
1974年にアルゼンチンのコルドバで生まれたIreneKopelmanは、アルゼンチンとアムステルダムの間に住んでいます。彼女は、生きている世界のメカニズムの理解を求めて、世界中の並外れた生態系を探索しています。それぞれの新しいビオトープは、敏感な(風景、そのスケール、その動きを感じる)特定の没入型アドベンチャーを構成します。視覚的(要素の絡み合いと相互依存)および知的(記録と測定のためのツールを現場の科学チームと発見し、これらの生態系の生活自体とそれらの役割を大規模に理解する)。

彼の観察段階から、抽象化の端にある一連の細いドローイングまたはガッシュが作成され、その断片化されたモチーフが風景の非常に多くのサンプルを呼び起こします。「モチーフに関する」この作品と「自然後」の調査のこの実践は、18世紀と19世紀の自然主義者の探求に言及しています。驚異の部屋、そしてこの発見の時代から生まれた鉱物や植物種の複数の板に魅了されたアーティストは、知識の探求と構築、自然現象の特定、方法論的な試行錯誤のこの時代に直面しながら疑問を投げかけます現代の生態学的問題。

多くの場合、彼女はその広大さ、包み込むような性質、そして砂漠、ジャングル、氷河などのグローバル性を比較的把握できないため、極端な風景に意図的に焦点を合わせました。この広大さから、彼女は毎回、先験的に控えめな要素(地衣類)を分離しました、葉、南極でのボートの航海中の単純な線のセットなど)、まるで宇宙をその構成要素と動きに復元し、生態系の脆弱性を強調するかのように。MAMACで、彼女はフランスで初めて、2014年にパナマの熱帯林で作成されたシリーズ、プロジェクト垂直景観、つる植物を発表しました。ボカス・デル・トロで作成されたマングローブの一連のドローイングと、展示会のために特別に作成された一連の「ガジュマルの木」のドローイングに基づいた2つの大きな絵画。

カニのペレットシリーズからの18枚のドローイングは、「宇宙進化論、オーグレデエレメント」展でも発表され、現代のギャラリーに直接反映されています。彼女の次の調査分野は、海洋生物に焦点を当てます。…世界中の科学コミュニティと新しい星座を描く機会。何よりもまず、ヴィルフランシュシュルメール天文台とコートダズール大学の星座です。 MAMACは、この新しい探検でアーティストに同行します。

ダンスの発明:ニューヨークのジャドソンとその周辺1959 – 1970
1960年代に、ジャドソン記念教会(ニューヨークのワシントンスクエアにある)は、芸術実験の主要な中心地となり、ニューヨークのダウンタウンのシーンで多くのアーティストの主要なパフォーマンススペースになりました。パフォーマンスは、視覚芸術、音楽、詩、演劇、ダンスを織り交ぜ、実際にダンスと見なされる可能性のあるものの概念そのものを拡大します。振付家のアンナ・ハルプリンとマース・カニンガム、芸術家のクレス・オルデンバーグとアラン・カプロウ、作曲家のジョン・ケージとラ・モンテ・ヤングなど、当時の独創的な人物の作品に続いて、ジャドソンのダンサーの多くが最初に実験的な振り付けのクラスに集まりました。作曲家ロバート・ダンによる。

この展覧会では、コンテンポラリーダンスやビジュアルアートに大きな影響を与えている「ジャドソン」を垣間見ることができました。映画、アーカイブ写真、エフェメラを通して、ジャドソンでの身体のさまざまな動きを記録しようとします。問題は残っています。60年後、その多くは即興で元のパフォーマンスに固有の作品をどのように展示するのでしょうか。活動家であり、ゲリラアートアクショングループの共同創設者であるジョンヘンドリックスが1966年にジャドソンギャラリーを再開したとき、それは急進主義と学際的なコラボレーションの場として再び浮上しました。1970年、ベトナム戦争に反対するアーティストの言論の自由の擁護と、文化圏における反人種差別、反植民地、フェミニスト、クィアの活動の継続的な発展の火付け役となりました。

