後期モダニズム

視覚芸術では、後期モダニズムは、第2次世界大戦の余波と21世紀初頭の間に作られた最新の芸術の全体的な生産を包含する。 この用語は、しばしば後期モダニズムとポストモダニズムの類似点を指していますが、違いはあります。 1950年代から作られた芸術の主な用語は、現代美術です。 現代美術として分類されているすべての芸術は、モダニストまたはポストモダンではありません。広義には、近代的および近代的なモダニズムの伝統に取り組むアーティスト、ポストモダニズムなどの理由でモダニズムを拒絶するアーティストの両方が含まれます。 Arthur Dantoは、アートの終わりの後で明示的に主張しているが、現代性は広義語であり、モダニティとモダニズムを置き換えた現代運動のサブセクターであることはポストモダンなものである。ヒルトン・クレイマー、ロバート・C.モルガン、 Jean-FrançoisLyotardらは、ポスト・モダンの対象はモダニズム作品に比べて最高のものであると主張している。

後期モダニズムとポストモダンアートの2つの用語を含む専門用語は、モダニズムの終わりの芸術や現代美術のある種の傾向として、現代美術の究極のフェーズとみなされるものを示すために用いられている。

近代的でポストモダンな時代への分裂に反対する人がいる。 すべての批評家が、モダニズムと呼ばれる舞台は終わりを過ぎている、あるいは終わり近くになっていることに同意するわけではない モダニズム後のすべての芸術はポストモダンであるという合意はない。 現代美術は、1960年頃から作品を示すために広く使われている用語ですが、他にも多くの用途があります。 ポストモダンアートは、モダニズムとはまったく別物でもなく、多くの批評家がそれを現代美術の単なる別のフェーズ、あるいは後期モダニズムの別のフェーズと見なしているわけでもありません。

ポストモダンという言葉のあらゆる用途と同様に、その批評家がいるが、現時点では、これらの批評家は少数派である。 これは、ポストモダニズムが示す芸術の段階が受け入れられているということではなく、抽象表現主義のピーク後に芸術の動きを表現する用語が必要であるということだけである。 しかし、変化のコンセプトがコンセンサスになったのは、ポストモダニズムの変化であろうと、近代的な後期のものであろうと、未知であるが、コンセンサスは、芸術作品に対する認識の深刻な変化が生じ、新しい時代少なくとも1960年代から世界の舞台に浮上してきた。

文学では、後期モダニズムという用語は、第二次世界大戦後に作られた文学作品を指す。 しかし、後期近代主義文献のいくつかの異なる定義が存在する。 最も一般的なのは、1930年から1939年、または1945年の間に出版された作品を指します。しかし、バジル・バンギング(1900-85)やTSエリオット(1888-1965)、1945年以降の作家、サミュエル・ベケット1989年には、「後のモダニズム」と表現されています。 Eliotは1950年代に2つの演劇を出版し、Buntingの長い近代主義詩「Briggflatts」は1965年に出版された。詩人Charles Olson(1910-1970)とJH Prynne(1936-)は、20世紀後半、彼らは後期近代主義者として記述されている。 最近のモダニズム文学が、1930年以前に作られたモダニズム作品と重要な点で異なるかどうかについてのさらなる疑問がある。問題を混乱させるためには、最近では後期モダニズムという言葉が少なくとも1人の批評家によって再定義され、 1945年、1930年ではなく、1930年であった。この使用法では、第2次世界大戦、特にホロコーストと原子爆弾の落下によって、モダニズムのイデオロギーが大幅に再形成されたという考えが導かれる。

ポストモダニズムとの違い
後期モダニズムは、モダニズムのトレンドから生ずる動きと、モダニズムのある側面を拒絶するモダニズム企業の概念的な可能性を完全に発達させる動きの両方を描いている。 いくつかの記述では、芸術における期間としてのポストモダニズムは完了しているが、他のものでは現代美術における継続的な動きである。 芸術では、引用されているモダニズムの特定の特性は、一般的に正式な純度、中程度の特異性、芸術のための芸術、芸術における真正性の可能性、芸術における普遍的な真実の重要性または可能性、およびアバンギャルド独創性があります。 この最後の点は、芸術における特定の論争の1つであり、多くの機関が、先見性があり、先見性があり、最先端で進歩的であることは、現在の芸術の使命にとって決定的に重要であると主張している。したがって、ポストモダンは、私たちの時代の芸術 “。

