ポルトガル現代美術館、リスボン、ポルトガル

ポルトガル国立現代美術館(MNAC)は、ポルトガル、リスボンのシアード地区にある美術館です。1911年に作成され、1994年に新しい設備で再オープンされました。

博物館は1850年から1950年までの期間をカバーしており、当時のポルトガルの芸術家や外国人の作品が展示されています。ロマン主義、自然主義、現代のポルトガル絵画と彫刻の最高のコレクションを保持しています。

国立現代美術館-シアード美術館は、世界中で作成された現代美術の最初の美術館の1つでした。リスボンの歴史的中心部に位置し、19世紀後半から現在までのポルトガル美術の代表的なコレクションが展示されており、現代と現代のポルトガル美術の理解と楽しみのために必見の博物館です。一時的な展示プログラムは、博物館活動全体の範囲内で非常に重要です。コレクションのプレゼンテーションは、歴史的および批判的な研究の持続的な作業に従って、その時間的またはテーマ的なセグメントで定期的に更新されますが、プログラムはポルトガルの芸術に限定されず、

国立現代美術館-Museu do Chiadoは、1911年5月26日に政府の法令により設立されました。それは、旧国立美術館から旧アンティガ美術館に引き継がれたアンティガ美術館に分割されて生まれました。 1850年より前に制作され、パラシオダスジャネラスベルデス、およびその日付以降に完成したすべての作品を含む国立現代美術館に残り、アカデミアデに隣接する地域のサンフランシスコ修道院に収蔵された作品Belas Artes。国の長さを広げる博物館のネットワークの作成は、18世紀の人間の啓発の概念に基づいたプロジェクトの実現であり、国の芸術を保護し、表示するために必要なツールを国に与えました。現代美術館の創設は、

代表アーティストには、アントニオ・シルバ・ポルト、アントニオ・カルネイロ、アントニオ・ソアレス・ドス、ミゲル・アンジェロ・ルピ、コルンバーノ・ボルダロ・ピンヘイロ、アマデオ・デ・ソウザ・カルドソ、アベル・マンタ、ドルディオ・ゴメス、アドリアーノ・スーザ・ロペス、ホセ・デ・アルマダ・ネグリエロス、ナディル・アリオデ・アリオド・アリオド・アリオド・アリオド・アリオド・アリオド・エルフォイ、ナディル・アリオリオ、ナディル・アリオリオ・ムニエル、フランシスコアウグストメトラス、オーギュストロダン、その他多数。博物館はまた、一時的な展示会を開催しています。

歴史
1911年以来、シアード美術館はリスボンのサンフランシスコ修道院(サンフランシス)の一部を占めています。1994年に博物館エリアの改修と改造が行われたのは、フランスの建築家Jean-Michel Wilmotteです。

美術館の初監督である画家カルロス・レイスの演技は控えめでした。彼の任命は、パリで設立された若手アーティストの不利益に対する保守的なロビーに対する予想外の勝利を表しています。当時の博物館は現在の3つの部屋を占め、アカデミアデベラスアルテスを経由して入館しました。 1914年、画家のコロンバノボルダロピニェイロがディレクターになり、以前に採用された伝統主義的アプローチを継続して完全に発展させ、シアードのカフェブラジレイラを中心にモダニストが発した不快感のショーに抵抗しました。監督(1914-1929)としての期間中、博物館はさらにいくつかの部屋に拡張され、そのうちの1つは彫刻専用でした。画家のアドリアーノ・デ・スーザ・ロペスは、彼を引き継ぐのに適した若い世代の中で唯一のアーティストであるとコロンバノによって考えられ、彼のプロジェクトに継続性を与え、彼自身が受け入れられなかったいくつかの現代的な要素を導入しました。 1944年まで、スーザロペスは予想よりも大胆な監督であることが証明されました。モダニストがようやく博物館のコレクションに侵入し始め、ロダン、ブールデル、ジョセフバーナードによる重要な彫刻が取得されたのはこの期間でした。また、この期間中に、博物館は拡大し、Escola de Belas-ArtesのColumbano Bordalo Pinheiroの隣接するアトリエが組み込まれ、画家専用の新しい部屋が開かれました。