ベルナールベネ。概念年1966-1976
1966年、若手芸術家ベルナールベネはニースを離れ、ニューヨークに移り、数学、天体物理学、そして後に科学や他の多くの分野を芸術分野に導入する芸術革命を開始しました。1970年、彼はコンセプチュアルアートの先駆者の一人としての評判を築き上げました。これは、ヨーロッパを越えて国際的に広まった初期の運動です。1966年から1976年までの期間は、ベネットの直感と系統だったビジョンが、彼を新しい世代への止められない道へと導き、それ自体の定義と出現のプロセスの境界を超えて芸術を押し上げ、それ以来、非常に現代的なものでした。それは、芸術と情報の流れの非物質化の問題を形成する他のどの芸術よりも多くを扱った。この時期は、ベルナール・ベネの始まりでもありました。

展覧会はMAMACの最上階に拡張され、ベルナールベネのコレクションから選択されたミニマルアートとコンセプチュアルアートの主要な作品に捧げられた部屋があり、この10年の知的で芸術的な風景と当時の彼の友情を反映しています。1971年以来初めて、この作品についてはまだほとんど知られていないこの時期が、大きな回顧展の対象となっています。150を超えるアートワークとドキュメントが収集され、そのほとんどが初めて表示されます。この10年間の展示と研究と並行して、MACリヨンのメジャーショーでは、アーティストの作品全体の回顧展が開催されます。ベルナールベネ:2019 –1959。

2019年の展示会
エイドリアン・ベスコビ。ムネモシュネ
ギャラリーデポンシェットを引き継ぐためにMAMACに招待されたベスコビは、彼の絵画的実験を通して、ほぼ官能的な感覚の散歩を作成しました。ギャラリーの角張ったデザインに応えて、さまざまな高さで吊るされた絵画が、訪問者が歩き回ったり通り抜けたりできるように、平行線と垂直線で遊んで、スペースを区切ります。暖かいルシヨンの黄土色とモロッコの土壌とスパイスから芸術家が抽出した色は、キャンバスに注入され、オランダの公園で数か月間、涼しい光と悪天候にさらされました。ポンシェットのために、彼はついにそれらの独立した帆布を新しい構成に組み立て、絵画の歴史に彼らの痕跡を残したそれらの南北の動きで遊んだ。

Adrien Vescoviは、植物や鉱物の煎じ薬から独自の色を作り出し、彼が働くさまざまな地理的位置を反映する「風景のエッセンス」を作成します。キャンバスを風、月光、日光、酸化現象にさらすことで、原始的な形や色合いが生まれます。ギャラリーでは、芸術家によって編まれ、染められたロープが、絵画の間に野生の曲線を描き、ブドウの木が地面を蛇行するようにアーチの間に絡み合って上昇し、絵画の線や平面を破壊しました。奇妙な煎じ薬の鍋の中で、彼らは次第にヴェスコヴィによって作成された素材/色を注入するようになりました。この屋内の散歩に反応して、外の大きなアーチの絵がありました。海に面し、太陽、風、雨にさらされ、展示期間中、帆布は隕石の記憶で満たされていました。

オプアートが映画を電化するときの肉体の悪魔
ニースビエンナーレオブアーツ2019の一環として:「シネマオデッセイ。ラビクトリーヌは100歳です」。1960年代初頭、キネティックアートは、知覚を不安定にし、アートを人気にするという2つの信条でヨーロッパでその地位を確立しました。光のトリックの絵、電動の照明付きレリーフ、目がくらむような環境が認識を変えました。1964年に「オプアート」と呼ばれたこの前衛芸術は、並外れたハイジャク現象を知るほど、大人気の大成功を収めました。広告代理店、デザイナー、主要ブランド、ファッション界がその爽快な形をとらえたのに対し、映画はオプアートに予想外の角度を与えました。動きと光の芸術であり、視覚的な演劇を昇華させることができる前任者であると同時に、現代性への欲求を通してそれを飲み込もうとした信者でもありました。ドラマからスリラーまで、

この展覧会は、嘲笑と誤解、相互昇華、ポップまたはバロックの配信、コラボレーションと模倣で中断された2つの芸術の間のこの情熱的な物語に訪問者を浸します。30近くの映画、150の作品、ドキュメントのサポートを受けて、この略奪的な魅力の起源と暗黙の側面を探り、映画がオプアートにそれ自体の性質を明らかにするものを検討します。それで、それは現代性によって波立たせられて、解放を渇望し、そして戦争の幽霊に悩まされている10年の精神を​​示しています。矛盾に満ちたこの時代は、視覚芸術と映画の間の実りある摩擦に至る完全に新しい美学を生み出しました。

