モダンダンス

古典的な形への反応としての現代の踊り、おそらく身体をより自由に表現する必要性として。 これは、クラシックバレエのようなアイデア、感情、感情をダンサーを通して表現することを目指し、20世紀と21世紀の身体の動きをミックスするダンスクラスです。

その起源は19世紀の終わりに戻ります。 初めに、クラシックバレエの厳密なテクニックの代替案が求められました。ダンサーたちは、裸足で踊っているように見えて、ステージ上の伝統的なものよりも堅いジャンプをし始めました。 時間の経過とともに、古典的なテクニックが欠如して目立つようなバリエーションが出現し、フラメンコ、部族のダンスの動き、さらにはヨガなど、他の身体技法の動きさえ導入されました。 第二次世界大戦が終わるまでは、この新しいスタイルのダンスはモダンダンスと呼ばれていましたが、1940年代後半からの進化により、その後のコンテンポラリーダンスの表現が優先されました。 今日、現代のテクニックは、スタイルのブレンドの渦に繋がり、それがどんなスタイルに似ているか、どんなパターンが続くかは不明瞭になってしまいます。

振付師は通常、創造的な意思決定を行います。 彼または彼女は、その作品が抽象的であるか内在的な性質を有するかを選択する。 ダンサーは、彼らのスキルとトレーニングに基づいて選択されます。 振り付けは、それが踊られる音楽または音との関係に基づいて決定される。 コンテンポラリーダンスにおける音楽の役割は、作品の背景となることができるため、他のジャンルとは異なる。 振付師は、衣装の選択とパフォーマンスの全体的な構成に対する美的価値を監視し、ダンサーの動きにどのように影響するかを見る。

近代的な舞踊は、しばしば古典的なバレエの拒絶または反抗として現れたと考えられている。 社会経済的および文化的要因もまたその発展に寄与した。 19世紀後半には、Isadora Duncan、Maud Allan、Loie Fullerなどのダンスアーティストが、パフォーマンスのために審美的またはフリーダンスと呼ばれる新しい形と慣行を開拓しました。 これらのダンサーは、バレエの厳しい動きの語彙、特に、バレエにふさわしいと思われる動きの限定されたセットを無視し、より自由な動きのためにコルセットとポイントシューズの着用をやめました。

現代の舞踊は、ある美学を達成するために、概念を語り、環境を提案したり、動きを提示することができます。必ずしも物語を伝える必要はありません。 一方、現代の舞踊は振付家や通訳のニーズに応じて革新と新しい形態の運動の創造を目指す一方で、古典的な舞踊は既存のステップを経て作られ、常に成文化される。 古典的な踊りは、天性と、構造的で完璧な、天体との関係、天体との関係を求めています。 むしろApollonianの概念にリンクしています。 現代の舞踊は、人間とその情熱、非構造、犯罪と、地球とのつながりを求めている。 Dionysianの概念にリンクしています。

20世紀を通して、社会政治的な懸念、主要な歴史的出来事、および他の芸術形態の発展は、米国とドイツにおける近代的舞踊の継続的発展に貢献しました。 1960年代に入ると、初期のダンス・フォームや社会的変化に対応して、ダンスに関する新しいアイデアが浮上し始めました。 最終的には、ポストモダンダンスのアーティストは、現代のダンスの形式を拒否し、パフォーマンスアート、接触即興、リリーステクニック、即興などの要素を取り入れます。

アメリカの近代舞踊は、(大まかに)3つの時代または時代に分けることができます。 イサドラ・ダンカン、ロイ・フラー、ルース・セント・デニス、テッド・ショーン、エレノア・キングの作品を特徴とするアーリー・モダン時代(1880-1923)では、芸術的練習は根本的に変わったが、出現した。 振付家のマーサ・グラハム、ドリス・ハンフリー、キャサリン・ダンハム、チャールズ・ワイドマン、レスター・ホートンは、アメリカの運動様式と語彙を明確に定義し、明確に定義された認識可能なダンス訓練システムを開発しました(1923-1946)。 後期モダン期(1946-1957年)、ホセ・リモン、パール・プリマス、マーセ・カニンガム、タリー・ビーティ、エリック・ホーキンス、アンナ・ソコロウ、アンナ・ハルプリン、ポール・テイラーは明確な抽象主義と前衛的な動きを導入し、ポストモダンダンス。

