ミドルバロック音楽 – HiSoUR 芸術文化美術歴史

ヨーロッパの音楽の歴史的重要性におけるバロックは、約1600年から約1750年の期間であった。初期から、ルネサンス音楽からバロックの音楽は変わった。テキストを支配するホモフォニー（主なボーカル）の歌で複数のメロディーを同時に置き換えることで、オペラ、吹き出し、カンタット、モノディを作成することで、ボーカルの音楽が急激に発展しました。初期のバロックでは、モーダルスケールは主に音色の音楽と交換された教会音楽に関連していました。これは、サウンドとより高度な作品を構成する能力の両方において大きな違いをもたらしました。

非聖職者の道具の部分は、バロックの革新でした。 toccata、joints、preludier、ricercars、capriccio、canzonaer、suites、sonatas、concertosのような大きな変化がありました。オーケストラはバロックで大きく発展し、楽器がますます良くなるにつれ、ますます多くのものが含まれました。バロックを打つ楽器には、バイオリン、チェロ、クロスピー、クラリネット、バスーン、オーボ、イングリッシュ・ホーン、ホーン、トランペット、トロンボーンの初期バージョンがあります。ボーカルとインストゥルメンタルの新しいボートは、リズムホールディングを楽器に渡す最初の例の1つである一般的なベースの開発でした。ボーカル・ミュージックがゲイだった場所では、インストルメンタル・ミュージックはポリフォニックなままであり、しばしば対位法が使われていました。

当初、バロック音楽はイタリアの作曲家によって支配されていました。クラウディオ・モンテヴェルディは、その中で最も有名な人のひとりでした。結局、オランダ語、ドイツ語、フランス語、英語の作曲家がさらに多くを思いついた。各国の音楽文化は、イタリアの音楽だけでなく、それに触発されたり、自分の音楽を創り出したり世話したりすることによって、時々変化しました。例えば、オペラはイタリアのオペラが引き継ぐ前に歌を歌い、ドイツで最初に試みられました。英語のオペラはイタリアのオペラとマスクの演奏が混在していましたが、フランスのオペラは多くのバレエや独自のテクニックを特徴としていましたが、ジャン=バプティスト・リュリが長い間支配していました。しかし、イタリアのオペラは、ヴェネツィアとナポリでの開発を通して、より一般的で公共性に富んでいました。

インストゥルメンタルの音楽もまた違って発展した。イタリアでは、ヴァイオリンが非常に人気が高くなり、ソナタはインストゥルメントの特徴を示すために発明されました。 Arcangelo Corelliはソナタの成功に不可欠でした。フランスでは、Marc-Antoine Charpentierのような作曲家がフランスの見本市や催し物を制作し、驚異の子供ÉlisabethJacquet de La Guerreは挑戦的なカンバロストを書いた。ドイツでは、HeinrichSchützとJohann Hermann Scheinが数多くの新しい音楽スタイルを導入しました。 Samuel Scheidt、そして後にJohann PachelbelとDietrich Buxtehudeは、オルガン音楽、地質学的な見本市と世俗的なtoccataと幻想の両方で大きな成功を収めました。

後半のバーは、特別な楽器の巨大な発展をもたらしました。ヨハン・セバスチャン・バッハのもとでは、トッカータ、ジョイント、そして部分的に想像力は、大きな発展と人気をもたらしました。ゲオルグ・フリードリッヒ・ヘンデルは特にオペラとオラトリオを開発し、ゲオルグ・フィリップ・テレマンはコンサートやコミックオペラなどのテーマを開発し、アントニオ・ヴィヴァルディとトマソ・アルビノニはソネーテとソロコンサートのさらなる発展に不可欠でした。ジャン=フィリップ・ラモーはフランスとイタリアのオペラ、ドメニコ・スカルラッティとフランソワ・クペリンは、テレマンとともに、バロックに続くガラント様式の基礎を築きました。ガラントのスタイルと古典主義はバロック様式の複雑なスタイルに反し、シンプルなベースウォークとより世俗的なフォーカスでゲイ音楽を求めていました。

中央のバー（1630-1700）の音楽は、
イタリアの音楽はバロック時代の初めに強く支配されましたが、すぐにドイツ、フランス、イギリスの作曲家が独自に開発しました。インストゥルメンタル的には、広範囲に崩壊したヴァイオリンの家族と偏心したゲーマーの間の闘争を展開していました。送風機はまた、特に木製送風機を開発しました。

