ミニマリズムは、すべての非本質的な形態、特徴、または概念を排除することによって、主題の本質、本質またはアイデンティティを明らかにする作業が始まる、様々な形の芸術およびデザイン、特に視覚芸術および音楽の動きを記述する。 芸術における特定の動きとしては、第二次世界大戦後の西洋美術の発展とともに、1960年代から1970年代初頭のアメリカの視覚芸術と最も強く結びついています。 この動きに関連した有名なアーティストには、Ad Reinhardt、Tony Smith、Donald Judd、John McCracken、Daniel Flavin、Larry Bell、Anne Truitt、Yves Klein、Frank Stellaなどがあります。 アーティスト自身は、作業が単純であるという否定的な意味合いのために、時にはレーベルと反応しています。 ミニマリズムは、抽象的な表現主義とポストミニマル芸術の実践への橋渡しに対する反作用として解釈されることが多い。
最小限の芸術、視覚芸術のミニマリズム
視覚芸術におけるミニマリズムは、一般に「ミニマム・アート」、リテラリスト芸術、ABCアートと呼ばれ、1960年代初めにニューヨークで浮上した。 当初は、60年代にニューヨークの新しい美術家が幾何学的な抽象化に移行したことで、最小の芸術が登場しました。 フランク・ステラ、ケネス・ノランド、アル・ヘルド、エルズワース・ケリー、ロバート・ライマン、その他の場合の絵画による探検。 David Smith、Anthony Caro、Tony Smith、Sol LeWitt、Carl Andre、Dan Flavin、Donald Juddなどの様々なアーティストの作品を彫刻しています。 ジュードの彫刻は、1964年にマンハッタンのグリーン・ギャラリーでフラビンの最初の蛍光灯の作品として展示され、レオ・カステッリ・ギャラリーやペース・ギャラリーのような他の主要マンハッタンのギャラリーも幾何学的抽象に焦点を当てたアーティストを紹介し始めました。 さらに、1966年4月27日から6月12日まで、ニューヨークのユダヤ博物館で絵画と彫刻のキュレーター、Kynaston McShineと主催した「Primary Structures：Younger American and British Sculpture」 1966年にローレンス・アロウェイ（Rosence Alloway）によってキュレーションされたソロモン・R・グッゲンハイム美術館（Solomon R. Guggenheim Museum）の全身ペインティング（Systemic Painting）は、シェイプされたキャンバス、カラーフィールド、ハードエッジペイントによるアメリカの美術界における幾何学的抽象化を展示した。 それらの展覧会の結果として、いくつかのものが、最小の芸術と呼ばれる芸術の動きを浮き彫りにしました。
歴史
Jean Metzingerは1911年5月29日パリ・ジャーナルに掲載されたCyril Bergerとのインタビューで、1911年Salon desIndépendantsで展示されたCubistから作られたSuccèsde scandaleに続き、
私たちの立方体は人類の利益のために新しいリズムを作り出すことによって、私たちの義務を果たしました。 同じことをやる人は私たちの後ろに来る人もいます。 彼らは何を見つけるでしょうか？ それは未来の秘密です。 誰かがいつか、偉大な画家であり、しばしば残酷な色彩家のゲームで軽蔑的に見て、7色を元の白い統一に戻しても、完全に白いキャンバスを出すことはないだろう。 。 （Jean Metzinger、1911年5月29日）
メッツィンガーは、表現主義を完全に撤廃し、メッツィンガーが「原始的な白い統一」と呼んだ「完全に白いキャンバス」に戻って、抽象的に論理的な結論に至る大胆な予測を、2年後に実現するだろう。 作者、フランシス・ピカビア（Francis Picabia）は、アモルファスの空白を正当化したときにメッツィンガーのビジョンを念頭に置いていたかもしれません（1913年5月3日、Les Hommes du JourにあるVerse l’Amorphisme） 「光が私たちのために十分である」と主張することによってキャンバスを描く。 視点を持って、美術史家のJeffery S. Weissは、「Vers Amorphismeは不気味かもしれませんが、非客観性の極端な改革派の影響を予期するための基礎言語でも十分です。