Hippolyte Hentgen、見えないビキニ
インビジブルビキニ…タイトルは、私たちが子供の頃に消費していた古典的なスリラーや漫画の思い出を利用しているように見える、ありそうもない探求の始まりを告げるかもしれません。ギャラリーのあちこちに散らばっているHippolyteHentgenの作品は、多くの手がかりや物語の断片のように浮かび上がり、謎を煽っています。テックス・アヴェリーによって喜んで平らにされ、伸ばされ、粉砕されたキャラクターを逃げたかのように、どんな姿からも体現されていない特大の手、足、足は、漫画からまっすぐに持ち上げられたようです。アニメーションや漫画によって彼らに留保された二次元の運命から解放されたホースが溶けた形も、ポップカルチャーを彷彿とさせる何かを持っています。それ’ クレス・オルデンバーグのソフトスカルプチュアや、同時代のテレサ・ブルガとキキ・コーゲルニックが制作したビニールフィギュアを、この形のない体やタバコや新聞などのささいな物体のパレードを観察するとき、考えないことはほとんど不可能です。このポップリファレンスは、豊満なピンナップとオノマトペを組み合わせた吊り下げを含めることで強化されています。

この宇宙の組み合わせを備えたHippolyteHentgenのおもちゃは、接触することを意図したものではありませんでした。この想像力の博物館では、前衛的な作品、漫画、アニメーション、人気のイラスト、編集漫画が混ざり合い、ジャンルの階層から完全に分離された幻想的で歓喜の宇宙を形成しています。この目に見えないビキニは、もちろん、フレンチリビエラとその衰弱した体とステレオタイプにわずかに鋭く、抑制されていないうなずきです。訪問者が自由に作曲できるというフィクションの前奏曲。しかし、それはまた、MAMACのコレクションに存在する非常に多くの偉大な名前の作品を不遜で、悲鳴を上げてポップで、意図的にいたずらっぽくしたものでもあります。

ラーズ・フレデリクソン
スウェーデンで生まれたラーズフレデリクソンは、1960年に南フランスに定住しました。飽くなき好奇心旺盛で巧みに創意に富んだ芸術家であり、詩、塑性実験、極東哲学、現代技術を通じて発展したユニークで繊細な宇宙を創造しました。彼の研究はZeitgeistに根ざしていました。ナム・ジュン・パイクのように、フレドリクソンはテレビと電子機器のプラスチックの可能性について非常に早い段階で調査しましたが、目に見えない構造とランダム性に関する彼の研究はジョン・ケージの研究に非常に近いようです。これらの慣行は、単一の追求によって結び付けられました。つまり、エネルギー、地電流、サイドリアル、インテリアなど、通常は見えない流れを知覚できるようにすることです。

アーティストのラーズフレデリクソンのこの回顧展は、NMNM、モナコの新国立博物館とのコラボレーションによってもたらされました。ここでは、これまでに見たことのないアーティストの主要な作品と、重要な公的および私的コレクションから借りた作品が初めて一緒に展示されました。展覧会は「キネティック」な作品とイノックスの彫刻の宇宙的側面で始まり、その後、フレドリクソンが先駆者の一人であったサウンドインスタレーションまでファックスでコラージュやドローイングに移りました。このショーは、マーグ財団との親和性、詩人との複数のコラボレーション、そして特に、フランスの美術学校に最初のサウンドスタジオを設立したヴィラアーソンとの関わりに光を当て、それによって数世代の人々に影響を与えました。今日までのサウンドアーティスト。この方法では、

Charlottepringuey-cessac。プライマルサウンド
Primal Soundは、40万年前のニースでの人間の生活の最初の証拠から、このグループが残したカットストーンの証言から、アーティストのCharlotte Pringueyが今日主導する体験まで、タイムトラベルへの招待状です。それらの過去の人生の活気に満ちた記憶を召喚するためのCessac。何世紀にもわたるこの旅は、詩人ライナー・マリア・リルケから借りた表現であるプライマル・サウンドのアイデアに基づいています。彼は最初の蓄音機の可能性を不思議に思って発見した後、«驚くべきこと»を夢見ました:«スケルトン、石、(…)、木の亀裂に続く無数の創造のサインを音に入れる、昆虫の散歩」。過去の世界の回想、過去の目撃者との親密な対話、そして彼女が不活性に見えるものに投資する魔法の考え、