彫刻家ディオゴ・マセドが監督として、構造とインテリアを大幅に改造した後、1945年に毎日美術館を公開し、セルパ・ピント通りに独自の入り口を設けました。モダニズム運動に関与し、その後美術史家になった彼の任命は、博物館の新しい時代の到来を告げるものでした。一時的な展覧会のプログラムが実施されただけでなく、博物館が発行した短いモノグラフの形でコレクションに表されたアーティストの研究も行われました。しかし、モダニズムのスタンスの明確な定義は近づいておらず、その時代から脱文脈化された後期自然主義への有害なコミットメントが続けられました。1940年代後半に登場したアーティストの作品の一部は、不明瞭で計画外の方法で取得されました。

したがって、1959年まで、この博物館は時代遅れで保守的であり、ヨーロッパ中の他の博物館とほとんど共通点がありませんでした。同じ年の画家エドゥアルドマルタの政治的任命は、アートコミュニティと批評家による一般的な抗議にもかかわらず、コレクションのモダニズムの位置とそのそれぞれの必要な調整に壊滅的な結果をもたらした後方視的アプローチにさらに重点を置いた国際アートシーン。カタログが作成されましたが、コレクションのプレゼンテーションが置かれたナチスの原則は、そもそもディレクターを任命した政権の指導者たちによって厳しく非難されました。1970年、保守的な訓練を受けたマリア・ド・ルルド・バルトロが博物館の館長に任命され、博物館は荒廃した状態にありました。次の17年間で、建物は非常に表面的な修復作業のみを受けました。コレクションは現代の時代まで拡張されましたが、過去10年間から深遠な定量的および定性的変化を遂げたポルトガル芸術の多様な動き、傾向、および主要人物の表現を支配する基準は、少なくとも同等ではなく、博物館の買収は、同時性に関する一貫した幅広い理解を定義しています。

1988年8月のシアード火災により、博物館は無傷で脱出しましたが、予防措置として芸術作品は削除されました。当時の文化の国務長官テレサ・グヴェイアによって、コレクションの家を再考することが決定されました。フランス政府は、美術史家のラケル・エンリケス・ダ・シルバ率いるチームとともに、建築家ジャン・ミシェル・ウィルモットによる博物館の改修プロジェクトを提案しました。 1994年7月。

このプロジェクトは、建物の既存の歴史的に重要なスペースをネオモダンな建築言語に統合し、吊り下げられた歩道、床自体、天井、および大きな垂直延長を定義する突然の壁を構成する飛行機の自律性を強化しようとしました。素材と色のオリジナルで経済的な範囲で、その控えめな緊縮は建物の機能との完全な対話を確立します。

博物館が再開すると、ペドロラパ、ラケルエンリケスダシルバ、マリアデアイレスシルベイラがプロデュースしたシアード美術館、アルテポルトゲーサ1850-1950というタイトルのカタログが、2,000を超えるアイテムの最も一貫性のある一貫した核を提示しました。各作品に関する個別の研究、およびそれぞれの書誌事項と歴史的背景。20世紀後半の芸術の表現に関するコレクションの失敗を考えると、博物館の取得ポリシーは、その時代の運動の独創的な作品に焦点を当てていました。コレクションの中で最もよく表れなかった数十年間に出現したポルトガルのアーティストに関する一時的な展覧会の体系的なプログラムが、それぞれのカタログに提示された研究と研究に重点を置いて実施されました。美術館のコレクションの解釈に基づいた作品である新興アーティストを対象とした現代美術のプログラムが設定され、コレクションの現代美術の本体の更新を開始するさまざまな作品の取得が可能になりました。再開以来、コレクションと一時的な展示の両方のための博物館のスペース不足は悪名高くなっています。

1998年の終わりに、博物館の再編成チームのメンバーであるペドロラパがディレクターになりました。一時的な展覧会のプログラムはより重要になり、コレクションの年代順の範囲に直接または間接的に関連する4つの特定の領域に焦点が移りました。こうして、19世紀のポルトガル人アーティストに関する一連の回顧展が始まりました。ポルトガルのモダニズム運動と芸術家に関する博物館の大回顧展が続き、ポルトガルの芸術家ホアキン・ロドリゴに関する最初のカタログレゾネがありました。並行して、アーティストや歴史的最前線の動きに関する大規模な展示会が、他の有名な国際博物館と共同制作されました。Interferências(1998-2002)プログラムは、上記の展示と並行して実行され、現代ポルトガル人および国際的なアーティストによって特別に制作された作品を発表しました。このプログラムが特に重要視した別の側面は、展示会に付属し、詳細な科学的およびエッセイスティック分析を提示した出版物の形式でした。