モノクロームの絵画は、1882年にパリで最初のインコヒーレント・アートの展覧会で始まり、詩人ポール・ビルハウドの黒い絵画「戦闘ネグレス・ドン・アン・トンネル」（トンネルで黒人の戦い）と呼ばれた。 その後のインコヒーレントな芸術（1880年代も）の展覧会では、作家Alphonse Allaisが「雪の中の貧血の若い女の子の最初の親交」のような7つの他のモノクロームの絵を提案しました（「Premièrecommunion de jeunesはクロロテキスを埋めます） “、白）、または”レカルト・ド・ラ・トゥルテ・パ・デ・カルディナック・アポプリテーク・ア・ボルド・デ・ラ・メール・ルージュ “（「赤い海岸のアポトーシス・カディナルによるトマトの収穫」赤）。 しかし、この種の活動は、20世紀のダダ、あるいはネオダダ、そして1960年代のフルクサスグループの作品と、マレービッヒ以来の20世紀のモノクロ絵画よりも類似しています。
広範かつ一般的な意味で、Bauhausに関連する画家の幾何学的抽象、Kazimir Malevich、Piet MondrianおよびDe Stijl運動に関連する他のアーティスト、ロシア・コンストラクティスト運動の幾何学的抽象において、ヨーロッパのミニマリズムのルーツを見つける。ルーマニアの彫刻家ConstantinBrâncuşiの作品。 最小の芸術は、バーネット・ニューマン、アド・ラインハルト、ジョセフ・アルバースの絵画、パブロ・ピカソ、マルセル・デュシャン、ジョルジオ・モランディなどの様々なアーティストの作品にも影響を受けています。 ミニマリズムは、1940年代と1950年代にニューヨークの学校で支配的だった抽象表現主義の絵画的主観との反応でもあった。
白黒絵画の解釈の可能性（不可能を含む）の幅広い可能性は、モノクロームが非常に多くの芸術家、批評家、作家に関わっている理由は間違いありません。 モノクロームは支配的とはなっておらず、独占的に専念しているアーティストはほとんどいませんが、一度も消えてしまっていません。 それは、美的で社会政治的な混乱の時代に現れる、高いモダニズムを悩ましている幽霊、またはその象徴として再現されます。
ミニマリズムを描く
ミニマリストの画家は、マレーヴィチとアド・ラインハルトという2人の偉大な僧侶からインスピレーションを得ています。 最初のものは、最初に、「純粋な」抽象画を推進する1915年にロシアで生まれた運動であるSuprematismの偉大な代表者である。 マレーヴィチは、絵画は象徴的または比喩的表現から自由になり、非主観的にならなければならないと述べている。 彼は1915年に白い背景に有名なブラック・スクエアを造り、ルネサンスから継承された古代の絵画の伝統をきれいに掃除し、その死を宣言しました。 このラインでは、1960年代から死ぬまで、一連のモノクロームの絵画が空虚になっていました。
フランク・ステラは、芸術の再定義と特に絵画に取り組んで、幾何学的抽象化に移ってAd Reinhardtの勢いを続けています。 彼は、元のフレームの形をしたタブロー・オブジェを作成し、ストレート、同心円または対角線、規則的および均質の線を表示します。これは、アーティストの手よりもブラシの幅が広がります。 彼は芸術における解釈を拒絶します：彼が望むのは、ジャクソン・ポロックに特大の自我に拷問された天才の人物で終わる芸術作品を非人格化することです。 「私の絵画はそこに見ることができるものだけがあるという事実に基づいています」とステラは言います。
ミニマリストの画家は、画家の請求書の痕跡や画家の手の介入を制限したい。 また、ミニマリスト作品は通常、2色または3色と基本的な形から成り立っています：円形、正方形、直線など単純さは重要であり、ミニマリズムの背後に主観的な表現はありません。 彼はどんな象徴主義も欠いており、言葉の文字通りの感情を避ける形と色だけを演じようとしています：感情のない芸術です。