現代の舞踊は、その後の各世代の参加アーティストとともに発展してきました。 芸術的な内容は、スタイルやテクニックを持っているように、ある振り付け技師から別の振り付け技師に変わっています。 グラハムやホートンのような芸術家は、今日も世界中で教えられている中央近代の技術を開発しました。

バックグラウンド
歴史家はアメリカとヨーロッパの社会経済的変化がダンス界の変化を起こすのを助けたと示唆しているが、現代の舞踊は古典的なバレエの拒否または反乱として浮上していると考えられることが多い。 アメリカでは、工業化の進展、中産階級の増加(所得と自由時間の増加)、ビクトリアの社会的狭窄の衰退などにより、健康や体力に新たな関心がもたらされました。 「この舞台では、バレエに不満を抱くなど、社会構造が拒否されたことから、「新しい舞踊」が出てきました。 その間、「体育のチャンピオンは現代の舞踊の道を準備するのに役立ち、体操の練習は踊りたい若い女性の技術的出発点となりました」 女性の大学は1880年代末までに「美的ダンス」コースを提供し始めました。 この時代に登場したエイム・ラスは、

“音楽とリズミカルな身体の動きは、彼らが同時に存在するように、芸術の双子の姉妹です…今日、私たちはIsadora Duncan、Maud Allanなどの芸術作品で、音楽マスターが彼の作品で表現する動き – 解釈的なダンス。

フリーダンス
1877年:Isadora Duncanは、中心や胴体、素足、ゆるい髪、自由に流れる衣装、情緒的表現へのユーモアの組み込みに対するストレスで、現代舞踊の前身であった。 彼女は、古典ギリシャの芸術、民族舞踊、社会舞踊、自然、自然勢力、スキップ、ランニング、ジャンプ、飛び跳ね、突然の動きなどの新しいアメリカ運動競技に触発されました。 彼女はバレエが醜い無意味な体操だと思った。 彼女は人生のさまざまな時点で米国に帰ったが、彼女の仕事はそれほどうまく受け入れられなかった。 彼女はヨーロッパに戻り、1927年にニースで死亡した。

1891年:ロバート・フラー(バーレスク・スカート・ダンサー)は、ガス照明が彼女の絹の衣装に施していたという効果を実験し始めました。 フラーは、彼女の革命的な照明器具と半透明のシルクの衣装と一緒に使用された、自然な動きと即興のテクニックの一形態を開発しました。 彼女は、色の付いたゲルと発光のための化学薬品の使用と、彼女のボリュームのあるシルクのステージの衣装の特許を取得した彼女の装置と方法を特許出願しました。

1905年:ルー・セント・デニスは、女優のサラ・ベルンハルトと日本のダンサー・サダ・ヤコの影響を受け、インドの文化と神話の翻訳を展開しました。 彼女の演奏はすぐに人気を博し、東洋の文化と芸術を研究しながら広範囲に渡った。
ヨーロッパにおける表現主義と初期の現代舞踊

ヨーロッパでは、Mary Wigman、Francois Delsarte、Emile Jaques-Dalcroze(Eurhythmics)、Rudolf Labanが、人間の動きと表現、そしてヨーロッパの現代的表現主義舞踊の発展につながる教授法の理論を開発しました。 他の先駆者には、Kurt Jooss(Ausdruckstanz)とHarald Kreutzbergが含まれていました。