音楽が進化するにつれて、世俗的な音楽と教会的な音楽との区別が明確になりました。例えば、世俗的な音楽は家の部屋（「カメラ」）を意図することができ、「室内楽」という言葉はそこから来る。それはオペラを含む教会音楽と劇場音楽の両方から成長しました。 fuge、preludium、toccataは引き続き人気がありましたが、Riccercarsとcapriccioesは弦楽器ではあまり一般的ではありませんでした。ソナタは特にArcangelo Corelliのもとで強く発達し、支配的な音楽ジャンルの一つとなった。インストゥルメンタルの音楽は大きく2つのグループに分けられました：Sonatesと関連するジャンルまたはスイートと関連するジャンル。息子は乗組員が少なく、迷信に密接に関連した劇的なダンス、コンチェルト、シンフォニアのスイートは、はるかに大きなオーケストラを持っていました。

このオペラは、ヴェネツィアとナポリの発展に伴い、より多くの視聴者にアクセスしやすくなりました。焦点は、歴史の犠牲を払って、曲や部分的にシーンに焦点を当てていました。フランスでは、バレエは長い間支配的でしたが、オペラもバレエを通って来ました。フランスのオペラはJean Baptiste Lullyによって大きく支配されていました。彼の死後、フランスのオペラには死期がありました。イギリスは同じことを経験した。英語のオペラは、この時期の終わりにやってきたが、開花期は短いが、特にヘンリー・パーセル（Henry Purcell）であり、死にかけて再び姿を消した。ドイツのオペラはもっと控えめでしたが、ラインハルト・カイザーはそのジャンルの熱意を作り出しました。教会音楽の中で、異教徒はまたプロテスタント諸国、特にSchützの貢献者として訪れました。パッシーはオラトリオとカントテスの代わりとなり、声楽教会の音楽は進化しました。

歴史的に、英国とドイツの作曲家は難しい背景を持っていました。将来のドイツは、プロテスタントとカトリックの両地域に分かれている多かれ少なかれ独立したドイツの国家のパッチワークであり、両者は3年間の戦争中に深刻な被害を受けた。イギリスでは、オリバー・クロムウェルの敬虔な時代と、チャールズ2世時代の比較的穏やかなアートと音楽の帰還は、深刻な弱体化となった。

楽器
機器の開発は、多くの革新を続けました。ゲンベとヴァイオリンの試合では、ビオラ・ダモアの仲間は素晴らしい時間を過ごしました。それはgambefamilyの一部でしたが、伝統的なgamberのような足の間ではなく、フックの下で、バイオリンのように演奏されませんでした。それは通常7つの弦と7つの弦を有していた。ヴィオラ・ダモアは、長い間ヴァイオリンとの関心を持って戦ったが、その傾向はヴァイオリンに有利だった。ヴァイオリンが勝利した理由の1つは、イタリアの楽器製作における革新でした。特に、Stradivarius fiolinは普及しましたが、それ以前はNicolòAmatisviolinistsであったこともありました。ヴァイオリンの人気は、イタリアの作曲家がバイオリンの特徴を示すためにソロモン、トリオソネート、コンチェルトを作ったことを意味していました。アイアンマンの家族のもう一つの戦いは、ギャンブルとチェロの間でした。 1680年以降、チェコは主にオーケストラで支配的でしたが、ゲームは18世紀後半までソロ楽器として使用されていました。しかし、二重低音が一般的なベースのインストゥルメントの中でチェンバロと一緒になったとき、ゲーマーはBass楽器の戦いで勝った。

ブローイング・インストゥルメントの中には開発もありました。 skalmeienはより大きな家賃を持ったバロックのボブに取って代わりました。さらに、woodblower家族は新しい楽器chalumeauenを手に入れました。このクラリネットの前駆体は、オーボエの二重管ではなく、片面からノズルへと導入された。また、アムステルダム、パリ、ニュルンベルクのダルシアンからも、同時にバスーンが開発されました。

オペラ
オペラは17世紀に巨大な発展を遂げました。一方では尊敬とアリア、そして他方ではステージ・ドラマのバリエーションがあり、多くの競合する学校が独自の解決方法を選んだ。これらのうち、支配的なナポリの学校でした。イタリアは開発のリーダーでしたが、フランス語と英語のオペラも適用可能となりました。また、ドイツ語のオペラも期間の終わりに向かっていました。