彫刻のミニマリズム
ミニマリストの作家はシンプルな素材でできていて、しばしば原型（磨かれた銅、鋼鉄）、クリーンな形をしたシンプルで基本的な構造を使用しています。その下にはフォーム自体が溶解する要素から構成されます：金属タイル（Carl Andre） （Donald Judd）、重力の作用だけで裂けたり変形したりするもの（Robert Morris）、ネオンホワイトまたはカラー（Dan Flavin）チューブの線状組成物、曲線で鍛造された正方形断面の中空棒（Albert Hirsch）は、ミニマリスト作品の特徴的な例である。 単純幾何学的容積の選択は、それらが何であるか（工作物なしで）直ちに理解されるべきである。 色は、個々の材料は、感情的な歴史を持っていないオブジェクトを生成することができ、したがって彫刻の内容は彫刻自体以外のものではなく、それは「必須」に限られているため最小限の表現です。
加えて、ミニマルは芸術的なジャンルの融合を主張している。 例えば、2008年のGrand PalaisでのRichard Serraのプロムナードは、そのタイトルが示すように、5つの鋼板周辺の建物を移動するよう視聴者を招待しました。 これらの散歩は、音楽によって、特にフィリップ・グラスのもので “栓抜き”されました。オリビエ・モンリンは雑誌エスプリで指摘しています。
音楽のミニマリズム
ミニマル音楽は、1960年代にアメリカで現代音楽の現代音楽となっています。 その最も有名な代表者は、スティーブ・ライヒ、マイケル・ナイマン、ジョン・アダムス、フィリップ・グラス、テリー・ライリー、モンテ・ヤング、アルヴォ・ペールトです…このミニマリストという用語は一般に「繰り返し」と呼ばれるこの音楽には不適切であると一般に考えられていますそれは部分的に反復原理に基づいているからです。 彼女は様々な影響、シリアス主義、ジョン・ケージを中心としたアメリカのアヴァンギャルドな音楽、ジャズ、そして非西洋音楽を持っています。
ミニマル音楽という言葉は、幅広いジャンルを網羅しており、時にはポストモダン音楽と混同されています。 最初のミニマリスト作品は実際には、La Monte Youngのドローン、繰り返しのテクニック、Steve Reichの位相シフト、またはPhilip Glassのモチーフの追加/減算によって、やや疎な素材を使用しています。 しかし、後の作品は、特にJohn Adamsの音楽素材の「最小限の」使用からますます逸脱しています。
デザインのミニマリズム
現在のミニマリストデザインは、バウハウスによってxx世紀の始めに取られたアプローチに適合しています。 特にLudwig Mies van der RoheやMarcel Breuerのような建築家やデザイナーによるものです。 Gerrit RietveldのZig-zag椅子のような戦前の作品の中には、「最小限」と表現することもできます。
フランク・ステラやドナルド・ジャッドのような彫刻家の作品は、蔵田史郎のようなデザイナーに影響を与えました。 ドナルド・ジャッドは家具もデザインしています。
ミニマリストとして描写できるデザイナーの中には、ジャスパー・モリソン、ジャン・マリー・マーシュ、ロナン・アンド・エワン・ボウラレク、シラー・クラマタなどがあります。
モノクロームリバイバル
1947年から1948年のフランスでは、イヴ・クラインは20分間の連続したコードと20分の沈黙からなる「モノトーン・シンフォニー」（1949年、正式に「モノトーン・サイレンス・シンフォニー」）を思いついた。これはラ・モンテ・ヤングの無声音楽ジョンケージの4’33 “。 クラインは1949年の早い時期にモノクロームを描いていたが、1950年にこの作品の最初の個展を開催したが、1954年11月のYves：Peinturesというアーティストの本の発表は初めてだった。