ラジカルダンス
欧州の大恐慌とファシズムの脅威に邪魔され、過激なダンサ​​ーたちは、経済的、社会的、民族的、政治的危機を劇的に演出して意識を高めようとした。

メアリー・ウィグマンの学生でドレスデンのウィグマン・スクールのインストラクターであるHanya Holmは、1931年にウィグマン・テクニック、ラバンの空間ダイナミクス理論、そして後に彼女を紹介する1931年にニューヨーク・ウィグマン・ダンス・スクール(1936年にHanya Holmスタジオになった)アメリカの現代舞踊に自分の踊りの技法。 熟練振付家で、彼女はベニントン(1934年)の最初のアメリカンダンスフェスティバルの設立芸術家でした。 Holmのダンス作品Metropolitan Dailyは、NBCで放映される最初のモダンなダンス・コンポジションであり、Kiss Me(Kiss Me)のlabanotationスコアであり、Kate(1948)は米国で著作権を持つ最初の振り付けです。 ホルムは、コンサートダンスやミュージカル劇場の分野で幅広く振舞っています。

Anna Sokolow-Martha GrahamとSokolowのLouis Horstの学生が、自分のダンス会社を創設しました(1930年頃)。 劇的な現代イメージを提示するSokolowの構図は、抽象的であり、人間の動きの時間と真実の緊張と疎外性を反映した人間の経験の全貌を明らかにすることが多い。

JoséLimón – 1946年、ドリス・ハンフリーとチャールズ・ワイドマンと一緒に勉強し、演奏した後、リムは自身の会社を芸術監督として設立しました。 彼女の指導の下で、リモンは彼の代表的なダンスThe Moor’s Pavane(1949)を制作しました。 Limónの振り付け作品とテクニックは現代のダンスの練習に強い影響を与え続けています。
マーサー・カニンガム – 元バレエ団の学生でマーサ・グラハムと共演した彼は、1944年にジョン・ケージと初のニューヨーク・ソロコンサートを行いました。ポスト・モダンのプロセスを使って現代主義イデオロギーを取り入れたケージの影響を受け、カニンガムはチャンス・プロシージャと、 20世紀のダンステクニックの大砲に カニンガムはポストモダンダンスのための種を彼の非線形で非クリマティックな、非心理的な抽象的な仕事で置きました。 これらの作品では、各要素はそれ自体表現的であり、オブザーバー(大部分)は、それが何を伝えるかを決定します。

エリック・ホーキンス – ジョージ・バランシンの生徒、ホーキンスはソリスト、マーサ・グラハムのダンスカンパニーで最初の男性ダンサーになった。 1951年、新しい運動科学分野に関心を持つホーキンスは、自らの学校を開き、ほとんどの身体的なダンス技法の先駆けである独自の技法(ホーキンズ技法)を開発しました。

ポール・テイラー – ジュリアード音楽学校の学生、コネチカット・カレッジ・ダンス・ダンス・スクール。 1952年にアメリカンダンスフェスティバルでの演奏は、いくつかの主要な振付家の注目を集めました。 マーサー・カニンガム、マーサ・グラハム、ジョージ・バランシンの順で演奏し、1954年にポール・テイラー・ダンス・カンパニーを設立しました。毎日のジェスチャーとモダニズムのイデオロギーの使用は、振付の特徴です。 Paul Taylor Dance Companyの元メンバーには、Twyla Tharp、Laura Dean、Dan Wagoner、Senta Driverが含まれていました。

Alany Nikolais-Hanya Holmの学生。 ニコライのマスク、小道具、モビールス(1953)、トーテム(1960)、カウントダウン(1979)などのマルチメディアの使用は他の振付家には匹敵しませんでした。 彼のダンサーを複雑な音やセットで窮屈な空間や衣装にしばしば提示し、彼は自分の道に置かれた障害を克服するという物理的な仕事に注目しました。 ニコライは、ダンサーを自己表現の芸術家ではなく、物理的な空間や動きの特性を調査できる才能として見ました。

ヨーロッパの学校

第一世代:ヨーロッパのパイオニア

哲学者と思想家

FrançoisDelsarte(フランス語、1811-1871)
彼は現代舞踊のインスピレーションを得ていました。最初は«表現的体操»(Bode)、または後に«リズミカルな体操»という名前でした。 彼は、霊的な状態は、顔だけでなく、単位としての身体の態度や動きによって表現されなければならないと断言する。 この技術に対する懸念は、以前のものよりもはるかに大きい。 身体を3つの可変領域に分ける:

下肢は力を表す
胴体と腕は、霊的で感情的な
頭の首、ジェスチャーは精神状態を反映しています
彼のアイデアはアメリカに持ち込まれました。 Genevieve Sebbinsと一緒にニューヨークの最高の学校のためにこれらのアイデアを広め、導入したSteele Mackayeの弟子の一人が、

ヨーロッパでは、彼のアイデアを広めているのは、セビンスの生徒であるヘドヴィグ・カルマイヤー(Hedwig Kallmeyer)です。 1930年、彼女はドイツで表現文化の研究所を設立し、Delsarteシステムを女性のためのPEの一形態として教え、彼女は彼女の学校への参加を達成しました。 伝統的な体操運動に対する反応である美容と健康を公表しています。

Delsarteは「調和の取れた運動の法律」を策定しています。

調和の姿勢の法則:ギリシャの彫像の完全な休息地としてのバランスのとれた自然な位置。
反対運動の法則:すべての運動は、平衡原理によって他の部分の反対運動を要求する。
調和筋機能の法則:筋力は、筋肉の大きさに直接関係していなければなりません。

Emile Jaques-Dalcroze(スイス、1865-1950)
彼はリズミカルな体操、ユーリートミーの創造者だった。 彼は多才な男性でした:ミュージシャン、振付師、俳優、作曲家、教授。 彼の音楽的、肉体的な知識は、人の発達のためにこれらの2つの活動を学ぶ必要性を認識させ、ここから体の動きを通して音楽のリズムの法則を調べ始めました。

ジュネーブ音楽院の彼のソレッフェージオの学生が行った観察は、彼のリズミカルな体操の起源であった。

彼は、あるものは普通の方法で聴覚的に進行することを観察した。 しかし、彼らは、音の持続時間の感覚と連続性のリズムを測定する能力に欠けていました。
彼は音楽の結果として身体のある部分の不随意運動に反応することが多いことを発見しました(例えば、足で地面に当たった)。その結果、音響と高等神経センターとの間に何らかの関係があると推測しました。
すべての子供が同じように反応したわけではありません。 多くの人は自分の動きを調整することができず、神経質な身体に正しく反応しませんでした。

これらの観察に基づいて、彼は次のように結論づけた。
音楽の中でダイナミックでダイナミックなことは、耳だけでなくタッチにも左右されます。
彼は純粋に聴覚的な音楽は不完全であると考えた。
音楽的不整脈は、一般的な不整脈の結果である。
調和のない音楽的な状態を持たずに、楽器のハーモニーを作ることはできません。
Dalcroze法は、リズムとムーブメントを通して音楽を教える方法です。 それは、音楽表現のための統合された自然な感覚を開発するために、音楽の概念を参照するための類推としての様々な動きを使用する。 彼の方法としては、リズム、ソルフェージ、即興の3つの中心的要素を指摘する。 その目的は、学生の感覚、認識、行動の能力を調和させることです。 それは、子供の神経反応を調節し、反射を発達させ、一時的な自動化を提供し、抑止と闘い、感情を改善し、彼のダイナミズムを強化することを目指しています。

Dalcrozeのリズムは、それ自体が芸術ではなく、他の芸術に到達する手段または手段です。 彼の貢献は画期的なものでした。彼は個人的な発達の中で音楽の重要性を指摘し、後に音楽療法となるものの始まりをマークしました。

使用される作業内容は次のとおりです。

物理的な修復練習
心の教育のための練習
活発な研究と身体リズムの創造者。
活発な研究と音楽リズムの創造者。

テクニックの作成者

ルドルフ・ラバン(ハンガリー、1879-1958)
運動を理解するための本質的な科学に興味を持ち、数学、物理学、化学、解剖学および生理学を学んだ。 彼は自然や栽培活動を求めて世界中を旅しました。 バレエは最も大きな注目を集めた。 彼は「ポイント」の宣言された敵であり、表現力豊かなジェスチャーが、Isadora Duncanと同じラインで、魂と体の完全な解放をもたらさなければならないと信じていました。