イタリアのオペラ
1637年、ヴェネツィアの最初のオペラハウス、サン・カッシアーノ・シアターがオープンしました。その後いくつかのオペラハウスが続いた。このようにオペラは一般に公開されている。これはまた、オペラが一般の味に合っていなければならないことを意味していました。そのため、ヴェネツィアのオペラは天使や騎兵がステージに乗っているシーンで多くの焦点を当てていました。別の変化は、牡羊座がもっと注目を集めて中心に来たことでした。ある程度、これはまた、オペラのドラマをバックグラウンドでもたらした。主なオペラ作曲家はアントニオ・セスティとフランチェスコ・カヴァッリであり、どちらもギリシア神話をメインテーマとしています。オペラはローマとベネチアの学校と出発点から離れて明確な方向に移動しました。アリアンは正面にあり、修復は重要となり、オーケストラは気分を創り出すために使用され、シーンは必須であり、テーマは古代から最も頻繁に由来していました。

1675年、ナポリはイタリアで首位の執務者として引き継がれ、一部はアレッサンドロ・スカラッティのために長い間支配的でした。ナポリの学校では、歌がさらに発展している間に、景観と美しい楽器はあまり重要ではなくなりました。曲が前に来ただけでなく、メロディーが重要になったので、話の話が上書きされました。したがって、ナポリのオペラはモンテベルデの第二の原則から遠ざかった。ヴェネツィアのバックグラウンドにあったドラマはさらに無視され、曲の番号から曲の番号まで多かれ少なかれ緩やかなやり方だった。今では女性たちも歌声の人気を上回らずに歌う機会がありました。あなたは霊長類の母親と育った最初のウオモスを手に入れました。そして、しばしばオペラの劇的なアクションは、プリムドゥーナが彼女の歌を歌ったり、別のオペラの中でも有名だったことによって中断されました。従うのが難しい。歌詞を歌う傾向が繰り返し確立されたこともここにありました。 Christoph Willibald Gluckに完全に耐えられたNapoleonicの学校は、壊れた行為、見知らぬアリア、背景のドラマ、霊長類の母親の特別扱いに対する和解をとった。

フランス語オペラ
フランスでは、オペラは、他の人々の間での執拗な試練にもかかわらず、大きな成功を収めませんでした。一方、Jean Baptiste Lullyのプレーは目も当てられないほどだった。

Lullyはもともとフィレンツェ出身だったが、若い男の子としてパリに移った。そこで、彼はバレエとオペラの両方を築くのを助けました。 Lullyは、妹がヴァイオリニストとして彼を使用した後、Ludvig XIV王によって最終的に雇われました。 Lullyは挑戦に乗って成長し、多くのユーモラスな作品とバレエを書いた。最終的にはモリエールとのコラボレーションを行い、コミックのバレエを作って、ダンス、演劇、トラディー・リリケと呼ばれる歌うゲームを混ぜた。これらの基本的なintermezzoes – 劇場の作品の間に置かれた作品 – 人気が高まったように、彼らも大きくなってより多くの作業をしました。ルーリーが王と大成功を収めたときに、また彼の謁見のオーケストラと一緒に自分自身でルーリーがオペラの独占権を買った。したがって、その期間に彼には競合相手はなかった。 1673年に彼は最初のオペラを演奏した。

Lullysフランスのオペラは、慎重に印刷されたアリアと賛美歌によって特徴付けられました。彼はオペラを書いてフランスの日常の言語と戦った。唯一のオペラはナポリのオペラとは別のように見えましたが、彼らもまた彼らにインスパイアされていました。リリーはまた、オペレーターの道具開設に重点を置いています。オペラは、シンフォニアからオーケストラに改名されました。彼は最初のスロー・ディビジョンがメロディーで全会一致のテーマ、ペースが速いパートは速いメロディ、そして最後はオプションで、しばしば最初のパートに戻った、遅いペースで遅いディビジョンを持っていました。

Lullyの後のフランスのオペラはそれを困難にしました。 Lullyが死んでいたという事実にもかかわらず、グループは彼のオペラが録音されることに気づいた。その結果、アンデラ・カンペラ、パスカル・コラッセ、アンリ・デスマレツ、ルイス・リリー、アンドレ・カルデナル・デスチッチス、マリン・マレー、エリザベス・ジャケ・デ・ラ・ゲールなど、オペラは非常に混ざり合っていました。ルイ14世がマルキス・デ・マインテノンの影響を受けたフランスの作曲家にとってではなく、この期間にオペラを切り取った。さらに、イタリアの音楽は、Lullyの死後、彼がもはやその国に来た音楽を制御しなくなった後、より多くの時間を費やしていた。