ポストモダニズムは、モダニズムの芸術的方向性の壮大な物語を拒否し、高低の芸術の境界をなくし、衝突、コラージュ、断片化を伴うジャンルとその慣習を混乱させるような役割を果たします。 ポストモダンアートは、すべてのスタンスが不安定で不誠実であると信じているので、アイロニー、パロディー、ユーモアが批評やそれ以降の出来事によって覆されない唯一のポジションです。

これらの特性の多くは、現代の芸術における動き、特に高低の形態の芸術の分離を拒否した場合に存在する。 しかし、これらの特質は、ポストモダンアートの基本であると考えられています。 しかし、ポストモダニズムとモダニズムの間の最も重要な点の1つは、モダニズムの最終的に進歩的なスタンスであり、新しい作品はより「前向き」で進歩しているのに対し、ポストモダンムーヴメントは一般的にアート自体に進歩や進歩があり、アートのプロジェクトの一つが「アバンギャルドの神話」を覆すものでなければならないということです。 これは、ポスト構造主義の哲学者が「メタノーラー」と呼ぶものの否定に関連する。

ロザリンド・クラウス(Rosalind Krauss)は、アヴァンギャルドが終わったという見解の重要なアナンシエーターの1つであり、新しい芸術的時代は自由主義的かつ進歩的な正常性の中に存在していた。 この視点の一例は、ロバート・ヒューズ(Robert Hughes)の「The Shock of the New」の章「The Future That Was」で説明されています。

この新しいアカデミーはどこから始まりましたか? その起源では、前衛的な神話は芸術家を先駆者にしていた。 重要な仕事は未来を準備するものです。 先駆者の崇拝は、不条理な預言的主張で景観を混乱させることによって終わった。 文化的前衛という考えは1800年以前は想像もつかなかった。それは自由主義の台頭によって促進された。 宗教的または世俗的裁判所の趣味が後援を決定した場合、「破壊的な」イノベーションは芸術的品質の兆候として評価されなかった。 ロマン派と一緒に来ることもない、アーティストの自主性はありませんでした。

– ロバートヒューズ、新しい衝撃
ポストモダンという用語のすべての用途と同様に、その適用の批判があります。 例えば、カーク・ヴァーネーエーは、ポストモダニズムのようなものはなく、モダニズムの可能性はまだ尽きていないと述べた。 これらの批評家は現在、少数派である。

ヒルトン・クレーマーはポストモダニズムを「テザーの終わりにモダニズムを創造する」と表現しています。 フレデリック・ジェイムソンの分析のJean-FrançoisLyotardは、モダニズムの時代とは根本的に異なるポストモダンの段階があるとは考えていません。 代わりに、これとポストモダンな不満や高いモダニズム様式は、新しいモダニズムを生む高モダニズムの実験の一部です。

現代美術における根本的な動き
モダニズムと近代美術の根本的な動き、そして後期モダニズムとポストモダニズムの先駆者としての有力かつ潜在的に考えられる過激な動向は、第一次世界大戦の周り、特にその余波の中で浮上した。 キュービズム、ダダ、シュールレアリスムなどの芸術における産業工芸品の使用や、映画などのコラージュやアートフォルムなどのテクニックや、作品を制作する手段としての生殖の盛り上がりなどが紹介されています。 モダニズムのパブロ・ピカソとマルセル・デュシャンの両方が、発見されたものから重要で影響力のある作品を制作した。