ラバンは、ムーブメントとダンスのコンセプトを洗練し、解釈し、3つのシステムを定義します。

Labanotation:記号を使って動きを記憶する方法です。 それは、動き、力学、空間、そして身体の全ての運動の、書かれた、そして信頼できる言語の技法を確立することを管理する。
二十面体の技法:ダンスの生徒は、移動する点と移動する点を見ることができ、動きの精度が向上します。
表現力豊かな自由な創造的な舞踊や現代の教育舞踊は、運動の効果と考え方を研究し、反映するためのガイドとなる目的で、運動の原則と概念のセットを確立します。 このようにして、個人は、特定のテーマに基づいて、自分の技術を発見し、自分自身の身体言語を開発し、その動きを探求し、身近になるようにしなければならない。
ラバンにとっては、ダンスは個人やグループの体的表現の一形態であり、それぞれが独自のダンスを持っています。 その理由から、同じ人物の技法は、彼が彼の人格を強化するための様々な可能性を促進しなければならない。

コンテンポラリーダンスセッションには以下の要素が含まれています:

身体訓練:身体と身体の調整。
運動の研究:それはセッションの中心です。 経験や一連の個人やグループの動きが経験されます。
構成:以前に作業したトピックのドメインを確認します。
意識的な観察:クリティカルスピリットに有利な前の組成物の観察、アクティブまたはパッシブリラクゼーション。

ラバンの他の貢献は:

動きの聖歌隊:感情を表現するためにいくつかのダンサーの同じ動きに重点が置かれていることが特徴です。
4つの側面からそれらを考慮した動きの技法:
時間:あなたは速度と遅さ、そして2つの間の変化(加速と減速)に興味があります。
体重:動きを強くて軽くします。 時間と重量の要因は、動きに動的な品質を与えます。
スペース:私たちが移動する方法と、それを行う方向の両方に関係します。
流れ:この要素は動き全体に浸透し、停止または保持されている感覚を与える。

メアリーウィグマン(ドイツ語、1886-1973)
RV Labanの弟子は、「創造的な直感」の要素として貢献しています。 ダンサーの仕事は職業であると考えてください。 彼はダンサーのトレーニングに影響を与え、自分の学校を作りました。 現代体操の進化に対する彼の影響は、ジェスチャーの誇張された表現力と、収縮と弛緩の交互作用、動的な動きと陽気なリズムに向かって変化する緊張して緊張した連続的な態度を維持することに基づいている。 彼はダンスの教育と訓練においてさまざまなステージを使用しています。これは、伴奏のないダンスの一部です。その後、打楽器(ドラムが目立ちます)を紹介し、最後に音楽が到着します。

Kurt Jooss(ドイツ語、1901-1979)
彼はドイツ人の先生、ダンサー、振付家でした。 ルドルフ・ラバンとの踊りを学んだ後、彼は学校と彼の会社Ballets Joossを開いた。 彼はエッセンのオペラハウスのために1930年にダンスの先生になり、そこで彼はバレエ「グリーン
第2世代
ヘラルド・クロイツベルク
グレッチパルッカ
ヴェラスココネ
Dore Hoyer
サカロフ:アレクサンドル・サカロフとクロティイル・フォン・デルプ

第3世代
冷戦の途中で、古典と現代の踊りは、さまざまなヨーロッパ諸国で非常に異なる方法で発展しました。 ラバンとメアリーウィグマンの学校の影響は、数多くのアーティストやいくつかの通訳 – 学校を創造することができない振付家がどこにでも出現します。 地政学(ヨーロッパは「鉄のカーテン」で分けられている)としての経済状況(欧州は2つの戦争から回復する)も、学校の創設やダンスの安定した動きに有利ではない。

また、フランス、スペイン、スウェーデン、ドイツ、オーストリアのモダンダンスの様々な北米の振付家や教育者の設立も重要です。 グラハム、リモン、ホートン、カニンガムの技術の普及は、現在のヨーロッパの舞踊の将来の発展において重要となるでしょう。