英語オペラ
イングランドでは、オペラは初めに優れたスタートを切っていませんでした。まず、舞踊、歌、楽器の音楽が集まった詩歌の一種であるマスク（masque）と呼ばれる独自のジャンルをすでに持っていました。これはイギリスでは長い伝統がありました。第二に、オペラはイタリアとカトリックであり、イングランドは英国人であり、敬虔な特徴を持っていた。第三に、あらゆる種類の公共娯楽は、オリバー・クロムウェルの清教主義の下で15年間閉鎖された。大きな文脈でわずか15年しか控えめに見え、マスケンを捕まえたことはなく、多くの作曲家は姿を消した。カールIIは引き継いだが、彼は演劇や音楽のゲームを誰かに怒らせないように長い時間をかけて過ごした。したがって、マスクやその他の不透明なスタイルの瞬間的な復帰もありませんでした。

新しいイギリスの作曲家が到着したとき、オペラはテーマであり、ジョン・ブローは1682年に金星とアドニスを作曲したときに初めて英語オペラを書くことになった。しかし、ブローは彼の教師のヘンリー・パーセルによってすぐに降伏した。 Purcellの最初のオペラ、DidoとAeneasは彼の最も人気が高くなったが、彼はまた、The Fairy-QueenとArthurの王で成功した。

Purcellは、限られた4人の乗組員を使用することを含め、彼の先生Blowの一部を学んだ。そうでなければ、パセルの最初のオペラは、シャルル2世を通じて亡命したイングランドで、マスクとリュリスの両方のオペラに触発されている。後者はダンスの存在下で見ることができた。その代わりに、パーセルはまた、多くの羊のように、イタリアのオペラの要素を持っていました。同時に、彼はまた、ジョン・ブロー（John Blow）や以前の英国の伝統に触発されました。これは、例えば、主要な音階音階の代わりにモード様式が存在すること、およびBlowsに類似したPurcellの定式化にも当てはまります。

ドイツ語圏のオペラ
ウィーンはオペラの中心地として繁栄していましたが、ヴェネツィアのオペラの支店として数えられていました。ドイツ語圏の残りの地域は、第三次世界大戦と宗教上の重大さの両方によって特徴付けられました。オペラは少なかったし、存在していた人は宗教的な性質のゲームを歌っていた。北ドイツの領土で最も有名なオペラ作曲家はラインハルト・カイザー（Reinhard Keizer）でした。しかし、天皇は、次の期間に彼のオペラの大部分を書いた。それはまた、ゲオルグ・フリードリッヒ・ヘンデルとゲオルグ・フィリップ・テレマンのオペラが支配していた。また、Johann Matthesonはオペラを作曲したが、彼の理論的な著作は彼の作品よりもよく知られている。

室内楽、オーケストラ音楽
室内楽は、比較的広い部屋のために演奏されることを意図された世俗的な音楽であり、通常は高貴な家族であった。この期間中、ソナ、カンタット、コンサートツアーに特に当てはまりました。宗教音楽と世界音楽を区別するために、SonatasとKantatesは、しばしば室内音波と室内記録と呼ばれます。

1600年代には、異なったsonates間の明確な区別がありました。世紀の初めには、歌声は、歌っている歌詞とは異なり、「演奏するもの」としか定義されていませんでした。最終的には、音楽、テクスチャ、気分、性格、テンポ、時々のテンポから分離した、小さな部分のグループの用語になりました。作曲家がそのジャンルを発展させたとき、彼らは特定のバッチに分割され、その結果、最終的には、学習の行為に沿った明確な違いを持つ多数の作品となった。 1660年頃には院長と教会の息子との間に離婚もあった。

Arcangelo Corelliはその時代のソナタ作曲家の一人でした。 Schützに対する猛烈な反対として、Corelliはボーカル・ミュージックを残しませんでしたが、彼のインストゥルメンタル・ミュージックはおそらく1600年代後半のイタリア室内楽のハイライトでした。 Corelliは非常に熟練したヴァイオリニストであり、それは過度に偉大であったという事実なしに、ヴァイオリンの可能性を最大限に活用しました。彼のヴァイオリンの息子、三人奏者、コンサートティー・グロッシーはヨーロッパ全土に広まり、後のヴァイオリンの作曲家に大きな影響を与えました。