考古学で使用される先史時代、方法論、ツールは、彼女の作品の基礎を構成し、そこから彼女は経験と物語を発展させ、科学と詩的許容、歴史によって残された版画とその現代的な再発明の間をさまようことができます。旅として考えられたニースでの彼女の展覧会は、これらの最初の人間の活動の震源地であるテラアマタの先史博物館から、葬儀で満たされたXII世紀とXIII世紀の埋葬が行われた「CollineduChâteau」を含むMAMACまで展開されます。遺跡は2013年に発見されました。

ニースの近現代美術館
近代現代美術館は、ママックとも呼ばれ、1990年6月21日からニースにオープンした近代現代美術館です。ガリバルディ広場の隣、「クーレヴェルテ」の延長線上にある街の中心部に位置するMAMACは、1950年代から現在までの国際戦後アートのダイビングを提供しています。350人以上のアーティストによる約1400点の作品のコレクション(平均200点が展示されています)を備えたこの美術館は、とりわけ、ヨーロッパの新実在論とアメリカのポップアートの間の独自の対話を提供しています。美術館には、ミニマルアートとアルテポーヴェラの主要な作品も展示されています。20世紀の芸術の2人の主要な芸術家がコレクションの中心を形成しています。イヴクラインアーカイブの長期貸与のおかげで、世界で唯一の常設の部屋を持つイヴクラインが可能になりました。とニキドサンファル。戦後の著名な女性アーティスト、ニキ・ド・サンファルは2001年に美術館に多額の寄付をしました。したがって、MAMACは現在、世界最大のアーティストの資金の1つを所有しています。

博物館はまた、1950年代後半から1970年代初頭までの地元のアートシーンの特異性と卓越性に光を当てています。ニースとコートダジュールは、イヴクライン、マルシャルレイス、アーマン、ベンなどの著名な芸術家やサポート/サーフェイスなどのグループとの新しい芸術的ジェスチャーの実験と発明のための重要な場所でした。性格と慣習の特異性にもかかわらず、3つの重要な問題が発生します:日常生活の流用の行為(特にニューリアリストとの)、ジェスチャーと態度の芸術(フルクサスとの)そして絵画の分析的探求(サポートと表面とグループ70)。この研究は、過去60年間のヨーロッパとアメリカの芸術的創造に照らして見られています。

建築家イブベイヤードとアンリビダルによって設計されたガリバルディ広場の隣にある博物館の建物は、パイヨン川にまたがるテトラポッドアーチの形をしています。パイヨン川の表紙で開発されたプロジェクトの記念碑性は、プロムナードデザールと呼ばれるテラスを介して美術館を劇場にリンクすることを可能にします。その正方形の計画で、その建築は新古典主義の規則に触発されています。利用可能な表面積は、3つのレベルの9つの展示室に広がる約4,000 m2です。その滑らかなファサードは白いカララ大理石で覆われています。エントランスとショップは、イヴクライン広場を見下ろすエスプラネードニキドサンファルの高さにあり、講堂と美術館の現代ギャラリーもあります。美術館のスペースは1階で一時的な展示会に捧げられています。

スペースは、美術館のコレクションに捧げられた1.200m2の2セットを含む5つのレベルをカバーしています。1つのフロアとプロジェクトルームは、過去60年間の主要なアーティストのテーマ別の展示とモノグラフを交互に行う国際的な一時的なショーに捧げられています。一般の人が利用できる屋上テラスからは、ニースの息を呑むようなパノラマの景色を眺めることができます。

ニースの中心部に位置するMAMAC(近代現代美術館)は、建築家イブベイヤードとアンリビダルによって設計され、1990年にオープンしました。一般に公開されている屋上テラスからは、ニースの息を呑むようなパノラマの景色を眺めることができます。300人のアーティストからの1300以上の作品が豊富なそのコレクションは、地域と国際的な芸術の歴史を結びつけています。

美術評論家のピエール・レスタニが書いた新実在論の構成宣言は、1960年10月27日にパリのイヴ・クラインで署名されました。しかし、アーティストが地面を準備したのは過去10年間です:HainsとVillegléは早くも1949年彼らの最初の「裂けたポスター」を一緒に「切り離す」。クラインは彼の最初のモノクロームを作り、ティンゲリーは彼の最初のアニメーション彫刻を作ります…