収集方針は、コレクションで言及されている欠点を軽減するために2つのラインに沿って開発されており、1950年代と1960年代、1990年代はすでに十分に代表されています。また、写真やビデオなど、現代アートで大いに活用されているメディアなど、他の芸術的ジャンルをコレクションに取り入れることも始まりました。美術館の管理者の何人かは、シアード美術館(国立現代美術館)にそのタイトルが示唆するリソースがこのプロセスに大きく貢献したことを伝えることに積極的に関与しました。

スペースの不足は、博物館が開発しようとした幅広い活動の実施を最も妨げている要因の1つです。コレクションを継続的に展示したり、希望する規模の一時的な展示を展開したり、教育活動を展開したりする機会は、博物館の活動のこれらすべての側面が、解決が長年待ち望まれている制限を受けます。

建築
1755年の地震で大きな被害を受けたサンフランシスコダシダーデ修道院に1911年に設立されて以来、現在の国立現代美術館-シアード美術館は、1988年の地域の被害を受けた火事を受けて1994年に再開されました。フランスの建築家ジャン=ミシェル・ウィルモットによる改修工事の完了後。

博物館のアトリウムは、エントランスとビジターのレセプションエリアとして機能し、複合施設に採用された一般的なデザインを明らかにします。これは、既存の歴史的痕跡を尊重したネオモダンな建築様式-地震後の復興期に由来する修道院の構造です1834年の宗教命令の廃止に続いて、イギリスの商人アブラハムホイールハウスによって買収されました。アトリウムは、ポルトガルの平野建築の伝統の範囲内にある緊縮された建設されたラインで、6面のレンガの丸天井を支える2つのリア柱を明らかにします。改修工事は、彫刻を展示するために現在使用されている中間階を提供する吊り下げプラットフォームを追加することにより、高い天井を活用して、これらの痕跡を尊重し、強化しました。吊り下げられた通路とアクセス階段、受付、

アッシュグレーは、彫刻を展示するために使用される後続の上部の部屋で主に使用され、その高い垂直方向の開口部は、博物館の小さな展示スペースを幻想的に増幅します。石の階段を介して、訪問者は建物の2階に到着します。ここでは、もともと1830年から1840年の間にアブラハムホイールハウスによって建設されたサラドスフォルノス(オーブンルーム)に入ります。下の廊下につながる床の四角形の開口部は、現在ロックグラスで覆われており、ほぼ確実に小麦粉を持ち上げて移動するためのものでした。

階段の新しい飛行は、彫刻室に通じる四角いギャラリーにつながり、川の景色が見える上部の管理事務所とテラスの両方、および他の展示エリア、「L」で連結された2つの縦方向のギャラリー、自然光の細いシャフトが交差しています。

次のギャラリーからは、自然光と人工光が交互に並ぶ木製の裏地のある実験室である別室に到着します。

この部屋に隣接しているのは、図書館とガビネテデデセンホス(ドローイングルーム)で、修道院の遺産が最も顕著に現れる可能性のある2つのエリアです。たとえば、アーチ型の天井と、一連の技術機器の中で際立つ双子の柱です。

ツアーを終えると、訪問者は吊り下げられた階段からカフェに降りて、19世紀と20世紀のブロンズ彫刻が飾られたオープンテラスと庭に入ります。庭から、ガラスのドアを通って、アトリウムの吊り下げられた通路に戻り、そこからレセプションエリアに戻ります。

コレクション
国立現代美術館-Museu do Chiadoのコレクションは、19世紀後半から今日までポルトガル美術の歴史を横断しており、その研究に興味のある人にとっての必須の参照ポイントとなっています。

コレクションの始まりは、19世紀半ばのロマン主義の出現です。トマス・ダ・アヌンチャサオやクリスティノ・ダ・シルバなどのアーティストは、巨大な風景、素朴で活気のある設定、夕暮れの背景照明を通してロマンチックな精神を伝えています。動物主義と肖像画、その最大の指数はアヌンチャサオとルイス・ド・メネゼスであり、ロマンチックなテーマを完成させます。ミゲル・アンジェロ・ルピの作品の肖像画も現実的な視点から再考されました。