一般的にCorelliの部屋の音はプレルーディアムとそれに続く2つか3つのダンスで構成されていました。多くの場合、踊りはバイナリ形式で結ばれていました。最初の部分はトニカからドミナントに、もう一方はドミナントからトニカに戻りました。ベースラインはほぼ伴奏であったため、彼の教会の息子とは違って、同じ部分を演奏していません。 Corellis triosonatesはほとんどが芸術的ではなく叙情的な音楽に適応するように書かれていました。彼は高音や低音、素早いパーティーやその他の課題なしに中産階級で最も多くの曲を持っていました。他のヴァイオリンよりも大きなヴァイオリンはありません。ソロソナタは即興演奏にはるかに多くを開いたが、そうでなければコレッリのソネート形式に従った。ソロゾネイトの教会と室内のソナチクスの間には若干の違いがありました。

カンタータは、イタリア、特にローマで歌うための主要室内楽に発展しました。多くの場合、批判的な聴衆のために書かれたカンタータは、風景のない比較的狭い部屋のためにデザインされており、冗談と優雅さに誘われた親密さになっています。作曲家と詩人の両方の安全な使命の結果としてもたらされたカンタットに対する需要が増加しました。特に、より多くのカンタットが、世俗的であり、通常は劇的なテクニックの後に行われた牧歌的な愛でした。音楽は通常2人以上の歌手がコンチェルトを演奏していました。通常はカンバルです。 Alessandro Scarlattiは600以上のカンタを書き、その文脈を支配しました。特に、Marc-AntoineはCharpentierとJacquet de la Guerreを取ってカンテットから抜け出し、部分的に彼らをより「フランス語」のスタイルに変えました。後者については、とりわけオペラからシンフォニアと呼ばれるいくつかの場所を借りたことを意味していました。彼女はオペラ座よりも彼女のオペラ座の方がはるかに大きな成功を収めました。 Jaquet de la Guerreはまた、フランスの教会の幹部たちのごく少数のケースに貢献しました。カンタータとオペラの交差点はセレーナで、途中で劇的だった。歌手やオーケストラの数が増え、室内では大きすぎ、大型コンサートホールでは小さかった。

コンサートは典型的な室内楽とは別の大きなアンサンブルのために設計されていたので、いくつかのミュージシャンが同じ声で演奏しました。当初は、このクルーは、書かれた音楽では控えめで、ほとんどが例えば、Lullyによって書き換えられましたが、17世紀の終わりには、書かれたオーケストラのためにますます多くの作品が書かれました。以前は声楽のために使用されていた共通名協奏曲が与えられていました。 3つの主要なタイプのうち、最初のフィオリンとベースラインを重視したオーケストラ協奏曲は重要ではなく、音の違いを演奏し、意識的にオーケストラを使用した他の2人ははるかに人気がありました。コンサート・グロッソは、小さなアンサンブルがオーケストラの残りの部分に対してソロ楽器で、大きなソロ・コンチェルトに対して設立されました。コレリはバイオリニストであったが、ヴァイオリンとオーケストラとのソロ協奏曲を選んだのではなく、ローマの音楽スタイルに最適なコンチェルト・グロッソを選んだ。ビッグオーケストラがほとんどコピーしていなかった彼のテクニックは、ヨーロッパ全土で多く模倣されていました。最も重要なのは、おそらく最初のコンチェルトを書いたジュゼッペ・トーリッリであり、オペラのコンバージョンから得たペースが遅いペースであるというテーマでした。彼の北部イタリア様式はベニスからのTomaso Albinoniによって続けられた。

Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerreは、初期の子どもの一人であり、すでに非常に若く、パリで登場し、カンバロに囲まれています。彼女はミュージシャンと作曲家の両方として認められました。フランチェスカ・カッチーニの足跡をたどり、フランスで初めての女性オペラ作曲家になることに加えて、彼女は彼女の作品で有名になりました。彼女はまた、主に宗教的な内容のソナとカンタートを書いた。 Jacquet de la Guerreのチェンバロストックは主にスイートで、スタイリッシュな踊りの新しいスタイル、つまりダンステンポで書かれた音楽作品ですが、ほとんどの場合ダンスに慣れていませんでした。現時点でのスイートとソナメートの違いは、リズムとテンポの変化が大きいという事実と同様に、関節や導入の欠如であった。しかし、彼らはいくつかのスイートでトーケードに改名されたtwoccataでla Guerreを始め、彼女はcembaloのためのtoccataを書いた最初の人でした。