米国では

アメリカの初期のモダンダンス
1915年、ルース・セント・デニスは夫のテッド・ショーンとデニッシューンの学校とダンス会社を設立しました。 St. Denisは創造的な仕事の大半を担当し、Shawnはテクニックと作文を担当しました。 マーサ・グラハム、ドリス・ハンフリー、チャールズ・ワイドマンは、学校とダンスカンパニーのすべての生徒だった。 ダンカン、フラー、ルース・セント・デニスは、ヨーロッパの外ではほとんどサポートを受けていませんでした。 St. Denisは仕事を続けるために米国に戻った。

マーサ・グラハムは、現代の20世紀のコンサート・ダンスの創始者とも言われています。 グレアムはバレエをヨーロッパ、帝国主義、アメリカ人ではない一方的すぎると見なした。 彼女は1916年にデニシューンスクールの学生になり、その後1923年にニューヨークに移り、ミュージカルコメディや音楽ホールで演奏し、自身の振り付けを手がけました。 グラハムは、収縮と解放という概念に頼った、独自のダンス技法、グラハム技術を開発しました。 グラハムの教えでは、彼女は生徒たちに “感じ”を欲しかった。 「感じる」とは、床に接地する意識を高め、同時に全身のエネルギーを感じ、観客に広げることを意味します。 彼女の主な舞踊への貢献は、身体の「中心」(脚の上のバレエの強調とは対照的)、呼吸と動きの調整、そしてダンサーと床との関係です。

1923年:グラハムはデニシューンをグリニッジ村のFolliesでソロアーティストとして働かせる。
1928年:ハンフリーとワイドマンはデニッシュンを去って、自分たちの学校と会社(ハンフリー・ワイドマン)を設立する。
1933年:ショーンはマサチューセッツ州ベケットのヤコブの枕の農場で、彼のすべての男性のダンスグループ、テッド・ショーンと彼の男性ダンサーを見つけました。
教師のテクニックと構成方法を書き留めた後、初期の現代のダンサーは、自分の方法とイデオロギーと舞踊のテクニックを開発しました。これが現代の舞踊の基礎となりました。

マーサ・グラハム、ルイス・ホルスト

ドリス・ハンフリーとチャールズ・ワイドマン
Helen Tamirisは、もともと自由運動(Irene Lewisohn)とバレエ(Michel Fokine)で訓練を受けたTamirisは、Isadora Duncanと簡単に学んだが、個人的な表現や歌詞の動きに重点を置いていませんでした。 Tamirisは、それぞれの舞踊は独自の表現力を生み出す必要があり、個々のスタイルや技法を開発しないと信じていました。 振付師としてTamirisは、コンサートダンスとミュージカル劇の両方で活動するアメリカのテーマに基づいて作品を制作しました。

レスター・ホートン – カリフォルニア(モダン・ダンスの中心であるニューヨークから3000km離れたところ)で働くことを選んだホートンは、アメリカ先住民族のダンスや現代的なジャズなど、さまざまな要素を取り入れた独自のアプローチを開発しました。 ホートンのダンステクニック(レスターホートンテクニック)は、表現の自由を許す柔軟性、強さ、協調性、身体意識などの全身アプローチを強調しています。

普及
1927年には、音楽やドラマの批評家ではなく、運動専門家の立場から公演に近づいたWalter TerryやEdwin Denbyなどのダンス評論家が新聞に定期的に配属され始めました。 教育者は、現代舞踊を、まず体育の一部として、次に舞台芸術として、大学カリキュラムに受け入れました。 1934年にBennington Collegeで設立されたBennington Summer School of Danceで、多くの大学教師が訓練を受けました。

Benningtonプログラムのうち、Agnes de Milleはこう書いています。「すべての種類のアーティスト、ミュージシャン、デザイナーがうまく組み合わされています。第二に、大陸の大学コンサートシリーズを予約する責任者が集まっていたからです。 …ヨーロッパの顧客の好みを強く求めていた3大独占経営の制限的な制約から解放された結果、アメリカのダンサーが全米でアメリカを巡って初めて雇用され、これがソルベンシーの始まりを告げた。 ”