フォービズム、キュービズム、ダダ、先例としてのシュールレアリズム
20世紀初頭、アンリ・マティスとアンドレ・デラインがファウィストの画家、パブロ・ピカソとジョルジュ・ブレークの画期的な革新、キュービズムとアヴァンギャルドの世界的な成功の影響を受け、マルセル・デュシャンは彫刻として小便器を展示しました。 彼の主旨は、それが芸術作品であると言い、人々が小便器を芸術作品のように見せることでした。 彼は彼の作品を「レディメイド」と呼んだ。 泉は、1917年に芸術の世界に衝撃を与えたR. Muttという仮名で署名された小便器でした。これとDuchampの他の作品は、一般的にDadaというラベルが付けられています。

ダダジズムは、シュルレアリスム、未来主義、抽象表現主義とともに、確立されたスタイルや形に挑戦するモダニズムの傾向の一部として見ることができます。 ダダはモダニズムのなかで堅実に位置づけられているが、ポストモダニズムを予期している批評家が多数いる一方、イハフ・ハッサンやスティーブン・コナーなどは、モダニズムとポストモダニズムの転換点と考えている。

フォービズム(Fauvism)とアンリ・マティス(Henri Matisse)は、特に、抽象表現主義とカラーフィールド・ペインティングの両方に重要な影響を与え、後期モダニズムの重要なマイルストーンとなった。 ダンスは、「マティスのキャリアと現代絵画の発展の要点」として一般に認められています。 青色の大きな広がりとデザインのシンプルさと純粋な感覚に重点を置いて、絵はニューヨークのMoMAで見たアメリカのアーティストに非常に影響を与えました。

高い芸術と文化
運動としてのモダニズムの定義のための発火点は、重要な戦後の芸術家や味覚メーカーによるキッチンとしての大衆文化の厳格な拒絶であり、最も著名なのはクレマン・グリーンバーグのエヴァイ・ガルデとキッチュである。 1940年代と1950年代の間に、グリーンバーグは芸術的かつ強力な芸術評論家であることが証明されました。 特に、アメリカの抽象表現主義と20世紀のヨーロッパのモダニズムに関する彼の著述は、説得力のある高い芸術と文化の事例を作った。 1961年のアートとカルチャーでは、ビーコン・プレス、クレメン・グリーンバーグによる著名なエッセイ集が最初に出版されました。 グリーンバーグは主にフォーマル主義芸術評論家として考えられており、彼の最も重要なエッセイの多くは、現代美術の歴史、そしてモダニズムと後期モダニズムの歴史を理解する上で重要です。

ジャクソン・ポロック:抽象表現主義
1940年代後半、ポーロックの絵画に対する根本的なアプローチは、彼に続くすべての現代美術の可能性に革命をもたらしました。 Pollockは、ある程度、芸術作品を作ることへの旅は芸術そのものと同じくらい重要であることを認識しました。 パブロ・ピカソの革新的な絵画と彫刻の再現と同様に、ポロックは、キュービズムと彫刻によって世紀の変わり目に近づき、世紀半ばにアートが生まれる方法を再定義しました。 ポールロックの動きは、イーゼルの絵画と慣習から離れて、現代のアーティストやその後に来たすべての人々にとって解放的な信号でした。 アーティストは、アーティスト素材、工業材料、イメージ、非イメージ、塗装の線状のかぎを投げたり、ドローイング、染色、ブラッシング、本質的にブラストされたものを使用して、フロリダ州、フロリダ州の4つの側面から生まれた未加工のキャンバス以前の境界を超えたアートメイク。 抽象表現主義は一般に、アーティストが新しい芸術作品を創作するために利用できる定義と可能性を広げ、発展させました。 ある意味では、Jackson Pollock、Willem de Kooning、Franz Kline、Mark Rothko、Philip Guston、Hans Hofmann、Clyfford Still、Barnett Newman、Ad Reinhardtなどのイノベーションは、それらに続くすべての芸術の多様性と範囲に浸透した。

ネオダダ、コラージュ、アセンブリー
抽象表現主義に関連して、従来の絵画と彫刻の慣習から離れた、アーティストの素材を組み合わせた作品の出現がありました。 この芸術のトレンドは、1950年代のポップアートとインスタレーションアートの先駆者であり、ぬいぐるみの動物、鳥、商業写真などの大きな物理的オブジェクトの集まりを利用したRobert Rauschenbergの作品によって例示されています。