1960年は鮮やかな年です。ティンゲリーはニューヨークで最初の自己破壊型マシンを作成しました。クラインは彼の「人体測定学」を作り、次に「宇宙進化論」を作ります。パリでは、セザールがサロン・ド・メで3台の圧縮車を展示し、アルマンが「ザ・フル」などのタイトルのショーでアイリスクラートギャラリーをゴミで埋め尽くしています。

ニューリアリストに共通する特徴は、抽象化の拒否、「現代の自然」の認識、つまり工場と都市、広告、マスメディア、科学と技術の認識です。この現実に固定された彼らのプロセスは、1956年にRolandBarthesが著書Mythologiesで提案した消費者社会とその偶像の見事な分析を反映しています。このグループは、オブジェクトの詩的な側面を使用して、オブジェクトを新しい冒険に引き込みます。つまり、デトリタス、ポスターの切り離し、集合、圧縮、または産業技術に由来する要素の蓄積です。

1961年、ニューヨーク近代美術館で開催された「The Art of Assemblage」というタイトルの展覧会は、ポップアートアーティストとのニューリアリストの親密さを奉献します。

American Pop Artは、LawrenceAllowayが主要メンバーであるIndependentGroupから生まれたBritishPop Artの遺産に基づいて構築され、1956年にロンドンでThis istomorrowの象徴的な展示会を開催しました。アメリカ側では、この運動はネオダダの芸術家ロバートラウシェンバーグとジャスパージョーンズを通して広く現れました。その中心となるのは、アンディウォーホル、ロイリキテンスタイン、トムウェッセルマンなどのアーティストが作品を展示したニューヨークです。ポップアーティストは、消費者社会と現代の消費者社会に関連する悪影響に直接言及しています。彼らは現実への回帰を提唱し、商品の世界と新しい形の大衆文化に目を向けました。映画、広告、コミックのスターは、アメリカ社会の価値観を背景に、象徴的で独立した次元を与えました。

MAMACは、ニキ・ド・サンファルの作品の世界最大のコレクションの1つである、200を超える作品を保持しており、展示されている作品を定期的に変更することができます。Niki de Saint Phalle(Neuillysur-Seine、フランス、1930 – La Jolla、アメリカ合衆国、2002)は、彼女の人生から芸術作品を作りました。彼女の本能とこれが彼女の運命であるというある種の確信以外の特別な芸術教育なしで、彼女は完全に彼女の仕事に専念します。彼女にとっての芸術は治療であり、彼女の芸術的な食欲は、彼女が困難を克服し、彼女の苦しみを強調し、病気に直面したときに対処するのに役立ちました。ニキ・ド・サンファルがアーティストの友人であるマリナ・カレラに宛てた1979年の手紙のタイトルである「シャンパン、氷河、フルール」は、強く、敏感で、カリスマ性のある彼女の個性を要約しています。彼女は反逆者であり、武器を使用することを選択しました、

これらの最初のものは1961年に作成されました。「Tirs」[撮影]は、厳しい批判、フランスでの悪評、そして急速に国際的なものにもかかわらず、彼女がアーティストとして認められ、獲得した一連の作品でした。彼女はまた、石膏で覆われた帆布の上に絵の具で満たされたバッグを置き、ライフルで帆布を撃つことによってオリジナルの作品を作成しました。作品は撃たれ、結果は新しい創造的な作品です。アーティストは、彼女の内面の怒りと暴力を外向きのジェスチャーで表現しました。彼女は、11歳のときに虐待された父親、母親、そして教会社会とそのすべての不正を撃ちました。

彼女の最初のTirs展に続いて、ニューリアリストは彼女を彼らのグループに参加するように招待しました。彼女は唯一の女性メンバーです。1963年にニキ・ド・サンファルがティルスから離れたとき、彼女は白い漆喰で彫刻を作り始めました。その中には、花嫁、心、さらには女性の出産を表すシリーズのように、死に至るものや邪魔なものもありました。彼女の彫刻は、ニキ・ド・サンファルがしばしば回収された物体を追加したワイヤーフレーム上の布と羊毛から作られました。描かれたニキ・ド・サンファルの女性たちは、まだ結婚や母性に縛られており、彼女は彼らを解放しようとしていました。1964年までに、ニキ・ド・サンファルは「ナナス」シリーズを採用し、再び女性像を強調しました。大胆な色と寛大な曲線を持つこれらの彫刻は、伝統から解放された現代の女性を象徴していました。ナナは黒です、