アフリカ系アメリカ人の近代舞
現代の舞踊の発展は、アフリカ系アメリカ人ダンスアーティストの貢献を取り入れ、純粋な近代的なダンス作品を作ったのか、アフリカとカリブの影響を受けた現代的な舞踊を融合させたのかにかかわらずでした。

キャサリン・ダンハム(Katherine Dunham) – アフリカ系アメリカ人のダンサー、人類学者。 元々はバレエダンサーで、彼女は1936年に彼女の最初の会社、バレエ・ネグレを設立し、その後イリノイ州シカゴに拠点を置くキャサリン・ダンハム・ダンス・カンパニーを設立しました。 ダンハムは1945年にニューヨークに学校をオープンし、アフリカとカリブ海の動き(柔軟な胴と背骨、関節の骨盤、四肢の孤立、ポリリズム)とバレエとモダンダンスの技術を融合させたキャサリン・ダンハム・テクニックを教えました。

パール・プリムス – ダンサー、振付師、人類学者のプリムスはアフリカとカリブの踊りを描いて、空中での大きな飛躍を特徴とする劇的な作品を生み出しました。 Primusは、しばしば、黒人作家の仕事や人種やアフリカ系アメリカ人の問題に基づいて踊っています。 Primusは、Langston Hughes The Negro、川の話(1944)、Lewis AllanのStrange Fruit(1945)に基づいて作品を制作しました。 彼女のダンス・カンパニーはアフリカ系アメリカ人、カリブ系、アフリカ系の影響を現代のダンスやバレエのテクニックと融合させる方法を教えるパール・プリマスダンス・ランゲージ・インスティチュート(Pearl Primus Dance Language Institute)に発展しました。

Alvin Ailey – Lester Horton、Bella Lewitzky、そして後にMartha Grahamの学生、Aileyはコンサートと演劇の両方で数年間働いていました。 1958年、Aileyと若いアフリカ系アメリカ人ダンサーのグループがニューヨークのAlvin Ailey American Dance Theatreとして演奏しました。 エイリーは、テキサスの「血の記憶」、ブルース、スピリチュアル、福音をインスピレーションとして描きました。 彼の最も人気があり、評判の高い作品はRevelations(1960)です。

モダンダンスの遺産
モダンダンスの遺産は、20世紀のコンサートダンスの系譜の中で見ることができます。 多くの場合、多様なダンス・フォームを制作していますが、多くの精神的なダンス・アーティストは、自由なダンスに戻ることができる共通の遺産を共有しています。

ポストモダンダンス
ポストモダンダンスは、社会が政治と芸術における真理とイデオロギーに疑問を呈した1960年代にアメリカで発展した。 この時期は、芸術における社会的、文化的実験によって特徴づけられました。 振付家は特定の「学校」や「スタイル」を作成しなくなりました。 さまざまな舞踊の影響がより曖昧になり、断片化しました。 ポスト・モダン・ダンスは音楽をほとんどまたは全く演じないことが非常に一般的です。

現代舞踊
コンテンポラリーダンスは、1950年代に現代のダンス要素と古典的なバレエ要素を組み合わせたダンス形式として登場しました。 それは1950年代に開発された日本の現代的なダンスである舞踏や舞踏など、西洋以外のダンス文化の要素を使用することができます。 それはまた、詩的で日常的な要素、破線、非線形の動き、繰り返しなど、現代のヨーロッパのテーマに由来します。 コンテンポラリーダンサーの多くは、クラシックバレエで日々練習され、振り付けのテクニックに追いついています。 これらのダンサーは効率的な身体運動、空間の占有、細部への注意のアイデアに従う傾向があります。 今日のコンテンポラリーダンスには、ポップカルチャーやテレビ番組がぼやけているため、コンサートや商業舞踊の両方が含まれています。 Treva Bedinghausによれば、「現代のダンサーは、自分の内面の感情を表現するためにダンスを使用し、しばしば自分の内面に近づくようにしています。恋愛や個人的な失敗のような心の奥深くにあるテーマを選んでください。ダンサーは、話したいことに関連する音楽を選ぶか、まったく音楽を使用しないことを選択し、次に衣装を選択します。彼らの選択した感情を反映しています。