レオ・スタインバーグ(Leo Steinberg)は、1969年にポストモダニズムという言葉を用いて、近代主義的で近代的な絵画の絵画分野に適合していない様々な文化的イメージや人工物を含む、 Craig Owensはさらに、Steinbergの見解では、「自然から文化への移行」ではなく、野党を受け入れることができないというデモンストレーションとして、Rauschenbergの仕事の意義を明らかにする。

スティーブン・ベストとダグラス・ケルナーは、近代主義とポストモダニズムの間のマルセル・デュシャンプの影響を受けた移行期の一環として、ラウシェンバーグとジャスパー・ジョンを特定している。 両方とも、高いモダニズムの抽象化と絵画的なジェスチャーを保持しながら、通常のオブジェクトの画像、またはオブジェクト自体を作品に使用していました。

1960年代と1970年代の抽象絵画と彫刻
1950年代と1960年代の抽象絵画や彫刻では、幾何学的抽象化は多くの彫刻家や画家の作品の重要な方向性として浮上していました。 カラーフィールドペインティングでは、ミニマリズム、ハードエッジペインティング、歌詞抽象化が根本的な新しい方向性を構成しました。

ヘレン・フランケンタラー、モリス・ルイス、フランク・ステラ、エルズワース・ケリー、リチャード・ディーン・コーネ、デイヴィッド・スミス、マーク・ディ・スウェーロ、ジーン・デイビス、ケネス・ノランド、ジュール・オリスキ、アイザック・ウィットキン、アンヌ・トゥルット、ケネス・スネルソン、アル・ヘルド、ロナルド・デイビス、 1960年代の抽象絵画や彫刻を特徴とするアーティストの一人であった。 叙情的な抽象化は、特に塗料の自由な使用 – テクスチャと表面でのカラーフィールドペインティングと抽象表現主義との類似点を共有します。 直接描画、線の書道的使用、ブラシ、はねつけられた、染められた、圧搾された、注ぎ込まれた、スプラッシュされた塗料の効果は、抽象的な表現主義とカラーフィールドの絵に見られる効果に表面的に似ている。 しかし、スタイルは著しく異なります。 1940年代と1950年代の抽象表現主義やアクションペインティングとは別に、構図やドラマへのアプローチがあります。 アクションペインティングで見られるように、ブラシストローク、高い構成ドラマ、動的な構成上の緊張が重視されます。 叙情的な抽象化の中には、構図の乱雑さ、全体​​の構成、控えめで穏やかな構成ドラマ、そしてプロセス、繰り返し、そして全体的な感受性に重点が置かれています。 ロバート・マザーウェル、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、リー・クラスナー、サイ・トゥンブリー、ロバート・ラウシェンバーグ、ジャスパー・ジョンズ、リチャード・ディンベンコーン、ジョセフ・アルバース、エルマー・ビショフ、アグネス・マーティン、アル・ヘルド、サム・フランシス、ジョージ・ミッチェル、フリーズ・デルバス、ブライス・マーデン、ロバート・マンゴルト、サム・ギリアム、ジョン・ホーランド、ショーン・スカリー、エリザベス・マレー、ラリー・ポンス、ウォルターダービー・バナード、ラリー・ゾックス、ロニー・ランドフィールド、ロナルド・デイビス、ダン・クリステンセン、ジョーン・スナイダー、ロス・ブレークナー、アーチランド、リチャード・サバ、スーザン・クリル、ミノ・アルジェントなど数多くの人々が重要かつ影響力のある絵画を作り続けました。