アーティストと評論家Thomas Lawsonは、1981年のエッセイ「最後の出口：絵画」Artforum、10月：40-47に触れ、ミニマルは、モダニズムの絵画が表象と材料に還元されたことについてのクレーム・グリーンバーグの主張を、 ローソン・ミニマリズムによれば、「ミニマリズム」という用語は一般にそれに関連するアーティストには受け入れられず、批評家によってミニマリストに指定された多くの美術家は、それをそのような動きとして識別しなかった。 クレーム・グリーンバーグ自身もこの主張を例外として取り上げた。 1978年の彼のエッセイ “モダニストペインティング”の追記で、彼は彼が言ったことのこの誤った解釈を否定した。 グリーンバーグはこう書いた：
筆者が書いたことのいくつかの構造が不本意なものになってしまった：絵画の限界条件としてではなく、絵画的な美術における審美的品質の基準として、平面性と平面性の傾向を考慮する。 アートの自己定義が進むにつれて、作品はより良くなると結論づけられます。 私を思い描くことができる哲学者や美術史家は、このように審美的判断を下すことは、私の記事よりも自分自身の方が驚くほど驚くほどです。
以前の10年の主観的な抽象表現主義者とは対照的に、Barnett NewmanとAd Reinhardtを例外として、 ミニマリストは作曲家のジョン・ケージとラモン・ヤング、詩人ウィリアム・カルロス・ウィリアムス、そしてランドスケープ・アーキテクトのフレデリック・ロー・オルムステッドの影響を受けました。 彼らは、過去10年間の主観的な芸術思想が「客観的」であったのとは異なり、自分の芸術は自己表現ではない、と明言しています。 一般的に、ミニマリズムの特徴には、幾何学的、時には立体的な形が多く含まれており、メタファー、部品の平等、繰り返し、ニュートラルな表面、および工業材料がパージされています。
影響力のある理論家でありロバート・モリス（Robert Morris）は1966年にArtforumの3つの号に刊行された3部のエッセー「Notes on Sculpture 1-3」を書いた。これらのエッセイでは、Morrisは概念的枠組みと正式な要素を定義しようと試みた同時代の慣行を受け入れるものなどがあります。 これらのエッセイは、ゲシュタルトの概念に大きな注目を集めました。「パーツは、知覚的分離に対する最大限の抵抗を作り出すような方法で結合されています」。 モリスは、1969年のArtforumで最初に出版された「彫刻に関するノート：物体を超えたノート」の中で、「マークされた横方向の広がりと正則化された単位や対称的な間隔はない」と表現し、物の物理的存在の文字通りの側面です。 このエッセイが表現である理論における一般的な変化は、後にポストミニマリズムと呼ばれるものへの移行を示唆している。 ミニマリズムに特に関連した最初のアーティストの1人は、初期の「ピンストライプ」絵画がニューヨークの近代美術館で開催された1959年のショー、アメリカ人、ドロシー・ミラーによって企画された画家、フランク・ステラでした。
フランク・スステラスのピンストライプの絵画のストライプの幅は、横から見たときの絵の深さとして見える、ストレッチャーに使用される木材の寸法によって決定され、キャンバスが引き伸ばされた支持シャシーを構築するために使用された。 したがって、キャンバスの前面の構造に関する決定は、完全に主観的ではなく、サポートの物理的構成の「所与の」特徴によって事前調整されていた。 ショーのカタログでは、Carl Andreは「アートは不要なものを除外しています。フランク・ステラはストライプを描く必要があることを発見しました。 これらの還元的作品は、エネルギーが満たされた、明らかに主観的で感情的に魅力的なウィレム・デ・クーニングやフランツ・クラインの絵とは対照的であり、前世代の抽象的な表現者の前例の点では、 、Barnett NewmanとMark Rothkoのカラーフィールド画。 StellaはMoMAショーからすぐに注目を集めましたが、Kenneth Noland、Gene Davis、Robert Motherwell、Robert Rymanなどのアーティストも、50年代後半から1960年代にかけてストライプ、単色、ハードエッジフォーマットを探求し始めました。