教会の音楽
フランスの教会音楽は、ルイ14世のフランスと同様に影響を受けました。彼は見本市に反対し、彼の裁判所の誰もがそれらを書いてほしくない。 Marc-Antoine Charpentierは裁判所に所属せず、大きな成功を収めた見本市を書いた。 Charpentierはフェアで幅広い楽器を使用していました。彼は多くのフェアーをコピーすることができなかったので、彼は自分が望むものを開発することに大きな自由を持っていました。 Charpentierはまた、長年に渡って進化し、多声とホモフォニー、合唱団とオーケストラ、そして内なる祈りと劇的な歌のバランスを作り出しました。 Charpentierはまた、イタリアやフランスの音楽にインスパイアされたオーケストラを書いた。しかし、フランス語は、オラトリオという言葉を使わず、モテット、対話、またはカニカムを使用しました。これは、Charpentierがオレゴンの設計において大きな自由を持っていたことを意味していました。シャルパンティエの最も有名な作品は、オラトリオム、Te Deumであったかもしれないモテットから来ています。

ドイツの教会事務所はイタリアの広東語者に触発されただけでなく、ハインリッヒ・シュッツの作品にも触発されました。それは教会のオペラのような要素に反対する秘密懐疑派を超えてその道を見つけました。したがって、教会の候補者は、より叙情的な、あまり劇的でない歌を持っていました。教会のカンタータの特徴的な形はサンゴカンタータです。それは賛美歌に基づいており、すべての節を処理しました。しばしばサンゴのメロディーがバリエーションの基礎となりました。

ドイツ語圏の地域では、教会音楽はカトリック音楽とプロテスタント音楽の間で異なり、プロテスタント地域では内部的に異なっていました。カトリック教徒の中では、神の栄光に恵まれず、ハインリッヒ・イグナズ・ビーバーズがザルツブルグの創立1100周年を迎えたときのように、6人の歌手がそれぞれ16人の歌手と37人のミュージシャンで構成されています。プロテスタントでは、カトリック教徒のような資源を使うことを望んでいた正統派と、そのような経費を節約する敬愛者という2つの主な方向があった。それがプロテスタントの状況では、正教会のプロテスタントが最も発展した理由です。

HeinrichSchützは、以前は才能あるミュージシャン劇作家として登場していましたが、近年、Matthew、Luke、Johnの後で、彼が書いたオラトリと写真の両方で、重要な役割を果たしました。

デンマーク – ドイツの作曲家、ディートリッヒ・ブクステフデーがオルガンを演奏し、二十カ所、プレルーディオ、ジョイントなどの中で大量のオルガン作品を残しました。彼は想像力、妙技、洗練さを持ち、即興感覚を持っていました。 Buxtehudeは、古い時代にGeorg FriedrichHändelとJohann Sebastian Bachの両方を訪問しました。彼の偉大なオルガン作品のほとんどは2カスケード形式で書かれています。 toccataformはpreludiumの後にfuge number 1とそれに続く中間playとfuge number 2、そして最後にtwoccataが続くfemsatserの仕事でした。 Buxtehudeは楽器としての休憩からも恩恵を受けました。

Buxtehudeはまた120人の保存された教会の幹部を書いた。これらは、ソロと一般的なベースからビッグオーケストラの6ボイスに及んでいました。しかし、カンタは、カヴァッリとモンテヴェルディと並んで初期のバースタイルを特徴としています。彼らは、第2の原理に沿って、高調波と歌唱可能なモチーフを単純化しました。 ScheidtとSchützもBuxtehudeに影響を与えました。

Der Buxtehudeは北ドイツプロテスタント学校に属し、Johann Pachelbelは南ドイツとカトリックに属していた。パッヘルベルは特にニュルンベルクで活動していた。彼のオルガン音楽はイタリアの音楽にインスパイアされていましたが、同時に柔らかなハーモニーと歌いやすいメロディーを備えたメロディアスな南ドイツのオルガンスタイルもありました。パッヘルベルの重点はタカタとファンタジーの上に横たわっていたが、Dの有名なカノンを含む室内楽も書いた。