ミニマリズムとポストミニマリズム
1960年代初期までに、ミニマルは芸術における抽象的な動きとして浮上した(Malevich、Bauhaus、Mondrianを介した幾何学的抽象に根を持つ)。 ミニマルのパイオニアとして登場した重要なアーティストには、Frank Stella、Larry Bell、Ad Reinhardt、Agnes Martin、Barnett Newman、Donald Judd、Tony Smith、Carl Andre、Robert Smithson、Sol LeWitt、Dan Flavin、Robert Mangold、Robert Morris、Ronald Bladen他。 これらのアーティストは、右側に示すRichard Tuttleの例のように、頻繁に形のキャンバスを使用しました。 最小限の芸術は、リレーショナル、主観的な絵画、抽象的な表現主義者の表面の複雑さ、そしてアクションペインティングの場に存在する感情的な時代主義者と論争のアイデアを拒否しました。 ミニマル主義は、極端な単純さが芸術に必要な崇高な表現のすべてを捉えることができると主張した。 フランク・ステラのような画家と関連して、絵画や彫刻のミニマリズムは、他の分野とは対照的に、近代的な近代主義運動であり、文脈にもよるが、近代的なポストモダニズムの先駆けと解釈することができる。

ハルフォスターは、ミニマル主義の最重要課題であるドナルド・ジャッドとロバート・モリスの両方が、グリーンバーグのモダニズムを、出版されたミニマリズムの定義において認知し、超えているかどうかを検証する。 彼は、ミニマリズムはモダニズムの「終わり」ではなく、「今日の精巧なポストモダンのプラクティスへのパラダイムシフト」であると主張している。

1960年代後期という用語は、ミニマリズムが拒否された内容と文脈上の倍音を持つミニマリスト主義の芸術を描くためにRobert Pincus-Wittenによって造語され、Eva Hesse、Keith Sonnier、Richard Serraの作品とロバート・スミスン、ロバート・モリス、ソル・ルウィット、バリー・ル・ヴァ、その他。

ロザリンド・クラウスは、1968年までに、モリス、ルーウィット、スミスソン、セラなどの芸術家は、もはや論理的条件がモダニズムとは言えない状況に入ったと主張する。 土地の芸術と建築を含む彫刻のカテゴリの拡大は、 “ポストモダニズムへのシフトをもたらした。

ドナルド・ジャッド、ダン・フラビン、カール・アンドレ、アグネス・マーティン、ジョン・マクラッケンなどのミニマリストは、残りのキャリアのために近代的な絵画や彫刻を制作し続けました。

プロセスアート
しかし、1960年代後半までに、プロセスアートは絵画と彫刻、叙情的な抽象化とポストミニマリズムの動き、初期の概念アートを含む革命的な概念と動きとして浮上した。 ハンナ・ウィルケ、リナ・ウィルケ、リンド・ベングリス、ロバート・モリス、ソル・ルウィット、バリー・ルバ、マイケル・ヘイザー、エヴァ・ヘッセ、ロバート・スミス、ウォルター・デ・マリア、キース・ソーニエ、リチャード・セラ、ナンシー・グレーヴス、 Lawrence Weiner、Joseph Kosuth、Alan Saretは、1960年代に登場したプロセスアーティストの一人でした。 ポロックのインスピレーションを得たプロセスアートは、スタイル、コンテンツ、マテリアル、配置、時間感覚、スケール、サイズ、プラスチックとリアルスペースの多様な百科事典を実験し、利用することができます。

ポップアート
「ポップアート」という言葉は、Lawrence Allowayが第二次世界大戦後の消費者主義を賞賛した絵を描くために使われた。 この動きは抽象表現主義と、その時代の量産時代の重要な消費者文化、広告、象徴性を賞賛した芸術に賛成して、解釈学的、心理的な内面に焦点を当てたものであった。 David Hockneyの初期作品とRichard Hamilton、John McHale、Eduardo Paolozziの作品は、この動きの精神的な例と考えられていました。 後のアメリカの例には、アンディ・ウォーホルとロイ・リヒテンシュタインのキャリアの大部分と、商業生産に使用される技術であるBendayドットの使用が含まれます。 Duchampの根本的な作品、反抗的なDadaistとユーモアのセンスとの間には明確な関係があります。 Claes Oldenburg、Andy Warhol、Roy Lichtensteinなどのポップアーティストが参加しています。