アーティストは彼女の人生の大部分をこれらの記念碑的なプロジェクトに捧げました。彼女の彫刻は実際の建築作品に変わりました。1972年にエルサレムのゴーレムスライド、または1966年にストックホルムでニキによって建てられたナナの最大のホン(長さ28 m)です。彼女はパリ近郊のミリラフォレでジャンティンゲリーのサイクロプス(1969-1994)に積極的に関わっていました。しかし、間違いなく、1978年に始まったトスカーナのプロジェクトであるJardin desTarotsは彼女の最も包括的な作品でした。彼女はプロジェクト全体に自己資金を提供し、完了するまでに20年以上かかりました。アートは彼女の命を救ったかもしれませんが、彼女がポリエステルの彫刻を作成するときに彼女が吸い込んだ空気は、彼女が一生苦しむであろう肺の問題の原因でした。2001年に亡くなる1年前、彼女は多くの重要な作品をMAMACに寄贈しました。

イヴ・クライン
モノクロの冒険
無形のマスターに捧げられた、世界でユニークなギャラリーを探索してください。イヴ・クラインは1928年4月にニースで生まれました。彼の両親は両方とも画家でした(マリーレイモンドとフレッドクレイン)。1946年に彼はニースでアルマンと詩人クロードパスカルに会い、地元のビーチで詩的な冒険を共有しました

彼はクロードパスカルと柔道を学び(彼は4段になります)、2人はクラインの手形と足跡が付いた白いシャツを着て、素足でジャンメドサン通りを散歩しました。クラインとアルマンは禅哲学に興味を持っていました。クラインが1947-1948年に最初の青いモノクロームを描いたのは、アルマンの家族が所有する地下室の壁でした。1955年、パリでティンゲリー、セザール、レイス、レスタニーと出会い、サロン・デ・レアリテス・ヌーヴェルで、単色の絵画「エクスプレッション・ド・リュニヴェル・ドゥ・ラクルール・マイン・オレンジ」を披露した。カラーリードオレンジ]、(M60)、1955年、「イヴ・ル・モノクローム」に署名したが、却下され、かなりの騒動を引き起こした。

1956年以降、「Yves:peintures」展が続きました:Propositions Monochromes、パリのGallery Colette Allendy、Yves Klein:ミラノのProposte monocrome epoca blu、1957年のPigment pur、再びGalleryAllendyでIKB(インターナショナルクラインブルー)として知られるようになるウルトラマリンブルーを確立した後の「ブルーピリオド」の応用。クラインが完全に空のギャラリーを発表したパリのアイリスクラートギャラリーでのVide展であった主要なメディアイベントに続いて、それは1958年でした。壁は芸術家によって白く塗られ、ギャラリーの窓は青く塗られました。友人のロバート・ゴデがサンルイ島で主催した彼は、最初の「生きたブラシ」体験を指揮しました。

最初の人体測定は、1960年3月にパリで開催されたGalerie internationale d’Art contemporainで公開され、青い絵の具で覆われた3人の女性ヌードモデルが這い回り、紙で覆われた床の上を移動しました。モデルはまた、「指揮者」クラインの指示の下で、モノトーン-沈黙の交響曲の音に合わせて壁に自分の体を刻印しました。クラインは1962年6月にパリで亡くなり、空虚の力を示し、水と火を彫り、空気の建築を発明した後、叙情的な深みのある作品を残しました。その証拠は「コスモゴニー」シリーズにあります。瞬間-自然の状態」、パリとニースの間で彼の車の屋根を移動するキャンバスの大気の振る舞いの兆候を記録し、

3階
言葉遊び。看板で遊ぶ。
MAMAC、La Cambra、または«Ben’s Museum»の象徴的な作品は、この重要な芸術家の作品の執筆場所を説明しています。彼の滑らかで、踏みにじられていない、ほとんど幼稚な書道は、1950年代後半にニースで始まった変化の風と態度の芸術に私たちを連れ戻します。この記念碑的な作品の周りには、言葉、文章、言語を使った他のゲームが展示されています。壁には、絵画や紙、グリフやアルファベットが発明され、アナグラム、ダンス詩、タグ、クロスワードが描かれています。この展覧会は、コレクションの作品だけでなく、美術館の歴史に関連するさまざまな世代のアーティストによる貸与やプレゼンテーションを組み合わせたものです。壁と文章の関係が強調されています。