シルバポルトとマルケスデオリベイラによる自然光の可能性に関する研究の紹介で、更新の瞬間が経験され、自然の理解と絵によるアプローチ方法が更新されました。観察されたように描かれた風景は、ポートレートと並んで自然主義の実験の主要な領域であり、アントニオ・ラマルホ、そしてとりわけコルンバーノ・ボルダロ・ピニェイロの作品で最高の表現が見られます。

アントニオカルネイロとスーザロペスのシンボリズムは、新しい芸術的要素を導入し、20世紀への移行を示しています。サンタリタとエドゥアルドヴィアナのオルフィズム。その他の更新コースは、1920年代のマリオエロイの表現主義と、1930年代にアントニオペドロが開発したディメンション主義とシュルレアリスムによって定義され、1940年代後半の若いシュールレアリストとのつながりを確立しました。

これらの革新的な研究と並んで、アントニオ・フェロの「精神の政治」と一致する「不可欠なバランス」によって定義されるポルトガルのモダニズムは、芸術家グループによって開発されていました。したがって、アルマダ・ネグレイロス、ドルディオ・ゴメス、アベル・マンタ、ベルナルド・マルケス、カルロス・ボテルホ、ヴィアナ、エロイ自身、彫刻家カント・ダ・マイア、ディオゴ・デ・マセド、フランシスコ・フランコは、セザンヌの体積組織から基本的な参照を得た古典主義の研究に基づいていましたピカソの古典時代の作品。

1940年代のネオリアリズムまで、政治的懸念は芸術的表現の外にありました。マヌエルフィリペとジュリオポマールが際立ったアーティストのグループが、表現力豊かな歪みを通じて社会的批判を正式な形にしたとき。同時に、シュルレアリスムが発達し、制作プロセスでの実験と機会を通じて芸術的言説が再更新されました。アントニオ・ダコスタ、マルセリーノ・ヴェスペイラ、フェルナンド・レモス、フェルナンド・デ・アゼベド、ホルヘ・ビエイラ、マリオ・チェサリニーが運動の主役でした。1944年にフェルナンドラナスによって導入された抽象芸術は、このパノラマを完成させます。彫刻でホルヘ・ビエイラ、絵画でナディール・アフォンソとホアキン・ロドリゴも抽象化への関心を高めるまで、ランハスは一人で働きました。

60年代と70年代は、芸術的な観点から、プレスのポジションと方法の更新からの休憩を統合しました。アヴァンギャルドの精神は取り戻され、それらに関係するアーティストとトレンドは、ポーラ・レゴとホアキン・ロドリゴの作品の新しい造形から、ホルヘ・ピンヘイロの絵画を客観化する新しい抽象化、いくつかのメンバーによって行われたオブジェクトの実験まで、増加しましたKWYグループ、特にルルド・カストロとルネ・ベルトロ、サノゲーラによるポルトガルの文脈へのポップアートの適応、ノロンハ・ダ・コスタとホルヘ・マルティンスによる知覚の問題の検討、アントニオ・セナとジョアン・ビエイラによるサインの研究、および外部支配的なランドアートとポストコンセプト運動のプレスバウンド作品、その中でアルベルトカルネイロ、ヘレナ・アルメイダとジュリアン・サルメントが際立っています。80年代に経験した絵画、形態、表現主義への回帰、およびイメージとそのアイデンティティに関する他の国際的に妊娠した問題は、10年のトップアーティストであるJúliaVentura、Joséの作品を通じてコレクションに表されています。ペドロ・クロフト、ジュリアン・サルメント、ホルヘ・モルダー、ペドロ・カブリタ・レイス、ルイ・サンチェス。

原作者、逸脱、類似性は、ジョアンペナルバの作品で表現されているテーマであり、ルイチャフェスのロマン主義とホメオステティコグループの批判的な良心とともに、90年代に移行しますが、異なるが消費する懸念があります(アンジェラフェレイラ、JoãoTabarra、Miguel Palma、Augusto Alves da Silva)、政治的、社会的、文化的に妥協した声明との再帰的な対話を確立することにおいて。更新の絶え間ないプロセスで、コレクションには、アレクサンドルエストレラ、ジョアンオノフレ、ジョアンペドロベールなど、21世紀の芸術の最前線にいるアーティストによるごく最近制作された作品の例が含まれています。

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