一般に、ポップアートとミニマリズムは近代主義運動として始まり、パラダイムの変化と1970年代初期の形式主義と反形式主義の哲学的分裂が、それらの動きを先駆者と見なしたり、ポストモダンアートに移行させたりした。 ポストモダンアートに影響を与えた他の現代的な動きとしては、コンセプチュアルアート、ダダとシュルレアリスム、アートワークの基礎として録音や再現を用いた集成、モンタージュ、コラージュ、ブライコラージュ、芸術形式などのテクニックがあります。

ポップアートが近代的な近代主義運動であるのか、ポストモダンであるのかについては異なる意見があります。 Thomas McEvilly(Dave Hickey)は、視覚芸術におけるポストモダニズムは、ポストモダニズムが視覚芸術において支配的な態度になるまでには約20年かかったが、1962年のポップアートの最初の展覧会で始まったと語る。 フレデリック・ジェイムソンもポップアートをポストモダンとみなしている。

ポップアートがポストモダンな1つの方法は、アンドレアス・ホイセンがハイ・アートとポピュラー・カルチャーの間の「偉大な分裂」と呼ぶものを分解することです。 ポストモダニズムは、「高モダニズムの範疇的な確実性の世代的な拒否」から出てくる。 モダニズムは単に「ハイ・アート」を意味し、何が「ハイ・アート」を構成するかについては、根本的にはモダニズムを誤解していることを前提としています。

パフォーマンスアートと出来事
1950年代後半から1960年代にかけて、幅広い関心を持ったアーティストが現代美術の境界を広げ始めました。 ニューヨークのCarolee Schneemann、Yoshoi Kusama、Charlotte Moorman、Yoko Onoは、パフォーマンス・ベースの作品の先駆者でした。 Julian BeckとJudith MalinaのLiving Theatreのようなグループは、彫刻家や画家と協力して環境を作り出しました。 観客とパフォーマーとの関係を根本的に変えています。 ニューヨークのジャドソン記念教会、そしてイヴォンヌ・ライナー、トリシャ・ブラウン、エレイン・サマーズ、サリー・グロス、シモン・フォーティ、デボラ・ヘイ、ルシンダ・チャイルズ、スティーブ・パクストンなどのアーティストがロバート・ロバートMorris、Robert Whitman、John Cage、Robert Rauschenberg、BillyKlüverのようなエンジニアが含まれます。 これらのパフォーマンスは、しばしば聴衆の参加を得て、彫刻、舞踊、音楽やサウンドを組み合わせた新しい芸術形態の創作であるように設計されていました。 作品は、ミニマリズムの還元哲学、抽象的な表現主義の自発的即興、表現力によって特徴づけられました。

1950年代後半から1960年代半ばまでの同じ時期に、様々なアヴァンギャルドなアーティストがハプニングを制作しました。 ハプニングは神秘的で、多くの場合、アーティストやその友人や親戚が様々な場所で自発的かつ非公式に集まっていました。 不条理、身体運動、衣装、自発的なヌード、さまざまなランダムで見かけ上切り離された行為で、しばしば練習を取り入れます。 Allan Kaprow、Claes Oldenburg、Jim Dine、Red Grooms、Robert WhitmanなどがHappeningsの著名なクリエイターでした。

Fluxus
Fluxusは1962年にリトアニア生まれのアメリカ人アーティスト、George Maciunas(1931-78)によってゆるやかに設立されました。 フルクサスは、ニューヨーク市の社会研究のための新しい学校でジョンケージの1957年から1959年までの実験的構成授業に始まります。 彼の学生の多くは音楽をほとんどあるいはまったく使わずに他のメディアで働いていたアーティストでした。 Cageの学生には、Fluxusの創設メンバーであるJackson Mac Low、Al Hansen、George Brecht、Dick Higginsが含まれていました。

Fluxusはそれをあなた自身が美的であると奨励し、複雑さよりも単純さを重視しました。 それ以前のDadaのように、Fluxusは反商業主義と反美術感受性の強い流れを含み、アーティスト中心の創造的実践に賛成する従来の市場主導の美術界を蔑視した。 Fluxusのアーティストは、自分の作品を作成したり、同僚との制作過程で協力したりして、どんな素材でも作業することを好みました。