作品は、視聴者、読者、告発者、さらには俳優の身体を巻き込みます。非常に目立たず、訪問者に注意を払う必要のある作品もあれば、大声で叫び、仕事に連れて行き、想像力を呼び起こす作品もあります。それらを解読するという中心的な問題は、作品を理解することとそれを解釈するための鍵を反映しています。言葉は詩と子供時代の世界を呼びかけますが、私たちの社会の芸術家の代わりに、世界との卓越した政治的関係を築いています

アメリカの抽象芸術
ミニマルアートは1960年代半ばにアメリカで登場しました
ミニマリズムでは、芸術は、伝統的な慣習を避けた根本的な移行を経て、まったく新しい視点から考えられました。この変容の最も注目すべき側面は、観客とアートワークの間の新しい関係であり、それはオブジェクトの美的知覚をその実体に至るまで再発明しました。アートワークは空間を独占し、それは実存的な空間になり、もはや美的な空間ではなくなりました。以前は、芸術作品は観客とは別の独自の領域を占めていました。ミニマルアートは、周囲の空間との関係における自分の体の意識が支配的であり、その結果、非常に大きな帆布と台座の廃止という、アーティストの新しい活動領域を開きました。

FRAM Photo Muriel Anssens、Ville de Nice-ADAGP、パリ、2019年の三角形などの助けを借りて、ボリューム、表面、平坦度の問題で購入しました。最小限のリソースで最大限の効果を追求するこれらのアーティストは、作品の主観性の痕跡を取り除き、多くの場合、工業用の素材や技術を取り入れました。

運動の支持者には、ドナルド・ジャッド、エルズワース・ケリー、ロバート・モリス、ケネス・ノーランド、フランク・ステラ、リチャード・セラが含まれます。

コンセプチュアルアートは1960年代に登場しました。それは、作品を制作することがもはや厳密に必要でさえなくなった程度まで、オブジェクトに対するアイデアの優位性を主張しました。それは芸術的実践の意味と目的を問うことによって伝統的な芸術分野の限界を押し広げました。1969年、ソル・ルウィットは次のように宣言しました。「アイデアは芸術作品である可能性があります。アイデアは一連の開発段階にあり、最終的には何らかの形を見つける可能性があります。すべてのアイデアを物理的にする必要はありません。」

この部屋には、ソル・ルウィット、ジョセフ・コスース、ロバート・モリス、ジェームズ・リー・バイアーズ、エド・ルシェのコンセプチュアルアーティストが登場します。

アルバート・チュバック
アルバート・チュバックは1925年にジュネーブで生まれました。ジュネーブで装飾芸術と美術を学んだ後、彼の作品はいくつかの形成期の影響を受けました。クレー、カンディンスキー、ミロ、マティス、ピカソへの関心。1950年にニコラ・ド・スタールに会った。そして彼はイタリア、スペイン、ギリシャ、エジプト、アルジェリアを旅しました。

MAMACコレクションの作品と貴重な助けを借りて作成された展覧会:イヴクラインアーカイブ、国立芸術芸術センター(パリ)、ジャンデュプイ、エステートロベールフィリュウ、ピーターフリーマン社(ニューヨーク/パリ)、ジャンバプティストガンネ、エリックギシャール、Arnaud Labelle-Rojoux、La succession Arman、Lilja Art Fund Foundation、Loevenbruck(Paris)、StéphanieMarin、Tania Mouraud、Niki Charitable Art Foundation、EmmanuelRégent、Sharing Art Foundation、Ben Vautier、Bernar Venet、匿名を希望するコレクター。

ほぼ抽象的であった彼の最初の絵画から、彼はブロックで適用された原色のパレットを使用しました。その後、彼はこの技法を「変形可能な」木製の彫刻に適用しました。これらの彫刻の背後にあるアイデアは、視聴者が要素を切り替えることができるようにすることでした。後の時代に、彼は着色されたプレキシグラスの発光特性を調査しました。

2004年、アルバートチュバックは、ニース市に近現代美術館のために約100点の作品を寄贈しました。MAMACは2004年にこの寄付を紹介し、フランスでのアーティストの作品の参照点になりました。

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