リテラルに賛成して絵画的、幻想的、架空的なものを排除する最小限の芸術の傾向のため、絵画的なものから彫刻的なものへの動きがあった。 ドナルド・ジャッド（Donald Judd）は画家として始まり、オブジェクトの創作者として終わった。 彼の独創的なエッセイ、「特定の対象物」（1965年のArts Yearbookに掲載）は、ミニマルな美学の形成のための理論の宝石でした。 このエッセイでは、Juddはアメリカ美術の新しい領土の出発点と、残されたヨーロッパの芸術的価値観を同時に拒絶することを発見しました。 彼は、ジャスパー・ジョンズ、ダン・フラビン、リー・ボンテコウなど、当時ニューヨークで活動していたアーティストの作品の中で、この発展の証拠を指摘しました。 ジャッドの「予備的」重要性は、絵画の形を鈍く、強く、哲学的に描写された幾何学的形状に具体化し蒸留したジョージ・アール・オルマンの作品であった。 これらの特定の物体は、絵や彫刻として快適に分類できない空間に住みました。 そのようなオブジェクトのカテゴリアイデンティティは疑問であり、よく磨耗され、過度に身近な慣習との容易な関連付けを避けることは、ジャッドにとっての価値の一部でした。
この動きは、近代的な形式主義の美術評論家や歴史家によって大きく批判された。 いくつかの批評家は、最小の芸術は、おそらく1960年代に至った時代のアメリカの著名な絵画批評家、クレメント・グリーンバーグ氏が定義した絵画と彫刻の現代弁証法の誤解を表していると考えていました。 ミニマリズムの最も顕著な批評は、その “劇場”に基づいて仕事に反対した正式批評家のマイケル・フライドが作ったものです。 Art and Objecthood（1967年6月にArtforumで発表）では、最小限の芸術作品、特に最小彫刻は観客の身体性との関わりに基づいていると宣言しました。 彼は、ロバート・モリスのような作品は、観覧の行為を観客の作品への参加と実演の芸術が発表された一種の光景に変えたと主張した。 フライドは、最小限の芸術の失敗として、作品の中の美的関与から、アートワークの外の出来事まで、視聴者の経験のこのずれを見た。 フリードリヒのエッセイは、ポストミニマル・アンド・アースのアーティスト、ロバート・スミスン（Robert Smithson）によって、Artforum 10月号の編集者宛の手紙にすぐに挑戦されました。 Smithsonは次のように述べています。「Friedが最も恐れているのは、自分が何をしているのか、すなわち自分自身が演劇的なものであるという意識です。
Robert Mangold、Larry Bell、Dan Flavin、Sol LeWitt、Ronald Bladen、Agnes Martin、Jo Baer、Paul Mogensen、Ronald（ロバート・モリス、フランク・ステラ、カール・アンドレ、ロバート・ライマン、ドナルド・ジャッド）デイヴィス、チャールズ・ヒンマン、デイヴィッド・ノーロス、ブリス・マーデン、ブリンキー・パレルモ、ジョン・マクラッケン、アド・ラインハルト、フレッド・サンドバック、リチャード・セラ、トニー・スミス、パトリシア・ヨハンソン、アン・トゥリット。
実際に抽象表現主義の世代の芸術家であるAd Reinhardtは、しかし、還元的でほぼ完全に黒い絵画がミニマル主義を予期していたように見えるのは、美術に対する還元的アプローチの価値について言えることです。
それ以上のものは、芸術の仕事が混雑するほど悪いです。 もっと少ないです。 少ないほうがいいですね。 目は見通しの悪い脅威です。 自分自身の裸の露出は、猥褻です。 芸術は自然を取り除くことから始まります。
Reinhardtの発言は、Hans Hofmannの自然に対する関心を、彼自身の抽象表現主義絵画の源として直接扱い、矛盾する。 ホフマンとジャクソン・ポロックの有名な交流の中で、スミソニアン・インスティテュート・アメリカン・アーカイブスのDorothy Strickler（1964-11-02）とのインタビューでLee Krasnerが語った。 クラズナーの言葉では、
「ホフマンをポロックに会わせて、私たちがここに移動する前の彼の作品を見ると、ホフマンの反応は、彼がジャクソンに尋ねた質問の1つです。自然から仕事をしていますか？答えは、私は自然です。そして、ホフマンの答えは、ああ、あなたが心から働くならば、あなたは繰り返します。 ポロックとホフマンの会合は1942年に行われました。