Andreas Huyssenは、「ポストモダニズムのマスターコードか、最終的には表現できないアート運動か、ポストモダニズムの崇高なもの」として、ポストモダニズムに対するフルクサスの要求を批判している。 代わりに、Fluxusは前衛的な伝統の中でネオ・ダダー主義の主要な現象と見なされます。 それは、「冷戦のイデオロギー的支柱として機能していた、穏やかな、家畜化されたモダニズムが支えられた1950年代の管理された文化」に対する反乱を表現したものの、芸術的戦略の発展において大きな進歩を示すものではなかった。

高いと低い
1990年にクレマン・グリーンバーグのアヴァンギャルドとキッチュへの一種の反応として、カーク・ヴァーネーエーとアダム・ゴプニクはハイ・アンド・ローをキュレーションしました。現代美術とポピュラー・カルチャーはニューヨーク近代美術館で行われました。 この展覧会では、人気のある文化に惹かれたアーティストや高級文化の程度を解明しようと試みました。 Douglas CrimpとHilton Kramerを一緒に連れて行くことができる唯一のイベントとして、当時は普遍的にパンされていましたが、 この展覧会は、後期モダニズムとポストモダニズムの矛盾のベンチマークとして、今日記憶されています。

ポストモダンアートに関連する動き

概念アート
コンセプチュアル・アートは、1960年代後半の現代美術において重要な発展を遂げ、現状に対する影響力のある批判をもたらしました。 後期モダニズムは1960年代後半に拡大縮小しましたが、いくつかのコンセプチュアルアートはモダニズムと完全に打ち砕かれました。 時にはそれはポストモダンとして分類されています。なぜなら、それは明示的に芸術作品「芸術」を作るものの脱構築に関与しているからです。 コンセプチュアルアートは、多くの場合、それを見る多くの人々が抱く概念を直面したり、怒らせたり、攻撃したりするように設計されているため、特定の論争に陥っています。 デュシャンはコンセプチュアルアートの先駆者と見ることができます。 したがって、ファウンテンが展示されたので、それは彫刻だった。 マルセル・デュシャンは有名にチェスのために「芸術」をあきらめました。 アヴァンギャルド作曲家David Tudorは、ローウェル・クロスと共同して作曲したリユニオン(Reunion、1968)という作品を制作しました。このゲームではチェスのゲームがあり、それぞれの動きによって照明効果や投影が始まります。 初演では、ゲームはジョンケージとマルセルデュシャンプの間で行われました。 他の有名な例としては、4分33秒の静寂とRauschenbergのErased De Kooning DrawingであるJohn Cageの4’33 “である。多くの概念作品は、観客がオブジェクトを見たり、仕事そのものの本質的な性質から。

インストールアート
ポストモダンとして常に説明されてきた重要な一連の芸術は、インスタレーション芸術と、本質的に概念的なアーティファクトの創作とを伴っている。 1つの例は、「私が欲しいものから私を守る」のような特定のメッセージを伝えるためにアートのデバイスを使用するJenny Holtzerの兆候です。 インスタレーション美術は、現代美術の美術館に選ばれたスペースを決定する上で、製造されたものや見つかったものの広大なコラージュからなる大きな作品を保持するために重要でした。 これらのインスタレーションとコラージュは、しばしば動く部品と光で電化されます。

彼らはしばしば環境に影響を与えるように設計されています。ChristoとJeanne-ClaudeのIron Curtainは、渋滞を作り出すためのバレル列でした。

インターメディアとマルチメディア
ポストモダンという言葉に関連した芸術のもうひとつの傾向は、さまざまなメディアを一緒に使うことです。 Intermediaは、Dick Higginsが作った用語で、Fluxus、Concrete Poetry、Foundedオブジェクト、パフォーマンスアート、コンピュータアートのラインに沿って新しいアートフォームを伝えることを意図していました。 Higginsは、アーティストAlison Knowlesと結婚し、Marcel Duchampの崇拝者であったSomething Else Press、Concreteの詩人の出版社でした。 イハーブ・ハッサンには、ポスト・モダン・アートの特徴のリストには、「インターメディア、形式の融合、領域の混乱」が含まれています。 「マルチメディアアート」の最も一般的な形式の1つは、ビデオテープとCRTモニタの使用で、ビデオアートと呼ばれます。 複数の芸術を1つの芸術にまとめる理論はかなり古く、定期的に復活してきたが、ポストモダンの表現は演劇芸術と組み合わせて使用​​されることが多く、そこでは劇的なサブテキストが取り除かれている。質問または彼らの行動の概念的なステートメント。

歳出芸術と新概念芸術
彼の1980年のエッセイでは、寓話的衝動:ポストモダニズムの理論に向けて、Craig Owensはポストモダンアートの特徴として寓意的衝動の再出現を特定している。 この衝動はシェリー・レヴァインやロバート・ロンゴのような芸術家の譲渡芸術で見ることができます。「寓意的なイメージは充当されたイメージです」 譲渡芸術は、芸術的天才と独創性のモダニズム観を暴くものであり、現代芸術よりも相反し、矛盾している。同時に、イデオロギーを導入し、破壊する。

新表現主義
Georg BaselitzやJulian Schnabelのような新表現主義者の作品に見られる、1970年代後半と1980年代の伝統的な彫刻と絵画への復帰は、ポストモダンの傾向として説明されてきました。ポストモダン時代に現れます。 しかし、商業美術市場との強い結びつきは、ポストモダニズム運動としての地位とポストモダニズム自体の定義の両方について疑問を投げかけている。 Hal Fosterは、新表現主義は米国のレーガンブッシュ時代の保守的な文化政治に従属していると述べている.FélixGuattariは「ドイツの新表現主義」と呼ばれる大規模な宣伝活動を無視しているそれはポストモダニズムがモダニズムの最後の波に過ぎないことを証明するための彼にとっては非常に簡単な方法だ」と語った。 このような新表現主義の批判は、概念的フェミニストの芸術習慣が現代美術を体系的に再評価していたのと同じ時期に、お金と広報がアメリカにおける現代美術の信頼性を本当に支えていることを示している。

制度的批評
Marcel Broodthaers、Daniel Buren、Hans Haackeの作品では、美術館(主に博物館やギャラリー)の批評が行われています。

21世紀の近代的な絵画と彫刻の後期
21世紀の現代絵画の冒頭で、現代の彫刻と現代美術は、一般的に、多元主義の考え方を特徴とするいくつかの連続した様式で続きます。 今日の絵画、彫刻、現代美術、そして現在の芸術批評における「危機」は、多元主義によってもたらされます。 年齢の代表的なスタイルについてはコンセンサスはなく、必要はありません。 勝つ態度は何かあります。 「すべてが進行している」、そして結果として「何も起こっていない」シンドローム。 確かな方向性がなく、芸術的なスーパーハイウェーのすべての車線が容量に満ちた美しい渋滞を作り出します。 その結果、壮大で重要な作品は、様々なスタイルや美的気質にもかかわらず作られ続けています。市場はメリットを判断するために残されています。1984年のFrank StellaのLa scienza della pigrizia(怠惰科学)は、2次元性から3次元性へのステラの移行の例であり、後期モダニズムの優れた例です。

ハードエッジペインティング、幾何学的抽象化、割当、超現実主義、フォトリアリズム、表現主義、ミニマリズム、叙情的な抽象化、ポップアート、opアート、抽象表現主義、カラーフィールドペインティング、モノクロームペインティング、新表現主義、コラージュ、インターメディアペインティング、絵画、ポストモダン画、ネオダダ絵画、キャンバス絵画、環境壁画、伝統的なフィギュア絵画、風景画、肖像画などは、21世紀初めの絵画におけるいくつかの現在の方向性である。ゲルハルト・リヒター、ブラッハ・エッティンガー、ルク・トイマンのような画家たちとともに、1990年代の新しいヨーロッパ絵画と21世紀の初めには、一方ではアメリカのカラーフィールドと抒情的な抽象化、もう一方では立体的なものとの複雑で興味深い対話を開いた。